~~ Una forma de continuar ~~

 Tiempo de emigrar

Cumplido un ciclo de muchos años, Quintaesencia buscará una  nueva aventura desde otro sitio al cual todos están invitados.

Eric Dolphy - Outward Bound

La estela del cometa Dolphy aún perdura en el firmamento del jazz. Es como un ángel custodio de la libertad y la desenvoltura expresiva de cuanto improvisador haya escogido desasirse de constricciones. Como los grandes artistas de lo esencial (Giorgio Morandi, Giuseppe Ungaretti, Yasujirō Ozu) Eric Dolphy era un virtuoso de lo que sabía hacer, pero sus habilidades no pesaban sobre las de los otros: su singularidad eran el albedrío y la sorpresa.

Ya durante los años cincuenta rompió los esquemas de la improvisación: el tono permanecía, pero la métrica y la sintaxis eran aparentemente caprichosas, como lo son todos los sistemas lógicos cuyos códigos se custodian en secreto. ¿Dónde los guardaba Eric Dolphy? Probablemente en el jardín de los sueños. 

Lo cierto es que cuando grabó este primer disco a su nombre en 1960 —el segundo año del mejor trienio de la historia del jazz—, fue advertido por las mentes despejadas, con Coltrane, Mingus y Ornette Coleman a la cabeza.

La formación es la de un quinteto de hardbop aparentemente convencional: Eric Dolphy (saxo alto, flauta, clarinete bajo), Freddie Hubbard (trompeta), Jaki Byard (piano), Geroge Tucker (contrabajo) y Roy Haynes (batería); pero allí termina todo supuesto, y desde luego la adscripción al hardbop. Es una música intensa, a veces vehemente, libre y majestuosa, donde la entrega de cada integrante es total.

El solismo de Dolphy se despega de las normas imperantes aun apoyado en una sección rítmica de pulsos regulares. Pero también hemos de notar el flagrante desgarro pianístico de Jaki Byard, un artista que siempre optó por las soluciones novedosas sin olvidar la tradición. Un disco imperdible. *Carlos Sampayo*

Eric Dolphy

Outward Bound

1 - G.W.

2 - On Green Dolphin Street

3 - Les

4 - 245

5 - Glad To Be Unhappy

6 - Miss Toni

7 - April Fool

8 - G.W. (alternate take 1)

9 - 245 (alternate take 1)

Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo y flauta), Freddie Hubbard (trompeta), Jaki Byard (piano), Geroge Tucker (contrabajo), Roy Haynes (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 1 de abril de 1960. 

Johnny Coles - Huellas de un modesto gigante

Johnny Coles nació en Trenton, Nueva Jersey, el 3 de julio de 1926. Fue un estilista que se distinguió por su tono cálido y suave, por su discurso austero pero lleno de matices y que no ocultaba la admiración por Miles Davis.

Comenzó a estudiar la trompeta a los diez años y su primer trabajo profesional fue con la Carolina Cotton Pickers, una banda creada en 1933 organizada con músicos de la Jenkins Orphanage Band. En 1948 se unió al grupo de Eddie Vinson con el que permaneció hasta 1951. Desde entonces tocó junto a una larga lista de grandes músicos: Earl Bostic y Philly Joe Jones (1951), la banda de blues liderada por Bull Moose Jackson (1952), James Moody (1956-1958), Gil Evans (1959), Charles Mingus y George Coleman (1964).

En 1965, los críticos especializados de la revista Down Beat lo proclamaron como el mejor trompetista del año en su encuesta anual y en 1968 formó parte del sexteto liderado por el pianista Herbie Hancock. Un año después se integró a la orquesta de Ray Charles abandonándola dos años más tarde para incorporarse a la de Duke Ellington (1971-1974).  También estuvo con Art Blakey (1976) y con la Count Basie Orchestra, bajo la dirección de Thad Jones, en 1985 y 1986.

Intervino como sideman en treinta grabaciones, pero dejó solo cuatro álbumes como líder. Murió en Filadelfia el 21 de diciembre de 1996.

