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martes, 14 de junio de 2016

EL CRIMEN DE LARAMIE (EL PROYECTO LARAMIE)

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Es imposible apartar la mirada de las noticias de odio que estos días nos llegan desde Estados Unidos. La matanza de Orlando no hace más que ratificar el largo camino que queda por la lucha contra la homofobia alrededor del mundo, no solo en las partes dónde ser homosexual o transexual sea delito, si no también en aquellas dónde se suponen que los derechos humanos están más avanzados. Sin duda alguna, hoy más que nunca, hace falta una mayor visibilidad para conseguir que los delitos de odio, ya sea por orientación sexual, género, raza, y evidentemente religión (no faltarán estos días los que condenen el Islam sin reflexionar antes sobre otras religiones que también son duras con lo diferente. Sin escuchar como parte de la comunidad está dando apoyo al colectivo LGTBI), sean condenados unánimemente. No hay que olvidar tampoco el gran problema armamentístico que existe en el supuesto país de las libertades, dónde conseguir una arma es más sencillo que comprar un huevo Kinder, una debate que el lobby de las armas siempre dinamita en pro de los intereses comerciales de los mismos.

Los casos de odio en Estados Unidos siempre se han utilizado como referencia para la lucha del colectivo LGTBI, tanto es así que momentos como los altercados de Stonewall o el asesinato del activista político Harvey Milk, han sido clave para la evolución de los derechos, otro de los casos es el de Matthew Shepard, un joven asesinado en Laramie, Wyoming, por el cual se consiguió (muchos años después) una enmienda en pro de la lucha contra el odio. Es precisamente ese caso el que ocupa hoy el blog con el filme para televisión El crimen de Laramie – o Proyecto Laramie -. Un falso documental que intenta indagar como ha afectado el caso a la población de Laramie.

En octubre de 1998, Matthew Shepard fue hallado cubierto de sangre y en estado de coma atado en una valla a las afueras de Laramie, pocos días después el joven fallecía en el hospital. Los culpables del homicidio fueron rápidamente identificados como dos jóvenes de la ciudad. El caso resonó en todos los medios de comunicación y se convirtió en toda una referencia para la lucha contra la homofobia. El filme recoge las entrevistas que se hicieron a varios habitantes de la ciudad, para construirlas a modo de falso documental –o documental ficcionado- contando la historia que sucedió.

El crimen de Laramie, dirigida por Moisés Kaufman, es una estupenda apuesta televisiva que se basa en la obra de teatro homónima del mismo Kaufman, dónde un grupo de estudiantes de teatro se traslada hasta Laramie para entrevistar a algunos de sus habitantes. Son las propias declaraciones las que se transcriben en boca de los actores que dan vida a los protagonistas de esta historia. Unos actores que son, sin duda alguna, una de las mayores bazas del filme, pues cuenta con un reparto de lujo. Nombres como Steve Buscemi, Christina Ricci, Dylan Baker, Jeremy Davies, Clea DuVall, Michael Emerson, Amy Madigan, Clancy Brown, son algunos ejemplos del espectacular reparto que da vida a esos entrevistados.

A pesar del homogéneo tono de telefilme, Kaufman sorprende con algún que otro despunte en dirección y montaje, para dar vida, sin perder nunca el sentido narrativo, a una película que no olvidemos, se basa en retratar unos hechos históricos recogidos a través de declaraciones, algo que por lo pronto podría parecer repetitivo, pero que el director resuelve muy bien,  y consigue mantenernos atentos al hilo argumental.

El filme, además de ser todo un alegato en contra de la homofobia, busca también mostrar como los medios pueden demonizar un lugar a causa de un hecho aislado, dando carta blanca a toda declaración, a favor o en contra de esos derechos, para mostrar la realidad lo más aproximada posible. Encontramos así a personajes que sienten vergüenza de que algo así haya podido ocurrir en un lugar aparentemente pacifico, otros que no esconden el rechazo a los que no son como ellos, tanto los que condenan de todos modos la violencia, como los que no –terrible personaje el del reverendo-, los que viven escondidos en su armario en una población rural o los que no temen a dar la cara. En conjunto es un filme coral, dónde todas las voces intentan ser recogidas, que busca concienciar no solo a través de un acto atroz, si no también a favor de una localidad donde no todo es demoníaco.

Es una lástima que casos como el de Matthew Shepard sigan hoy siendo noticia, igual que lo es que haya países que encarcelen o condenen a las personas por su orientación sexual. Que todavía hoy haya personas de primera y segunda clase, y que quede todavía un largo camino por recorrer. Filmes como El proyecto Laramie no solo nos ayudan a no olvidar, si no a luchar contra el odio y por los derechos de todos.


