Las “poesías” de Tiziano, que expone el Museo del Prado, radiografían la comunidad de la cultura occidental y explican la nimiedad de las fronteras que separan a sus hombres y mujeres cuando crean
3 DE ABRIL DE 2021
FERNANDO VICENTe
Tiziano, que nunca estuvo en España, conoció a Felipe II en Milán, a fines de 1548, cuando este era todavía solo un príncipe. Había trabajado para su padre, Carlos V, quien le encargaba pintura religiosa, algo a lo que Tiziano era también afecto, pero su enorme prestigio entre los nobles italianos venía sobre todo de sus cuadros eróticos, a los que solía anteponerles algún título mitológico para cubrir las apariencias. Porque la Iglesia, muy susceptible a este respecto, solía respetar rigurosamente las imágenes supuestamente validadas por la mitología, y, sobre todo, si el pintor decía haberse inspirado en la Metamorfosis de Ovidio, muy leído y reverenciado en aquella época.
La gira de Madonna y otros eventos de la cultura afectados por la enfermedad
Los visitantes del Reina Sofía descienden un 50% en marzo. El museo reducirá el aforo en “puntos calientes”, como la sala del Guernica
Alessandro Leone
Madrid, 10 de marzo de 2020
El goteo de nuevos casos de COVID-19 obliga a los gobiernos de todo el mundo a tomar medidas más o menos extremas para afrontar el problema que incluyen al sector cultural, que se ha visto fuertemente golpeado. Muchos eventos han sido anulados o aplazados y otros están a la espera de una decisión. Uno de ellos ha sido el de Madonna, que pretendía acabar su gira Madame X Tour en París, pero que se ha visto obligada a anular sus actuaciones el martes 10 y el miércoles 11 por el coronavirus.
Un juez desestima la demanda de los herederos de un hombre de negocios judío que vendió el cuadro para financiar su fuga de los nazis
REUTERS
Nueva York 26 JUN 2019 - 12:16 COT
El cuadro de Pablo Picasso El actor, que un hombre de negocios judío alemán supuestamente se vio obligado a vender para financiar su fuga de los nazis, podrá quedarse en el Museo Metropolitan de Nueva York en lugar de ser devuelto a los herederos, según ha dictaminado un juez.
La obra de Banksy adquirida por el Museo Británico
El Museo Británico se rinde a la provocación del grafitero Banksy
La institución adquiere un billete falso de 10 libras con el rostro de Lady Di
Rafa de Miguel
1 de febrero de 2019
Si no puedes vencer a tu enemigo, únete a él. El Museo Británico, una de las instituciones más veneradas de la cultura de Reino Unido, ha decidido incorporar a su colección de obras de arte una pieza del grafitero Banksy. Se trata de un billete falso de 10 libras esterlinas en el que el artista ha sustituido el rostro de la reina Isabel de Inglaterra por el de la fallecida Lady Di. Para redondear la broma, el billete incluye el texto Banksy of England (en vez del Bank of England que aparece en todos ellos). El grafitero imprimió esta serie de billetes por un valor de un millón libras en 2004 y los arrojó a la multitud concentrada en el popular carnaval de Notting Hill, en Londres.
Teresa soñando, 1938
Balthus
Fotografia de Triunfo Arciniegs
Nueva York, 2012
El Met rechaza retirar un cuadro de Balthus en el que aparece una joven en posición sugestiva
La petición contaba con el apoyo de 8.700 firmas hasta que el museo ha puesto coto: "Creemos en el respeto por la expresión creativa"
SANDRO POZZI
Nueva York 6 DIC 2017 - 07:50 COT
El museo Metropolitan de Nueva York (Met) se planta. Su misión, explica, es coleccionar, estudiar, conservar y presentar obras que conectan a las personas con la creatividad, el conocimiento y las ideas. Y con ese argumento rechaza con rotundidad una petición para que se retire una pintura de Balthus en la que aparece una niña a la que se le ven las bragas. Las artes visuales, insisten, son un medio para la reflexión.
La obra del artista francopolaco se titula "Teresa soñando" y data de 1938. Es un cuadro, coinciden los críticos, que irradia luz propia y pureza. Al verlo, se puede sentir la placidez de la joven en el sueño. El trabajo de Balthazar Klossowski (París, 1908 -Rossinière, Suiza, 2001) es conocido, precisamente, por la manera con la que capta la inocencia de la preadolescencia.
