West Coast Jazz #36 - Brew Moore

Brew Moore nació como Milton Aubrey Moore el 26 de Marzo de 1924 en Indianola, Mississippi.
Prácticamente desconocido para muchos aficionados del jazz debido a las pocas reediciones de sus grabaciones, Brew mostró su destreza musical a muy temprana edad cuando, a los 7 años, recibió de su madre una armónica como regalo de cumpleaños.
Fue probablemente el más fiel representante de la escuela de Lester Young, mucho más que Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, Herbie Steward, Bill Perkins o muchos otros que comenzaron sus carreras emulando a Lester. Sin haber sido un imitador, el "sonido Young" era con el que se sentía más cómodo. Sus palabras lo dicen todo: Si no tocas como Lester, estás equivocado, una filosofía que aplicó a lo largo de toda su carrera.

Cuando adolescente integró la banda de su escuela secundaria y al graduarse, a los 18 años, ingresó a la Mississippi University para estudiar música. Pero la abandonó al cabo del primer semestre. Tomó su saxo tenor y se marchó a Nueva Orleans.
Justo a tiempo antes de fracasar totalmente, fue contratado por Fred Ford para sumarse a su banda, los Dixielanders. Estuvo seis años actuando en diferentes grupos de Nueva Orleans y Memphis hasta que en 1948 se trasladó a Nueva York donde fundó su propio combo. Aunque el formato cuarteto fue siempre su favorito, integró brevemente la banda de Claude Thornhill en 1949 y participó regularmente en los clubes "Roost" y "Bop City" con grupos dirigidos por Kai Winding, Machito y Howard McGee, entre otros.

Aunque Moore nunca se convirtió en miembro de la sección de saxos “Four Brothers” de la banda de Woody Herman -al igual que Stan Getz, Zoot Sims, Steward Herbie, Al Cohn y Serge Chaloff-, quizá porque nunca hubo una vacante o porque nunca se encontró cómodo en las grandes formaciones, tuvo la oportunidad de grabar The Brohers, todo un clásico del sello Prestige, junto a tres de la "brothers team" Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn y otro gran "Lesterman" como Allen Eager.

Cada vez que Charlie Parker llegaba a la ciudad, Brew Moore era un invitado especial para ocupar alguna silla en el escenario. Eso significaba que, cuando todo parecía estar sucediendo en torno a los clubes del Greenwich Village de Nueva York, Moore era una cara conocida, tanto al tocar con los grandes del jazz como con sus propios cuartetos.
Cuando en 1953 la escena del jazz neoyorkino comenzó a desvanecerse, Brew se unió al viaje de una serie de figuras del country y del western como Faier Billy, Jack Elliott y Woody Guthrie pero, imposibilitado de adaptarse a sus estilos, los abandonó en Texas y se subió a un autobús que lo llevó hasta su próximo destino, San Francisco, cuyo ambiente le atrajo tanto musical como socialmente.
Allí tocó con Cal Tjader y en 1955 formó su propio cuarteto (cuya música es la registrada en el disco que ilustra esta entrada), completado con el pianista John Marabuto, el bajista Max Harstein, el baterista Gus Gustofson y el trompetista Dickie Mills como invitado.
Hizo una serie de apariciones exitosas en el club "Black Hawk" y en algunas ocasiones, aunque no muy convencido, se unió a la Bearcats, una banda dixieland liderada por Bob Meilke. Yo voy donde está el trabajo, era su respuesta.
En 1959, el exceso de trabajo y el alcoholismo, hizo que Moore cayera gravemente enfermo. Pero rápidamente se recuperó y reanudó su actividad partiendo en una exótica gira con el Matson, un barco a vapor que se dirigía al Lejano Oriente.

En 1961, muchos músicos de jazz abandonaban los Estados Unidos. Sidney Bechet, Colman Hawkins, Benny Carter, Bud Powell, Kenny Clark, Oscar Pettiford, Teddy Wilson y Stan Getz encontraban en Europa un lugar receptivo para sus trabajos. Brew no fue la excepción y se trasladó a Escandinavia primero, Suecia después y finalmente Dinamarca.
Se rodeó de los mejores músicos escandinavos y de muchos estadounidenses que habían tomado su residencia allí grabando, por ejemplo, Brew Moore In Europe para el sello Debut, un finísimo registro en 1962 con Sahib Shibab en saxo alto, Lars Gullin en saxo barítono, Louis Hjuland en vibráfono, Ben Axen al piano, Niels-Henning Orsted Pedersen en contrabajo y William Schiopffe en batería.
Volvió a Nueva York y se mantuvo el la "gran manzana" entre 1967 y 1970. Pero retornó a Dinamarca al poco tiempo donde permaneció hasta su muerte.
Registros como líder aparecieron en los sellos Savoy (1948-1949), Fantasy (1955-1957), Jazz Mark, Debut, SteepleChase, Sonet y Storyville.

El 19 de Agosto de 1973, mientras tomaba un descanso durante la actuación en un club de Copenhague, Brew Moore cayó por unas escaleras de los Jardines de Tivoli. Murió camino al hospital.
Irónicamente, después de años de incertidumbre económica, la muerte lo sorprendió apenas unos días después de haber recibido una importante herencia de un tío.

The Brew Moore Quartet and Quintet
(Fantasy 3-222)

Según Tad Gioia: Esta edición del sello Fantasy destaca las grandes habilidades para el swing de este tenorista de la escuela de Lester Young. La frase más famosa de Moore fue: "El que no toca como Prez, está equivocado"

1 - Them There Eyes
2 - Them Old Blues
3 - Tea For Two
4 - Rose
5 - I Can't Believe That You're In Love With Me
6 - Fools Rush In (Where Angels Fears To Tread)
7 - Rotation
8 - I Want A Little Girl
9 - Five Planets In Leo

West Coast Jazz #35 - Red Mitchell

Red Mitchell, nació como Keith Mitchell Moore el 20 de septiembre de 1927 en Nueva York.

Criado en Nueva Jersey por un padre ingeniero que amaba la música y una madre que amaba la poesía, Red destacó en la historia del jazz como fenomenal contrabajista, compositor y poeta.
Sus primeros instrumentos fueron el piano, el saxo alto y el clarinete. Pero al marchar a Alemania con el ejército, en 1947, cambió y se integró a la banda militar como bajista.
Aunque había ganado una beca para estudiar ingeniería en la Cornell University, al volver del servicio se dedicó de lleno al jazz.

Durante 1947 y 1948 acompañó al vocalista Jackie Paris y al año siguiente se unió a las bandas de Chubby Jackson y Charlie Ventura. Simultáneamente secundó al guitarrista Mundell Lowe.
Integró la banda de Woody Herman durante sus giras entre 1949 y 1951 y luego formó parte del popular trío de Red Norvo Trio con quien estuvo desde 1952 hasta 1954.
En 1954 se estableció en Los Angeles, donde fue convocado por cultores de variadísimos géneros -desde Billie Holiday a Ornette Coleman y de Bobby Hutcherson a Clifford Brown y Max Roach-, y por casi todas las estrellas del West Coast Jazz, en especial: Gerry Mulligan, Andre Previn, Shelly Manne y Hampton Hawes.
La Metro Goldwyn Mayer también requirió de su talento contratándolo como primer bajista en la banda estable del estudio, participando muchas realizaciones para el cine y la televisión. En ocasiones, su figura aparecía en pantallas, principalmente cuando se trataba de documentales musicales como los realizados para retratar los perfiles de Tal Farlow y Zoot Sims.

En 1961 colideró un quinteto con el saxofonista Harold Land, registrado discográficamente en el maravilloso Hear Ye! del sello Atlantic, con Carmel Jones en trompeta, Frank Strazzeri al piano y Leon Petties en batería.
En 1966, respondiendo a pedidos de muchos compositores como Henry Mancini, comenzó a afinar su instrumento de una manera peculiar (algo así como los ajustes que suelen emplearse en los violines, violas y violonchelos), técnica que hizo posible crear una gama mayor de colores y acordes y que posteriormente fue adoptada por muchos colegas que vieron en ella un universo sonoro posible y diferente.

En 1968 se trasladó a Estocolmo donde dirigió sus propios grupos y acompañó a muchos americanos que llegaban de gira como Dizzy Gillespie y Phil Woods.
Su carrera en Suecia fue tan exitosa a punto tal de ganar allí el Swedish Grammy Awards en 1986 y en 1991 en varios géneros: como pianista, bajista, vocalista y letrista.
Durante este período, Mitchell actuó y grabó con Clark Terry, Lee Konitz, Herb Ellis, Jim Hall, Joe Pass, Kenny Barron, Hank Jones, Bill Mays, Warne Marsh, Jimmy Rowles, Phil Woods, Roger Kellaway, Putte Wickman y otros.