El único disco a su nombre registrado para el sello Blue Note, titulado con su apodo ("el pequeño Johnny C"), forma parte de la lista de la década de 1960 que destaca Carlos Sampayo en su libro:

Una perla es este disco; se trata de una de las obras menos conocidas del catálogo Blue Note y (atención, no exagero) uno de los mejores momentos del hardbop grabado. Como LP desapareció rápidamente de circulación, hasta que Toshiba se animó a rescatarlo (y venderlo caro, carísimo) en 1988.

Cinco composiciones de Duke Pearson (que entonces era asesor y director musical del sello) y una de Joe Henderson son el soporte de esta obra genuina, intensa y emocionante, primera de las pocas incursiones como líder del gran trompetista.

Coles, un continuador de Miles Davis por vía indirecta (la más difícil e inaferrable) ofrece aquí lecciones de sonoridad, sensibilidad, lirismo y esa "negritud" que no es solo furia y extroversión, sino también serena espera, poesía. Esta sincera disposición artística de Coles fue captada por personajes como Gil Evans y Charles Mingus, que consideraron su sonoridad como parte necesaria de sus propios universos musicales.

La comitiva del trompetista en su disco está en aguda sintonía con el tirón que propone el líder, en especial Joe Henderson, cómo no, y Pete La Roca, baterista melódico y dialogante, amigo de exabruptos controlados. Los arreglos, del propio Coles y Duke Pearson, establecen un clima de penetrante certidumbre que se mantiene durante la entera duración de este extraordinario ejemplar de Blue Note.

Un añadido: los expertos en Reid Miles opinan que la carátula de Little Johnny C es una de las mejores de su carrera como diseñador del sello.

Johnny Coles

Little Johnny C

1 - Little Johnny C

2 - Hobo Joe

3 - Jano

4 - My Secret Passion

5 - Heavy Legs

6 - So Sweet My Little Girl

Johnny Coles (trompeta); Leo Wright (saxo alto y flauta); Joe Henderson (saxo tenor); Duke Pearson (piano); Bob Crenshaw (contrabajo); Walter Perkins [#1 a #3], Pete La Roca [#4 a #6] (baterías).

Grabaciones realizadas en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 18 de julio (#1 a #3) y el 9 de agosto (#4 a #6) de 1963. 

Horace Parlan - Modelo de resiliencia

Horace Parlan nació en Pittsburgh el 19 de enero de 1931. Comenzó a estudiar piano a muy temprana edad, pero tuvo la desgracia de contraer poliomielitis en su niñez lo que le provocó la incapacidad de usar los dos dedos medios de su mano derecha. Sin embargo, con la ayuda de su profesora Mary Alston y del contrabajista Wyatt Ruther, siguió estudiando el instrumento, desarrollando una personalísima forma de tocar con su mano izquierda y siguiendo sus influencias pianísticas: Admah Jamal y Bud Powell. 

Su característico estilo al piano, deudor en parte de sus raíces bluseras y del rhythm and blues, combina unas frenéticas frases de gran energía rítmica con la mano derecha y originales acordes con la mano izquierda.

Entre 1952 y 1957, tocó en los alrededores de Pittsburgh, excepción hecha de una breve estancia en Washington con Sonny Stitt. En octubre de 1957, entró a formar parte del "Jazz Workshop" de Charles Mingus, actuando en distintos clubes y participando en algunas giras del contrabajista. Entre 1959 y 1960, su ámbito de actuación fue Nueva York con el saxofonista Lou Donaldson y, hasta 1961, fue miembro del grupo formado en cooperativa por Booker Erwin, Al Harewood y George Tucker, denominado "Play House Four". Tocó también con el quinteto de Eddie Davis y Johnny Griffin, disuelto poco después en 1962.

Desde noviembre de 1963, hasta marzo de 1966, estuvo con el grupo del multiinstrumentista, Roland Kirk. Viajó a Europa varias veces y en 1973, se afincó en Copenhague, donde aprovechó el auge del jazz en Los Países Bajos y Escandinavia para grabar con músicos locales, con colegas americanos de paso por Europa y con Dexter Gordon, también residente en Europa por aquellas fechas. 

