Shelly Manne - El primero de todos

Conocido profesionalmente como Shelly Manne, Sheldon Manne nació en Nueva York el 11 de junio de 1920. Hijo y sobrino de bateristas, Shelly empezó a estudiar música dedicándose al estudio del saxo alto pero su destino era la batería, que comenzó a tocar con la ayuda de Billy Gladsytone, debutando profesionalmente en los barcos que cruzaban el Atlántico. En 1939 se integró al grupo de Bobby Byrne con el que grabó su primer disco. Al año siguiente sustituyó a Dave Tought en la orquesta de Joe Marsala donde quedaron registrados sus primeros y particulares solos. En 1941 tocó con Bob Astor y con Raymond Scott con quien estuvo hasta mediados del año siguiente antes de ser llamado a filas militares, para unirse a la Guardia Costera hasta 1945. Liberado del ejército, se unió al grupo de Stan Kenton donde consiguió su primer trabajo importante. En 1947 tocó en el grupo del saxofonista Charlie Ventura. Posteriormente, y hasta 1949, participó en el Jazz At The Philarmonic de Norman Granz.

Tras la gira con el JATP se enroló en la orquesta de Woody Herman y en 1953, tras un nuevo paso por la orquesta de Kenton, se estableció en California y tocó con Howard Rumsey en el célebre club "Light House" de Hermosa Beach. Al año siguiente, en 1954, fue convocado por el trompetista Shorty Rogers para que tocase con su grupo, convirtiéndose en el baterista más representativo del llamado West Coast Jazz, participando en la gran mayoría de grabaciones de aquel movimiento.

Desde las grabaciones de 78 rpm de la década de 1940, pasando por los LP de la década de 1950 y posteriores, hasta los cientos de bandas sonoras de películas en las que apareció, la producción grabada de Manne fue enorme y difícil de precisar. Según Leonard Feather, la batería de Manne aparece en "más de 1000 LPs", una declaración que Feather hizo en 1960, cuando Manne no había llegado ni siquiera a la mitad de su carrera de 45 años.

Un disco muy especial por lo hard to find en estas épocas, es su primer opus como líder, al frente de dos septetos integrados por "la flor y nata" del jazz de la Costa Oeste. 

Realizado para Dee Gee Records —el efímero sello fundado por Dizzie Gillespie y Dave Usher en 1951— el álbum fue pensado para resaltar la figura del baterista que acababa de ganar las encuestas de las revistas Metronome y Downbeat, y ya considerado como "Mr. Drums" para los lectores de ambas publicaciones. Las liner notes lo dicen claramente: Como cabría esperar de un músico de tan impecable gusto y gran dominio de su instrumento, este disco no es un conglomerado de solos de batería de Shelly. De hecho, solo hay dos o tres solos muy cortos. Sin embargo, la grandeza de Shelly impregna cada uno de los temas. Incluso cuando no se le escucha ni se nota, él está allí, "se siente". Este es "su" álbum.

Shelly Manne Septet

Dee Gee Presents

Lado 1

1 - Slightly Brightly

2 - It Don't Mean A Thing

3 - The Princess Of Evil

4 - Deep People

Lado 2

5 - The Count On Rush Street

6 - All Of Me

7 - Pooch McGooch

8 - Back In Your Own Backyard

#1 a #4:

Conte Candoli, Shorty Rogers (trompetas); Jimmy Giuffre (saxo tenor); Bob Gordon (saxo barítono); Frank Patchen (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Shelly Manne (batería, vocalista en #2).

Grabados en Los Angeles, el 7 de enero de 1952.

#5 a #8:

Conte Candoli (trompeta), Bill Russo (trombón), Art Pepper (saxo alto), Bob Cooper (saxo tenor), Gene Esposito (piano), Don Bagley (contrabajo), Shelly Manne (batería, vocalista en #6), Shelby Jean Davis (vocalista en #8).

Grabados en Chicago, el 12 de noviembre de 1951. 

Obscure #18 - Shorty Rogers (su paso por el rock)

JazzWax, uno de los blogs de referencia de Quintaesencia, dedicó sus últimas dos publicaciones al trompetista Shorty Rogers. En la primera, la intención fue hacer foco en sus grabaciones de la década de 1950 para el sello RCA y, especialmente, en Chances Are It Swings, uno de sus 14 álbumes registrados para dicha compañía. En la segunda nota, se detuvo en otros títulos de Rogers que, como introducción, ya había mencionado anteriormente.

