SCREAM 4

Pese a quién le pese Wes Craven fue un grande del cine de terror, quizás no se caracterizó por una filmografía abundante (aunque sobrepase la veintena de títulos), pero si que ha sentado cátedra en varias ocasiones. Sólo debemos partir de su primer largometraje, esa sádica -e independiente- apuesta llamada La última casa a la izquierda (The Last House on the Left, 1972) convertida rápidamente en una cinta de culto fruto del tráfico videoclubero, y obra que sería referenciada hasta la saciedad, llegando incluso a su remake en 2009. Craven continuó su sendero con otra cinta de bajo presupuesto que seguía con la crudeza insana de su anterior obra. Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, 1977) se inmiscuía en lo político y asentaba (junto con otras referentes de los 70, algunas de las normas básicas del slasher), una vez más carne de remake. Después de un par de títulos poco remarcables, aunque a alguno le parecerá La cosa del pantano (Swamp Thing, 1982) una película comiquera bastante defendible, llega el turno de el filme que le abriría las puertas a la fama y creador de uno de los más iconicos monstruos del terror contemporáneo, Freddy Krueger. Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, 1984) es sin duda una de sus grandes obras, y la primera vuelta de tuerca al género del cine de terror para adolescentes, ya muy tocado por sagas anteriores como la de Jason Vorhees. Craven logra crear un ser del que es imposible escapar, la peor de las pesadillas de cualquiera, un éxito comercial que alargaría la saga durante años, para ser el propio Craven quién la cerrara de una vez por todas con La nueva pesadilla de Wes Craven (Wes Craven's New Nightmare [A Nightmare on Elm Street 7], 1994) en un adelanto metalingüístico de lo que todavía estaba por llegar. Tras un tiempo de otras obras menores e incursiones en televisión, de la que rescataría sin duda La serpiente y el arco iris (The Serpent and the Rainbow, 1988), una estupenda vuelta a los orígenes del zombi clásico y El sótano del miedo (The People Under the Stairs, 1991) sátira política de terror en la que queda claro el humor de Craven dentro del género. En 1996 llega el turno de uno de los filmes de terror que más marcó la década de los 90, un filme que volvería a conectar al público juvenil con el género y que renovaría por completo las normas del slasher. Por supuesto hablo de Scream. Vigila quién llama (Scream), película que no necesita demasiada presentación. En el 2000 cerraría con Scream 3 una saga que supo reinventarse a si misma hasta sacar la última gota, y con la que parecía que no se podía hacer mucho más, pero 10 años después Craven regresa con una nueva entrega Scream 4, la que se convertiría en su filme póstumo y cinta que hoy voy a reivindicar. Nos ha dejado el padre de Freddy, pero nos deja horas y horas de maratonianas sesiones de terror, de las que no podemos nunca cansarnos. Gracias.

Después de diez años Sidney Prescott vuelve a Woodsboro, su pueblo natal, para presentar su primer libro. Su regreso se convierte en una espiral de muertes que recuerdan a los acontecidos en años anteriores y que parece vuelven a traer la pesadilla a Prescott y todos los que la rodean.

Wes Craven consigue con su Scream 4 volver a atraer a su fiel público que dudosos de que se pudiera sacar más jugo a la saga quedamos sorprendidos al ver otra nueva vuelta de tuerca de Craven y su guionista Kevin Williamson. Lo mejor de todo es que Craven no solo atrae a generaciones pasadas si no que consigue atraer al más joven gracias sobretodo a la huella que dejó anteriormente y por supuesto al añadir (de un modo muy acertado) al reparto alguna joven estrella de la televisión como Emma Roberts o Hayden Panettiere, ambas estupendas en sus papeles. La mezcla de esta nueva sangre con el reparto original del filme hace de Scream 4 una película completa que juega con la nostalgia y la novedad.

Pero eso no queda solo impreso en sus protagonistas, ya que si una cosa buena tiene el último filme de Craven es que parece saber sintetizar muy bien el paso de estos diez años en en género del terror. El guión de Williamson sabe captar muy bien todas aquellas referencias del último cine y se las apropia para crear una nueva vuelta de tuerca a la saga, convirtiéndola en un producto que ya va más allá del metalenguaje, que asimila por completo los nuevos lenguajes de Internet y los transporta a la pantalla de manera más que elegante. Scream 4 sigue a sus hermanas, y se autoreferencia una vez más en un ejercicio que parecía imposible.

Más allá de toda referencia a la propia saga existe el abrazo a los grandes éxitos comerciales del terror que tienen cabida en multiples ocasiones en ésta última obra, además de reflexionar sobre el cine que nos ocupa hoy en día, esa espiral de remake inacabable de la que parece salva algunas películas de la quema, al saber adaptar a los tiempos de hoy filmes de culto para muchos. Al fin y al cabo Scream 4 no deja de ser eso, un auto-remake, y no duda en dejarlo claro en todo momento de una forma más que acertada. Y por supuesto no falta aquella dosis de humor, que hace que la terrible saga paródica que bebe de ella: Scarey Movie, sea simplemente un producto que se aprovecha del éxito y no logra alcanzar las dosis autoparodicas que el propio Craven ofrece en su filme.

Esa síntesis ya podemos hacerla con la primera parte del filme, una genialidad que abre suculentamente la película y que ya nos prepara para lo que vamos a ver. Los instantes previos a la acción principal de Scream 4 se convierten no solo en una autoreferencia de lo más notable si no en todo un resumen de lo que estamos por ver. Los diálogos ya reflexionan sobre el asunto del nuevo espectador consumidor del porno-terror y de sus nuevas pantallas en Internet, además de la reflexión sobre la falta de ideas originales en Hollywood y como no en a recordarnos algunos de los momentos clave de los capítulos anteriores e la saga, y tan importantes para esta última entrega.