Entre 1977 y 1990 volvió ocasionalmente a Nueva York para actuar en el mítico Bradley's, un club que se caracterizaba por organizar conciertos de dúos de piano y contrabajo exclusivamente.
Guitarristas y bajistas como Jim Hall, Herb Ellis, Joe Pass y Joe Beck destacaron en más de una oportunidad su maestría incomparable, mientras que el célebre crítico y productor Leonard Feather lo catalogó como "el mejor solista de contrabajo en el jazz".

Muchos sellos discográficos lo cuentan en sus catálogos. Además de Atlantic, también grabó para Bethlehem, Contemporary, Pacific Jazz, Mercury, SteepleChase, Caprice, Gryphon, Phontastic, Enja, Capri y muchos sellos independientes europeos.

Volvió definitivamente a los Estados Unidos a principios de 1992 y se radicó en Salem, Oregon, donde murió el 8 de Noviembre de ese año.

Para completar sus proyectos inconclusos y como forma de continuar su legado, poco tiempo después de su muerte se formó la fundación Red Mitchell Memorial Scholarship Fund cuyo primer premio fue otorgado en febrero de 1997 al contrabajista Larry Holloway.
Mientras trabajaba en la biografía de Red, su viuda Diane publicó en 1999 una colección de su poesía, la que puede dercargarse libremente.

Presenting Red Mitchell
(Contemporary 7538)

Según Ted Gioia: Esta potente banda de hard bop de mediados de 1950 también incluyó a James Clay, Lorraine Geller y Billy Higgins.

1 Scrapple from the Apple
2 Rainy Night
3 I Thought of You
4 Out of the Blue
5 Paul's Pal
6 Sandu
7 Cheek to Cheek

West Coast Jazz #34 - Charles Mingus

Charles Mingus nació en un cuartel del ejército en Nogales, Arizona, el 22 de Abril de 1922 y creció en Watts, un distrito de Los Angeles.
Fue una hombre irascible, exigente, pendenciero... y probablemente genio, lo que llevó a considerarlo como un ícono en el jazz de la segunda mitad del siglo XX.

La primera música que escuchó fue la única que su madrastra permitía en la su casa: la música religiosa. Pero un día, a pesar de las amenazas de ser castigado, oyó en la radio de su padre a Duke Ellington en "East St. Louis Toodle-Oo" su primera experiencia con el jazz.
Trató de aprender el trombón cuando tenía seis años y después el chelo, pero se cansó por lo incompetencia de sus profesores y terminó tocando el contrabajo cuando empezó la educación secundaria. Sus primeros profesores fueron Red Callender y un ex-contrabajista de la New York Philharmonic llamado Herman Rheinschagen. También estudió composición con Lloyd Reese.

Mingus tenía un tono potente y un sentido pulsante del ritmo, capaz de elevar el instrumento a un primer plano por sobre el resto de la banda y muchos críticos lo eligen como el mejor contrabajista, líder y compositor que el jazz haya conocido, alguien que siempre mantuvo su oído en el pulso, espíritu y espontaneidad del feroz poder expresivo del jazz.
En su música, Mingus extrae elementos de todas sus experiencias: gospel y blues pasando por el jazz de Nueva Orleans, el swing, el bop, la música latina, la clásica moderna y el jazz de vanguardia. Aunque su repertorio se basó primordialmente en la forma estándar del blues, sus grupos destruían la clásica fórmula de: presentar el tema...una serie de improvisaciones y... vuelta al tema. Muchas de estas características las heredó de Duke Ellington. Sin embargo, Mingus usó la mezcla de sonido y armonías típicamente Ellingtoniana y le agregó disonancias y cambios abruptos de tiempo, introduciendo aceleraciones exageradas que generaban su propio ímpetu.

Durante toda su vida, Mingus hizo muchos enemigos, causando violentas confrontaciones en todo tipo de situaciones, aún en plena actuación. Era un hombre de gran tamaño, usaba su cuerpo como arma intimidatoria y no le importaba interrumpir un concierto para amonestar al público o a un músico que había cometido algún error. En uno de sus conciertos en Filadelfia, terminó abruptamente la actuación cerrando la tapa del piano casi quebrándole los dedos al pianista y luego le dio una bofetada en la boca al trombonista Jimmy Knepper. Pero también podía comportarse gentilmente, cuando su humor se lo permitía, y esa cualidad se siente en parte de su música.

Mingus sintió intensamente el prejuicio racial el cual, combinado con las frustraciones de tratar de triunfar en el negocio del mundo de la música siguiendo sus propias exigencias, se filtraron en su música. De hecho, alguno de los estrafalarios títulos de sus composiciones tienen connotaciones políticas, tales como "Fables of Faubus" (que se refiere al gobernador de Arkansas quien trató de mantener la segregación en los colegios de Little Rock), "Oh Lord, Don't Let Them Drop That Atomic Bomb On Me" o "Remember Rockefeller at Attica." Pero también podía ser sumamente cómico, el ejemplo más notorio "If Charlie Parker Was a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats" ("Si Charlie Parker hubiera sido pistolero, habrían montañas de imitadores muertos"), acortado luego como "Gunslinging Bird"("El Pistolero Bird").

Un prodigio del contrabajo, Mingus actuó con Kid Ory en el grupo de Barney Bigard en 1942 e hizo giras con Louis Armstrong el año siguiente. Gravitaba hacia el rhythm & Blues en los años 1940, trabajando con Lionel Hampton y su banda entre 1947 y 1948, acompañando tanto a artistas de rhythm & Blues como de jazz, y liderando grupos de varios idiomas musicales bajo el nombre de Baron Von Mingus. Comenzó a hacerse notar a nivel nacional como el contrabajista de Red Norvo y su trío en 1950 y, cuando dejó ese grupo, se mudó a Nueva York donde comenzó a trabajar con artistas estelares, incluyendo a Billy Taylor, Stan Getz y Art Tatum. Brevemente se reunió con su ídolo Ellington, con quien tuvo la distinción de ser el único músico despedido de la banda personalmente por Duke.

En esa época, Mingus trató de convertirse en punto de reunión de la comunidad jazzística. Fundó en 1952 el sello Debut en sociedad con su mujer Celia y Max Roach, con el objetivo de grabar una amplia variedad de jazz, desde bop a música experimental. Pero el sello quebró en 1957.
Dentro de las ediciones más notables de Debut están el famoso concierto de 1953 Massey Hall Concert en Toronto con Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Max Roach y Mingus, un álbum de Miles Davis y varias sesiones propias que trazan el desarrollo de sus ideas. Contribuyó también composiciones para el Jazz Composers' Workshop de 1953 a 1955, y más tarde fundó su propio grupo, el Jazz Workshop.

En 1956, con la edición de Pithecanthropus Erectus, Mingus encontró su lugar como compositor y líder, creando un compendio del jazz del pasado y del presente, constantemente cambiante en búsqueda de un camino hacia el futuro free jazz.
Durante la década de 1960 creó un extraordinario volumen de obras para varios sellos, en el que se incluyen álbumes fundamentales como The Clown, New Tijuana Moods, Mingus Ah Um, Blues and Roots y Oh Yeah, maravillosas partituras como "Goodbye Pork Pie Hat", "Better Git It In Your Soul", "Haitian Fight Song" y "Wednesday Night Prayer Meeting" y extensas obras como "Epitaph", una de sus composiciónes maestras descubiertas durante el proceso de catalogación de las mismas. Había declarado haberla escrito para su tumba. Con más de 4000 compases y el requeriminto de dos horas para su realización, la pieza fue llevada al escenario del Alice Tully Hall en un concierto producido por su viuda, Sue Mingus y con la participación de una orquesta de 30 elementos dirigida por Gunther Schuller.
Ocurrió diez años después de su muerte de Mingus, el 3 de junio de 1989 y la publicación The New Yorker la consideró como la primer gran obra de jazz escrita desde la Black, Brown And Beige de Duke Ellington, de 1943.

En 1963 crea otra de sus genialidades: The Black Saint and the Sinner Lady, un extenso ballet para big band que capta ampliamente la angustia y el júbilo que caracterizaron la doble personalidad de Mingus. De hecho, las notas que acompañan su edición original fueron escritas por su psicólogo, el Dr. Edmund Pollock. Más que "line-notes", la opinión de Pollock se transforma en un diagnóstico... por ejemplo, cuando dice: En las tres primeras pistas del lado A hay temas recurrentes sobre la soledad, la separación, y una depresión repleta de lágrimas. Uno se siente profundamente triste por las lágrimas que derrama el señor Mingus por sí mismo y por el hombre. No hay ninguna duda de que él es el Santo Negro que sufre por sus pecados y los de la humanidad como lo refleja su filosofía profundamente religiosa.