Como es característico en Marc Myers, autor del sitio y experimentado periodista, sus actualizaciones diarias tienen una envidiable virtud: condensar en pocas palabras y con gran poder de síntesis historias que, para ubicarnos en un tiempo y un lugar determinado, podrían ocupar varias páginas.

Para quienes lo seguimos, el resultado siempre es el mismo: el vértigo informativo se detiene y nos sentimos "obligados" a volver sobre viejos discos o reparar en las novedades del mundo discográfico.

En la primera de las notas sobre Rogers, Myers intenta que Chances Are It Swings nos "contagie del espíritu" de la época a la que pertenece.  Según Myers "el jazz de la costa oeste en la década de 1950 no solo encarnaba el alto nivel de maestría de los músicos, sino que también capturaba un espíritu optimista de una clase media que ya no existe: júbilo por vivir, trabajar y criar familias en los suburbios de Los Ángeles. El clima agradable durante todo el año, la arena, el surf, el culto del automóvil y el consumismo de los centros comerciales están integrados en la música. Si bien este fenómeno fue en gran parte una experiencia blanca en Los Ángeles, ahora uno se pregunta si ese optimismo eufórico y esa pasión por el futuro se repetirán alguna vez". 

Pero antes de presentar al disco, como introducción histórica, aparece el obscure Rock That Beat, una extraña incursión de "la flor y nata" del Jazz West Coast al rockabilly y primera grabación de Rogers para el sello Groove, subsidiario de RCA.

Para explicar esta rareza, Marc recuerda el testimonio del saxofonista Dave Pell, uno de los integrantes de aquel enmascarado grupo que Shorty Rogers lideró utilizando el seudónimo Boots Brown. Según Pell, dichas grabaciones fueron pensadas para bandas sonoras de películas, pero RCA decidió emitirlas como discos simples, quizá destinados a "alimentar" las por entonces populares jukeboxes de bares y clubes nocturnos.

En el disco, nada se informó sobre los músicos participantes. Según Pell, quizá lo que intentó RCA con el solo afán de aumentar sus ganancias, fue hacerlos pasar por una banda negra de rhythm and blues, aunque se trataba de músicos blancos. Como contó Pell, "hay que recordar que en ese momento no era nada cool tocar ese tipo de música si tocabas jazz. Es por eso que a Shorty se le ocurrió un nombre falso. No sé por qué eligió Boots Brown o qué significaba. Lo que no queríamos era que nuestros nombres aparecieran en los discos. Nos avergonzaba demasiado".

En Rock That Beat, uno de los lados estuvo protagonizado por Boots Brown And His Blockbusters, y el otro por Dan Drew And His Daredevils. Hoy se sabe que Dan Drew no era otro más que el pianista Elliot Lawrence y que sus Daredevils era también otro grupo de estrellas del West Coast Jazz.

Boots Brown And Dan Drew

Rock That Beat

Lado 1

Boots Brown And His Blockbusters

1 - Block Buster

2 - Short'nin' Bread

3 - Double Clutch

4 - Hip Boots

5 - Breakfast Ball

6 - Typhoon

Shorty Rogers [como Boots Brown] (trompeta), acompañado por:

#1 y #2:

Milt Bernhart (trombón), Bud Shank (saxo alto), Jimmy Giuffre (saxo tenor), Gerry Mulligan (saxo barítono), Marty Paich (piano), Jimmy Wyble (guitarra), Howard Rumsey (contrabajo), Roy Harte (batería). Jo Jo Johnson [a.k.a Shad Turner] (vocalista).

Grabado en Los Angeles, California, el 19 de noviembre de 1952.

#3 a #6:

Bud Shank (saxo alto); Dave Pell, Jimmy Giuffre(saxos tenores); Bob Cooper (saxo barítono); Frank Patchen (piano); Howard Rumsey (contrabajo); Shelly Manne (batería); Charles Schrouder (vocalista).

Grabado en Los Angeles, California, el 3 de febrero de 1953.