La acción transcurre una vez más como las anteriores, muertes en manos de uno o unos asesinos enmascarados que nos confunden y nos llevan de un lado para otro, haciéndonos dudar de quién se esconde tras la mascara de Ghostface, hasta una resolución que seguramente nos volverá a sorprender reforzando todo el sentido de lo que se nos quería transmitir con el filme. En ese sentido quizás alguno pueda achacar al filme de repetitivo, pero lejos de ello nos encontramos con un "lo mismo de siempre" pero todavía con capacidad para sorprender, algo muy complicado en uno de los géneros del terror más machacados.

Scream 4 es estupenda, y disfrutar de una maratón de la última saga de Craven es sin duda una de las mejores ideas para rendirle homenaje. Yo de vosotros iba preparando las palomitas y encendiendo las pantallas, y me iba preparando la respuesta por si alguien al otro lado de la línea telefónica os pregunta en algún momento aquello de "¿Cuál es tu película de terror favorita?".

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TÍTULO ORIGINAL Scream 4 (SCRE4M) AÑO 2011 DURACIÓN 111 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Wes Craven GUIÓN Kevin Williamson MÚSICA Marco Beltrami FOTOGRAFÍA Peter Deming REPARTO Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Marley Shelton, Hayden Panettiere, Adam Brody, Mary McDonnell, Anthony Anderson, Rory Culkin, Kristen Bell, Anna Paquin, Lucy Hale, Nico Tortorella, Erik Knudsen, Britt Robertson, Aimee Teegarden, Marielle Jaffe, Alison Brie, Shenae Grimes, Heather Graham PRODUCTORA Dimension Films

GÉNERO Terror. Thriller. Intriga

TEMÁTICA Slasher. Sátira. Comedia negra. Secuela. Asesinos en serie. Cine dentro del cine. Comedia de terror

SINOPSIS

Cuarta entrega de la popular saga de terror "Scream". Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Diez años después, convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface.

CRÍTICA

+ "Las cartas de la parodia, el humor negro, el elemento cafre y la retahíla de guiños al género, materiales de base de la serie, están bien jugadas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

= "Si bien la película no aprovecha del todo las posibilidades brindadas, el oficio que se desprende de la puesta en escena (...) garantiza una buena digestión de sustos y de escenas estresantes" (Sergio F. Pinilla: Cinemanía)

+ "Un primer cuarto de hora extraordinario (...) siempre hay algún diálogo brillante sobre las reglas del género que rescata al fan de la monotonía" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Lo que hay que recomendar es, sobre todo, que no lleguen tarde a la película porque el comienzo es el principio y el final de lo que hay que ver" (José Manuel Cuéllar: Diario ABC)

= "Entremedias de un comienzo diabólicamente divertido y una sorpresa final, 'Scream 4' sólo ofrece una serie de muertes gore que se hacen pesadas y repetitivas. (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

- "El deseo de saber lo que hicisteis el último capítulo es probable que sea el mayor aliciente de este 'cuatro', pero si de verdad esta resulta ser la última de la serie, es una maldita vergüenza que no termine con un grito, sino un quejido. (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (David Hughes: Empire)

+ "Wes Craven es un buen director y la película está hecha con cierto estilo e ingenio (...) 'Scre4m' da exactamente lo que el público espera (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Robert Ebert: Chicago Sun-Times)

- "Descansa en clichés obvios que ya no parecen irónicos, sino facilones. Y aunque hay algunos escalofríos genuinos, el pobre ritmo deja demasiado tiempo entre la tontería y los sustos (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Elizabeth Witzman: New York Daily News)

- "Pretenciosa, demasiado larga y sobrecargada con autoreferencias de género (...) no es el afilado reinicio que estaban esperando los fans" (Dennis Harvey: Variety)

PUNTUACIONES

 

	6,5		5,1		6,2
NOTA MEDIA: 5,9

TRAILER

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LUNÁTICO

Después de varios filmes fallidos parecía que la Sección Oficial del Atlántida Film Fest (AFF) contenía películas que, a pesar del alto nivel de experimentación fílmica, no alcanzaban a ser obras muy a tener en cuenta en cuanto a resultados finales. La programación de este año se estaba comenzando a convertir más en una tortura que no en un disfrute fílmico, una pena para un festival tan prometedor y de referencia como es el AFF. Pero por suerte no todo está perdido, por fin una luz ha alumbrado todo el festival, pues tras el visionado el primer filme como director de Eduard Sola, Lunático, la pereza de seguir con el festival ha desaparecido, pues si todavía quedan obras tan notables como ésta oda familiar, la muestra puede seguir prometiendo, y mucho.

Eduard Sola decide rodar un documental sobre sus abuelos Eduardo y Rosario acompañándolos en su día a día y entrevistándolos para saber como se conocieron. Un acercamiento especialmente a la figura de su abuelo, uno hombre de pueblo aficionado a los inventos con el cual Eduard descubrirá un gran secreto que esconde y que hará tambalear su situación familiar.

Sola no es nuevo en el mundo del cine catalán, pues ya ha destacado por sus buenos guiones en otras ocasiones y con películas que a pesar de presentar claros y diferenciados estilos, siempre han conservado una seña muy concreta de Sola, que apuesta por un relato algo melancólico y muy humano. Hablo de películas como la interesante y nada rutinaria Tots els camins de Déu (Gemma Ferraté, 2014) o la sobradamente conocida Barcelona, nit d’estiu (Dani de la Orden, 2013) o su secuela en producción Barcelona, nit d’hivern (Dani de la Orden, 2015). Pero es la primera vez que Sola se coloca a la cabeza de una película en vez de hacerlo con el texto y el resultado no podía ser mejor.