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TÍTULO ORIGINAL The Laramie Project AÑO 2002 DURACIÓN 97 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Moisés Kaufman GUIÓN Tectonic Theatre (Obra teatral: Tectonic Theatre) MÚSICA Peter Golub FOTOGRAFÍA Terry Stacey REPARTO Dylan Baker, Steve Buscemi, Jeremy Davies, Peter Fonda, Janeane Garofalo, Joshua Jackson, Laura Linney, Christina Ricci, Nestor Carbonell, Camryn Manheim, Clea DuVall, Michael Emerson, Mark Webber, Ben Foster, Amy Madigan, Clancy Brown, Tom Bower, Summer Phoenix, James Murtaugh, Richard Riehle, Terry Kinney, John Nance PRODUCTORA Cane/Gabay Productions / Good Machine / HBO

GÉNERO Drama. Intriga
TEMÁTICA Homosexualidad. Basado en hechos reales. Telefilm. Drama judicial. Falso documental. Crimen. Teatro. LGBTIQ

SINOPSIS
Basada en hechos reales. El film narra la reacción de la ciudad de Laramie tras el brutal asesinato de Matthew Sheppard, un estudiante homosexual de la Universidad de Wyoming, víctima de la violencia e irracionalidad de dos homófobos.

PREMIOS
2002: Emmy: 4 nominaciones, incluyendo mejor telefilm, dirección y guión

CRÍTICA
+ "Un símbolo del sufrimiento y el dolor de la comunidad LGBT." (Cinegayonline)

PUNTUACIONES
 
6,5 6,0 7,3
NOTA MEDIA: 6,6


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lunes, 23 de febrero de 2015

BIRDMAN (O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA)

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Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) de Alejandro González Iñárritu se alza con el premio a mejor película en la edición de los Oscar de este año, desbancando así a la otra gran favorita Boyhood (Richard Linklater, 2014), y nos despiden de la época de galardones de un modo algo previsible. Pocas han sido las categorías que han roto las quinielas de la gran mayoría, siendo quizás la animada la que más ha sorprendido. Este año los estudios de Mickey Mouse han hecho doblete al llevarse los dos premios por los que competían. Por un lado a mejor corto, con la emotiva Buenas migas (Feast; Patrick Osborne, 2014), y por el otro a mejor largo por Big Hero 6 (Chris Williams, Don Hall, 2014). Aunque el filme de superhéroes sea un buen trabajo lejos estaba del resto de candidatas -e incluso de algunas que quedaron fuera de concurso-, demostrando el alto nivel creativo de este año. Películas como la suprema y hermosa El cuento de la princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari; Isao Takahata, 2013); la épica -y mejor obra de Dreamworks hasta la fecha- Cómo entrenar a tu Dragón 2 (How to Train Your Dragon 2; Dean DeBlois, 2014); la última obra de Laika, quizás la menor de la filmografía del joven estudio pero de una animación en stop-motion que quita el hipo: Los Boxtrolls (The Boxtrolls; Graham Annable, Anthony Stacchi, 2014); o Song of the Sea (Tomm Moore; 2014), película que aunque no he tenido oportunidad de disfrutar todavía, solo necesitaba parecerse un poco a la maravillosa El secreto de Kells (The Secret of Kells; Tomm Moore, Nora Twomey, 2009) para convencer a cualquiera; hubiesen merecido llevarse el premio antes que la aportación de Disney, que no ofrecía nada nuevo en el horizonte. 
En menor medida, otro de los ganadores más cuestionables se encuentra en la categoría de mejor interpretación masculina protagonista, en la cual Eddie Redmayne se ha llevado el premio por dar vida a Stephen Hawking en La teoría del todo (The Theory of Everything; James Marsh, 2014), una buena interpretación del científico pero algo maniquea. En este caso el resurgir de Michael Keaton en Birdman era superior a la de Redmayne, demostrando el actor lo que puede dar en una película que queda lejos del resto de su anterior obra.
Aunque estoy seguro que con el tiempo Boyhood será la cinta que mejor perdurará en la memoria histórica, me siento satisfecho de que la maravillosa El gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel; Wes Anderson, 2014) sea (junto a la ganadora) el filme con más premios, pero algo triste por Whiplash (Damien Chazelle, 2014) sin duda alguna la maravilla de este año, que se queda tan solo con tres más que merecidos premios. Y aunque podría seguir enumerando las injusticias de este año con filmes que merecían más presencia, mejor voy ya con Birdman, y así dejamos ya atrás esta larga temporada de galardones.

Riggan Thomson es una celebre estrella famosa por dar vida a Birdman, un superhéroe que ha roto taquillas. Thomson, intentando dar un nuevo rumbo a su carrera como actor, decide dirigir su propia obra teatral, demostrando al mundo sus verdaderas capacidades como actor en una lucha contra su propio ego.