Los esfuerzos obsesivos de Mingus de librarse de los riesgos económicos y robos del negocio de la música casi lo volvieron loco. Trató de competir con los festivales de Newport organizando su propio Jazz Artists Guild en 1960, pretendía dar más control sobre sus trabajos a los músicos pero el esfuerzo colapsó como tantos otros, a saber: el calamitoso concierto auto-producido en el Town Hall de New York 1962, un nuevo sello discográfico que duró poco tiempo (el Charles Mingus Records, de 1964 a 1965), el fracaso en tratar de publicar su autobiografía Beneath the Underdog y otros reveses. Ello hizo colapsar su cuenta bancaria y finalmente su espíritu. Renunció a la música completamente de 1966, reanudando actuaciones en junio de 1969 sólo por una necesidad desesperada de dinero.

Una beca de la Guggenheim Foundation, la publicación de Beneath the Underdog en 1971, y la venta de las cintas maestras de Debut al sello Fantasy elevaron su espíritu y un nuevo disco para el sello Columbia, Let My Children Hear Music, le dio un vuelco de publicidad, reconocimiento y atención por parte del público. En 1974 formó un nuevo quinteto anclado por su noble y leal baterista Dannie Richmond, que incluía a Jack Walrath, Don Pullen y George Adams. También surgieron otras obras grabadas entre las cuales cabe destacar la impresionante Cumbia and Jazz Fusion, basada en música de Colombia.

Cuando una vez se le pidió que comentara algo sobre sus logros, Mingus se limitó a decir: Mis habilidades como bajista fueron el resultado del trabajo duro, pero el talento para la composición me vino directamente de Dios.

A fines de 1977, se le diagnosticó esclerosis amiotrófica lateral y menos de un año después Mingus ya no pudo tocar más el contrabajo. Aunque limitado a una silla de ruedas, continuó liderando sesiones de grabación. El 18 de junio de 1978 fue celebrado un concierto en su honor en la Casa Blanca y profundamente emocionado, lloró con las palabras de elogio del presidente Jimmy Carter. Su último proyecto fue una colaboración con la cantante Joni Mitchell, quien agregó letras a sus composiciones instrumentales.

Murió en Cuernavaca, Mexico, el 5 de enero de 1979, y sus cenizas fueron esparcidas en el río Ganges de la India.

The Young Rebel
(Contact ST-1010)

Según Teg Gioia: Esta reedición muestra un Mingus seguramente muy poco escuchado, durante sus años en Los Angeles.

1 - This Subdues My Passion
2 - Honey Take A Chance With Me
3 - Story Of Love
4 - He's Gone
5 - Precognition
6 - Portrait
7 - Cello Again
8 - Ah Dee Dong Blues
9 - Sonny Boy
10 - I'm Beginning To See The Light
11 - No Good Woman Blues
12 - Bow Legged Woman
13 - Bama Lama Lam
14 - Spooky Boogie

West Coast Jazz #33 - Howard McGhee

Howard McGhee nació en Tulsa, Oklahoma, el 6 de Marzo de 1918, pero a muy temprana edad se trasladó con su familia a Detroit.
Conocido en el mundo del jazz por el apodo "Maggie", recibió las primeras clases de música de su hermano guitarrista y las perfeccionó después en la Cass Technical Grade Scholl donde estudió saxo tenor y clarinete. Pero a los 17 años, impresionado por los discos de Louis Armstrong, decidió cambiar a la trompeta.

Terminados sus estudios en 1936 se trasladó a California y hasta 1940 formó parte de varias bandas locales como las de Leonard Gay y Jimmy Rachel.
En 1941 volvió a Detroit y formó su propia banda. Al presentarse con ella en el Club Congo fue descubierto por el vibrafonista Lionel Hampton quien lo contrató de inmediato, actuando en su banda durante todo el año siguiente.
Al terminar su compromiso con Hampton, McGhee se enroló en la orquesta de Andy Kirk, con la que grabó sus primeros discos para el sello Decca.
Con una apreciable popularidad, McGhee se unió a la formación de Charlie Barnet, en la que permaneció durante 1943 y 1944. Tras una breve vuelta con Andy Kirk -en la que coincidió con dos extraordinarios músicos como la pianista Mary Lou Williams y el trompetista Fats Navarro-, trabajó efímeramente con las orquestas de Georgie Auld y Count Basie.

A finales de 1944 retornó a California para tocar con Coleman Hawkins quien, al ver la calidad de aquel músico lo contrató para realizar una extensa gira por varios Estados americanos durante todo el año 1945.
Fue entonces cuando su concepción comenzó a cambiar y su estilo, hasta ahora basado en los de Louis Armstrong y Roy Eldridge, comenzó "modernizarse". Considerado como el eslabón perdido entre Roy Eldridge y Fats Navarro, se transformó prácticamente en el único "bopper" de la Costa Oeste hasta la llegada de Parker y Gillespie en diciembre de 1945.
Fue el propio Howard McGhee quien contrató a Charlie Parker para actuar juntos en el Finale Club y en el Hi De Ho, cunas del bebop en California.
El 29 de Junio de 1946 McGhee intervino en la famosa sesión de grabación de Charlie Parker para el sello Dial en la que, con la sección rítmica de Jimmy Bunn en piano, Bob Kesterson en bajo y Roy Porter en batería, Parker dejara el escalofriante testimonio que supuso su versión de "Lover Man". Después de dicha grabación, Parker fue internado en el psiquiátrico Camarillo por seis meses. Durante esta internación de Parker, Howard tocó con el tenorista Teddy Edwards y el pianista Dodo Marmarosa.
Al salir "Bird"de la clínica, Howard McGhee continuó trabajando como su acompañante en distintos clubes de Los Angeles y en las grabaciones de sus propias composiciones "Relaxin at Camarillo", "Cheers", "Carvin the Bird" y "Stupendous" del 26 de Febrero de 1947. Posiblemente fue ese su período musical más importante.

McGhee se alejó de Los Angeles en 1947 y se mudó a Nueva York para presentarse en "templos" como el Minton's Playhouse y el Monroe's Uptown House y para participar en grabaciones junto a James Moody, Milt Jackson y Ray Brown para el sello Dial y junto a Leo Parker para el sello Savoy.

A continuación, Norman Granz lo incorporó a su "Jazz at the Philharmonic", mientras que revistas especializadas "Metronome" y "Down Beat" le consideraban entre los cuatro mejores trompetistas de jazz del momento.
En 1948, participó en el Primer Festival de Jazz de Paris y a su regreso a los Estados Unidos, se unió al grupo de Machito -el llamado padrino del jazz
afrocubano-, y realizó también una histórica reunión junto a su colega Fats Navarro para el sello Blue Note.

Entre 1951 y 1952, tocó con el contrabajista Oscar Petifford, pero a partir de ahí comenzó con problemas de salud a causa de su adicción a la heroína. Desapareció de la escena musical durante toda la segunda mitad de los años 1950 y sólo algunas esporádicas grabaciones en 1956 y en 1960 lo sacaron del ostracismo, participando junto a Duke Ellington o bien liderando sus propios combos.
El empresario George Wein le invitó a participar en el Festival de Jazz de Newport de 1962 y le organizó un gira por Europa junto a Jay Jay Johnson y Sonny Stitt. Recuperado físicamente, volvió a los estudios en 1976 para grabar con Illinois Jacquet el espectacular álbum Here Comes Freddy .

Grabó importantes registros para los sellos Felsted, Bethlehem, Contemporary, and Black Lion durante 1960 y 1961, y en formato de cuarteto para el sello United Artists en 1962. Luego se mantuvo fuera de los estudios de grabación hasta 1976, año en el que retomó su carrera artística para continuarla hasta 1979, grabando para los sellos Sonet, SteepleChase, Jazzcraft, Zim, Storyville y dedicándose a la enseñanza en su apartamento ubicado en el centro de Manhattan.
A partir de entonces fue prácticamente olvidado.
Murió en Nueva York el 17 de Julio de 1987.

Trumpet At Tempo
(Spolite SPJ 131)

Según Ted Gioia: Estas grabaciones de las bandas de McGhee, con Teddy Edwards y Dodo Marmarosa entre el personal, presentan el mejor bop de la Costa Oeste de mediados de 1940.

1 - Intersection
2 - Lifestream
3 - Mop Mop
4 - Stardust
5 - Trumpet At Tempo
6 - Thermodynamics
7 - Dialated Pupils (take 1)
8 - Dialated Pupils (take 2)
9 - Midnight At Mintons
10 - Up In Dodos Room (take 1)
11 - Up In Dodos Room (take 2)
12 - High Wind In Hollywood
13 - Dorothy
14 - Night Mist (take 1)
15 - Night Mist (take 2)
16 - Coolie-Rini
17 - Night Music
18 - Turnip Blood (take 1)
19 - Turnip Blood (take 2)
20 - Surrender
21 - Sleepwalker Boogie
22 - Stop Time Blues
23 - You

West Coast Jazz #32 - The Mastersounds

The Mastersounds se formó en 1957 e incluía a Charles Frederick “Buddy” Montgomery en el vibráfono, Richie Crabtree al piano, William Howard "Monk" Montgomery en el bajo y Benny Barth en la batería.