Lunático arranca como un filme documental en el que el propio director participa en pantalla. Una película que no tarda en conquistarnos gracias a sus dos personajes principales, Eduardo y Rosario, los entrañables y naturales abuelos del propio director. En la película rápidamente reconocemos un estilo cercano, y sus primeras intenciones se hacen claras. Nos encontramos ante un filme que busca un acercamiento a nuestros mayores, a reconocer nuestras propias raíces, una película sobre el amor a pesar de tiempo y el amor a pesar de la distancia generacional. Pero por si eso no fuese suficiente, Lunático da un giro para contarnos todo esto de un modo muy distinto, a través de unas ideas deslumbrantes dónde la colaboración de todos los implicados en pantalla se hace simplemente imprescindible.

El director echa mano de la mezcla ficción/realidad para hablarnos de ese amor que sus abuelos sienten, de ese respeto que él mismo siente por ellos, y del giro de tornas que suele presentarse cuándo los hijos pasan a ser los que están a cargo de sus padres, un momento en la vida en el que descubrimos como a veces se antepone la cordura y el miedo, ante la libertad, muy a pesar de que ello sea por el bien de los implicados, ya que no deja de ser una decisión triste.

No es de extrañar que con éstas formulas, la película nos mantenga atentos durante toda su duración, pues es imposible no sentirse atraído por su cercanía. El tono que Sola da a Lunático es muy propicio a ello, pues el director apuesta por las situaciones en las que, como la vida misma, hay sitio para el humor, la melancolía, el drama, la tristeza o la intriga. Un espiral emocional que da pie a que los espectadores nos emocionemos junto a sus protagonistas y quedemos prendados con lo que vemos en pantalla.

Sin lugar a duda Lunático se ha convertido en mi favorita para postularse con el premio a mejor filme de la Sección Oficial en los Blogos de Oro de otorgamos para AFF, aunque queda mucho por ver, y existe todavía algún que otro filme prometedor.

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TÍTULO ORIGINAL Lunático AÑO 2014 DURACIÓN 73 min. PAÍS España IDIOMA Español, Catalán DIRECCIÓN Eduard Sola GUIÓN Eduard Sola, Mireia Ubero MÚSICA Adri Mena, Gerard Pastor FOTOGRAFÍA Ricard Canyellas, Clara Civit REPARTO Eduardo Guerrero, Rosario Delgado, Carmen Flores, Adela Ayala, Eduard Sola PRODUCTORA ESCAC Films

GÉNERO Drama. Ciencia Ficción

TEMÁTICA Comedia dramática. Falso documental. Vejez. Familia. Cine dentro del cine. Vida rural

SINOPSIS

En un pueblo en el campo catalán viven los abuelos andaluces de Eduard Solà. "Lunático" documenta lo que podría ser una historia más de inmigración, amor mutuo y trabajo duro, sino fuera porque el abuelo de Solà es inventor. Es así como en sus ratos libres y a lo largo de toda su vida, el abuelo ha dado vida a toda clase de invenciones disparatadas y de utilidad dudosa: desde unas pinzas luminosas para tender por la noche, a una máquina de tocar el violín. Sólo que, pronto descubriremos, el abuelo tiene una invención que gana por goleada a todas las demás. Y que puede llevarle (y llevarnos) más allá de la estratosfera.

PREMIOS

2015: AFF: Película a concurso.

CRÍTICA

+ "Una de las más agradables sorpresas del Atlántida Film Fest, una pequeña joya que nos recuerda cómo las pequeñas cosas pueden dar grandes películas, cómo en los personajes más cotidianos y las historias más insignificantes podemos encontrar héroes y épicas hazañas. Una película realizada no sólo con un buen hacer técnico sino con mucho corazón, tanto que sabe trascender la pantalla. Recomendable." (Enoch: Raven Heart)

+ "Pequeñas realizaciones como ésta demuestran que lo difícil no es disponer de millones para relatar algo grande y vacío, si no tener talento para que algo humilde y cercano cale tan hondo como para remover algo en tu interior." (Javi: Cine de Patio)

+ "Lunático es un homenaje del director a sus abuelos, una muestra de que el verdadero amor existe, un canto a la persecución de los sueños y a vivir de ilusiones sin importar la edad, una muestra de amor incondicional, una película totalmente recomendable." (Azu Pereira: Criticas en 8 mm.)

PUNTUACIONES

 

	8,5		6,7		-,-
NOTA MEDIA: 7,6

TRAILER

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BIRDMAN (O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA)

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) de Alejandro González Iñárritu se alza con el premio a mejor película en la edición de los Oscar de este año, desbancando así a la otra gran favorita Boyhood (Richard Linklater, 2014), y nos despiden de la época de galardones de un modo algo previsible. Pocas han sido las categorías que han roto las quinielas de la gran mayoría, siendo quizás la animada la que más ha sorprendido. Este año los estudios de Mickey Mouse han hecho doblete al llevarse los dos premios por los que competían. Por un lado a mejor corto, con la emotiva Buenas migas (Feast; Patrick Osborne, 2014), y por el otro a mejor largo por Big Hero 6 (Chris Williams, Don Hall, 2014). Aunque el filme de superhéroes sea un buen trabajo lejos estaba del resto de candidatas -e incluso de algunas que quedaron fuera de concurso-, demostrando el alto nivel creativo de este año. Películas como la suprema y hermosa El cuento de la princesa Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari; Isao Takahata, 2013); la épica -y mejor obra de Dreamworks hasta la fecha- Cómo entrenar a tu Dragón 2 (How to Train Your Dragon 2; Dean DeBlois, 2014); la última obra de Laika, quizás la menor de la filmografía del joven estudio pero de una animación en stop-motion que quita el hipo: Los Boxtrolls (The Boxtrolls; Graham Annable, Anthony Stacchi, 2014); o Song of the Sea (Tomm Moore; 2014), película que aunque no he tenido oportunidad de disfrutar todavía, solo necesitaba parecerse un poco a la maravillosa El secreto de Kells (The Secret of Kells; Tomm Moore, Nora Twomey, 2009) para convencer a cualquiera; hubiesen merecido llevarse el premio antes que la aportación de Disney, que no ofrecía nada nuevo en el horizonte. 
En menor medida, otro de los ganadores más cuestionables se encuentra en la categoría de mejor interpretación masculina protagonista, en la cual Eddie Redmayne se ha llevado el premio por dar vida a Stephen Hawking en La teoría del todo (The Theory of Everything; James Marsh, 2014), una buena interpretación del científico pero algo maniquea. En este caso el resurgir de Michael Keaton en Birdman era superior a la de Redmayne, demostrando el actor lo que puede dar en una película que queda lejos del resto de su anterior obra.
Aunque estoy seguro que con el tiempo Boyhood será la cinta que mejor perdurará en la memoria histórica, me siento satisfecho de que la maravillosa El gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel; Wes Anderson, 2014) sea (junto a la ganadora) el filme con más premios, pero algo triste por Whiplash (Damien Chazelle, 2014) sin duda alguna la maravilla de este año, que se queda tan solo con tres más que merecidos premios. Y aunque podría seguir enumerando las injusticias de este año con filmes que merecían más presencia, mejor voy ya con Birdman, y así dejamos ya atrás esta larga temporada de galardones.