Teresa soñando, 1938 BalthusFotografía de Triunfo Arciniegas
La petición se lanzó el 30 de noviembre por una vecina de Nueva York y tenía como objetivo alcanzar las 9.000 firmas. “El Met está, tal vez sin intención, respaldando el voyerismo y la cosificación de los niños”, decía.
Los responsables del museo responden que su muestra recoge trabajos importantes que representan todas las culturas y los tiempos. Y entiende, además, que momentos como el que se vive ahora en Estados Unidos ofrecen la oportunidad para entablar una conversación.
El Met no va a retirar el cuadro ni se plantea tampoco cambiar la cartela para hacer la aclaración que se pide. “Consideraré esta petición un éxito si incluyen un pequeño mensaje diciendo que el cuadro puede ser ofensivo”, explicó en las redes sociales la autora de la petición. “Solo pido que sean más conscientes con la manera que tienen de contextualizar las piezas”.
Teresa soñando, 1938 BalthusFotografía de Triunfo Arciniegas
Nueva York, 2012
La explicación que tiene la obra en la actualidad solo señala que la protagonista, Teresa Blanchard, tenía 12 o 13 años cuando se pintó el cuadro. La pintura ya fue expuesta hace cuatro años por el Met en una muestra sobre el trabajo de Balthus. Entonces sí se advirtió a los visitantes de que algunos trabajos podían ofender al público.
“Las artes visuales son uno de los medios más importantes que tenemos para reflexionar a la vez sobre el pasado y el presente, y esperamos motivar la continua evolución de la cultura actual a través de una discusión informada y de respeto por la expresión creativa”, señala la nota emitida por el museo.
El cuadro pertenecía a la colección privada de Jacques y Natasha Gelman, y fue donado al Met en 1998. La pintura se ha exhibido por galerías y museo de EE UU, Europa, América Latina y Asia. Los críticos destacan el carácter místico de la obra de Balthus.
John Bailey, presidente de la Academia de Hollywood, y Dawn Hudson, consejera delegada de la institución,
ayer en Madrid.KIKE PARA
John Bailey/ Dawn Hudson
“Harvey Weinstein tiene lo que se merece”
John Bailey, presidente de la Academia de Hollywood, y Dawn Hudson, consejera delegada de la institución, reflexionan sobre el futuro de los Oscar y se pronuncian sobre el productor acusado de acoso sexual
El escándalo Weinstein ha pillado a los dos gerifaltes de la Academia de Hollywood, John Bailey, presidente elegido a inicios de agosto, y Dawn Hudson, consejera delegada de la institución, en Madrid. Ayer por la noche asistieron al Cóctel Hollywood-Madrid, un encuentro de cineastas para "celebrar el intercambio entre la industria cinematográfica española y la de EE UU" coorganizado junto a la Academia de cine española. Al acto asistieron grandes nombres del cine español, los dirigentes de ambas instituciones y el secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo. Horas antes, atendieron a El PAÍS para hablar sobre los Oscar, el futuro de la industria y cómo no, el escándalo Weinstein,despedido de su propia compañía tras el reguero de acusaciones de abusos sexuales que ha recibido este fin de semana. Para Hudson: "Es un problema que efectivamente existe en el showbusiness y es inaceptable". Para el presidente Bailey: "Conozco bien lo difícil que es Harvey Weinstein. Tenemos que desenmascarar comportamientos similares que salpican la manera de ser estadounidense. Weinstein tiene lo que se merece". Hudson insiste: "Como mujer, no puedo tolerar ni un segundo algo así. Como consejera delegada de la Academia, creo que estamos luchando por la inclusión de todo tipo de voces y personas en nuestra institución, y por tanto su respeto. Así que ese comportamiento se opone a nuestra política". Dentro de ese esfuerzo destaca el compromiso de la Academia por duplicar para 2020 los miembros de etnias no caucásicas y el número de mujeres académicas.