La idea de formar esta agrupación fue de Monk Montgomery -quien estaba viviendo por entonces en la ciudad de Seattle-, al retornar a su nativa Indianapolis de visita, luego de una gira con la Big Band de Lionel Hampton en 1956.
Como lo comentara Ralph J. Gleason en su columna de la revista Down Beat de entonces: Monk estaba convencido de que un buen grupo de jazz tendría muchas chances de trabajar en la ciudad, y tenía razón.

En realidad, se iban a hacer conocer como los Indianapolis Jazz Quartet pero Lois Ann, la esposa de Monk, sugirió el nombre The Mastersounds. Así debutaron en el Dave’s Blue Room el 14 de Enero de 1957 y allí se mantuvieron existosamente durante tres meses. Sin embargo, a falta de un trabajo continuo en Seattle, el grupo decidió emplear sus escasos recursos en realizar un "demo" para que Monk Montgomery viajara a San Francisco y Los Angeles como portavoz del grupo, en busca de contratos para conciertos y grabaciones.
Ni bien llegó a San Francisco, Monk se contactó con Dave Glickman y Ray Gorum, respectivamente propietario y gerente del novísimo club Jazz Showcase, en la Market Street, un local nocturno que tenía la particularidad de no vender bebidas alcohólicas. Escuchadas las cintas de demostración, The Mastersounds fueron contratados inmediatamente.

Pero Monk no sólo se conformó con ello. Continuó su "misión" dirigiéndose a Hollywood. Allí se contactó con un colega, Leroy Vinnegar, quién le sugirió que mostrara los "demos" a Dick Bock, el presidente del sello World Pacific Records.
Fuertemente impresionado, Bock compró los derechos de las grabaciones y se ofreció para producir seis discos del grupo en la World Pacific/Pacific Jazz Series.

Sin considerárselos imitadores, The Mastersounds tenía la misma formación instrumental que el excelso Modern Jazz Quartet, uno de los mejores pequeños grupos de jazz de la época. Mientras el Modern Jazz Quartet era todo seriedad y sofisticación, The Mastersounds mostraban un perfil diferente, quizá menos "concertista", ayudado por el sonido característico del bajo eléctrico Fender de Monk Montgomery.

El grupo estaba a punto de disfrutar de una larga carrera. Pero apenas ganado el premio "New Star Award For Combos", en la encuesta de críticos internacionales de 1961 de la revista Down Beat, los Montgomery decidieron formar un grupo junto a su hermano Wes, apartándose de The Mastersounds.
A mediados de 1965, volvieron a reunirse pero, aunque les presentaron importantes ofertas para nuevas grabaciones y giras por Europa, el combo se disolvió definitivamente pocos meses después.

Water's Edge es una reedición realizada en 2008 por del sello Fresh Sound y presenta la remasterización de Introducing The Mastersounds, la grabación debut del grupo, realizada en Hollywood entre el 5 y el 12 de Diciembre de 1957, con Buddy Montgomery (vibráfono), Richie Crabtree (piano), Monk Montgomery (Bajo eléctrico Fender) y Benny Barth (batería).

Introducing The Mastersounds
(World Pacific 403)

Según Ted Gioia: The Mastersounds era una osada banda de la Costa Oese equivalente al Modern Jazz Quartet. Este registro, su primera grabación, captura algunos de sus más importantes trabajos.

1 - Un Poco Loco
2 - Wes’ Tune
3 - Lover
4 - Dexter’s Deck
5 - If I Should Lose You
6 - That Old Devil Moon
7 - The Queen And I
8 - Spring Is Here
9 - Water’s Edge
10 - Drum Tune
11 - Bela By Barlight
12 - Caravan

West Coast Jazz #29·#30·#31 - Shelly Manne

Shelly Manne nació como Sheldon Manne el 11 de Junio de 1920 en Nueva York.
Si bien su nombre está fuertemente asociado con el Jazz de la Costa Oeste, su versatilidad le permitió sobresalir en varios estilos, incluyendo Dixieland, Swing, Bebop, jazz de vanguardia y fusión, así como también contribuir en cientos de películas de Hollywood y programas de televisión.
Comenzó a estudiar música dedicándose al saxo contralto pero su destino era sin lugar a dudas la batería. Hijo y sobrino de bateristas, casi que lo traía en sus genes.

Seducido por artistas como Jo Jones y Dave Tough, empezó con la batería ayudado por Billy Gladsytone, un colega de su padre y admirado percusionista de la escena neoyorkina.
A partir de ese momento, rápidamente desarrolló su estilo propio actuando en distintos clubes de la Calle 52.
Su primer contrato profesional llegó en 1939 con la Big Band de Bobby Byrne con la que grabó su primer disco. Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde grabó su primeros solos.
Encantado con el bebop, se adaptó rápidamente a él tocando con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Por la misma época su nombre figuró al lado de estrellas emergentes como Flip Phillips, Charlie Ventura, Lennie Tristano y Lee Konitz.
En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente, antes de ser llamado a las filas del ejército.

De vuelta a la vida civil, en 1945, se une a la controversial banda de Stan Kenton, con quien salta a la fama. Los obstáculos y las complejidades del "progressive jazz" de Kenton más que amedrentarlo le dieron una oportunidad para experimentar y desarrollar una capacidad asombrosa en la búsqueda -y encuentro- de nuevos colores y ritmos.
En 1947 toca en el grupo del saxofonista Charlie Ventura, y posteriormente estuvo unos años, hasta 1949, en el Jazz at the Philarmonic de Norman Granz. Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman.

A comienzos de 1950 Manne deja Nueva York y se instala definitivamente en un rancho de una zona periférica de Los Ángeles, donde él y su esposa se dedicaron a la crianza de caballos de carrera.
A partir de este momento, jugó un papel importante en la escuela del West Coast Jazz, apareciendo en la escena de Los Angeles con Howard Rumsey, Shorty Rogers, Hampton Hawes, Red Mitchell, Art Pepper, Russ Freeman, Frank Rosolino, Chet Baker, Leroy Vinnegar, Pete Jolly, Howard McGhee, Bob Gordon, Conte Candoli, Sonny Criss y muchos otros. Muchas de sus grabaciones en esta época fueron recogidas para el célebre sello Contemporary Records del productor Lester Koenig.
Desde entonces llegó a ser, sin ninguna duda el baterista más representativo del West Coast Jazz, liderando pequeños grupos propios y fundando su propio club, el Shelly Manne's Hole, en Hollywood, por donde pasaron casi todos los grupos que tocaban en aquella ciudad.
En 1959, con uno de sus grupos que incluía al trompetista Joe Gordon, al saxofonista Richie Kamuca, al bajista Monty Budwig y al pianista Victor Feldman se presentó durante tres días en el famoso club Black Hawk de San Francisco. Esta famosa actuación, recogida en cinco magníficos discos son sus mejores registros y forman parte del mejor jazz hecho en la Costa Oeste norteamericana.

Participó con su quinteto en la recordada película The Man With the Golden Arm de Otto Preminger y del cine pasó a la televisión. En ése camino de ida y vuelta dejó varias películas en las que participó activamente: The Five Pennies, donde interpretó el papel de Dave Tough y la dedicada al baterista Gene Krupa: The Gene Krupa History

En 1961 viajó a Europa para participar en el Festival de Jazz de San Remo y en 1964, tras cerrar el club, viajó a Japón.
A su vuelta volvió a reabrir su Shelly Manne's Hole, esta vez en Los Ángeles, ayudando a mantener vivo el jazz en la escena de la ciudad, pero a finales de 1973 se vio obligado a cerrarlo definitivamente por motivos económicos.
A partir de ese momento, Manne reorientó la atención a su propia batería y se podría argumentar que nunca tocó con más gusto, refinamiento y swing que en la década de 1970, cuando grabó numerosos discos con músicos como el trompetista Red Rodney, el pianista Hank Jones, los saxofonistas Art Pepper y Lew Tabackin, y con el compositor, arreglista y saxofonista Oliver Nelson.
De 1974 a 1977 incorpora al guitarrista Laurindo Almeida, al saxofonista y flautista Bud Shank y al bajista Ray Brown, para conformar el "L.A. Four" con los que graba cuatro álbumes.

En la década de 1980, Manne graba con estrellas como el trompetista Harry "Sweets" Edison, el saxofonista Zoot Sims, los guitarristas Joe Pass y Herb Ellis, y el pianista John Lewis, famoso director del "Modern Jazz Quartet".
Mientras tanto, continuó grabando con varios grupos pequeños. Sólo un ejemplo representativo de su trabajo en este período es un concierto grabado en vivo en el club Carmelo's de Los Ángeles en 1980 con los pianistas Bill Mays y Alan Broadbent y el bajista Chuck Domanico. Debido al entusiasmo y espontaneidad, estas actuaciones comparten las características de las realizadas en el Black Hawk dos décadas antes.
Debido a su inmensa contribución al jazz y al reconocimiento público, fué honrado en Los Angeles por el Hollywood Arts Council, al ser declarado, el 9 de Setiembre de 1984, como el "Shelly Manne Day".
Desafortunadamente, dos semanas después, el 26 de Setiembre de 1984, sucumbía ante un repentino ataque al corazón.