Riggan Thomson es una celebre estrella famosa por dar vida a Birdman, un superhéroe que ha roto taquillas. Thomson, intentando dar un nuevo rumbo a su carrera como actor, decide dirigir su propia obra teatral, demostrando al mundo sus verdaderas capacidades como actor en una lucha contra su propio ego.

Dejando de lado los evidentes paralelismos que Iñárritu ha creado al elegir a Michael Keaton como actor principal, creando una relación directa con el estado del interprete y uno de sus más recordados papeles dando vida al super-murciélago de Tim Burton en Batman (1989) y su secuela Batman vuelve (Batman Returns; 1992), el filme se desarrolla acertadamente dentro de un teatro, una ubicación que viene al dedillo para plantear todo lo que el filme del director mexicano quiere reflejar.

Iñárritu juega con el ego que se esconde en el mundo de las estrellas y crea, gracias a su falso plano secuencia, realizado gracias a la magia de la edición digital, un universo asfixiante salpicado de dosis de fantástico para ensalzar el sentimiento de locura que envuelve a cada uno de los personajes, especialmente al de su protagonista. Ahí, cuece un relato que lanza dardos envenenados a varios de los sectores del mundo del espectáculo, siendo la crítica, los empresarios artífices de los más exacerbados blockbusters de acción, y las estrellas más ególatras, los que reciben la mayoría de ellos.

Las interpretaciones de absolutamente todos los que participan en el filme son de aplauso, no siendo solo Michael Keaton el que sobresale en el espectáculo que ofrece Birdman. Edward Norton es sin duda la otra pieza maestra del relato del Inárritu, una contra fabulosa para Keaton, con una fuerza imposible de superar. Son incluso los papeles pequeños los que brillan en el filme, y actores como Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis o en menor medida (a pesar de ser la que ha acaparado nominaciones en todos los premios) Emma Stone, hacen un trabajo imprescindible en la obra.

Pero a pesar de todos sus puntos fuertes, que no son pocos, Birman me produce a medida que va avanzando una pesadez que empieza a nublar todos sus maravillosos aspectos, cayendo justamente en una de las cosas que crítica: la pedantería. Parece que Iñáritu ha querido cambiar totalmente de registro y ha creado una cinta pensando solamente en contentar a aquellos a los que la ha querido dirigir, y no creo que esa gente seamos el público. Es por eso que, tras su desastroso final, quedo algo agotado por su visionado, y no me apetece en absoluto realizar un segundo visionado, el cual parece sin duda necesitar este complejo trabajo para poder ser analizado de un modo realmente preciso. Tampoco hay que olvidar lo poco novedoso de su planteamiento, pues lo que se nos cuenta en Birdman ya ha sido contado por otros -por ejemplo John Cassavetes en Opening Night (1977)- y las formas, por complejas que sean, exploradas por nombres como Hitchcock o, citando a uno más contemporáneo a Iñárritu: Alfonso Cuarón.

Es evidente que entre las candidatas a mejor película de este año había filmes mucho inferiores a los de Birdman, pero no eran pocos los que le superan en el resultado final, mucho más encajados en conjunto, y mucho más valiosos para nuestra historia.

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TÍTULO ORIGINAL Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) AÑO 2014 DURACIÓN 118 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Alejandro González Iñárritu GUIÓN Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Armando Bo MÚSICA Antonio Sánchez FOTOGRAFÍA Emmanuel Lubezki REPARTO Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts, Amy Ryan, Andrea Riseborough, Lindsay Duncan, Merritt Wever, Joel Garland, Natalie Gold, Clark Middleton, Bill Camp, Teena Byrd, Anna Hardwick, Stefano Villabona PRODUCTORA Fox Searchlight Pictures / New Regency Pictures

GÉNERO Comedia. Drama. Fantástico

TEMÁTICA Teatro. Sátira. Comedia negra. Cine dentro del cine. Realismo mágico

SINOPSIS

Después de hacerse famoso interpretando a un célebre superhéroe, la estrella Riggan Thomson (Michael Keaton) trata de darle un nuevo rumbo a su vida, luchando contra su ego, recuperando a su familia y preparándose para el estreno de una obra teatral en Broadway que le reafirme en su prestigio profesional como actor.

