Ghostbusters (2016)

Género: Comedia
Dirección: Paul Feig

Protagonistas: Kate McKinnon, Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Chris Hemsworth 
Duración: 110 minutos

Año : 2016 

En tiempos donde las nuevas ideas escasean y prácticamente todo lo que vemos en la industria del cine responde a un copy/paste descarado, enterarme de la realización de un refrito para el clásico “Ghostbusters” de 1986, digamos que mucho no me motivó. Tiempo después me entré que el filme tendría como protagonistas a cuatro mujeres, lo cual algo de morbo instaló en mi, sin embargo, por respeto a la historia me mantuve a distancia por varios años de la película, que el perfume a desastre estaba en el aire. 

Pero al fin llegó la hora y como corresponde, junto a mis hijos, me senté este fin de semana que recién pasó a ver este Ghostbuster 2.0 y grata sorpresa me llevé al encontrarme con un filme que en el global posee más méritos que pecados. En primer lugar, el que la película tenga como protagonistas a cuatro divertidas mujeres, ya es todo un acierto. Son ellas quienes llevan el mando acá y nosotros (hombres) somos meros espectadores, representados/ridiculizados además por una especie de secretario guapo y estúpido (Chris Hemsworth), en un guiño evidente hacia la cosificación histórica que el cine ha ejercido hacia la figura de la mujer. 

Y desde ahí, casi todo acierta (casi, que defectos hay). La historia es dinámica, se nos presentan poco a poco los personajes, los fantasmas que van apareciendo en la ciudad y tenemos a estas científicas que intentan buscar credibilidad en torno al tema. Te ríes, te pasas un buen rato y te emocionas cuando la película realiza evidentes guiños a la cinta original, con apariciones estelares (y muy breves) de Dan Aykroyd, Bill Murray, Sigourney Weaver, el hombre de malvavisco gigante y, por supuesto, pegajoso (Slimer en la versión en inglés).

¿Lo bueno? La sensación de estar frente a una película que algo intentó decir, lo cual por si solo implica un mérito que la coloca por sobre muchísimos pero muchísimos refritos realizados durante todos estos años. 

¿Lo malo? Ciertos sin sentidos en la aparición de armas extraordinarias creadas con no se que dinero ni tecnología o un guión que a ratos se vuelve algo empalagoso, sobretodo tras la aparición de un antagonista bastante débil. También me parece que los “personajes clásicos” que aparecen en la película no son tan bien utilizados como podría haber sido.

¿Donde se puede ver? Está en Netflix.

3.5: Muy buena!

Saló o 120 Días De Sodoma (Italia, 1975)

Género: Drama erótico (?)
Dirección: Pier Paolo Pasolini

Protagonistas: Paolo Bonacelli, Giorgio Catardi, Umberto Paolo
Duración: 115 minutos

Año : 1975

Me ha costado escribir acá últimamente, sin embargo, días atrás me encontré en PopCornTime con este clásico, la última y controvertida obra del escritor dramaturgo italiano Pier Paolo Pasolini y bueno, tenía que volver acá para escribir respecto a lo revisado, me refiero por supuesto a "Saló o 120 días de Sodoma", con seguridad una de las películas más enfermas que he visto en mi vida (si es que no la más). Y es que directores controvertidos uno ha visto, cineastas capaces de situarnos en lugares incómodos en el que no queremos estar pero que acabamos disfrutando, sin embargo, hasta el más retorcido de estos parece un niño de pecho al lado de la ausencia de moral que Pasolini transmite en la dirección de la que fue su última película.