Horace murió en una residencia de ancianos de Korsør, Dinamarca el 23 de febrero de 2017.

Up & Down es uno de sus discos para el sello Blue Note que Carlos Sampayo refiere y recomienda en su libro:

Como tantos discos grabados en los años 1959, 1960 y 1961, este forma parte del corpus del jazz vivo.

Un viaje retrospectivo revelará que en la escena del jazz coexistían Armstrong y Ellington con Max Roach, Booker Little y Eric Dolphy. Que Ornette Coleman podía cruzarse con Bobby Hackett por una calle cualquiera. Todas las generaciones en pie de guerra, o en pie de amor. La música, el jazz, vibraba entonces porque era el único arte donde convivía su génesis con la disolución de sus formas.

Un disco como este pasaría entonces inadvertido, como uno más de Blue Note, y no es injusto que así fuera con la ingente cantidad de buena música que circulaba para solaz de los aficionados. Esta música es inimitable, pero no su espíritu. Tocan Horace Parlan (piano), Booker Ervin (saxo tenor), Grant Green (guitarra), George Tucker (contrabajo), Al Harewood (batería). Hay aquí un ardor clásico, una reverberación propia, un espíritu irrepetible.

Parlan y Ervin eran entonces mingusianos fieles. Fuera de los contextos de Mingus hacían los que casi todos los acólitos del contrabajista: tocar blues, explorar las esencias, volver a las raíces, devolver y mantener con vida el espíritu de los fundadores. Una época irreproducible (salvo una parte, a través de los registros fonográficos). Hoy busca, como toda buena música del pasado, un oído respetuoso y con vocación de disfrute.

Horace Parlan

Up & Down

1 - The Book's Beat

2 - Up and Down

3 - Fugee

4 - The Other Part Of Town

5 - Lonely One

6 - Light Blue

7 - Fugee (alternate take)

Horace Parlan (piano), Booker Ervin (saxo tenor), Grant Green (guitarra), George Tucker (contrabajo), Al Harewood (batería).

Grabado en Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 18 de junio de 1961. 

George Russell - Teoría estética

George Russell, "pensador del jazz" (la frase es de John Lewis), escribió sus primeros arreglos en 1940, cuando tenía diecisiete años y tocaba la batería en la orquesta de Benny Carter. Después se enroló en la de Earl Hines hasta que, en 1945, fue hospitalizado a raíz de una dolencia pulmonar. Cuando salió del hospital, dieciséis meses más tarde, vendió a Dizzy Gillespie un arreglo de "Cubana Be, Cubana Bop" que hizo furor. Interesado en el bebop, se rodeó de músicos de esa tendencia, como Charlie Parker, Lewis y Gil Evans.

En 1949 sorprendió con su composición "A Bird in Igor's Yard", grabada por Buddy de Franco, donde fundía elementos parkerianos con impresiones a la Igor Stravinsky. En 1951, Miles Davis y Lee Konitz graban su composición "Ezz-Thetics", que Russell compuso en este disco, al cual da título.

En 1953 publicó un tratado que se revelará fundamental en el jazz de años sucesivos, e influirá en sus cambios radicales: Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization. Allí presentaba una alternativa en la práctica de la improvisación, abandonando las relaciones entre las escalas mayores y menores tradicionales en la música occidental y desarrollando una nueva fórmula que se basa en una escala o unas series de escalas para la improvisación, que con el tiempo llegaron a conocerse en el jazz como "escalas modales" y que dio surgimiento al futuro jazz modal.

En 1960 Russell dio forma a un sexteto, del que fue pianista, con el que grabó cinco discos, de los cuales Ezz-Thetics es el más emblemático. El grupo se disolvió en 1962, cuando Russell emigró a Europa.