PREMIOS

2014: 4 Oscars: incluyendo Mejor película y director. 9 nominaciones
2014: 2 Globos de Oro: Mejor guión y Mejor actor - Comedia (Keaton)
2014: Premios BAFTA: Mejor fotografía.10 nominaciones
2014: Festival de Venecia: Sección Oficial
2014: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2014: National Board of Review: Top 10, Mejor actor (Keaton) y actor sec. (Norton)
2014: Críticos de Los Angeles: Mejor fotografía
2014: Independent Spirit Awards: Mejor película, actor (Keaton) y fotografía
2014: Premios Gotham: Mejor película y mejor actor (Keaton)
2014: Satellite Awards: Mejor película, actor (Keaton) y banda sonora
2014: Sindicato de Productores (PAG): Mejor película
2014: Sindicato de Directores (DGA): Mejor director
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor reparto (Largometraje). 4 nominaciones
2014: Critics Choice Awards: 7 premios incluyendo Mejor guión y reparto
2014: Críticos de Chicago: Mejor actor (Michael Keaton) y Mejor fotografía

CRÍTICA

+ "'Birdman' vuela muy, muy alto (...) Uno de los tour de fource visuales más espectaculares nunca vistos, al servicio de una historia que analiza la naturaleza cambiante de la fama" (Todd McCarthy: The Hollywood Reporter)

+ "Es el personaje más importante en la carrera de Michael Keaton (...) Iñárritu no golpeaba la pantalla con tanta fuerza desde su ópera prima 'Amores Perros' (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Un entretenimiento divertido, frenético, optimista y revoltosamente fanfarrón en el que el mismo Iñárritu se eleva alto y después, todavía más alto" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Estoy fascinado con cada sabroso, atrevido, devastador y extremadamente divertido minuto (...) de 'Birdman'. (...) 'Birdman' es un volcán de ideas creativas en plena erupción. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

= "'Birdman' demuestra que una película (...) puede elevarse con las alas de su propia destreza técnica, incluso cuando la banalidad de sus ideas amenaza con arrastrarla de nuevo al suelo. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "El surrealista retrato de los tiempos modernos y el culto a la fama es tan brillante a tantos niveles que incluso algún ocasional bajón no evita que 'Birdman' suba como la espuma" (Betsy Sharkey: Los Angeles Times)

+ "Una de las películas más audaces, más salvajemente divertidas y más impredecibles del año, cuenta con una espectacular interpretación de Michael Keaton. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "'Birdman' es sonido y furia (...) el reparto al completo está impecable, partiendo de un guión escrito de forma brillante (...) Con 'Birdman', renace nuestra propia fe en las posibilidades ilimitadas del cine" (Jessica Kiang: Indiewire)

+ "Una película magnífica y fascinante (...) es un tour de force técnico, una comedia negra maravillosamente interpretada y con un inteligente guión que dejará al público con ganas de más" (Mark Adams: Screendaily)

+ "El mejor Iñárritu posible (...) es una cinta febril que roza la obra maestra todo lo que dura su primera mitad. (...) gracias a la distancia que proporciona las reglas de la comedia y merced al trabajo entre la excentricidad y la iluminación de Keaton, 'Birdman' vuela" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Iñárritu da un giro espectacular a su carrera (...) película inabarcable, inmensa, plagada de capas narrativas, subtextos y radicalismos formales (...) una obra de arte emocionante, libre" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "El mexicano firma una obra deslumbrante, su Eva al desnudo, su crepúsculo de los dioses (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Funciona igual de bien como vodevil que como descenso a los infernos del fracaso (...) Lo mejor: el duelo Keaton-Norton y el virtuosismo formal. Lo peor: al final, Iñárritu pierde un poco el control (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

= "La maestría de Emmanuel Lubezki con la cámara (...) es lo más llamativo del filme y, paradójicamente, lo que le juega en contra. Si uno queda atrapado en el tecnicismo es porque algo del relato no termina de atrapar." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

- "Detrás de la acrobacias formales, los golpes de efecto y los chistes de dudoso gusto (...), hay contradicciones muy nítidas. Iñárritu pretende ser punzante con la chatura, el efectismo y las truculencias del mainstream, pero apela a las mismas herramientas para su cine, impostado hasta la médula." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,4		8,1
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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MULHOLLAND DRIVE

Es curioso como la cadena ABC, que acogió (y dinamitó) Twin Peaks (David Lynch, Mark Frost, 1990-1991) serie de culto por excelencia y que asentó las bases para muchas de las exitosas propuestas que ahora presentan tanto ella como sus emisoras competidoras, llamara de nuevo a David Lynch para que realizada una nueva serie, encargándole un episodio piloto para ellos. Así nacía Mulholland Drive, una idea que no terminó de convencer a los altos cargos de la ABC los cuales desestimaron por completo la propuesta, como si no supieran a quién habían encargado el proyecto y la tesitura que tendría lo que les iba a presentar. Pero el rechazo fue lo mejor que le pudo pasar a Mulholland Drive, ya que los franceses de StudioCanal si que se sintieron interesados por el piloto, y le propusieron a Lynch, convertirlo en lo que es hoy, uno de los largometrajes que a pesar de tener un argumento más simple que otras de sus obras, se convierte en uno de los más complejos (que no excéntrico) del artista de Montana, transformando la historia en un rompecabezas al que apetece volver a adentrarse de vez en cuando, e intentar resolverlo.

Betty se acaba de trasladar a casa de su tía en Los Ángeles para intentar triunfar como actriz en Hollywood. Allí conocerá por accidente a Rita, una mujer amnésica a causa de un accidente de coche en la carretera de Mulholland Drive. Ambas intentarán descubrir la verdadera identidad de Rita, no sin que vaya naciendo una fuerte atracción entre ellas.