The West Coast Sound, Volume One
(Contemporary 3507)

Según Ted Gioia: Esta música ayudó a poner el sonido de la Costa Oeste en el mapa.

1 - Grasshopper
2 - La Murcura
3 - Summer Night
4 - Afrodesia
5 - You and the Night and the Music
6 - Gazzelle
7 - Sweets
8 - Spring Is Here
9 - Mallets
10 - You're Getting to Be a Habit with Me
11 - You're My Thrill
12 - Fugue

The Gambit
(Contemporary 7557)

Según Ted Gioia: Extensas obras de Manne de mediados y finales de 1950 se encuentran entre las obras maestras olvidadas de la década: The Gambit es quizás la mejor de ellas.

1 - Queen's Pawn
2 - En Passant
3 - Castling
4 - Checkmate
5 - Blu Gnu
6 - Tom Brown's Buddy
7 - Hugo Hurwhey

Shelly Manne At The Blackhawk, Volume One
(Contemporary 7577)

Según Ted Gioia: Los álbumes grabados en vivo por Manne en el Blackhawks en 1959, muestran la influencia de la corriente del hard bop poveniente de la Costa Este.

1 - Summertime
2 - Our Delight
3 - Poinciana
4 - Blue Daniel
5 - Blue Daniel (alt. take)
6 - Theme: A Gem from Tiffany

West Coast Jazz #28 - Howard Rumsey

Howard Rumsey nació en Brawley, California, el 7 de Noviembre de 1917. Si bien puede considerárselo como un contrabajista suficientemente bueno como para haber integrado la banda de Stan Kenton, sus méritos principales se hallan en haber sido el fundador de diferentes combos conocidos como los "Lighthouse All-Stars" y el haber dirigido el célebre club The Lighthouse.
Se inició como pianista, cambió luego a la batería, pero rápidamente centró su atención en el contrabajo alentado por un amigo que consideraba que por entonces había cierta escasez de bajista sólidos.

Corrían los años 1930. Después de completar un año en Los Angeles City College, Rumsey consiguió un trabajo con la banda de Vido Musso y luego con Johnny "Scat" Davis, con quien se mantuvo por una larga temporada.
Cuando Stan Kenton, otro ex de la banda de Vido Musso, formó su primera banda en 1941, Rumsey inmediatamente se convirtió en su contrabajista. El conjunto alcanzó rápidamente un gran éxito y tuvo entusiastas seguidores cuando sus actuaciones en locales universitarios y a través programas radiales. Sin embargo, desacuerdos con Kenton sobre el escenario hicieron que se alejara de la banda y firmara para distintos líderes de primer nivel como Charlie Barnet y Barney Bigard.

The Lighthouse

En 1949, mientras Rumsey caminaba por la Pier Avenue de Hermosa Beach en busca de trabajo, se topó con un lugar que consideró ideal para convertirlo en un sitio para veladas con música de jazz. Se trataba de un edificio construido en 1934 y que, bajo el nombre Verpilates, fue destinado a restorán para marinos mercantes. A partir de 1940 pasó por varias manos hasta que en 1948 el lugar fue comprado por John Levine quien lo nombró desde entonces como The Lighthouse.
Rumsey entró convencido y le expresó su proyecto al dueño.
Cuenta la historia que ante semejante propuesta Levine le espetó algo molesto: "Todo el mundo vive diciéndome cómo manejar este lugar y ahora usted entra como si nada y me dice lo que debo hacer".
Pese a ello Levine optó por otorgarle el beneficio de la duda.
"Contraté a los mejores músicos que pude encontrar", recuerda Rumsey refiriéndose a los que secundarían su contrabajo: Bob Cooper en el saxo tenor, Bud Shank en saxo alto, Claude Williamson al piano y Stan Levey a la batería.
"Dejamos las puertas abiertas y de pronto el lugar estuvo lleno. Con más gente que las que Levine había tenido en las dos semanas anteriores", contó Rumsey al recordar el debut, el domingo 29 de Mayo de 1949.
El lugar se convirtió así en un símbolo indiscutido del West Coast Jazz y se transformó en un centro neurálgico de antológicas jam sessions que tenían lugar cada domingo por la tarde. Allí se registraron, en la década de 1950, notables discos protagonizados por Shorty Rogers, Jimmy Giuffre, Bob Cooper, Bud Shank y Bill Perkins, entre muchos.
En 1960, Rumsey dejó de tocar para dedicarse a tiempo completo en administrar el Lighthouse y otros célebres espectáculos como los Concerts by the Sea.

Lighthouse All-Stars

El primer Lighthouse All-Stars estuvo formado por músicos de Los Angeles que había sido parte de la escena de la Avenida Central en la década de 1940, incluidos Teddy Edwards, Sonny Criss, Hampton Hawes, Frank Patchen, Bobby White y Keith Williams. Esta banda duró un tiempo antes que Rumsey los cambiara para darle oportunidad a una segunda camada: Jimmy Giuffre, Shorty Rogers y Shelly Manne. La tercera incluía a Bud Shank, Bob Cooper, Rolf Ericsson y Max Roach, partícipes de la histórica grabación histórica el 13 de Setiembre de 1953, primer espectáculo de Roach con el grupo y que contaría además con Chet Baker, Miles Davis Russ Freeman y Lorraine Geller.
Disuelta ésta última formación, las sillas fueron ocupadas por otros músicos notables a lo largo de los años siguientes. En West Coast Jazz, el libro que inspiró esta serie de Quintaesencia, Ted Gioia afirma que fueron 75 los músicos que formaron parte alguna vez de los "Lighthouse All-Stars". En su opinión, esta banda es fundamental a la hora de considerar el jazz de Los Angeles y demostró ser el lugar adecuado para que muchos músicos talentosos de "la costa" crearan una base sólida para sus futuras carreras.

Music For Lighthousekeeping
(Contemporary 7528)

Según Ted Gioia: Una de las mejores publicaciones protagonizadas por el grupo más "bopero" de aquellos conocidos como The Lighthouse All-Stars. Aquí figuran Frank Rosolino, Conte Candoli, Sonny Clark, Bob Cooper, Stan Levey y Howard Rumsey.

1 - Love Me Or Levey
2 - Taxi War Dance
3 - Octavia
4 - Mambo Las Vegas
5 - Jubilation
6 - I Deal
7 - Latin For Lovers
8 - Topsy

West Coast Jazz #26·#27 - Harold Land

Harold Land nació como Harold DeVance Land el 18 de Diciembre de 1928 en Houston, Texas. Se crió en San Diego, California, pero se mudó a Los Angeles a comienzos de 1950.
Comenzó a tocar el saxo tenor cuando tenía 16 años y después de trabajar en su ámbito local, tuvo su primer concierto de alto nivel en 1954 cuando se unió al legendario quinteto del trompetista Clifford Brown y el baterista Max Roach con el que recorrió los Estados Unidos y grabó celebrados discos para el sello EmArcy. Después de dos años con el conjunto, Land sintió la necesidad de estar más cerca de su familia, que estaba en Los Ángeles, por lo que regresó y vivió allí desde entonces.
Dueño de un sonido flexible y repleto de ideas originales, Harold Land fue el saxofonista más representatitivo del bebop en la Costa Oeste de los Estados Unidos.
Como muchos saxofonistas se enamoró de John Coltrane y sin parecerse en nada a él, adaptó a su estilo los enfoques de Trane en cuanto a tonos e improvisación: "John me inspiró definitivamente con su intenso espíritu. Me conmovió mucho mientras estaba formando mi propia individualidad que es lo que espero haber logrado", declaró alguna vez.

Pronto comenzó a establecerse como uno de los más singulares músicos de jazz, haciendo discos con los contrabajistas Red Mitchell y Curtis Counce y a continuación, en 1958, haciendo su debut como líder. Harold in the Land of Jazz, se publicó en el sello Contemporary Records y fue seguido un año más tarde por The Fox, considerada como su obra maestra, con la colaboración del trompetista Dupree Bolton y el compositor y pianista, Elmo Hope.

En la primavera de 1960, reunió a una estrella en ascenso como el guitarrista Wes Montgomery, que estaba viviendo en San Francisco, y al quinteto de Cannonball Adderley que contaba con una poderosa sección rítmica intgrada por el pianista Barry Harris, el contrabajista Sam Jones y el baterista Louis Hayes para registrar un clásico: West Coast Blues.