El compositor pone en práctica aquí su teoría, apoyada en unos integrantes y solistas de primer orden: Don Ellis (trompeta), Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo), DaveBaker (trombón), Steve Swallow (contrabajo), Joe Hunt (batería) y él mismo como pianista.

Baker, estrecho colaborador de Russell, sorprende por la síntesis entre lo modal y un sentido profundo del blues. Ellis era, en aquel momento, una voz brillante en la trompeta, marcadamente vanguardista. Dolphy... era Dolphy. Un CD obligatorio en una discoteca seria. * Carlos Sampayo (de su libro Discografía Personal del Jazz *

George Russell Sextet

Ezz-thetics

1 - Ezz-thetic

2 - Nardis

3 - Lydiot

4 - Thoughts

5 - Honesty

6 - 'Round Midnight

7 - Kige's Tune (take 2)

8 - Kige's Tune (take 5)

George Russell (piano y arreglos), Don Ellis (trompeta), Dave Baker (trombón), Eric Dolphy (saxo alto y clarinete bajo [#2 y #4]), Stephen Swallow (contrabajo), Joe Hunt (batería).

Grabado en Nueva York, el 8 de mayo de 1961. 

Wynton Kelly - Elegante maestría

Wynton Charles Kelly nació en Jamaica el 2 de diciembre de 1931. Cuatro años más tarde, su familia se trasladó a los Estados Unidos, estableciéndose en Nueva York, más precisamente en el distrito de Brooklyn. 

Comenzó su carrera profesional siendo aún adolescente, iniciándose como músico de rhythm and blues con artistas como Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Destacó como acompañante de Lester Young entre 1951 y 1952 y, tras su servicio militar volvió al mundo musical colaborando con Dinah Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), y con la Big Band de Dizzy Gillespie (1957). En 1959 comenzó su colaboración con Miles Davis (1959-1963) con quien grabaría álbumes como Kind Of Blue, At The Blackhawk, o Someday My Prince Will Come. Tras abandonar a Davis formó su propio trío con el resto de la sección rítmica de la banda.

Su temprana muerte, ocurrida en Toronto, Canadá, e 12 de abril de 1971, privó al jazz de una de sus figuras más inventivas. La crítica especializada es coincidente en dos aspectos: su enorme figura nunca recibió la atención que merecía y su maestría quedó de manifiesto en sus pianos tríos, a través de los que exhibió un estilo impecable, elegante y rebosante de swing, creando escuela entre muchos pianistas.

Wynton Kelly dejó un valioso legado discográfico para los sellos Blue Note, Riverside, Verve, Milestone y Vee-Jay. Y son los tres álbumes como líder para este último los que reseña Carlos Sampayo en el libro que estamos repasando:

El estilo de Wynton Kelly dio pautas rotundas para la formación de secciones rítmicas durante los años sesenta. Esencial y práctico, su modo de afrontar el teclado no daba lugar a descartes ni dudas. Poseía una colosal fuerza de arrastre y supo congeniar el swing (que Cannonball Adderley le atribuía como cualidad "natural") con las sutilezas propias del artista con un discurso individual y solo en apariencia simple.

La complejidad oculta de Kelly reside en el poder de persuasión sobre los otros solistas sin invadir su terreno, la facilidad para poner en marcha una maquinaria sin grietas y la llaneza con que usaba pocas ideas básicas para expresar argumentos diferentes.

Como acompañante era el non plus ultra codiciado por todos (allí está la segunda época dorada de Miles Davis como testimonio), mientras que como solista aportó algunas ideas y recursos que, siendo en él originales, usadas por otros suenan a pegote pringoso: nadie ha podido emular sus escalas ascendentes y descendentes, con interrupciones leves, retardos y aceleraciones apenas perceptibles que las transformaban en algo más que una escala y la divorciaban del estereotipo.

Kelly representa esa suerte de gran talento reposado que es sustento de encanto y armonía. No era un genio del piano (hay pocos), pero sí un artista íntegro y fiel a un lenguaje personal.

Las tres referencias del sello Vee Jay muestran a un pianista en el mejor momento de su carrera.