No quiero adentrarme demasiado en los recovecos de la historia que se presenta en Mulholland Drive, ya que es imposible hacerlo si no se hace a través de las especulaciones y las teorías que inevitablemente nacen a raíz del visionado de la película, hacer algo así abre la posibilidad de estropear cualquier visionado a alguien que se atreva por primera vez a entrar en el juego de Lynch, y no quiero ser yo el que se encargue de estropearle ese juego. De este modo no voy a profundizar demasiado en la materia, pero si daros un par de datos que os sirvan de motivo suficiente para descubrirla, si es que todavía hay alguien ahí que no se ha atrevido con ella.

Lynch configura una película que podríamos partir en dos partes, y automáticamente nos encontraríamos ante dos filmes sumados en un mismo ente, pero queda claro que argumentalmente son inseparables. La primera parte es la más lineal pese a ser totalmente inquietante y de no carente de una ambigüedad narrativa muy acorde a las ideas del autor, más cerca del dadaísmo que el surrealismo. Entre otras cosas, esa es la parte en la que se nos presenta poco a poco la decadencia Hollywoodense, dónde no falta la corrupción (mafia incluida) y la prolongación lynchiana del director cinematografico representado sobre Adam Kesher. Lynch opta por una realización televisiva, que aunque pueda venir a raíz de su primera razón de ser, le viene al dedo para el relato al que nos somete.

A pesar de los múltiples motivos que nos conducen hacía ese relato a lo El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard; Billy Wilder, 1950), queda claro que la principal fuente de atracción es la historia presentada entre las dos protagonistas Betty y Rita, ambas interpretadas por unas inmejorables Naomi Watts (quizás el mejor trabajo de toda su carrera) y Laura Elena Harring. Un relato danzante entre la erótica, la pasión, la angustia y lo sórdido. Y son precisamente ellas, que llevan el peso del filme, las que nos conducen al interesante y enigmático Club silencio.

Aunque hay varias ocasiones en las que los elementos recurrentes en la filmografía de Lynch hacen acto de presencia, es en el Club silencio dónde más se conjugan, remitiéndos al resto de su filmografía, desde Cabeza Borradora (Eraserhead; 1977) -imposible no recordar el teatrillo bajo el radiador relacionando la puesta en escena-, hasta la serie Twin Peaks o especialmente el largometraje precuela Twin Peaks: Fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me; 1992) -no solo por la aparición de Laura Palmer (Sheryl Lee) acompañada de Ronette Pulaski (Phoebe Augustine), si no también por la atmósfera y colores del lugar-. Y es además a partir de ese punto cuándo nos introducimos en la famosa caja azul y el filme se radicaliza para explotarnos en los morros, adentrándonos en su segundo segmento.

A partir de ahí todas las ideas fundamentales del relato toman otros sentidos y es cuándo nos vamos dando cuenta que tenemos esa película dos en uno que comentaba al principio. Dos películas que podrían ser como las dos caras de un espejo, un ejercicio de identidades con tantas interpretaciones como espectadores que puedan ver el filme, el propio Lynch lo dice, cualquier interpretación de Mulholland Drive es tan aceptable como otra. Y no uso el símil del espejo como elemento casual, ya que uno de los puntos más importantes de la película es cuándo Rita se ve en el espejo a la vez que ve a la protagonista de Gilda (Charles Vidor, 1946), la icónica Rita Hayworth y decide adoptar el nombre de la actriz, el mismo espejo dónde se ve con la peluca rubia junto a Betty, remitiéndonos por completo a una película que no casualmente también podríamos dividir en dos: Vértigo, de entre los muertos (Vertigo; Alfred Hitchcock 1958).

Voy a terminar el escrito con unas pautas que se incluían en la edición en DVD del filme, unas pistas que estaban destinadas a ayudar a comprender mejor la película. Es curioso que Lynch, que tanto ha hablado de la libre interpretación y que nunca ha querido incluir este tipo de cosas en sus DVD lo haga en esta ocasión, lo que sin duda podemos tomarnos más que como una ayuda, como una pieza más del puzzle que compone Mulholland Drive. Estas son los diez puntos, tomados del libro David Lynch (Quim Casas. Madrid, Ediciones Cátedra, 2007):

1. Presta particular atención al comienzo del film: al menos dos pistas se revelan antes de los créditos.
2. Presta atención a las apariciones de la lámpara de pantalla roja.
3. ¿Puedes oír el título del film de Adam Kesher cuando realiza la audición de las actrices? ¿Se menciona alguna otra vez?
4. Un accidente es un acontecimiento terrible. Observa el lugar donde se produce el accidente de coche.
5. ¿Quién da la llave azul y por qué?
6. Fíjate en la bata, el cenicero y la taza de café.
7. ¿Qué se siente, se percibe y se acumula en el club Silencio?
8. ¿Es el talento la única ayuda de Camilla?
9. Fíjate en todo lo que rodea al personaje que aparece detrás del bar Winkies.
10. ¿Dónde está la tía Ruth?

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TÍTULO ORIGINAL Mulholland Drive (Mulholland Dr.) AÑO 2001 DURACIÓN 147 min. PAÍS Estados Unidos, Francia IDIOMA Inglés, español DIRECCIÓN David Lynch GUIÓN David Lynch MÚSICA Angelo Badalamenti FOTOGRAFÍA Peter Deming REPARTO Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux, Ann Miller, Robert Forster, Brent Briscoe, Jeannie Bates, Melissa George, Dan Hedaya, Lori Heuring, Billy Ray Cyrus, Rena Riffel, Katharine Towne PRODUCTORA Les Films Alain Sarde / Asymetrical Production

GÉNERO Intriga. Drama. Thriller. Romance

TEMÁTICA Thriller psicológico. Drama psicológico. Surrealismo. Homosexualidad. Cine dentro del cine. Película de culto. Cine independiente USA. LGBTIQ

SINOPSIS

Betty, una joven aspirante a actriz, llega a Los Ángeles para convertirse en estrella de cine y se aloja en el apartamento de su tía. Allí conoce a Rita, una mujer que padece amnesia a causa de un accidente sufrido en Mulholland Drive. Las dos juntas deciden investigar quién es Rita y cómo llegó hasta allí.