La trama de "120 días de Sodoma" es simple y su relato en general bastante plano, sitúa su historia en la localidad de Saló en la Italia nazi de los años 40 (primer guiño político que la película realiza) en donde cuatro personajes poderosos secuestran a dieciocho jóvenes (hombres y mujeres) a quienes deciden al interior de una mansión someter a una serie de abusos violentos, sexuales y degradantes, con la ayuda de una serie de ex prostitutas y un grupo de "soldados" (subalternos a cargo también de ellos). De esta forma la cinta se divide en cuatro segmentos, un "Antes del infierno" donde observamos como estos cuatro personajes deciden iniciar el ritual compartiendo entre si a sus hijas, el secuestro de los jóvenes y el dictado de reglas (prohibido el rehusarse a realizar algún acto o mencionar la palabra Dios dentro de la mansión, entre otras) y luego tendremos un "Círculo de las manías" donde cada ex prostituta comienza a realizar un relato (de abusos y violaciones sufridas en su infancia principalmente), lo cual excita a estos cuatro personajes y les provoca realizar cuanto acto les de la gana realizar. En este momento comenzamos a observar la ausencia de moral tanto en los personajes como en la dirección de Pasolini, acá absolutamente todo está permitido, cualquier tipo de perversión y abuso. Pasaremos luego al "Círculo de la mierda", donde a raiz de un relato todos en escena deben comer mierda (tal cual) y una finalización a cargo del "Círculo de la sangre", el cual relata el cierre de todo este ritual y presenta las escenas más violentas de la película. 

Ahora, realizando un análisis más profundo, resulta evidente el que para esta película Pasolini utilizó la controversia como gancho, es decir, intentó generar polémica con escenas absolutamente explícitas para que el mundo se interesara en su mensaje. ¿Y este cual es? Principalmente uno: la ausencia absoluta de moralidad en el ser humano cuando este cuenta con impunidad en el poder. Ahí la crítica se hace evidente desde los apodos con que estos cuatro personajes se hacen llamar ("presidente", "magistrado", "duque" y "obispo", poder político, judicial, real y eclesiástico). Yendo más al fondo hay muchos simbolismos que vuelven a esta película un plato tan asqueroso como exquisito (¡tremenda contradicción!), el como los abusados comienzan en algún momento a delatarse con tal de sobrevivir, un guardia que es asesinado pero antes de morir alza el puño comunista dejando perplejos a estos poderosos por algunos segundos o esa fantástica escena final en donde dos soldados, frente a la masacre presenciada, comienzan a bailar un vals, representando con esto la naturalización de la violencia por parte de las masas, el individualismo y la indolencia que el capitalismo comenzaba a instalar en la sociedad (no debemos olvidar que Pasolini era comunista, dato relevante en todo este análisis de autor). 

En definitiva, a simple vista una película horrenda visualmente (que lo es), grotesca hasta decir basta y cargada de efectismos pero en el fondo una obra compleja y riquísima en cuanto a mensajes y simbolismos. Una película desafiante, de esas que te marcan.

¿Lo mejor? Todo el trasfondo que la cinta oculta bajo la mugre.
¿Lo peor? Las actuaciones son poco creíbles en general (las de las víctimas principalmente), el montaje deja mucho que desear (aunque hay que recordar que es una película de 1975) y el desarrollo es bastante monótono.
¿Donde la encuentras? En PopCornTime 

4.5 : Brillante!

BlacKKKlansman (2018)

Género: Comedia negra. Verídica.
Dirección: Spike Lee

Protagonistas: John David Washington, Adam Driver
Duración: 128 minutos

Año : 2018

En la linea de lo que le conocemos, Spike Lee vuelve a colocar el tema racial sobre la mesa. Lo hace metiendo mano a la historia de Ron Stallworth, el primer policía negro en la localidad de Colorado Springs y quien además logró infiltrarse en plenos años 70 en la organización del Ku Klux Klan. El tenor, sin embargo, que la película aborda (desde su primera escena) es cercana a la comedia negra y en un tono en general ameno. Durante gran parte de su trayecto, por tanto, "BlacKKKlansman" se muestra como una película de espionaje bastante divertida y que, sobretodo durante su primera mitad, consigue avanzar con una dinámica bastante atractiva. Cuenta además con actuaciones que convencen, destaca (aunque sin deslumbrar) Adam Driver mientras que John David Washington está en el rol del clásico negro divertido. 