Cuando grabó Kelly Great —su única experiencia como líder de un quinteto con Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Paul Chambers (contrabajo) y Philly Joe Jones (batería)— ya había grabado varios discos para otros sellos, era un partenaire muy solicitado e integraba el quinteto de Miles Davis. Esta sesión fue también un banco de pruebas para Wayne Shorter, que haría su primera grabación como líder cuatro meses después; se trata de un disco especial para apreciar las cualidades de Kelly como acompañante (aquí en situación de liderazgo), de una música muy estimulante y sin edad.

Wynton Kelly

Kelly Great

1 - Wrinkles

2 - Mama G

3 - June Night

4 - What Know

5 - Sidney

Lee Morgan (trompeta), Wayne Shorter (saxo tenor), Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Fine Sound Studios, Nueva York, el 12 de agosto de 1959.

⁂

En Kelly at Midnite (hubo una versión en pseudo vinilo titulado, británicamente Kelly at Midnight), el pianista y quienes mejores conjugaron con sus intenciones —Paul Chambers (contrabajo), rotundo, y Philly Joe Jones (batería), angelical— vuelven a redondear —años más tarde en forma de reedición— el ideal del trío; Kelly exige aquí proezas novedosas a su mano izquierda, con éxito.

Wynton Kelly

Kelly At Midnite

1 - Temperence

2 - The Weird Lullaby

3 - On Stage

4 - Skatin'

5 - Pot Luck 

Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabado en Bell Sound Studios, Nueva York, el 27 de abril de 1960.

⁂

En Wynton Kelly!, un doble que incluye —en el segundo CD— el entero set de tomas alternativas en su momento editadas en Japón en un CD independiente, se presenta la que fue la gran sección rítmica de Davis con Kelly (con la excepción de Sam Jones en algunos temas y Jimmy Cobb en batería). Un disco que no pasó inadvertido a la crítica de la época y cosechó elogios encendidos. Solo puedo decir que quizás aquí se encierre lo mejor de su música grabada; y esta acotación no es trivial porque quienes lo escucharon en vivo y directo afirman que era capaz de promover las mayores exaltaciones en el público presente.

Wynton Kelly Trio

Wynton Kelly!

*CD 1*

1 - Come Rain Or Come Shine [**]

2 - Make The Man Love Me [**] 

3 - Autumn Leaves [*]

4 - Surrey With The Fringe On Top [**]

5 - Joe's Avenue [*]

6 - Sassy [**]

7 - Love, I've Found You [**]

8 - Gone With The Wind [**]

9 - Someday My Prince Will Come [*]

10 - Char's Blues [**]

*CD2*

1 - Autumn Leaves (take 1) [*]

2 - Autumn Leaves (take 2) [*]

3 - Autumn Leaves (take 3) [*]

4 - Char's Blues (take 1) [**]

5 - Char's Blues (take 2) [**]

6 - Joe's Avenue (take 1) [*]

7 - Joe's Avenue (take 4) [*]

8 - Joe's Avenue (take 8) [*]

9 - Joe's Avenue (take 9) [*] 

10 -  Someday My Prince Will Come (take 6) [*]

11 - Surrey With The Fringe On Top (take 3) [**]

Wynton Kelly (piano); Paul Chambers [*], Sam Jones [**] (contrabajos); Jimmy Cobb (batería).

Grabaciones realizadas Bell Sound Studios, Nueva York, el 20 [*] y el 21 [**] de julio de 1961. 

Phineas Newborn Jr. - Prodigioso mundo aparte

De padre baterista y director de orquesta y de madre pianista y cantante, Phineas Newborn Jr. emprendió estudios musicales desde niño profundizándolos después en el bachillerato y en la Universidad. Debutó en 1947 con Saunders King y estuvo en Memphis con diversas formaciones locales hasta 1950, año en que se unió a la orquesta de Lionel Hampton, con quien permaneció dos años, hasta 1952. Tras una efímera colaboración con los "Tennessee State Collegians", en 1953 tocó con Willis Jackson hasta que tuvo que hacer el servicio militar.