PREMIOS

2001: Oscar: Nominada a Mejor dirección
2001: Globos de Oro: 4 nominaciones: Mejor Película, director, guión y BSO
2001: BAFTA: Mejor montaje. Nominada a mejor música banda sonora
2001: Cesar: Mejor película extranjera
2001: Festival de Cannes: Mejor Director (David Lynch). 2 nominaciones
2001: Festival de Toronto: Mejor director
2001: Festival de Sitges: Nominada a Mejor película
2001: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Película. 4 nominaciones.
2001: Círculo de Críticos de Chicago: Mejor película, director, actriz. 5 nominaciones
2001: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director
2001: National Board of Review: Mejor actriz (Naomi Watts)
2001: Independent Spirit Awards: Mejor fotografía
2001: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2001: Critics' Choice Awards: Nominada a mejor película
2001: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película, Director, Actriz

CRÍTICA

+ "Esta es una película a la que te tienes que rendir. Si buscas lógica, ve otra cosa. Mulholland Drive va directamente a las emociones, como la música. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4) (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Probables o no, estos detalles no significan nada en un argumento convencional, pero como imágenes poderosas, como películas de un mundo imaginario, son inolvidables. Y esa, como probablemente diría David Lynch, es excactamente la intención." (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

+ "Mientras uno ve 'Mulholland Drive', uno pregunta si algún cineasta ha usado el cliché de Hollywood de 'fábrica de sueños' más profundamente que David Lynch. (...) Lynch da un extraordinario salto para abrazar lo irracional. (...) una gran película" (Stephen Holden: The New York Times)

= "Brillante y retorcida, artificiosa y, obviamente, sobrevalorada (...) Lynch juega a hacernos creer que él tampoco entiende qué demonios ocurre al final, ni en medio... (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

+ "Lynch se rinde homenaje en esta genial (y confusa) obra. (...) un puzzle con más huecos que piezas, llena de impulsos inconscientes (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)."(Bárbara Escamilla: Cinemanía)

- "Lynch vuelve a su cine caótico y pedante con 'Mulholland Drive'. La película es una sucesión de escenas deshilvanadas que componen una auténtica ceremonia de la confusión. En efecto la trama se va bifurcando en miniaventuras e incidentes cuya aparición no es explicada en su momento del metraje, ni será explicada tampoco al final. Las imágenes, además, no tienen magia ni magnetismo, como pretenden. (...) Lynch, a quien se le elogia por ser arbitrario, hace de las suyas. Es un enfant terrible y un niño mimado. Pero el cine tiene sus reglas y se paga transgredirlas, sobre todo a cambio de nada. Tarde o temprano." (Manolo Marinero: Diario El Mundo)

+ "Lynch regresa a sus ambientes oníricos en un filme que envuelve al espectador en un turbio desasosiego. (...) varias historias cruzadas; aunque tal vez sean la misma, pero vista desde varios ángulos. Las fascinantes imágenes que inundan 'Mulholland Drive' plantean muchas preguntas, pero aportan pocas respuestas. Quizá por eso el propio Lynch confesó que desconocía el significado del desconcertante desenlace de esta obra inclasificable." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

+ "Obra maestra (...) nada es lo que parece en este intenso laberinto de pasiones e intrigas." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,7		7,1		8,0
NOTA MEDIA: 7,6

TRAILER

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AL ENCUENTRO DE MR. BANKS

Es más que obvio que a la Disney le ha dado por explotar sus productos propios volviéndolos a llevar a la gran pantalla a través de revisiones que se alejen de la zona más infantil y clásica de los estudios, pero no nos engañemos, es esa vertiente la que va a seguir interesándonos a todos, por encima de nuevas Alicias, Maleficas o Cenicientas. De entre los muchos proyectos a imagen real, se aleja un poco la revisión que se ha hecho de Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964), la única cinta que ha optado por convertirse en un biopic. Así nace Al encuentro de Mr. Banks, la historia de como se fraguó una de las cintas más queridas y recordadas de los estudios del tío Walt.

Tras varios intentos, Walt Disney consigue convencer a la escritora P.L Travers para que le ceda los derechos de su obra más conocida: Mary Poppins; antes de aceptar Banks pone como condición revisar ella misma la producción del filme.

El mayor fallo que puede tener un biopic es el de no ser totalmente fiel a la historia (dejando de lado las interesantes alternativas que puede ofrecer el medio cinematográfico), no crear un perfil de personajes realmente adaptado a la realidad y no elegir a los interpretes adecuados para ello. Pues bien, Al encuentro de Mr. Banks peca de todo ello (excepto en el apartado actoral), ya que la radiografía que hace de sus personajes queda totalmente lejos de cualquier fidelidad con la realidad, suaviza perfiles o no termina de adentrarse demasiado en cualquiera que no sea la señora Travers. Y ese es un error insalvable, que es el que principalmente hace desmerecer del todo la cinta.

Estaría bien poder decir que por lo menos destaca en la realización, pero no es así, ya que esta se presenta del todo clásica y plana, no ofrece mucho a favor de la narrativa, y peca de correcta.

¿Entonces que tiene Al encuentro de Mr. Banks para que nos fijemos en ella? No mucho en realidad, pero para los que sentimos adoración por esa maravilla musical que fue Mary Poppins, nos resultará por lo menos curioso conocer los entresijos que se escondieron detrás de la producción del filme de la niñera, al fin y al cabo resulta complicado resistirse a un filme meta-lingüístico, por clásico que sea. Eso sí, más que en la realización del metraje, el argumento se termina centrando más en el personaje de la escritora, con lo cual termina por ser más indicado para los lectores de las aventuras de la niñera del paraguas volador y el maletín sin fondo. Al fin y al cabo, Travers es una escritora de lo más compleja, y la historia que gira alrededor de ella no está carente de interés (a pesar de la edulcoración, y el falso final que le hubiese gustado a la propia Disney).