Lado 2

Dan Drew And His Daredevils

7 - Yes, Yes

8 - Old Man River

9 - Daredevil

10 - Danny's Blues

11 - Coolin' On The Corner

12 - Slow Jim

Elliot Lawrence [como Dan Drew] (piano), acompañado por:

Nick Travis (trompeta), Eddie Bert (trombón), Al Cohn (saxos tenor y barítono), Charlie O'Kane (saxos alto y barítono), Buddy Jones (contrabajo), Osie Johnson (batería y vocalista).

Grabado en Nueva York, el 25 de agosto de 1955.

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Pero volvamos al jazz... Los discos mencionados en la nota de JazzWax posiblemente no puedan ser considerados como obscure. Hoy en día aparecen en innumerables colecciones dedicadas a Shorty Rogers. Sin embargo, como cuenta Myers en su segunda nota sobre el trompetista, sus lectores mostraron gran interés por ellos.

En la introducción a las primeras grabaciones de Shorty Rogers para RCA, Myers recuerda que el contrato del sello con Shorty Rogers intentaba posicionar mejor a la compañía, enfocándose en el jazz moderno y apostando al sonido del jazz de la costa oeste. Y como ejemplo, recurrió a dos clásicos: Shorty Rogers And His Giants y Cool And Crazy.

Shorty Rogers

Shorty Rogers And His Giants

1 - Morpo

2 - Bunny

3 - Powder Puff

4 - Mambo Del Crow

5 - Joycycle

6 - The Lady Is A Tramp

7 - The Pesky Serpent

8 - Diablo's Dance

9 - Pirouette

10 - Indian Club

11 - The Goof And I

12 - My Little Suede Shoes

Shorty Rogers (trompeta), acompañado por:

#1 a #4 y #7 a #10:

Milt Bernhart (trombón), Art Pepper (saxo alto), Jimmy Giuffre (saxo tenor), Gene Englund (tuba), John Graas (corno francés), Hampton Hawes (piano), Joe Mondragon (contrabajo), Shelly Manne (batería).

Grabaciones realizadas en Los Angeles, California, el 12 de enero (#2, #3, #7 y #9) y el 15 de enero (#1, #4, #8 y #) de 1953.

#5, #6, #11 y #12:

Jimmy Giuffre (clarinete y saxos tenor y barítono), Pete Jolly (piano), Curtis Counce (contrabajo), Shelly Manne (batería).

Grabado en Los Angeles, California, el 10 de setiembre de 1954.

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Shorty Rogers And His Orchestra

Cool And Crazy

Lado 1

1 - Coop The Graas

2 - Infinity Promenade

3 - Short Stop

4 - Boar-Jibu

Lado 2

5 - Contours

6 - Tale Of An African Lobster

7 - Chiquito Loco

8 - The Sweetheart Of Sigmund Freud

Shorty Rogers, Conrad Gozzo, Maynard Ferguson, Tom Reeves, John Howell (trompetas); Milt Bernhart, John Holliburton, Harry Betts (trombones); John Graas (corno francés); Gene Englund (tuba), Art Pepper [como Art Salt], Bud Shank (saxos altos); Jimmy Giuffre (saxo tenor y clarinete); Bob Cooper (saxo barítono); Marty Paich (piano); Curtis Counce (contrabajo); Shelly Manne (batería).

Grabaciones realizadas en Los Angeles, California, el 26 de marzo (#1 a #4) y el 2 de abril (#5 a #8) de 1953.

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Finalmente, Myers se refiere al disco que motivó su publicación y que, aunque tampoco pueda ser adjetivado como obscure, puede considerárselo muy poco tenido en cuenta actualmente. 

Así lo presenta: "Uno de los mejores álbumes de RCA de Rogers de fines de la década de 1950 fue Chances Are It Swings, que suena tan fresco hoy como debe haber sonado en ese entonces. El álbum recreó canciones de Robert Allen, cuyo Chances Are, con letra de Al Stillman, fue uno de los hits de Johnny Mathis para RCA en 1957.