Dejando de lado los evidentes paralelismos que Iñárritu ha creado al elegir a Michael Keaton como actor principal, creando una relación directa con el estado del interprete y uno de sus más recordados papeles dando vida al super-murciélago de Tim Burton en Batman (1989) y su secuela Batman vuelve (Batman Returns; 1992), el filme se desarrolla acertadamente dentro de un teatro, una ubicación que viene al dedillo para plantear todo lo que el filme del director mexicano quiere reflejar.

Iñárritu juega con el ego que se esconde en el mundo de las estrellas y crea, gracias a su falso plano secuencia, realizado gracias a la magia de la edición digital, un universo asfixiante salpicado de dosis de fantástico para ensalzar el sentimiento de locura que envuelve a cada uno de los personajes, especialmente al de su protagonista. Ahí, cuece un relato que lanza dardos envenenados a varios de los sectores del mundo del espectáculo, siendo la crítica, los empresarios artífices de los más exacerbados blockbusters de acción, y las estrellas más ególatras, los que reciben la mayoría de ellos.

Las interpretaciones de absolutamente todos los que participan en el filme son de aplauso, no siendo solo Michael Keaton el que sobresale en el espectáculo que ofrece Birdman. Edward Norton es sin duda la otra pieza maestra del relato del Inárritu, una contra fabulosa para Keaton, con una fuerza imposible de superar. Son incluso los papeles pequeños los que brillan en el filme, y actores como Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis o en menor medida (a pesar de ser la que ha acaparado nominaciones en todos los premios) Emma Stone, hacen un trabajo imprescindible en la obra.

Pero a pesar de todos sus puntos fuertes, que no son pocos, Birman me produce a medida que va avanzando una pesadez que empieza a nublar todos sus maravillosos aspectos, cayendo justamente en una de las cosas que crítica: la pedantería. Parece que Iñáritu ha querido cambiar totalmente de registro y ha creado una cinta pensando solamente en contentar a aquellos a los que la ha querido dirigir, y no creo que esa gente seamos el público. Es por eso que, tras su desastroso final, quedo algo agotado por su visionado, y no me apetece en absoluto realizar un segundo visionado, el cual parece sin duda necesitar este complejo trabajo para poder ser analizado de un modo realmente preciso. Tampoco hay que olvidar lo poco novedoso de su planteamiento, pues lo que se nos cuenta en Birdman ya ha sido contado por otros -por ejemplo John Cassavetes en Opening Night (1977)- y las formas, por complejas que sean, exploradas por nombres como Hitchcock o, citando a uno más contemporáneo a Iñárritu: Alfonso Cuarón.

Es evidente que entre las candidatas a mejor película de este año había filmes mucho inferiores a los de Birdman, pero no eran pocos los que le superan en el resultado final, mucho más encajados en conjunto, y mucho más valiosos para nuestra historia.

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TÍTULO ORIGINAL Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) AÑO 2014 DURACIÓN 118 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Alejandro González Iñárritu GUIÓN Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Armando Bo MÚSICA Antonio Sánchez FOTOGRAFÍA Emmanuel Lubezki REPARTO Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, Lindsay Duncan, Merritt Wever, Joel Garland, Natalie Gold, Clark Middleton, Bill Camp, Teena Byrd, Anna Hardwick, Stefano Villabona PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures / New Regency Pictures

GÉNERO Comedia. Drama. Fantástico
TEMÁTICA Teatro. Sátira. Comedia negra. Cine dentro del cine. Realismo mágico

SINOPSIS
Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, la estrella Riggan Thomson (Michael Keaton) trata de darle un nuevo rumbo a su vida, luchando contra su ego, recuperando a su familia y preparándose para el estreno de una obra teatral en Broadway que le reafirme en su prestigio profesional como actor.

PREMIOS
2014: 4 Oscars: incluyendo Mejor película y director. 9 nominaciones
2014: 2 Globos de Oro: Mejor guión y Mejor actor - Comedia (Keaton)
2014: Premios BAFTA: Mejor fotografía.10 nominaciones
2014: Festival de Venecia: Sección Oficial
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: National Board of Review: Top 10, Mejor actor (Keaton) y actor sec. (Norton)
2014: Críticos de Los Angeles: Mejor fotografía
2014: Independent Spirit Awards: Mejor película, actor (Keaton) y fotografía
2014: Premios Gotham: Mejor película y mejor actor (Keaton)
2014: Satellite Awards: Mejor película, actor (Keaton) y banda sonora
2014: Sindicato de Productores (PAG): Mejor película
2014: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor reparto (Largometraje). 4 nominaciones
2014: Critics Choice Awards: 7 premios incluyendo Mejor guión y reparto
2014: Críticos de Chicago: Mejor actor (Michael Keaton) y Mejor fotografía