Fuera de la narración, dos elementos son los que adecentan la película, por un lado, y como ya he dicho, el apartado actoral no desmerece a sus personajes, ya sea a través de los protagonistas o secundarios, todos ellos logran convencernos. El otro es la banda sonora, que aunque pueda pecar de dulzona, es totalmente fiel a lo que se podría esperar del relato sobre un filme de la Disney de los años 60.

Definitivamente nos topamos con una película que se deja ver bien, pero de la que no podemos esperar demasiado, una cosa si deja clara, y es que sería interesante ver una película que se centre en el personaje de Travers de modo más fidedigno y complejo, fuera de toda edulcoración y corrección Disney, la escritora da para mucho, y Al encuentro de Mr. Banks nos deja con ganas de conocer más a fondo al personaje.

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TÍTULO ORIGINAL Saving Mr. Banks AÑO 2013 DURACIÓN 125 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido, Australia IDIOMA Inglés DIRECCIÓN John Lee Hancock GUIÓN Sue Smith, Kelly Marcel MÚSICA Thomas Newman FOTOGRAFÍA John Schwartzman REPARTO Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Ruth Wilson, B.J. Novak, Rachel Griffiths, Kathy Baker  PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Ruby Films / Essential Media & Entertainment

GÉNERO Drama. Comedia

TEMÁTICA Cine dentro del cine. Literatura. Basada en hechos reales. Años 60. Infancia. Biográfico. Música

SINOPSIS

Durante catorce años, Walt Disney (Tom Hanks) intentó sin descanso que la escritora australiana P.L. Travers (Emma Thompson) le cediera los derechos cinematográficos de su primera y más popular novela, 'Mary Poppins', que finalmente fue llevada a la gran pantalla en 1964.

PREMIOS

2013: Oscar: Nominada a Mejor banda sonora
2013: Globos de Oro: Nominada a Mejor actriz (Thompson)
2013: Premios BAFTA: 4 nominaciones, incluyendo Mejor film británico
2013: Critics Choice: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película
2013: National Board of Review (NBR): Top 10 y Mejor actriz (Thompson)
2013: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año
2013: Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo Mejor película y actriz (Thompson)

CRÍTICA

+ "Un relato irresistible sobre la trastienda del cine (...) Muestra mucho afecto por Hollywood como 'fábrica de sueños', y es maliciosa en su descripción del proceso de realización de una película" (Scott Foundas: Variety)

+ "Tomada estrictamente en sus propios términos, 'Al encuentro de Mr. Banks' funciona sumamente bien como entretenimiento comercial." (Leslie Felperin: The Hollywood Reporter)

+ "Es Thompson interpretando a la heroica e indomable Travers quien hace un gran trabajo, su brillante interpretación domina la película de una manera efectiva. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (David Gritten: Telegraph)

+ "'Al encuentro de Mr. Banks' es un entretenimiento comercial ingenioso, bien diseñado y con un buen trabajo de su reparto de actores." (Indiewire)

= "'Al encuentro de Mr. Banks' es una película complaciente, demasiado larga, que está siempre a punto de convertirse en un desastre. Afortunadamente, el siempre eficiente Tom Hanks chasquea los dedos y (...) todo queda más o menos despejado de inmediato. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "La gente que creció con la 'Mary Poppins' de Disney, encontrará deliciosamente satisfactorio escuchar fragmentos de sus muy pegadizas canciones y observar su cautivante viaje creativo. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "El director Hancock sabe algunas cosas sobre dirigir películas cálidas que gustan al público, después de haber hecho 'The Blind Side'. Ésta no funcionaría sin Thompson. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

+ "Las mejores partes de 'Al encuentro de Mr. Banks' ofrecen una visión del funcionamiento de la máquina de entretenimiento de Disney que resulta embellecida, ordenada, pero, no obstante, razonablemente auténtica." (A. O. Scott: The New York)

+ "El perfil de P. L. Travers no está menos suavizado que el del propio Disney, pero esta película tan elegante como aparentemente trivial acaba, de modo inesperado, diciendo cosas de peso" (Jordi Costa: Diario El País)

= "El relato tiene momentos emocionantes (...) se beneficia de unos actores difícilmente superables. (...) La narración se interrumpe en exceso con estas vueltas al pasado, con lo que le cuesta un mundo mantener el hilo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

= "Todos los actores y actrices bordan sus papeles (...) De acuerdo, «Al encuentro...» cuenta seguramente lo que le da la gana y no la verdad de la buena, pero, entre esos tiras y aflojas para redactar el guión (hay un par de estupendos momentos musicales) (...) consiguen mantener la atención del respetable" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

- "Hay mucho psicoanálisis de parvulario en esta cinta bien empaquetada y mejor interpretada. (...) Puntuación: ★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "¿Un guilty pleasure facilón? Quizás, pero también tremendamente eficaz, rodado sin aspavientos a la manera más clásica y con un magnífico plantel de actores (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Álex Montoya: Fotogramas)

= "La parte de los flashbacks (...) entorpece la deliciosa trama (y consistente pulso interpretativo) entre una malhumorada pero chispeante Emma Thompson y el siempre encantador Tom Hanks (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mariló García: Cinemanía)

= "Emma Thompson está estupenda en todo momento. (...) Sin ella, y sin Tom Hanks, (...) 'Saving Mr. Banks' no sería ni tan entretenida ni emotiva." (Pablo O. Scholz: Diario Clarín)

PUNTUACIONES

 

	6,0		6,8		7,6
NOTA MEDIA: 6,8

TRAILER

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