(Atención: spoiler desde acá) Y hasta ahí, todo bien. Pero es en la recta final donde el asunto te da el mazaso. De pronto con una habilidad tremenda Lee abandona la caricatura, nos trae bruscamente al presente y nos recuerda que el racismo no es cosa del pasado, que la historia no se ha terminado de construir, golpeando y dejándonos helados frente a la pantalla. Cerrando así una película que ya tan solo por esos diez minutos finales se transforma en un imprescindible de ver. 

¿Lo mejor? Los diez minutos finales. Fantásticos.
¿Lo peor? Que el tono de comedia en ocasiones vuelve algo inverosímil el argumento. A ratos no te crees que la historia haya sido así de absurda.

3.5 : Muy buena!

Aterrados (Argentina, 2017)

Género: Terror
Dirección: Demián Rugna

Protagonistas: Maximiliano Ghione, Norberto Gonzalo
Duración: 100 minutos

Año : 2017

Si estás buscando algo liviano, una película de terror efectiva y que te ayude a pasar un buen rato, "Aterrados" es una buena opción a tener en cuenta, una película que mediante el uso de efectos especiales sobrios pero efectivos y clásicos recursos del cine de terror logra conseguir mucho con poco. 

En este sentido, la cinta encuentra un hilo argumental que desde su primera escena promete y te introduce en su mundo (la historia es interesante y quieres saber más de ella) para luego incorporar una serie de escenas potentes (tus buenos saltos en el sillón te darás) e ir desgranando el choclo poco a poco, manteniendo la tensión en pantalla. La película es por tanto entretenida y cumple con su función.

Ahora claro, peca donde pecan todas las películas de fantasmas. Y es que cuando hablamos de cine paranormal todo vale y ahí habitualmente los directores no saben como cerrar lo que comenzaron (dada la cantidad de sin sentidos que antes introdujeron), sin embargo, perdonando los fallos de un guión y argumentales, "Aterrados" cumple. Y ojo, que la encuentran en Netflix.

¿Lo mejor? Que utilizando recursos clásicos logre asustar.
¿Lo peor? El cierre de la historia, pobre.  

3.0 : Buena, se deja ver.

Bohemian Rhapsody (2018)

Género: Drama biográfico
Dirección: Bryan Singer

Protagonistas: Rami Malek + varios 
Duración: 135 minutos

Año : 2018

Con cambio de director incluido, situación que ahora sabemos guarda relación con las denuncias de abuso que cayeron sobre Bryan Singer, la llegada a nosotros de esta Rapsodia bohemia era todo un enigma. ¡Es más! No eran pocos quienes auguraban un desastre de cinta. Y es que convengamos que la idea de llevar al cine la vida de Freddie Mercury asomaba como un desafío no menor considerando el nivel de leyenda del que hablamos, además de la cantidad de materia prima existente para construir una película (solo se me viene a la cabeza la figura de Michael Jackson a la hora de pensar en un desafío similar). Existía por tanto  un morbo en el aire respecto a como la cinta sería capaz de afrontar la homosexualidad del vocalista, su carácter de divo, el contagio de VIH y todo su historial dentro del mundo de la música sin caer en la caricatura típica de hollywood. Los resultados, sin embargo, hablan de un éxito absoluto fuera de un singular acercamiento de la figura de Mercury con el público casual. Insisto: todo un éxito, la jugada esta vez a la dupla May + Taylor ha resultado incluso mejor de lo esperado (hasta nominaciones a los Premios Oscar ha obtenido la película, algo totalmente impensado en la previa).