CRÍTICA
+ "'Birdman' vuela muy, muy alto (...) Uno de los tour de fource visuales más espectaculares nunca vistos, al servicio de una historia que analiza la naturaleza cambiante de la fama" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es el personaje más importante en la carrera de Michael Keaton (...) Iñárritu no golpeaba la pantalla con tanta fuerza desde su ópera prima 'Amores Perros' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Un entretenimiento divertido, frenético, optimista y revoltosamente fanfarrón en el que el mismo Iñárritu se eleva alto y después, todavía más alto" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Estoy fascinado con cada sabroso, atrevido, devastador y extremadamente divertido minuto (...) de 'Birdman'. (...) 'Birdman' es un volcán de ideas creativas en plena erupción. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "'Birdman' demuestra que una película (...) puede elevarse con las alas de su propia destreza técnica, incluso cuando la banalidad de sus ideas amenaza con arrastrarla de nuevo al suelo. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "El surrealista retrato de los tiempos modernos y el culto a la fama es tan brillante a tantos niveles que incluso algún ocasional bajón no evita que 'Birdman' suba como la espuma" (Betsy Sharkey: Los Angeles Times)

+ "Una de las películas más audaces, más salvajemente divertidas y más impredecibles del año, cuenta con una espectacular interpretación de Michael Keaton. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "'Birdman' es sonido y furia (...) el reparto al completo está impecable, partiendo de un guión escrito de forma brillante (...) Con 'Birdman', renace nuestra propia fe en las posibilidades ilimitadas del cine" (Jessica Kiang: Indiewire)

+ "Una película magnífica y fascinante (...) es un tour de force técnico, una comedia negra maravillosamente interpretada y con un inteligente guión que dejará al público con ganas de más" (Mark Adams: Screendaily)

+ "El mejor Iñárritu posible (...) es una cinta febril que roza la obra maestra todo lo que dura su primera mitad. (...) gracias a la distancia que proporciona las reglas de la comedia y merced al trabajo entre la excentricidad y la iluminación de Keaton, 'Birdman' vuela" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Iñárritu da un giro espectacular a su carrera (...) película inabarcable, inmensa, plagada de capas narrativas, subtextos y radicalismos formales (...) una obra de arte emocionante, libre" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "El mexicano firma una obra deslumbrante, su Eva al desnudo, su crepúsculo de los dioses (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Funciona igual de bien como vodevil que como descenso a los infernos del fracaso (...) Lo mejor: el duelo Keaton-Norton y el virtuosismo formal. Lo peor: al final, Iñárritu pierde un poco el control (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

= "La maestría de Emmanuel Lubezki con la cámara (...) es lo más llamativo del filme y, paradójicamente, lo que le juega en contra. Si uno queda atrapado en el tecnicismo es porque algo del relato no termina de atrapar." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)


- "Detrás de la acrobacias formales, los golpes de efecto y los chistes de dudoso gusto (...), hay contradicciones muy nítidas. Iñárritu pretende ser punzante con la chatura, el efectismo y las truculencias del mainstream, pero apela a las mismas herramientas para su cine, impostado hasta la médula." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES
 
6,5 7,4 8,1
NOTA MEDIA: 7,3


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jueves, 20 de febrero de 2014

LA VENUS DE LAS PIELES


Es curioso como los Oscars consiguen que las grandes películas de los estudios, que por si solas ya lograran obtener una buena cuota de pantalla (con algunas excepciones que de no ser por los galardones pasarían algo más desapercibidas), y por el contrario otras películas como por ejemplo La Venus de las pieles que tienen detrás nombres como el consagrado Roman Polanski queden algo más escondidas a la vista del público. No será por la publicidad, ya que la reciente aparición de Woody Allen en los medios tras la carta abierta de su hija denunciándolo por abusos sexuales a servido a los medios de comunicación para, una vez más, volver a sacar a la luz el pasado ya caduco de Polanski. Sorprende todavía más que una filme tan interesante tampoco esté llamando tanto la atención como debería, y es que en La Venus de las pieles nos topamos con un Polanski que destila más fuerza que nunca.

Thomas busca candidatos para su nueva obra, tras un largo día de audiciones que han resultado ser una perdida de tiempo, y justo cuándo el autor decide abandonar el teatro cansado, aparece Vanda, una atolondrada actriz dispuesta a conseguir el papel.

Hace unos días leía por ahí -perdonarme, pero no recuerdo dónde- que los directores de cine más consagrados, entrados ya en años y decididos a seguir haciendo cine, llegaban a un punto en que lo único que conseguían era auto-revisarse a si mismos, entrando en una espiral que no les llevaba a ninguna parte, y que no conseguían ofrecer nada nuevo en sus cintas. Esa afirmación me parece algo loca, especialmente aplicada a la película de hoy. Es cierto que Polanski aporta todo su pasado fílmico en su última película, y que es muy fácil encontrar auto-referencias en La Venus de las pieles, pero para nada expone un resultado repetitivo, al contrario, la auto-exploración que hace el autor franco-polaco es simplemente un ejercicio cinematográfico excelente que no hace más que sumar interés a una, ya de por si, estupenda película.