El sonido compacto de Rogers lo tomó prestado del novedoso enfoque de Count Basie diseñado por el arreglador y compositor Neal Hefti, pero con líneas melódicas más secas y animadas. Si bien la portada es políticamente incorrecta según los estándares actuales, la música tiene un enorme y encendida potencia y marcó la pauta para bandas de sonido empleadas en la televisión a finales de 1950 y principios de 1960. Muchos de los músicos participantes podían doblar y triplicar los instrumentos y manejaron con facilidad los complicados arreglos de Rogers. Por muy despreocupados que suenen, el repertorio no fue fácil. Cuando hoy en día las bandas modernas adoptan estos arreglos de Rogers, carecen de la distensión y la flexibilidad de los originales".

Shorty Rogers And His Orchestra

Chances Are It Swings

Lado 1

1 - Chances Are

2 - No Such Luck

3 - It's Not For Me To Say

4 - Lilac Chiffon

5 - I Just Don't Know

6 - Who Needs You

Lado 2

7 - Everybody Loves A Lover

8 - Come To Me

9 - My Very Good Friend In The Looking Glass

10 - You Know How It Is

11 - A Very Special Love

12 - Teacher, Teacher

Shorty Rogers (trompeta y fliscorno); Conte Candoli, Pete Candoli, Don Fagerquist, Ollie Mitchell, Al Porcino, Ray Triscari (trompetas); Harry Betts, Dick Nash, Ken Shroyer (trombones); Bob Enevoldsen (trombón a válvulas); Paul Horn, Bud Shank (clarinete, flauta y sao alto); Bill Holman, Richie Kamuca (saxos tenores); Chuck Gentry (saxo barítono); Gene Estes (vibráfono); Barney Kessel, Howard Roberts (guitarras); Pete Jolly (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Mel Lewis (batería).

Grabaciones realizadas en Hollywood, California, el 9, el 12 y el 20 de diciembre de 1958. 

Retratos en Jazz #36 - Mel Tormé

Mel Tormé (1925-1999)

Nació en Chicago. Uno de los principales vocalistas masculinos del jazz. Subió a un escenario por primera vez a los cuatro años y a los nueve cantó en un programa de radio. En 1943 formó su propio grupo, Mel Tormé and His Mel Tones, precursor de los grupos vocales del jazz moderno. Después de la guerra se dedicó por completo a su carrera como cantante. En las décadas de 1950 y 1960 actuó en muchos ámbitos: en los escenarios, en la televisión y en el cine. Como compositor nos dejó muchas canciones exitosas, como Born to be Blue.

¡Olé Tormé! Mel Tormé Goes South of the Border with Billy May (Verve MGV-2117)

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Mel Tormé

¡Olé Tormé!

Lado 1

1 - At The Crossroads (Malagueña)

2 - Frenesí

3 - Adiós

4 - Baia (Bahía)

5 - Six Lessons From Madame La Zonga

6 - Rosita

Lado 2

7 - South Of The Border

8 - Niña

9 - Cuban Love Song

10 - Perfidia

11 - The Rhumba Jumps

12 - Vaya Con Dios

Mel Tormé (vocalista); Frank Beach, Pete Candoli, Conrad Gozzo, Manny Klein (trompetas); Ed Kusby, Tommy Pederson, Dave Wells, Si Zentner (trombones); Gene Cipriano, Chuck Gentry, Justin Gordon, Ted Nash,Wilbur Schwartz, Bud Shank (cañas); Red Callender (tuba); Verlye Mills (arpa); Jimmy Rowles, Al Pelligrini (pianos); Bob Gibbons (guitarra); Buddy Clark, Ralph Peña (contrabajos); Lou Singer, Larry Bunker, Alvin Stoller (baterías, marimba y percusiones); Billy May (arreglos y dirección).

Grabado en Hollywood, Los Angeles, California, el 21 de marzo (#2, #5, #7, #8 y #12) y el 2 de abril (#1, #3, #4, #6, #9, #10 y #11) de 1959.

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~ Extras ~

Al final de su minibiografía, Murakami menciona uno de las famosas composiciones de Mel Tormé: Born to be Blue. La grabó varias veces, pero su original data de marzo de 1946, acompañado por la orquesta de Sonny Burke.