Comenzó a tocar con la orquesta de Gerald Wilson, y también con los pianistas Hampton Hawes y Carl Perkins, convirtiéndose en un elemento imprescindible en la escena de West Coast Jazz. Sin embargo, no tuvo demasiada exposición fuera de Los Angeles hasta que formó un quinteto con el vibrafonista Bobby Hutcherson a finales de 1960. La banda grabó para el sello Blue Note e hizo extensas giras por los Estados Unidos y Europa.

En las décadas de 1970 y 1980, Harold Land se unió a los "Timeless All-Stars", un grupo que incluía al pianista Cedar Walton, al trombonista Curtis Fuller, al vibrafonista Bobby Hutcherson y al baterista Billy Higgins, y estuvo en la primera línea de finos quintetos liderados por los trompetistas Blue Mitchell y Oscar Brashear donde queda demostrado por qué es aún considerado uno de los más impresionantes improvisadores del jazz.

En 1994 grabó A Lazy Afternoon, una colección de estándares secundado por una orquesta de cuerdas. A continuación hizo un extenso alto de siete años y en 2001 regresó para ofrecer Promised Land, con Mulgrew Miller al piano, Ray Drummond en el bajo y Billy Higgins a la batería. Lamentablemente, este sería su último registro grabado.
Murió el 27 de Julio de 2001 en Los Angeles.

The Fox
(Contemporary 7619)

Según Ted Gioia: Un abrasador hard bop de finales de 1950. Con el más fino de los pocos registros existentes del trompetista Dupree Bolton, Harold Land nunca tocó mejor.

1 - The Fox
2 - Mirror-Mind Rose
3 - One Second, Please
4 - Sims A-Plenty
5 - Little Chris
6 - One Down

Harold In The Land Of Jazz
(Contemporary 7550)

Según Ted Gioia: Land ofrece aquí un sólido ejemplo del "straight-ahead" jazz.

1 - Speak Low
2 - Delirium
3 - You Don't Know What Love Is
4 - Nieta
5 - Grooveyard
6 - Lydia's Lament
7 - Smack Up
8 - Promised Land

West Coast Jazz #24·#25 - Stan Kenton

Stan Kenton nació como Stanley Newcomb Kenton el 15 diciembre de 1911 en Wichita, Kansas.
Aprendió piano cuando niño, y mientras todavía era un adolescente participó en giras con varias bandas. En junio de 1941 formó su propia banda, uno de los más conocidos conjuntos de la Costa Oeste de los años cuarenta. Sus agrupaciones musicales fueron siempre orquestas con al menos dos docenas de músicos, lo que produjo el inconfundible sonido "kentoniano", tan reconocible como la de las bandas de Duke Ellington o Count Basie.

Una de sus especialidades fue el ritmo afro-cubano, exportado a Norteamérica por directores como Francisco Raúl Gutiérrez Grillo, más conocido como Machito, cuyos característicos sonidos plagados de bronces lo influenciaron notablemente.
Los arreglos para sus bandas no sólo fueron escritos por él mismo, sino que también por otros célebres compositores como Gene Roland, W. A. Mathieu, Johnny Richards, Lennie Niehaus, Gerry Mulligan, Hank Levy, Bill Russo, Dee Barton, Bill Holman, Shorty Rogers, Ken Hanna, Bob Graettinger y su “alter ego” Pete Rugolo. La música resultante, que muchas veces podía ser intensamente disonante, con la utilización de poderosas secciones de bronces e inusuales voces de saxofones, mostraron el amor por la experimentación, reflejado en los propios nombres que eligió para denominar a sus formaciones: “Innovations Orchestra”, “Neophonic Orchestra” o “Mellophonium Orchestra”.

Si bien sus comienzos fueron en 1930, cuando trabajó en las bandas de baile dirigidas por Vido Musso y Gus Arnheim, no cabía la menor duda de que había nacido para transformarse rápidamente en líder. Aunque no hubo grandes nombres en “Artistry in Rhythm”, su primer orquesta de principios de 1940, Kenton pasó todo el verano del primer año de dicha década actuando regularmente en el Rendez Vous Ballroom de Balboa Beach, en California. Comenzó a grabar discos para el sello Decca y trabajó aportando la música para programas radiales de Bob Hope.

Pero a finales de 1943 con un contrato para el sello discográfico Capitol y un popular suceso con el tema “Eager Beaver”, Kenton comenzó a obtener gran reconocimiento y contó con destacadas figuras como los saxofonistas Art Pepper, Stan Getz y Boots Mussulli, más la cantante Anita O'Day.

En 1945, cuando la banda había evolucionado bastante, Pete Rugolo se hizo cargo de los arreglos (extendiendo las ideas de Kenton), Bob Cooper y Vido Musso aportaron nuevas voces en la sección de saxos y June Christy, la más cool de las cantantes del cool jazz, se convirtió en la cantante estrella.
Exitos como “Tampico” y “Across the Alley From the Alamo” hicieron posible que las finanzas de Kenton funcionaran perfectamente para arriesgarse a otros proyectos más ambiciosos. Comenzó a alejarse del concepto de banda de baile para transformarla en banda de concierto y le llamó “progressive jazz" a su nueva música.

En 1947 Kai Winding reforzó el sonido de trombones y la sección de trompetas incluyó a los "screamers" Buddy Childers y Ray Wetzel. Los bongós de Jack Costanzo aportaron el característico sonido latino y la banda, tan original como radical en sus concepciones, comenzó a tener su propia audiencia. Por entonces, en la música de Stan Kenton hubo de todo; desde el impresionismo debussiano hasta el expresionismo de Stravinsky, pasando por la grandilocuencia wagneriana e incluso los ritmos y sonidos del cono sur americano.

1949 fue un año sabático para Kenton, pero en 1950 retomó su afán innovador y formó la "Innovations in Modern Music Orchestra" con 39 elementos y con la firme determinación de encarar la densa música de Bob Graettinger sin que el swing perdiera su peso específico.
Allí estaban Maynard Ferguson, Shorty Rogers, Milt Bernhart, John Graas, Art Pepper, Bud Shank, Bob Cooper, Laurindo Almeida, Shelly Manne y June Christy. Era un extraordinario proyecto pero la repercusión comercial le fue esquiva y se volvió imposible. Realizó dos giras entre 1950 y 1951 y rápidamente volvió a su formato de 19 elementos. Inesperadamente pasó por un período dedidcado al "swing" con un repertorio dominado por arreglos de Shorty Rogers, Gerry Mulligan, Lennie Niehaus, Marty Paich, Johnny Richards, Bill Holman y Bill Russo. Una impresionante lista de talentos se sumó a los nombrados: Lee Konitz, Conte Candoli, Sal Salvador, Stan Levey, Frank Rosolino, Richie Kamuca, Zoot Sims, Sam Noto, Bill Perkins, Charlie Mariano, Mel Lewis, Pete Candoli, Lucky Thompson, Carl Fontana, Pepper Adams y Jack Sheldon.
Su música no fue previsible pero quizá sí algo grandilocuente. Se ganó bastante crítica en contra pero se las arregló para que el sonido "kenton" se mantuviera inalterable.

En 1953 llevó su orquesta a Europa y aunque el recibimiento en Paris fue extraordinario, la apoteosis de la orquesta se produjo en Dublín, donde hubo incluso manifestaciones públicas de admiradores por las calles dublinesas.

En 1958, después de dos o tres años con la orquesta languidecida, un concierto en el Rendez Vous Ballroom, donde había comenzado, hizo que la orquesta recobrara los niveles de los días de los grandes éxitos. Parecía que Kenton volvía a recuperar el tiempo perdido, pero la deserción de algunos de sus mejores solistas hizo que aquel lucimiento fuera efímero.
El último experimento exitoso de Kenton fue su “Mellophonium Orchestra”, de 1960 a 1963. A pesar de las dificultades para mantener cuatro mellophoniums en sintonía, esta particular orquesta tuvo sus momentos emocionantes. Sin embargo a partir de 1963, el sabor de la banda empezó a cambiar. En lugar de utilizar solistas con talento, Kenton hizo hincapié en una juventud relativamente barata que conspiró contra la originalidad.
En 1970 fundó Creative World, su propio sello discográfico y continuó experimentando y ensayando los sonidos más dispares con su orquesta-laboratorio que en muchas ocasiones estuvo formada con músicos recién graduados de la Universidad.

Una fractura de cráneo le apartó del jazz, muriendo en Los Angeles el 25 de agosto de 1979.
Con la perspectiva que da el tiempo, a Stan Kenton se le reconoce hoy la capacidad para generar espacios creativos, sonidos nuevos y haber sido un líder de orquesta carismático e inventivo.

Como lo señala Ted Gioia en el libro que inspiró esta serie: Puede consensuarse en que la concepción de Kenton fue, en su conjunto, ni tan terrible como sus críticos insistieron ni tan celestial como pretendían sus devotos. A veces, por supuesto, podría ser cualquiera de esos extremos, pero la pura verdad acerca de la orquesta de Kenton era que se trataba de muchas otras cosas a la vez. Hablar del "sonido Kenton" sería arriesgado. Es mejor referirse al "sonido" de Kenton... El rango de expresión de la banda fue, de hecho, nada menos que impresionante. Puede haber habido mejores bandas, sin duda, muchas más y excelentes... pero ninguna pudo igualar la enorme expresividad de la de Kenton de los años de posguerra.