Y seamos francos: méritos a la cinta no le faltan. De partida, la película acierta de lleno al colocar como punto de inicio y término la presentación de Queen en el Live AID. De esta manera nos anticipa desde un comienzo el que no abordará el período final del vocalista, dejando su figura arriba, en pleno éxito. A este acierto argumental sumarán actuaciones impecables (destaca evidentemente la notable interpretación de Rami Malek pero lo de Gwilym Lee como Brian May es también impresionante), un guión que no regala segundo de tregua ni da espacio al aburrimiento (la película pasa de emoción en emoción de manera fluida) abordando de manera efectiva la personalidad de Freddie Mercury (un aspecto positivo es la cantidad de tiempo que la película se toma para mostrar el conflicto de este respecto a su sexualidad) y aprovechando en todo momento banda sonora de primera con que cuenta la película. Es decir, mirado desde la perspectiva meramente fílmica "Bohemian Rhapsody" es una gran película. Pero hay un "pero" en todo esto, claro que lo hay...

Hablamos de lo que todo el mundo también ya debe haber oído: que la película tergiversa completamente los hechos. Dicho en simple: lo que muestra es practicamente en su totalidad ficción y se aleja muchísimo de la realidad. Existen muchas escenas que la cinta muestra que jamás existieron y que, de hecho, tergiversan notablemente la verdadera historia de Mercury. Algunas situaciones son groseras y me parece comprensible ofendan a los fans de Queen. Establecer que la banda vivió problemas de convivencia a raíz de que Freddie inició una carrera en solitario es falso (es más, tanto Brian May como Roger Taylor editaron álbumes individuales durante los años ochenta), que se reunieron para el concierto de Live AID también lo es (la banda jamás se separó, editó discos cada dos años e incluso en el concierto benéfico se encontraban promocionando el álbum "The works" de 1984). La película muestra en los ensayos de Live AID a Freddie teniendo problemas a causa de su enfermedad siendo que en la realidad aún ni siquiera se enteraba de ella en dicha fecha, y que le comentaba a la banda de su situación (en quizás el momento más penoso de la película, dado lo forzado y cliché que se ve) cerrando el momento con un abrazo en conjunto, pues bien, todo eso es falso. Y así, hay mucho que la película muestra que no guarda relación alguna con la realidad lo cual acaba dejando a "Bohemian Rhapsody" como una gran película ...de ficción. 

Ojalá la cinta hubiese abordado con mayor fuerza (lo hace pero e manera muy tímida) la relación que Freddie (y Queen completo) sostuvo con la prensa y la crítica, quienes constantemente ningunearon a la banda (a quienes tildaban de payasos cada vez que podían) y vendían en diarios de farándula la vida privada del vocalista. Afirmo esto ya que este punto probablemente llevó a Mercury a mantener su enfermedad en absoluto secreto hasta el fin de sus días. La película, sin embargo, opta por no complicarse con esto y darle un trato bastante superficial a la situación, colocando el contagio de VIH a la altura de quien se contagia un resfriado. 

En definitiva, lo dicho, como película "Bohemian Rhapsody" funciona, es efectiva y convincente, además de contar con un guión que en poco más de dos horas es capaz de abordar quince años de carrera del artista de manera fluida. Pero las cosas son: que nadie se crea lo que esta muestra. Cualquier semejanza con la realidad es mera coincidencia...

¿Lo mejor? El acierto de haber incluido la actuación del Live AID practicamente completa.
¿Lo peor? La tergiversación grosera de los hechos.

3.5 : Muy buena!

Roma (México, 2018)

Género: Drama
Dirección: Alfonso Cuarón

Protagonistas: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira
Duración: 135 minutos

Año : 2018

Contextualizada en plenos años setenta en una localidad mexicana tradicionalmente "de clase alta", Roma funciona como un verdadero gustazo que un brillante Alfonso Cuarón se ha dado al retratar de manera fenomenal una serie de elementos que con seguridad él mismo visualizó durante su infancia. En este sentido, más allá del argumento del filme (que no deja de ser notable), la película puede entenderse como una pintura de aquellas que deben apreciarse con calma valorando cada uno de sus detalles y toda la riqueza de su propuesta. 