La reina Sofía y el rey Juan Carlos en la inauguración del Guggenheim de Bilbao. / SANTOS CIRILO
El futuro político del Guggenheim
Superados con éxito los primeros 15 años del museo, el nuevo Gobierno deberá abordar con Bizkaia la renegociación del convenio con Nueva York EVA LARRAURI Bilbao 21 OCT 2012 - 00:29 CET
El 19 de octubre de 1997, a las 11 de la mañana, el Museo Guggenheim Bilbao abrió sus puertas al público. La noche anterior el Rey, ante 800 invitados vestidos de gala, había apretado el botón que iluminó el museo en la fiesta inaugural, antes de servirse una cena elaborada por chefs de primera fila de la cocina vasca de la época, que contaba con txangurro con lomo de bacalao como plato principal. El Guggenheim pasó la prueba de apertura con buena nota: en su primera jornada de actividad recibió a 4.502 personas, expectantes por conocer el museo por dentro.
Fue su último cuadro y también cierra la exposición en la Tate Modern. Lo encontramos colgando de una pared negra, idéntica a la que Paul Klee hizo pintar en su taller de la Bauhaus para exponer sus obras acabadas. Mientras Europa ardía y su cuerpo enfermo se desintegraba, el pintor nacido en Suiza tuvo la ocurrencia de plasmar un puñado de flores de colores intensos y trazo algo infantil, en oposición frontal con lo que tocaba vivir, que había teñido su obra de tonos sombríos y augurios fáusticos durante la década anterior.
El Museo Jumex se convierte en una nueva referencia cultural en México
El centro de arte contemporáneo, que cumple cien días, supera las previsiones de asistencia de público y contribuye a crear un polo de atracción alejado de las rutas tradicionales del turismo
Bernardo Marín
México, 25 de febrero de 2014
En la ciudad que presume de contar con uno de los más nutridos ecosistemas museísticos del mundo (171 censados por la secretaría de Turismo más un puñado de extraoficiales) brilla ya un recién llegado. El museo inaugurado en noviembre pasado por la Fundación Jumex para albergar las obras de su colección se ha convertido en sus primeros cien días en una referencia del arte contemporáneo no solo en la capital, sino en toda Latinoamérica. La respuesta del público –unos 60.000 mil visitantes en poco más de tres meses sin contar los asistentes a la inauguración el 19 de noviembre- se sitúa por encima de las previsiones. Y su ubicación, junto al museo Soumaya, al norte del barrio de Polanco ha contribuido a crear un polo de atracción cultural alejado de las rutas tradicionales del turismo.
Uno de esos visitantes en estos días ha sido el artista mexicano Pedro Reyes. Su obra se ha expuesto en algunas de las mecas del arte contemporáneo, desde la Bienal de Venecia a Art Basel, y desde esas atalayas considera que nos encontramos ante un museo de enorme nivel. En primer lugar, por su propio envoltorio, una joya minimalista de 7.000 metros cuadrados obra del arquitecto británico David Chipperfield, extraordinario según Reyes por dos motivos. En primer lugar, porque no tiene aspiración de obra arte, con lo que no eclipsa al contenido. Y en segundo lugar, por sus acabados -para los que se ha usado un material autóctono, el mármol de Xalapa- que lo convierten en uno de los mejor construidos de México.
Edificio que alberga el museo.PRADIP J. PHANSE
Lo cierto es que el edificio llama la atención sin llamarla. Ubicado en una colonia repleta de enormes moles de hormigón de resonancias soviéticas, flanqueado por torres de cristal con grandes letreros de multinacionales y por un gran centro comercial, y circunvalado por un anacrónico tren de mercancías; una genialidad arquitectónica, una estructura a modo de toldo que rodea el museo a la altura del primer piso, contribuye a aislar al visitante ya desde el hall de entrada y a sumergirlo en un ambiente de serena austeridad. La luz cenital de su interior se logra con los llamados dientes de sierra, imitación exagerada de los ateliers franceses del XIX. Los espacios de exhibición no tienen ventanas, para concentrar al espectador en las obras, y aquellas se reservan para relajar la vista en los lugares públicos.