En La Venus de las Pieles, Polanski vuelve a dirigir un libreto teatral llevado a pantalla tal como hizo con su anterior Un dios salvaje (Carnage, 2011), pero esta vez el resultado es mucho más personal y valiente, donde el crescendo rítmico es tan notable como la misma puesta en escena. Es interesante observar como un cineasta de edad tan avanzada sigue consiguiendo crédito para sus películas, no se me ocurre que loca productora se atrevería a apostar por un director que, a pesar de tener un renombre, podría alcanzar el fin de su vida a media producción y quedar su trabajo póstumo sin un final, y como consecuencia, perder una importante suma de dinero. Pero existe una élite de nombres en la que Polanski está incluido, dónde el saldo parece que es perenne, y que por años siga. Observando el tipo de producción también es fácil entender que esta pequeña (en el sentido productivo) película tampoco necesitó de una financiación similar a obras anteriores del director, una única localización (miento, sos dos), y tan solo dos actores dan fe de ello.

Polanski se hace suya la obra teatral de David Ives, que a su vez se sirve del libro homónimo y de tintes autobiográficos que en 1870 escribió el austriaco Leopold von Sacher-Masoch, y se la lleva al terreno más oscuro de su mente, haciendo que sea imposible la comparación del protagonista con el mismo Polanski, creando un ejercicio de metalenguaje teatral y cinematográfico que se ve reforzado hasta limites bien altos si tenemos en cuenta que la protagonista femenina es la propia mujer del polémico director. Con tan solo dos personajes, se nos devuelve a ese cine en el que Polanski supo plasmar todas sus vivencias, como ya he dicho es imposible no encontrarse dentro de La Venus de las pieles con El cuchillo en el agua (Nóz W. Wodzie, 1962) o El quimérico inquilino (Le locataire (The Tenant), 1976) (por citar un par), que al mezclarse con el recurso del lenguaje teatral, dónde la importancia del juego actor/director se hace tan esencial, se transforma en una muestra fresca de lo que hasta ahora nos había ofrecido el director.

La película, más allá de la personalidad tan viva que tiene y el juego meta-lingüístico que hace, es además un ejercicio de perversión sexual, dónde la lucha de roles cobra una importancia única, un juego estupendo para nuestra mente que es llevada a cabo por un genial Mathieu Amalric que conduce muy bien al perdido Thomas y la tremenda aportación en pantalla que hace la esposa de Polanski, Emmanuelle Seigner, en su juego de ambivalencias que aprovecha para dar un tortazo a esa crítica que se encargó de crucificarla en su momento como actriz, al demostrarles lo que vale.

Aunque a simple vista pueda parecer que la historia del filme es un juego de dos, en realidad nos encontramos con un tercer personaje, que no podemos ver pero si oír. El siempre genial Alexandre Desplat repite con Polanski para ofrecer todo su potencia en una banda sonora que se convierte en otro protagonista del filme, unas canciones que se encargan de dirigir a los personajes de tal modo, que el juego entre pantallas se intensifica hasta un punto dónde, el cine dentro del cine y el teatro dentro del mismo, deja de ser un hecho para articularse como el eje vertebrador de la obra, algo que se nos anticipa ya, en el potente inicio de la película, que aunque pueda parecernos un simple plano recurso introductorio, esconde mucho más.

Definitivamente debemos prestar más atención a la cartelera para no perder de vista aquellas pequeñas (en esta ocasión grande) películas que se esconden tras tanta oscarizada película, lo que podemos perdernos puede ser lo mejor que hay en cartel.

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TÍTULO ORIGINAL La vénus a la fourrure (Venus in Fur)
AÑO 2013
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Francia
IDIOMA Francés, Alemán
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Roman Polanski, David Ives (Teatro: David Ives)
MÚSICA Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA Pawel Edelman
REPARTO Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner
PRODUCTORA R.P. Productions / Les Films Alain Sarde
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Comedia negra. Teatro

SINOPSIS
Después de un día de audiciones de actores para la obra que va a presentar, Thomas se lamenta de la mediocridad de los candidatos; ninguno tiene la talla necesaria para el papel principal. En ese momento llega Vanda, un torbellino de energía que encarna todo lo que Thomas detesta: es vulgar, atolondrada y no retrocedería ante nada para obtener el papel. Pero cuando Thomas la deja probar suerte, queda perplejo y cautivado por la metamorfosis que experimenta la mujer: comprende perfectamente el personaje y conoce el guión de memoria. 