De esta forma Cuarón nos muestra en un elegante blanco y negro todo lo que desea mostrarnos: el clasismo, el folclore, el machismo, las costumbres, los lugares, el momento histórico, el lenguaje, los vendedores, etc. Todo un universo que rodea la historia que se nos entrega y para la cual el director se toma el tiempo que considera necesario, entregando un sentido a cada una de las escenas y planos que vemos en pantalla. Ahí observamos a Cleo y Sofía, empleada y patrona, ambas situadas en veredas opuestas en términos socioeconómicos pero unidas por un común: el abandono. Entre ellas aparece el mencionado contexto, la frialdad y la belleza, la crisis y la esperanza, todo tratado de manera magistral por un director que así como supo moverse con talento en la comercial y visualmente exquisita Gravedad (2013) esta vez se ha desenvuelto sin ripios mediante una película tan emocional como necesaria. 

Roma es una película que se cuece a fuego lento encontrando en su media hora final la explosión de la que carece durante gran parte de su trayecto, recién ahí todo cuaja y se potencia de manera impresionante. Una película filmada con amor, hacia el cine y por que no decirlo: hacia México. Que decir, cine con mayúsculas.

5.0 // Obra Maestra.

Planet Of The Apes (1968)

Género: Ciencia Ficción
Dirección: Franklin Schaffner

Protagonistas: Charlton Heston
Duración: 100 minutos

Año : 1968

Hoy quisiera referirme al "Planeta de los simios". Pero no a la trilogía que durante esta última década ha visto la luz (y a la que espero referirme en algún momento) ni tampoco a la porquería que dirigió Tim Burton en 2001 (con seguridad una de las peores películas de la historia). No. Hoy me quiero referir al clásico de 1968, a la primera, la protagonizada por Chalrton Heston. Hoy la he visto por segunda vez y he vuelto a quedar maravillado con este clásico de siempre. Y si, que los efectos especiales vislumbran la precariedad con la que se trabajaba en 1968 (aunque los míticos disfraces de simios sobreviven muy bien al paso del tiempo) o la violencia que la película intenta transmitir en determinados momentos luce casi infantil (a mencionar, por ejemplo, una escena en que el protagonista Taylor es inmovilizado dentro de una prisión con un mínimo chorro de agua... ¡absurdo!) por lo que mirado con ojos de este siglo probablemente la película pierda en cuanto a credibilidad pero quitando dicho factor, yo quisiese quedarme con el trasfondo, con todas aquellas ideas potentes que vuelven a esta película un imprescindible en la historia del cine.

En temas de formas cabe mencionar el buen desarrollo de personajes que la película ostenta. Un Taylor cascarrabias y de constante humor negro, admirado por Zira y Cornelius, dos simios científicos, y temido por el Doctor Zaius, quien conoce la verdad que existe tras la llegada de este humano de extraño comportamiento. Sin embargo, los puntos realmente fuertes del filme radican en los osados temas que instala. En primer lugar la idea de la relatividad del tiempo (18 meses para unos astronautas que resultan miles de años para el planeta tierra) y también el uso de la religión como instrumento de dominación de una sociedad, con simios adorando a un Dios castigador y rigiéndose por mandamientos que establecen límites al conocimiento.  

La idea de como la creencia en un ser superior se presta para manipular masas y perpetuar la ignorancia es valiente e increíblemente actual, se prestaba como una potente crítica a la sociedad de los años sesenta pero perfectamente podría plantearse al día de hoy, de ahí su relevancia. Ahora, en paralelo a estas ideas se encuentra el argumento principal de la película con un Taylor ansioso por descubrir en que lugar se encuentra y porque los simios dominan este planeta aunque insisto en lo que lo más exquisito de esta película transcurre entre lineas...

En definitiva, a medio siglo de su creación, "El planeta de los simios" me sigue pareciendo un clásico fenomenal, valiente y digno de revisión. Es cine entretenido dispuesto a movilizar pensamiento en las masas, como debe ser. 

4.5 // Brillante!