Con registros tomados entre el 22 y el 24 de Mayo de 1956 en Nueva York y entre el 19 y 21 de Setiembre de 1960 en Los Angeles, Cuban Fire es uno de los discos clásicos de Stan Kenton y contiene la célebre suite en seis partes compuesta y arreglada por Johnny Richards. Para ella la orquesta contó con 27 elementos entre los que se incuían seis percusionistas, dos cornos franceses y seis trompetas. Es considerado como uno de los álbumes conceptuales más memorables de la década de 1950.

Cuban Fire
(Capitol 7-96260-2)

Según Ted Gioia: Uno de los trabajos más satisfactorios de Kenton y una marca registrada del jazz latino.

1 - Fuego Cubano
2 - El Congo Valiente
3 - Recuerdos
4 - Quien Sabe
5 - La Quera Baila
6 - La Suerte de los Tontos
7 - Tres Corazones
8 - Malibu Moonlight
9 - El Panzon
10 - Carnival
11 - Wagon
12 - Early Hours (Lady Luck)

Grabado entre el 6 de Diciembre de 1947 y el 28 de Mayo de 1953 en tres estudios diferentes (Capitol Recording Studios de Hollywood; RKO Pathe Studios de Nueva York y el Universal Studios de Chicago), City Of Glass contiene una música tan de vanguardia que aún suena como futurista.
Bob Graettinger, el arreglador a cargo, influenciado aquí por aspectos de la música clásica moderna, fue posiblemente el más radical de los arreglistas del jazz. De hecho, es dudoso que cualquier otro líder haya utilizado ideas tan complejas por entonces.

City Of Glass and This Modern World
(Capitol W736)

Según Ted Gioia: La pasión de Kenton por la experimentación y la vanguardia nunca lo llevó más lejos que en esta grabación de las composiciones de Bob Graettinger.

1 - Thermopylae
2 - Everything Happens To Me
3 - Incident in Jazz
4 - House of Strings
5 - A Horn
6 - City of Glass (1er Mov. Parte 1: Entrance Into The City)
7 - City of Glass (1er Mov. Parte 2: The Structures)
8 - City of Glass (2do Mov.: Dance Before The Mirror)
9 - City of Glass (3er Mov.: Reflections)
10 - Modern Opus
11 - A Cello
12 - You Go to My Head
13 - A Trumpet
14 - An Orchestra,
15 - A Thought
16 - Some Saxophones

West Coast Jazz #23 - Bill Holman

Nacido como Willis Leonard Holman el 21 de Mayo de 1927 en Olive, California, Bill Holman se inició con el clarinete cuando aún estaba en la primaria y al llegar a la escuela secundaria tomó el saxo tenor con el que dirigió algunas bandas juveniles.
Altamente influenciado por Lester Young, no tardó en destacarse por su fina sensibilidad como instrumentista, pero su verdadero reconocimiento llegó al interesarse más por los arreglos que por la interpretación.

A finales de 1940, una vez terminado su servicio militar en la Armada, abandona los estudios de Ingeniería que cursaba en la UCLA para dedicarse de lleno a la música, a la composición y a los arreglos orquestales. Para ello estudió durante un tiempo con Dave Robertson y el Dr. Alfred Sendrey en el Westlake College of Music de Los Angeles y, en privado, composición con Russ García, profundizando algo más en el estudio del saxo con Lloyd Reese.

En 1949 formó parte de la banda de Ike Carpenter, en 1951 compuso y arregló para Charlie Barnet y, en 1952, comenzó su más célebre asociación junto al pianista y director Stan Kenton, para quien tocó y escribió por un período de cuatro años. Fue entonces cuando se ganó definitivamente la mejor de las reputaciones como arreglador de vanguardia.
Simultáneamente, se mantuvo muy activo como músico de la Costa Oeste, apareciendo en populares combos dirigidos por Shorty Rogers y Shelly Manne, y co liderando un quinteto con Mel Lewis en 1958.
En la década de 1960 Holman se concentró más en su oficio de compositor. Principalmente a partir de 1967, cuando una cirugía de mandíbula inferior le obligó a abandonar definitivamente la ejecución del saxo. Se relaciona con importantes bandas como las de Louie Bellson, Count Basie, Bob Brookmeyer, Woody Herman, Buddy Rich, Doc Severinsen y Gerry Mulligan , entre otras.
También se encarga de componer para un larga lista de vocalistas como Tony Bennett, Mel Torme, Carmen McRae, Anita O'Day, Michael Bublé y Natalie Cole.
En 1975 comienza un nuevo proyecto. Funda The Bill Holman Band con la que graba tres discos para el selo JVC: The Bill Holman Band en 1988, A View From The Side en 1995 y el fantástico Brilliant Corners: The Music of Thelonious Monk en 1997, seguramente una de las celebraciones más finas de la música de Monk y que le valió un merecido premio Grammy.
En la década de 1990 y 1980 su trabajo se hizo más activo en Europa trabajando extensamente en Colonia para la Orquesta Sinfónica de la Radio Alemana y para la Orquesta Metropole de los Países Bajos.

En 2000, bajo la denominación de la Bill Holman Collection, sus partituras pasaron a formar parte de la memorabilia del Smithsonian Institution de Washington, DC. En 2006 fue incluído en la Rutgers Jazz Hall of Fame y en 2008 se le otorgó el "Golden Score Award from the American Society of Music Arrangers and Composers".
A sus 83 años, Holman considera al jazz como "la única contribución de Estados Unidos al mundo del arte" y brega por una educación musical más comprometida en su país. Como lo sentenció el pianista André Previn, "su verdadero instrumento es la orquesta y él lo toca con musicalidad, honestidad y brillantez".
En 2010, en ocasión de habérsele entregado el título de Jazz Master por la NEA (The National Endowment for the Arts), Holman declaró estar "orgulloso de que mis contribuciones sean reconocidas por la concesión de este honor. La lista de homenajeados del pasado y del presente contiene a la mayoría de mis héroes y mis influencias. Ser incluido entre ellos me hace sentir humilde y agradecido".

Su Big Band In A Jazz Orbit, fue una de las pocas grabaciones suyas a finales de 1950. Allí cuenta con una banda de 15 elementos con la flor y nata de la Costa Oeste de 1958. Entre los solistas destacados están los trombonistas Frank Rosolino, Carl Fontana, y Ray Sims, los saxos altos de Charles Mariano y Herb Geller, el trompetistas Jack Sheldon, el tenorista Richie Kamuca, el pianista Victor Feldman y el propio Holman en saxo tenor.

In A Jazz Orbit
(Andex 3004)

Según Ted Gioia: Holman fue el arregaldor con más swing que tuvo (Stan) Kenton. Este disco fue el mejor que lideró en los años de 1950.

1 - Kissing Bug
2 - The Man I Love
3 - Goodbye
4 - You Go to My Head
5 - After You've Gone
6 - Far Down Below
7 - No Heat
8 - Theme & Variations #2
9 - Aura

West Coast Jazz #22 - Hampton Hawes

Hampton nació como Hampton Hawes Barnet Jr. en Los Angeles, California, el 13 de Noviembre de 1928.
Fue uno de los pianistas más importantes e influyentes de la Costa Oeste, poseedor de un profundo conocimiento del lenguaje del jazz y capaz de moverse con facilidad y elegancia en varios estilos como el cool, el bebop y el hard bop.

Hijo de un pastor protestante y una pianista, su primer contacto con la música fue en la iglesia Bautista frecuentada por la familia. Los spirituals, el gospel, el blues y el boogie-woogie que escuchó en su infancia fueron algunas de las influencias más importantes, así como los pianos de Nat Cole, Fats Waller, Earl Hines y Art Tatum.
Al conocer las grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie que le enseñó su amigo de la infancia Eric Dolphy, Hawes se enamoró del bebop y cayó bajo el hechizo de Bud Powell.
Comenzó entonces a tomar lecciones con Samuel Brown, un profesor reconocido de Los Angeles en cuya escuela estudiaron Wardell Gray, Art Farmer y Don Cherry. A lo largo de su vida, lamentó el no haber adquirido una formación clásica. Pero quizá fue ese perfil casi autodidacta lo que permitió que su música se convirtiese en algo intensamente personal e inconfundible.

En 1944 se inició profesionalmente trabajando con Big Jay McNeely y en 1947, cuando ya era un prometedor pianista, tuvo la gloria suprema de acompañar a Charlie Parker para seguir después actuando junto a figuras de la talla de Billie Holiday, Wardell Gray, Dexter Gordon, Sonny Criss, Shorty Rogers, Harold Land, Leroy Vinnegar y Howard Rumsey. Trabajó en la banda de Howard McGhee entre 1950 y 1951 y con Art Pepper durante 1952 cuando Pepper se presentaba en el "Surf Club" de Hollywood.
Pero a finales de ese año dos inconvenientes agrisaron su vida: su adicción a la heroína y su entrada al ejército. Fue enviado al Lejano Oriente por dos años.