Entre 1955 y 1956 formó su propio cuarteto, con el que, en mayo de 1956, se trasladó a Nueva York para firmar un contrato por dos años en el afamado club "Bassin Street". Más adelante convirtió su cuarteto en un trío y en 1958 todavía redujo más el grupo formando un dúo con el contrabajista Charles Mingus, con quien apareció en la película "Shadows", de John Cassavettes.

En el otoño de ese mismo año, viajó por primera vez a Europa, alcanzando un gran éxito y demostrándole al entendido público francés, que su preparación técnica y su dominio del piano no tenía nada que envidiarle a los más grandes. A mediados de 1960, una larga y penosa enfermedad, sumada a una lesión en una de sus manos, le obligó suspender por una larga temporada su carrera profesional dado que tuvo que ser ingresado en el Camarillo Hospital, la misma clínica donde estuvo internado Charlie Parker. Cuando reanudó su actividad, a finales de 1970, se dedicó a tocar de manera habitual con su trío en la zona de Los Angeles, donde demostró que su feeling estaba intacto. Según el crítico e historiador de jazz Nat Hentoff, su muerte llevó a la creación de la "Jazz Foundation of America", una organización dedicada subvencionar los gastos médicos de importantes artistas del mundo del jazz.

Sus grabaciones para el sello Contemporary, en especial el debut para dicho sello —A World Of Piano!— siguen siendo consideradas de máximo interés jazzístico y Carlos Sampayo reseña este álbum de la siguiente manera: 

Leonard Feather opinaba que Newborn era el más grande pianista de jazz de todos los tiempos después de Art Tatum y Bud Powell. Es una opinión extrema, pero Feather no era amigo de hipérboles.

Newborn, que nació en 1931 en un pueblo de Tennessee, fue un niño prodigio y un adulto inestable. Su carrera comenzó en los primeros años cincuenta en bandas de rhythm and blues y tras su traslado a Nueva York en 1956 se dedicó exclusivamente al jazz. En palabras de George Avakian, "parecía nacido para esto".

Una serie de discos grabados para el sello Contemporary pone en evidencia esa predisposición sustentada en un talento creador que en la improvisación no muestra grietas; pero no es lo único: poseedor de una técnica deslumbrante inventó (más bien perfeccionó) un modo de improvisación a dos manos concordante donde los acordes estaban implícitos y se insertaban como por arte de magia en la melodía que estaba creando... mientras la creaba.

También fue un maestro absoluto en el arte del tiempo, secreto jazzístico por excelencia; el ritmo fluía con llaneza y aparentemente sin obstáculos.

De los discos de Newborn para Contemporary —ambién muy buenos los Atlantic y los Roulette— elegimos este porque condensa y resume todas sus cualidades. Sus versiones de "Cheryl" (Charlie Parker), "Daahoud" (Clifford Brown) y "Oleo" (Sonny Rollins) son casi insuperables en trío de piano.

Una versión muy emotiva de "Lush Life" (Strayhorn) es precedida por la introducción de la "Sonatine" de Maurice Ravel, como si se tratara de la misma música. Acompañan al pianista Paul Chambers o Sam Jones (contrabajo) y Philly Joe Jones o Louis Hayes (batería).

Enfermo de esquizofrenia, afección que lo llevó a períodos de interrupción profesional y hospitalización, Phineas Newborn Jr. murió en Memphis en 1989.

Phineas Newborn Jr.

A World Of Piano!

1 - Cheryl

2 - Manteca

3 - Lush Life

4 - Dahoud

5 - Oleo

6 - Juicy Lucy

7 - For Carl

8 - Cabu 

Phineas Newborn Jr. (piano) en trío con:

#1 a #4:

Paul Chambers (contrabajo), Philly Joe Jones (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 16 de octubre de 1961.

#5 a #8:

Sam Jones (contrabajo), Louis Hayes (batería).

Grabados en Comtemporary Records' Studio, Los Angeles, California, el 21 de noviembre de 1961.