El contenido, según Reyes no desmerece al continente. En la planta superior del museo se exhibe la punta del iceberg de la colección de la Fundación Jumex, construida desde finales del siglo XX, obra a obra, por Eugenio López Alonso, miembro de una de las familias más importantes de la industria alimentaria mexicana. Ahí se exhiben trabajos de Jeff Koons, Donald Judd, Fred Sandback, Damien Hirst o Thomas Ruff, y también de artistas mexicanos como Gabriel Orozco o el también urbanista y arquitecto Eduardo Terrazas. “El balance es muy alto, es un museo de primer orden. Hay una obra muy sólida y sobre todo hay una intención, un discurso, no es una suma de cosas o de nombres famosos”, comenta otro escultor mexicano de primer nivel, visitante estos días del museo. Reyes alaba también la exhibición temporal de James Lee Byars, artista estadounidense fallecido en 1997 con conexiones con el minimalismo y el barroco. “Es una belleza de nivel mundial”, comenta.
La Fundación Jumex tiene una notable bodega que asegura la renovación de las exposiciones y refleja además un cambio de paradigma, porque desde la revolución, hace ahora un siglo, la burguesía mexicana se había alejado del arte contemporáneo y había puesto sus ojos más bien en el arte colonial. “Había una carencia de un museo como este, que ponga en su lugar al arte latinoamericano. ¿Cuándo he podido yo exhibir al lado de Donald Judd?”, se pregunta uno de los artistas representados, Eduardo Terrazas. Y concluye con una reflexión: “Me parece un indispensable porque responde a la situación del mundo actual, tan cambiante”.
Imagen del hall del museo.PRADIP J. PHANSE
Patrick Charpenel, curador del museo, no concibe sin embargo el recinto solo como un espacio de exhibición, sino también como centro inspirado en la Universidad. Un laboratorio de experiencias, para educar e investigar, donde se toquen temas políticos y sociales de actualidad. Y donde se celebren simposios, conferencias o eventos como el reciente maratón artístico de 16 horas organizado por Hans Ulrich Obrist con entrevistas, presentaciones, conversaciones, performances y sets musicales.
Otra preocupación de los gestores del museo son las publicaciones. “Nosotros editábamos catálogos para nuestras exposiciones, ahora hemos creado una editorial, una colección sobre crítica y otra sobre monografías de arte contemporáneo”, cuenta Charpenel. Y presume de uno de los volúmenes editados, El cubo de Rubik, de Daniel Montero, visión historiográfica del arte mexicano de los 90, que se ha convertido en un pequeño best seller y ha agotado los 1.500 ejemplares de su primera tirada. En esa misma dirección, y a diferencia de otros museos, en la tienda del museo no se venden objetos de diseño ni réplicas de las obras exhibidas. En la discreta y escogida librería que ocupa el sótano del edificio solo se venden volúmenes de arte.
Charpenel está muy satisfecho por la respuesta, tanto del público como de la crítica. Pero no quiere entonar el misión cumplida. “Esto es un barco que flota y se mueve, pero estamos aun apretando tuercas”, asegura. Lo ve como un compromiso a largo plazo. Y cree que la trascendencia del museo va más allá del éxito en la taquilla. “Lo más importante no es el número de visitantes que atraes. Sino el tipo de discusiones que generas a partir de tu programa”.
Recreación virtual del futuro Museo del Cine, en Los Ángeles.ACADEMY OF MOTION PICTURE ARTS AND SCIENCES
Todo el cine en una pompa de jabón
La Academia de Hollywood prepara su museo, un edificio codiseñado por Renzo Piano
La obra costará 229 millones de euros y se espera su inauguración en 2017
ROCÍO AYUSO Los Ángeles 15 ABR 2013 - 17:53 COT
La magia del cine contenida en una pompa de jabón. Esa es la idea del arquitecto italiano Renzo Piano para el futuro Museo del Cine de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Un complejo valorado en 300 millones de dólares (229 millones de euros) que no estará listo hasta 2017, pero que dará a la meca del cine algo más que oscars. “Me ilusiona la idea de construir un amplio museo del cine en la cuna de la industria cinematográfica”, declaró el arquitecto durante una gala benéfica el pasado jueves que sirvió para recaudar fondos para un proyecto que, por mucha ilusión que haga, está lejos de ser realidad.