Versión 78 rpm:

Versión CD:

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En la década de 1940, Mel Tormé logró un gran éxito, artístico y comercial, con su grupo vocal The Mel Tones. El conjunto se disolvió 1946, cuando Mel inició su carrera como solista. Se reagruparon ocasionalmente para proyectos especiales y estas grabaciones de 1959, tituladas a propósito como Back In Town, son un claro ejemplo de la exquisitez coral de la que fueron capaces de alcanzar.

Mel Tormé and The Meltones

Back In Town

1 - Makin' Whoopee

2 - Baubles, Bangles And Beads

3 - What Is This Thing Called Love

4 - I've Never Been In Love Before

5 - Truckin'

6 - A Bunch Of The Blues ~ Keester Parade ~ TNT ~ Tiny's Blues

7 - It Happened In Monterey

8 - I Hadn't Anyone 'Til You

9 - A Smooth One

10 - Don't Dream Of Anybody But Me (Li'l Darlin')

11 - Some Like It Hot

12 - Hit The Road To Dreamland

13 - I Hadn't Anyone 'Til You (alternate take)

Mel Torme con The Mel Tones [Sue Allen, Tom Kenny, Ginny O'Connor, Bernie Parke] (vocalistas); Marty Paich (arreglos, piano, órgano y celesta); Victor Feldman (vibráfono); Jack Sheldon (trompeta); Art Pepper (saxo alto); Bobby Gibbons, Barney Kessel, Bill Pitman, Tony Rizzi, Tommy Tedesco (guitarras); Joe Mondragon (contrabajo); Mel Lewis (batería).

Grabado en Verve Records, Los Angeles, California, el 23, 28 y 29 de abril, y el 10 de agosto de 1959.

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A mi estimado Murakami, las grabaciones de Mel Tormé secundado por los combos de Marty Paich parece que terminaron aburriéndolo. Bueno... no se puede ser perfecto en todo. Discrepando con sus consideraciones, creo que dichas grabaciones representan uno de los puntos más altos de la carrera de Tormé. Dos de esos famosos registros para el sello Bethlehem fueron reunidos en un solo disco compacto por el sello barcelonés FreshSound para su serie Jazzcity.

Utilizando los mismos patrones del tentette de Gerry Mulligan de 1953, que tanto fascinaban a Mel Tormé, estas grabaciones son verdaderas obras maestras, universalmente reconocidas como un hito en la historia del jazz vocal.

Mel Tormé And The Marty Paich Dek-Tette

The 1956 Tormé-Paich Legendary Sessions

Mel Tormé With The Marty Paich Dek-Tette

(Bethlehem BCP 52)

1 - Lulu's Back In Town

2 - I Love To Watch The Moonlight

3 - When April Comes Again

4 - The Carioca

5 - The Lady Is A Tramp

6 - When The Sun Comes Out

7 - Lullaby Of Birdland

8 - The Blues

9 - Fascinatin' Rhythm

10 - Keeping Myself For You

11 - I Like To Recognize The Tune

12 - Sing For Your Supper

Mel Tormé Sings Fred Astaire

(Bethlehem BCP-6013)

13 - Nice Work If You Can Get It

14 - Something Gotta Give

15 - A Foggy Day

16 - A Fine Romance

17 - Let's Call The Whole Thing Off

18 - Top Hat, White Tie And Tails

19 - The Way You Look Tonight

20 - The Piccolino

21 - They Can't Take That Away From Me

22 - Cheek To Cheek

23 - Let's Face The Music And Dance

24 - They All Laughed

Mel Tormé (vocalista), Marty Paich (arreglos y dirección)

#1 a #12: 

Don Fagerquist, Pete Candoli (trompetas); Bob Enevoldsen (trombón a válvulas); Bud Shank (flauta y saxo alto); Jack Montrose, Bob Cooper (saxos tenores); Jack Dulong (saxo barítono); John Cave, Vince de Rosa (cornos franceses); Albert Pollan (tuba); Red Mitchell (contrabajo); Mel Lewis (batería).

Grabado en Radio Recorders, Hollywood, California, el 16 y 17 de enero de 1956.

#13 a #24:

Don Fagerquist, Pete Candoli (trompetas); Bob Enevoldsen (trombón a válvulas); Herb Geller (saxo alto); Jack Montrose (saxo tenor); Jack Dulong (saxo barítono); Vince de Rosa (corno francés); Albert Pollan (tuba); Max Bennett (contrabajo); Alvin Stoller (batería).