PREMIOS
2013: Cannes: Nominada a la palma de oro.
2014: César: 7 nominaciones, incluyendo película, director, actriz y actor principales (ceremonia el 28 de febrero)
2014: Lumiere Awards: Mejor guión (Nominada a mejor actriz)

CRÍTICAS
+ "Como siempre con Polanski, las excentricidades de la narrativa están bañadas de un experto barniz de clasicismo" (Keith Uhlich: Time Out)

+ "La inclinación de Roman Polanski por los juegos psicosexuales de la mente realizados en espacios claustrofóbicos se revisa deliciosamente en 'Venus in Fur' (...) Emmanuelle Seigner es una fresca revelación" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ " Con 'La Venus de las pieles' Roman Polanski transporta un éxito de los escenarios de Nueva York a la pantalla con la máxima fidelidad y habilidad, y con el mínimo esfuerzo." (Scott Foundas: Variety)

= "'La Venus de las pieles' es un juguetón 'jeu d'esprit' que de vez en cuando tiene mano dura sobre el tema del juego del rol sexual (...) la ilusión y la realidad, y dirigir como si se tratara de un acto sexual. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Polanski extrae con talento todo lo que pretende de sus intérpretes, aporta su malicioso sentido del humor, sale triunfador del osado experimento. No es una película deslumbrante, pero sí divertida y con un punto de inquietud" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "El resultado es brillante, divertido, profundo, ocurrente y procaz. Todo en uno. Y, por supuesto, inquietante" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Desde la humildad de la obra que se sabe menor, parece un compendio juguetón de todas sus obsesiones [de Polanski] (...) Tanto Seigner como Amalric parecen pasárselo bomba, y el público con ellos" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "No puede ser más puramente Polanski: en su tono y en su carácter obsesivo; en sus diferentes planos de ataque y en su vertiente opresiva; en su fascinante intelectualidad" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Un juego de entrada y salida al texto y de mezcla de ficción perversa y realidad maligna, algo que la película consigue gracias a la excelente capacidad de Emmanuelle Seigner para ser, según convenga, chabacana y refinada" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Rebosa tensión psicosexual, dinámicas recíprocas de dominación masoquista y un montón de momentos hilarantes. Buena." (Nando Salvá: Cinemanía)

+ "El poder planteado como la lucha de sexos. El poder que implica mando y sometimiento. Y la lucha entre sexos, ¿implica masoquismo? Es la cuestión que afronta este habilidoso filme de Polanski (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Polanski construye una cámara de ecos de su filmografía anterior (...) Lo mejor: su sintética lucidez. Lo peor: que se malinterprete como un Roman Polanski menor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordi Costa: Fotogramas)

+ "Una de las declaraciones de amor más hermosas jamás filmadas. (...) Puntuación: ★★★★½ (sobre 5)" (Rubén Romero: Cinemanía)


PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,4
- Filmaffinity: 7,2
- IMDB: 7,5
* Media: 7,4

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viernes, 23 de noviembre de 2012

PÁJAROS DE PAPEL


A pesar de que hoy tocaría hablar de la reciente y triste perdida del director, escritor y guionista José Luis Borau, conocido sobretodo por su éxito Furtivos, tengo todavía que rendir un pequeño homenaje a otra figura importante no sólo de nuestro país, si no también de latinoamerica, y que falleció hace escaso una semana. Hablo de Emilio Alberto Aragón Berbúdez, popularmente conocido como Miliki, una de las figuras clave de la historia de nuestra televisión, gracias a sus programas infantiles de circo que tantas generaciones hemos podido disfrutar. En vez de hablaros de su figura, sobradamente conocida, os recomiendo echar un vistazo al pequeño artículo que le dedicó David Trueba en el diario El país y que podéis leer aquí, y me centraré en su última (de su escasa) participación en el cine.

El polifacético Emilio Aragón (hijo) firma así su primer trabajo en dirección cinematográfica lanzando este homenaje a su padre Miliki, homenaje que se centra en el oficio seña de su familia y que lleva ya más de cinco generaciones de tradición. Hablo de la premiada Pájaros de papel.

En plena posguerra española, un grupo de artistas siguen en su lucha por mantener viva la llama de su oficio intentando sobrevivir al hambre y a las represiones del estado. De este modo nos encontramos con una entrañable familia de amigos que estarán en el punto de mira del régimen dónde encontramos al músico Jorge del Pino, el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner, el pequeño Miguel, huérfano de padres y acogido por esta unión de artistas, entre otros artistas ambulantes de finales de los años treinta.