Al regresar de su servicio militar, en 1954, formó su propio trío con el contrabajista Red Mitchell, con quién desarrolló una inusual afinidad musical.
Recorrieron juntos el país entero entre 1955 y 1958 y fueron célebres sus actuaciones en clubes como el "Embers" de New York, el "Storyville" de Boston y los "Blue Note" de Chicago y Filadelfia, secundados por las baterías de Mel Lewis y Chuck Thompson. Durante seis meses ampliaron el equipo con la guitarra de Kenny Burrell.
Conoce por entonces a Lester Koenig, titular del sello Contemporary, registrando allí una serie de discos brillantes, incluyendo el que corresponde presentar hoy. Por ellos se ganó el premio “New Star of the Year”, concedido por la revista Down Beat, y el “Arrival of the Year”, de la Metronome.
En 1957 participó en el excepcional Mingus Three, al lado de Charles Mingus y Danny Richmond y al año siguiente hizo lo propio junto al gran Sonny Rollins para su Sonny Rollins And The Contemporary Leaders.

Pero esta escalada aparentemente sin esfuerzo a la cumbre del jazz se interrumpió de repente. El 13 de noviembre de 1958, el mismo día que cumplía 30 años, Hawes fue arrestado por posesión de heroína, condenado a diez años de cárcel y recluído en la prisión federal de Fort Worth, Texas.
En enero de 1961, mientras miraba por televisión la investidura del presidente Kennedy pensó (como se cuenta en Raise Up Off Me, su biografía): "Hay algo especial en la mirada, la voz y los ojos de este hombre... creo que mis problemas están llegando a su fin". Acto seguido Hawes decidió solicitar un indulto presidencial, contra todos los consejos del personal penitenciario. A finales de 1962 se le permitió que su carta fuera enviada y en agosto del mismo año, como un milagro, el indulto llegó. Era el tercer perdón presidencial que se otorgaba en los últimos 40 años.

De vuelta al mundo libre, Hawes tuvo que librar dos duras batallas. Una contra su propia depresión y otra contra la nueva escena musical que había cambiado drásticamente. El rock venía marchando fuertemente y las presiones del mercado habían logrado modificar el enfoque de muchos músicos del jazz.
Sin embargo Hawes se apegó fuertemente a su poderoso bop. Comenzó a trabajar de nuevo con Red Mitchell (reemplazado por Jimmy Garrison en 1966) y en 1967 se alejó del sur de California. En 1968 grabó a dúo con el pianista argelino Martial Solal, otro brillante representante de la "resistencia", y en 1971 realizó una gira por Europa, con escalas en Londres, París y Copenhague. A partir de entonces dividió su tiempo entre conciertos, principalmente la zona de Los Ángeles y giras por el extranjero. Grabó Turnaround, un disco a dúo con Charlie Haden lanzado en 1977, y comenzó a experimentar con la música electrónica de la época.
Murió en Los Angeles el 22 de mayo de 1977.

All Night Session!

El vigésimo octavo cumpleaños de Hampton lo encontró en plena faena.
Entre la noche del 12 de Noviembre de 1956 y la mañana siguiente lideró un cuarteto que completaban el contrabajista Red Mitchell, el gitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. Entraron a estudio y con una notable frescura y espontaneidad realizaron una de las más hermosas grabaciones de la historia del jazz.
La sesión contenía muchos elementos asociados con una actuación en vivo: la obra se llevó a cabo durante el horario normal de un club nocturno, las improvisaciones fueron extensas y no hubo tomas alternativas ni ediciones sobre los registros originales.
El resultado fue publicado originalmente en tres LP's del sello Contemporary y, en 2007, Definitive Records presentó la edición completa del fantástico All Night Session! en una edición de lujo en dos CD's.
La mejor crítica de estos registros la dijo el propio Hampton: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente al tocar jazz cuando se lo hace con todo el swing. Llegué a un estado de esos donde la música te llena tanto emocionalmente que se siente ganas de gritar ¡Aleluya!, como lo hace la gente en una iglesia al entregarse a Dios. Así me sentí la noche en que grabamos All Night Session!"

CD 1
1 - Jordu
2 - Groovin' High
3 - Takin' Care
4 - Broadway
5 - Hampton's Pulpit
6 - I'll Remember April
7 - I Should Care
8 - Woody 'n You
9 - Two Bass Hit

CD 2
1 - Will You Still Be Mine?
2 - April in Paris
3 - Blue 'n' Boogie
4 - Do Nothin' Till You Hear from Me
5 - Blues #3
6 - Between the Devil and the Deep Blue Sea
7 - Blues #4
8 - Blues of a Sort

All Night Session!
(Contemporary 7545, 7546, 7547)

Según Ted Gioia: Comenzando a últimas horas del 12 de noviembre 1956 y yendo hasta el amanecer del día siguiente, Hawes recreó unas dos horas de su música. Las tres grabaciones originales, ahora disponibles juntas en nueva reedición, presentan a este excepcional pianista en plena forma.

West Coast Jazz #21 - Chico Hamilton

Chico, legendario baterista aún en actividad, nació como Foreststorn Hamilton en 21 de setiembre de 1921 en Los Angeles, California.
Su educación musical fue por la vía rápida, actuando en diversos clubes locales con compañeros de estudios secundarios como Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso.
Su vinculación a bandas como las de Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr. y Billie Holiday, más seis años con Lena Horne le permitió convertirse en uno de los más prodigiosos bateristas de la Costa Oeste.
Ganó gran reconocimiento por su trabajo con el original cuarteto sin piano de Gerry Mulligan (1952-1953) y en 1955, al establecerse por su cuenta, dirigió extraordinarios e inusuales quintetos de "camara" y desarrolló una gran habilidad como "cazador de talentos" . En su experimental primera formación incluyó a Buddy Collette en las cañas, Jim Hall en guitarra, Carson Smith en contrabajo y Fred Katz en violoncello. El combo se volvió inmediatamente popular y apareció en una secuencia del memorable documental Jazz on a Summmer's Day de 1958. La experiencia se prolongó por una década y por ella pasaron los saxos y flautas de Paul Horn y Eric Dolphy, el cello de Nate Gersham y las guitarras de John Pisano y Dennis Budimir, sin perder nunca su encantador sonido original.
En 1961, al integrarse Charles Lloyd en saxo tenor y flauta, Gabor Szabo en guitarra y cambiando el violoncello por los trombones de Garnett Brown y George Bohanon, el grupo pasó a concebirse como uno de los más avanzados dentro del hard bop.
En 1966 dejó de lado los quintetos y comenzó a dedicarse a la composición de música para anuncios comerciales, pero ocasionalmente apareció al frente de diversos grupos que se caracterizaron por una búsqueda errática entre el jazz de vanguardia, la fusión y el hard bop. En ellos aparecieron el guitarrista Larry Coryell, los saxofonistas Steve Potts y Arthur Blythe y el trombonista Steve Turre sorpresivamente como contrabajista.

En la década de 1990 vuelve a "descubrir" nuevos talentos como los guitarristas Cary DeNigris y Nick Demopoulos, el bajista Paul Ramsey, el percusionista Jeremy Carlstedt o los saxofonistas Evan Schwam y Eric Person y comienza su experiencia con "Euphoria" una banda con la que ha recorrido buena parte del mundo.
En 1997, chico recibió el premio de la New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz como reconocimiento a su "significante contribución a la evolución del jazz", en 2006 se lo confirmó al frente del Presidents Council on the Arts y en 2007 un nuevo título se sumó a su larga lista de logros: el premio "Living Legacy Jazz Award" del Kennedy Center Jazz.
Actualmente enseña en la New School University Jazz & Contemporary Music Program, centro en el cual, su momento, se graduó como Doctor of Fine Arts.

Gong East!, el disco de hoy, incluye a uno de los quintetos de Chico más conocidos de la década de 1950.
Fué grabado entre el 29 y el 30 de Diciembre de 1958 y allí figuran el cellista Nate Gershman, el guitarrista Dennis Budimir, el contrabajista Wyatt Ruther y un joven Eric Dolphy en saxo alto, clarinete bajo y flauta.

Gong East!
(Discovery 831)

Según Ted Gioia: Con Eric Dolphy en la banda, Hamilton muestra aquí su mejor liderazgo de la década de 1950

1 - Beyond the Blue Horizon
2 - Where I Live
3 - Gongs East
4 - I Gave My Love a Cherry
5 - Good Grief, Dennis
6 - Long Ago (And Far Away)
7 - Tuesday at Two
8 - Nature by Emerson
9 - Far East
10 - Passion Flower