Grabado en Radio Recorders, Hollywood, California, el 10 y 11 de noviembre de 1956.

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Como muestra de la "cosecha Tormé-1960" para el sello Atantic, creo apropiada la reunión de Comin' Home Baby! y Sings Sunday In New York en un solo disco compacto. El primero fue un disco cuyo tema central, quizá pensado para insertarse en la “nueva ola” de entonces (único éxito de Mel en plena surgimiento de rock-and-roll) se mezcla con estándares del jazz "adaptados" para la nueva audiencia. El segundo, inspirado en escenas de Nueva York, como bien lo indica su título, no fue bien recibido por la crítica; las preferencias musicales estaban cambiando y para los nuevos observadores, comprensiblemente, sonó a algo pasado de moda.

En ambos brilla la impresionante selección de músicos con lo más selecto de la Costa Oeste, empezando por Shorty Rogers, encargado de los arreglos.

Mel Tormé

Comin' Home Baby! & Sings Sunday In New York

Comin' Home Baby!

(Atlantic 8069)

1 - Comin' Home Baby

2 - Dat Dere

3 - The Lady's In Love With You

4 - Hi-Fly

5 - Puttin' On the Ritz

6 - Walkin'

7 - Moanin'

8 - Sing You Sinners

9 - Whisper Not

10 - On Green Dolphin Street

11 - Sidney's Soliloquy

12 - Right Now

Sings Sunday In New York

(Atlantic SD 8091)

13 - Sunday In New York

14 - Autumn In New York

15 - Lullaby Of Birdland

16 - Broadway

17 - The Brooklyn Bridge

18 - Let Me Off Uptown

19 - Forty Second Street

20 - Sidewalks Of New York

21 - Harlem Nocturne (Nocturne For The Blues)

22 - New York, New York

23 - There's A Broken Heart For Every Light On Broadway

24 - Manhattan

25 - The Time Of Day

#1 a #12:

Mel Tormé (vocalista); Shorty Rogers (fliscorno); Joe Burnett, Ollie Mitchell, Al Porcino, Ray Triscari (trompetas); Milt Bernhart, Harry Betts, Kenny Shroyer (trombones); John Kitzmiller (tuba); Bud Shank, Buddy Collette, Bob Cooper, Bill Hood (cañas); Gene Estes (vibráfono); Mike Wofford (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Larry Bunker (batería); The Cookies [Dorothy Jones, Earl-Jean McCrea, Margaret Ross] (coros).

Claus Ogerman, Shorty Rogers (dirección y arreglos).

Grabado en Hollywood, Los Angeles, California, el 11 de julio y el 13 se setiembre de 1962.

#13 a #25:  

Mel Tormé (vocalista, batería), Al Porcino, Frank Beach, Ray Triscari, Stu Williamson (trompetas); Gene Cipriano, Buddy Collette, Paul Horn, Ronnie Lang, John Lowe, Arnold Koblentz (cañas); Lew McCreary, Richard Taylor, Dick Nash, Lloyd Ulyate (trombones); John Kitzmiller (tuba); Dave Barbour (guitarra); Jimmy Rowles (piano); Joe Mondragon (contrabajo); Shelly Manne (batería). 

Orquesta de cuerdas: Harry Bluestone, Israel Baker, Marvin Limonick, Gerald Vinci, James Getzoff, Lou Raderman, Paul Shure, Henry Roth (violines); Alvin Dinkin, Allan Harshman (violas); Margaret Aue, Edgar Lustgarten (violonchelos); Dorothy Remsen (arpa).

Johnny Williams, Dick Hazard, Shorty Rogers (dirección y arreglos).

Grabado en Hollywood, Los Angeles, California, el 2, 4 y 7 de diciembre de 1963.