Sobre el papel todo está claro. El complejo estará ubicado en el cruce del bulevar Wilshire con Fairfax, en el corazón del llamado Museum Row de Los Ángeles: en este tramo se agrupan muchos de los museos angelinos, tanto de arte (LACMA) como de paleontología (Museo George C. Page). En total, 27.000 metros cuadrados donde todas las miradas irán a esa “esfera” o “pompa de jabón” —la definición preferida de Piano— que recubrirá un teatro de mil butacas y estará conectada con numerosas salas de exposición permanentes y temporales dedicadas a la historia del cine y de la Academia. El centro también dedicará parte de sus instalaciones a un making of en su deseo de mostrar cómo se hacen las películas. “Nuestros edificios representan a nuestros clientes y el Museo de la Academia llevará al espectador al cine por la puerta de atrás, lo colocará detrás de las bambalinas y le mostrará la magia de hacer cine”, añadió el arquitecto, ganador del Premio Pritzker de Arquitectura en 1998 y que cuenta en su carrera con edificios tan emblemáticos como el Centro Pompidou de París o la sede del periódico The New York Times, en Nueva York. En esta ocasión Piano no trabajará solo, sino que su diseño está realizado en colaboración con el arquitecto local Zoltan Pali.
El centro albergará un teatro de mil butacas, dos salas de cine y biblioteca
La revolucionaria burbuja, que tiene como referente el Cinerama Dome de Los Ángeles —sala construida en 1963 por Welton Becket y Pierre Cabrol para celebrar la grandeza del cinerama—, estará unida con el histórico edificio May, de 1939, salvado de la demolición. Una unión de historia y futuro que añadirá dramatismo al contenido del museo y que estará soldado por una estructura de escaleras y galerías que recuerdan la propuesta del Pompidou.
Todo esto si se llega a buen término. Porque a Los Ángeles le ha costado muchos años establecer un museo del cine a pesar de contar en su ciudad con las estrellas más conocidas de esta industria. Aún quedan otros 115 millones de euros que recaudar hasta poder levantar este ambicioso proyecto de museo interactivo que contará además de lo mencionado con otras dos salas de cine de 144 butacas cada una, una biblioteca, y un programa de cine pensado para 15.000 estudiantes. De ahí la necesidad de actos como la cena benéfica a la que fueron invitados a asistir el jueves todos los miembros de la Academia para obtener fondos para una obra que durará 30 meses. Una gala en la que también se cruzaron los agradecimientos con el mayor benefactor hasta la fecha, el productor discográfico y uno de los fundadores del estudio DreamWorks, David Geffen. De hecho, su nombre bautizará la sala de cine del museo después de ser el mayor donante de esta obra con un cheque por 19 millones de euros. Según confirmó la Academia le siguen de cerca el productor Jerry Bruckheimer y los laboratorios Dolby, mientras el presidente de los estudios Disney, Bob Iger, y los actores Tom Hanks y Annette Bening están al frente del comité encargado de conseguir los fondos.
ampliar fotoSección del museo que proyecta la Academia de Hollywood.
En cuanto al contenido, la Academia está organizando sus exposiciones en tres grandes bloques, y, además de recrear la experiencia de hacer cine, los 1.115 metros cuadrados de salas permanentes albergarán un área dedicada a la historia del cinematógrafo, desde el cine mudo hasta el 3D, y otra a la historia de la Academia, siempre deseosa de ser conocida por algo más que los preciados Premios Oscar. Una exposición permanente que de todos modos entrará en lugares comunes cuando permita conectar en una galería interactiva la historia del cine con la de la Academia, mediante las películas ganadoras de cada año. Y cómo no, el famoso cartel con las letras de Hollywood que dan nombre a esta industria podrá ser visto desde esta mágica esfera construida con acero y cristal que evitará los brillos y quiere dar ese aire de “frugalidad” de una pompa de jabón a la vez que ser “tan sólida” como la historia del cine.
SALAS DE FOTOGRAMAS
En Los Ángeles no hay un buen museo de cine, más allá del Museo de Hollywood,un pequeño, cutre y, por tanto, encantador centro en un edificio que originalmente albergó el Museo Max Factor, cerca del teatro Dolby. En Europa existen mejores lugares para el cine. En Turín está el Museo Nazionale del Cinema; en Ámsterdam, el EYE Film Instituut Nederland; en Lyon, el Museo Lumière, y en Girona, elMuseo del Cinema. Todos, con más contenido que los estadounidenses.