Aragón construye una emotiva película (sobradamente posicionada en su carácter político) que se sustenta en el sentimentalismo y fuerza al espectador a ofrecer sus lágrimas. A pesar de ello, hay que reconocerle una gran maestría en llevar el guión a la pantalla, demostrando que sabe conducir muy bien su historia que no pierde ápice de interés en sus dos horas de duración, y que si estamos dispuestos a asumir ese toque sentimental tan forzado encontraremos una obra muy disfrutable. Todo ello sin ofrecer ningún registro histórico de la época, pero sin restar veracidad a la acción. Aragón demuestra en su opera prima que sabe lo que hace, aunque sus recursos sean más televisivos que cinematográficos.

El plano sonoro es sin duda la joya de la corona del filme, unas estupendas canciones herederas de la tradición familiar y que no sólo están bien escogidas y compuestas (por él mismo), si no que sólo por ellas merece la pena el esfuerzo de dar la oportunidad al trabajo.

Por contra, la banda de la que más cojea es en la dirección de actores, y no será por no contar con un plantel de actores sobradamente conocidos, si no porqué van quedando algo forzados en sus papeles, sobretodo a causa de algún dialogo que pierde tono o por no terminar de encajar en sus respectivos personajes. Por ejemplo, Carmen Machi ofrece un personaje divertido y distendido pero que no termina de dar el tono en su figura, o Imanol Arias queda extraño al forzar el registro más sentimental de su papel en pantalla.

En conjunto nos queda una película que a pesar de sus premios, va a quedar con el tiempo rápidamente olvidada, pero que no por ello deja de ser un estupendo homenaje a ese payaso con mayúsculas que fue Miliki, y al que seguro nadie olvidaremos. Pájaros de papel viene a ser, en resumen, algo así como una versión española de aquellos filmes sobrecargados de sentimentalismo que tanto se han explotado en Italia, como pueden ser La vida es bella o Cinema Paradiso, una versión a la que mucho le queda para alcanzar la calidad de unos trabajos así.

Sólo nos queda decir aquello de, ¡¿Cómo están ustedes?!

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TÍTULO ORIGINAL Pájaros de papel
AÑO 2010
DURACIÓN 122 min.
PAÍS España
DIRECTOR Emilio Aragón
GUIÓN Fernando Castets, Emilio Aragón
MÚSICA Emilio Aragón
FOTOGRAFÍA David Omedes
REPARTO Imanol Arias, Lluís Homar, Roger Príncep, Carmen Machi, Fernando Cayo, Diego Martín, Oriol Vila, Cristina Marcos, José Ángel Egido, Emilio Aragón 'Miliki', Luis Varela, Asunción Balaguer, Pedro Civera, Javier Coll, Francisco Merino, Lola Baldrich
PRODUCTORA Antena 3 Films / Versátil Cinema
GÉNERO Drama. Comedia
TEMÁTICA Comedia dramática. Teatro. Circo. Guerra Civil Española. Posguerra española. Años 30


SINOPSIS
Historia de un grupo de artistas de vodevil a los que la guerra civil (1936-1939) les arrebató todo menos el hambre. El músico Jorge del Pino, el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner, el huérfano Miguel y otras almas perdidas forman una curiosa familia que intenta cada día salir adelante con sus miserias y sus alegrías, con el aliciente de su música y sus canciones. Y a falta de pan, buenos les resultan los aplausos. Entre vencedores y vencidos buscan, más que una oportunidad, algo que comer o un lugar donde dormir. Pero, antes de lo que se imaginan, son puestos a prueba y tienen que tomar difíciles decisiones.

PREMIOS
2010: 2 Nominaciones al Goya: Mejor director novel y canción original
2011: Circulo de críticos cinematográficos: Nominada a mejor actriz de reparto (Carmen Machi)
2011: Montreal World Film Fest: Premio del público. Nominada al Zenith de oro.
2011: Seattle International Film Fest: Premio del público.
2011: Union de actores: Nominada a mejor rol masculino (Lluís Homar)
2011: Woodstock Film Fest: Mejor guión
2011: Young Artist Awards: Nominada a mejor actor de reparto (Roger Príncep)


CRÍTICAS
= "Papiroflexia del corazón. (...) Director y guionista barnizan la memoria de sentimentalismo (...) un recital 'kitsch'." (Jordi Costa: Diario El País)

= "Lo mejor es la construcción de sus personajes (...) No es fácil narrar una historia, por muy personal que sea, con la personalidad y la distinción ideal, mágica. Y a ésta le pesa más el corazón que la cabeza. (...) Puntuación: ** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

= "Bebe en el clasicismo de su puesta en escena para conseguir sus objetivos: ser un homenaje y emocionar al espectador. Es un film atípico y muy sincero. Una rareza." (Nuria Vidal: Fotogramas)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,8
- Filmaffinity: 7,1
- IMDB: 6,3
* Media: 6,7

TRAILER


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domingo, 11 de marzo de 2012

¡QUÉ RUINA DE FUNCIÓN!