El Canon del Jazz #12 - Autumn In New York

Autumn In New York

Compuesta por Vernon Duke

El compositor Vernon Duke siempre trabajó codo con codo con los letristas de más talento de su época —gente como Johnny Mercer, Ira Gershwin, Sammy Cahn, Yip Harburg y Ogden Nash—, pero la letra de "Autumn in New York" es de su cosecha. Aunque las circunstancias de su concepción fueron fortuitas, los resultados perduraron en el tiempo. A diferencia de la mayoría de sus títulos más conocidos, Duke no compuso "Autumn in New York" por encargo ni con un espectáculo en mente; la canción fue simplemente fruto de la nostalgia de la Gran Manzana que sintió el compositor durante una estancia en Westport (Connecticut) a finales del verano de 1934. Pese a ello, esta composición huérfana no sólo se convertiría en una de sus creaciones más populares, sino que sería el estándar de temática neoyorquina por antonomasia hasta 1977, año en que John Kander y Fred Ebbs alcanzaron cotas de grandilocuencia nunca holladas con la canción "New York, New York".

Pero no puedo atribuir todo el mérito a Duke. Ese mismo año de 1934, el compositor ya había cosechado un éxito enorme con "April in Paris", y la nueva canción explotaba ese mismo concepto de "ciudad y estación", así como la imaginería nostálgica que el letrista Yip Harbur había aportado a la composición precedente. No obstante, la audacia verbal de Duke es digna de encomio. ¿Cuántos autores de canciones, a la hora de buscar una rima para "inviting" (incitante) se la jugarían con una torsión morfológica del calibre de "thrill of first-nighting" (la emoción del "estrenamiento")? ¿O cuántos, pensando en los neoyorquinos, imaginarían "soñadores de manos vacías" que suspiran por "países exóticos"?

Vernon Duke era, asimismo, un compositor de fuste, y esta pieza, más que cualquiera de sus otras creaciones de éxito, parece a caballo entre la ambición académica y la estrategia comercial, sobre todo por lo inusitado de su movimiento armónico. Cuando la canción, en última instancia, se resuelve en un Fa menor, es posible desandar el camino y contemplar la complejidad de una estructura jalonada de pistas falsas que en ningún momento, a lo largo de sus primeros veinticuatro compases, insinúa ese acorde final. La melodía, con su alternancia de frases ascendentes y descendentes, casa a la perfección con el arco emocional de la letra. 

"Autumn in New York" encontró un sitio en Thumbs Up, la revista de Murray Anderson; Duke se la ofreció al productor cuando se enteró de que estaban buscando una canción que ensalzase el Manhattan otoñal. Pero el espectáculo, que se estrenó en diciembre de 1934, nunca llegó a la estación de las hojas caídas, pues se canceló a primeros de mayo, tras ciento cincuenta y seis funciones.

La canción despertó escaso entusiasmo y languideció durante quince años, hasta que Frank Sinatra la convirtió en un éxito con su versión de 1947. El cantante, cuyas interpretaciones siguen siendo el rasero con el que se miden todas las demás revisiones de "Autumn in New York", la retomaría en dos sesiones otoñales: en octubre de 1957, para la grabación del disco Come Fly with Me y, por fin, un día de otoño en la mismísima Nueva York, durante el celebrado recital que ofreció en el Madison Square Garden, en octubre de 1974.

La canción ha inspirado un buen puñado de reconfiguraciones estrafalarias. La interpretación de Bud Powell en Birdland, de 1953, con el apoyo de Charles Mingus y Art Taylor, resulta tan elocuente como inquietante, con esa rítmica en cruz y una paleta tonal que por momentos parece más indicada para la banda sonora de una

película de terror que para un trío de jazz moderno. Shelly Manne, en su versión de 1954, prescinde por completo de contrabajo y de instrumentos armónicos para entablar un diálogo musical de vanguardia con Shorty Rogers y Jimmy Giuffre. Y Steve Kuhn, en la interpretación a piano sólo que ofreció en el Maybeck Recital Hall en 1990, inserta de vez en cuando algún que otro acorde, pero sin que por lo general guarden relación con los de la partitura original de Vernon Duke. Se trata de una versión en monólogo interior que, efectivamente, termina llevándonos a Manhattan: pero sólo después de muchos rodeos.

Versiones recomendadas por Ted Gioia

1 - Frank Sinatra, Nueva York, 4 de diciembre de 1947 

2 - Billie Holiday, Los Ángeles, mayo de 1952 

3 - Bud Powell (con Charles Mingus), grabado en directo en el Birdland de Nueva York, 30 de mayo de 1953 

4 - Modern Jazz Quartet, extraída de Django, 25 de junio de 1953 

5 - Dexter Gordon, extraída de Daddy Plays the Horn, Hollywood, 18 de septiembre de 1955 

6 - Shelly Manne, Jimmy Giuffre y Shorty Rogers, 

extraída de "The Three" & "The Two", Hollywood, 10 de septiembre de 1954 

7 - Steve Kuhn extraída de Live at Maybeck Recital Hall, Vol. 13, grabado en directo en el Maybeck Recital Hall de Berkeley (California), 18 de noviembre de 1990   

8 - Mark Turner, extraída de Mark Turner, Nueva York, 7 de diciembre de 1995 

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-- Disco Elegido --

Shelly Manne

"The Three" & "The Two"

"The Three" & "The Two" de Shelly Manne, un par de sesiones grabadas con cuatro días de diferencia en septiembre de 1954 y originalmente lanzadas por separado en LP de diez pulgadas, son posiblemente los discos más inusuales y atrevidos en la extensa y variada discografía del baterista. 

Para estas grabaciones, nunca más acertado lo que dijo Ted Gioia de Shelly Manne: "Quizás la clave para comprender su logro es darse cuenta de que, a pesar de las virtudes de sus habilidades instrumentales, se veía a sí mismo, quizás más que a cualquiera de sus contemporáneos, primero como músico y como baterista en segundo lugar".

Estas sesiones decididamente experimentales comparten un origen de circunstancias bastante convencionales. Manne tocaba la batería (ya veces co-dirigía) un grupo popular de la costa oeste llamado “Shorty Rogers and His Giants”. Las actuaciones en vivo del grupo a menudo incluían breves segmentos con Manne y dos instrumentos de aliento (generalmente la trompeta de Rogers y el clarinete de Jimmy Giuffre, excluyendo al pianista y al bajista). En otros casos, Manne y el pianista Russ Freeman improvisaban mientras el resto del grupo se tomaba un descanso.

Uno de los principales objetivos de estas agrupaciones circunstanciales y atípicas era encontrar nuevos sonidos que abarcaran un grado de libertad rítmica, sin abandonar el swing convencional. Ese intento de expansión de fronteras, un deseo de unir lo viejo y lo nuevo, se refleja perfectamente en el ecléctico "The Three" & "The Two", que incluye: la integración del jazz con formas musicales europeas, como el rondó y el dodecafonismo; improvisación libre y sin ensayar; temas de Freeman, basados en sus segmentos de conciertos en vivo con Manne; y versiones inusuales de composiciones del saxofonista Charlie Parker, como también tratamientos novedosos de temas del cancionero estadounidense.

La importancia de "The Three" & "The Two" radica en la forma en que la personalidad musical de Manne brilla en cada tema. La fuerza, la inteligencia, el ingenio y la voluntad para correr riesgos, así como su deseo de sumergirse en lo más profundo de la música con la pura alegría de tocar la batería, prospera y trasciende la naturaleza experimental y quizás, constituya el primer ejemplo grabado de free jazz. La ausencia de un bajista, el empleo de formas inusuales y la presencia de tres compañeros que claramente querían hacer las cosas de manera diferente a la mayoría de los músicos de jazz de mediados de la década de 1950, fueron factores que contribuyeron a algunas de las mejores interpretaciones de sus prolíficas carreras. Al final, al igual que cualquier gran artista de jazz, el logro característico de Manne en estos registros fue simplemente ser él mismo.

"The Three"

1 - Flip

2 - Autumn In New York

3 - Pas De Trois

4 - Three On A Row

5 - Steeplechase

6 - Abstract No.1

"The Two"

7 - The Sound Effects Manne

8 - Everything Happens To Me

9 - Billie's Bounce

10 - With A Song In My Heart

11 - A Slight Minority

12 - Speak Easy

Shelly Manne (batería), Shorty Rogers (trompeta #1-6), Jimmy Giuffre (clarinete, saxos tenor y barítono #1-6), Russ Freeman (piano #7-12)

"The Three", grabado en Los Angeles, California, el 10 de setiembre de 1954 

"The Two", grabado en Los Angeles, California, el 14 de setiembre de 1954