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Es difícil llevar a la pantalla la adaptación de una obra teatral sin que esta pierda su esencia, siempre y cuando el autor desee que permanezca ese estilo, está claro que en films como la maravillosa 12 hombres sin piedad de de Sidney Lumet, o la más reciente Un dios Salvaje de Roman Polanski, sería un error no evitar la puesta en escena teatral, pero en cambio existen otras ocasiones en que la mezcla del cine y la escena es obligatoria, es en esos casos cuando la tarea es complicada.

En ¡Qué ruina de función! no solo se consigue una adaptación estupenda de la obra (conocida en España como Por delante y por detrás, o en Cataluña, dónde goza de más éxito, como Per davant i per darrere), si no que además el paso a la pantalla es brillante y llega a superar su original. Lo que en el teatro confunde al espectador, que en ocasiones no sabe hacia donde dirigir la mirada y termina por perderse muchos detalles importantes, en el cine se consigue que nada pase por alto, nuestra mirada irá hacia dónde el director quiera, pero atención, porque Peter Bogdanovich en ningún momento dará uso de los primeros planos para que no nos perdamos esos detalles, si no que lo consigue gracias a una maestría que pocos lograrían.

En su realización destacan los largos planos secuencia, que se verán acolchados por pequeños cambios de plano que darán descanso a nuestra vista y dónde además se evitarán los problemas causados por los rollos de película que como todos sabemos no son eternos. Esos cortes no rompen en ningún momento el nivel dinámico de su hilarante ritmo, que va in crescendo a medida que la trama se complica.

El film se divide en tres actos, el primero se encarga de ponernos en situación, un grupo de actores preparan una obra, es el momento del ensayo general, deducimos por lo que pasa que el estreno puede ser un absoluto desastre, en este momento se nos presentan a los personajes, interpretados todos por conocidos actores, donde veremos alguno fuera de su línea habitual, como por ejemplo Christopher Reeve que se desenfunda las mallas de Supermán ofreciéndonos un papel distinto, Michael Cane, que se encarga del papel de director se llevará las manos a la cabeza con el inminente desastre.

El segundo acto es una explosión cómica absoluta. Es uno de los días en que representan la obra, pero no veremos lo que pasa en escena, si no que veremos lo que los actores hacen por detrás del decorado, momento clave para el realizador del film, en el que podremos apreciar la maestría con que nos relata lo sucedido sin perdernos un ápice de las jocosas acciones que pasan. Indudablemente aquí también contamos con un trabajo actoral fabuloso, que debe no perderse en todo lo sucedido con pocos momentos de cortes, con lo cual no hay cabida para numerosos errores.

En el último veremos como ha pasado el tiempo, y la situación ha ido a peor, llega el turno de ver la representación de la obra cuando la cosa ya ha llegado a un desgaste extremo. Momento donde la locura alcanza un nivel muy alto, que aunque sea el acto menos interesante es el que está cargado con mayor nivel de risas, ya nada nos va a sorprender, todo nos viene anticipado, sólo queda reírnos a carcajada limpia para llegar a un final que simpatizará con nosotros.

Inevitablemente, aunque argumentalmente poco tenga que ver, nos debe venir en mente la excelente La soga de Alfred Hitchcock, experimento teatral irrepetible, pues este film le debe mucho al trabajo del maestro del suspense, que ya consiguió asentar unas bases que Bogdanovich a sabido aprovechar en su película.

¡Qué ruina de función! es una película fresca, ágil, ligera y muy muy divertida, altamente recomendable para hacernos pasar un rato fabuloso.

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TÍTULO ORIGINAL Noises Off! (Noises off...)
AÑO 1992
DURACIÓN 104 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Peter Bogdanovich
GUIÓN Marty Kaplan (Teatro: Michael Frayn)
MÚSICA Phil Marshall
FOTOGRAFÍA Tim Shurstedt
REPARTO Michael Caine, Carol Burnett, Denholm Elliott, Julie Hagerty, Marilu Henner, Mark Linn-Baker, Christopher Reeve, John Ritter, Nicollette Sheridan
PRODUCTORA Touchstone Pictures / Amblin Entertainment
GÉNERO Comedia
TEMÁTICA Teatro

SINOPSIS
Comedia con aires de screw-ball que narra los avatares del estreno de una obra de teatro llena de delirantes y divertidos contratiempos.

PREMIOS
1994: Festival de comedia de Peñíscola: Premio del público

CRÍTICAS
+ "Genial comedia, además de absolutamente comercial" (Carlos Boyero: Diario El Mundo) 

+ "Locura de Bogdanovich, que maneja el enredo y el vodevil con pulso firme, y husmea en las candilejas para retratar a un puñado de personajes desmadrados pero humanos. Una gozada de caos" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País) 

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 7,1
- Filmaffinity: 7,3
- IMDB: 7,1
* Media: 7,2

TRAILER


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