UN AMOR DE VERANO (LA BELLE SAISON)

Se ha clausurado ya El FIRE!! (Mostra Internacional de Cinema Gai i Lesbià de Barcelona), que organiza el Casal Lambda, cumpliendo 21 años de edad y arrancando este año con el lema Libertad, igualdad y diversidad como bandera.
Del 30 de Junio al 10 de julio, se han podido ver en el Institut Francés un montón de propuestas cada cual más interesante, que van desde la galardonada e intensa Theo y Hugo, Paris 5:59 (Théo et Hugo dans le même bateau; Olivier Ducastel, Jacques Martineau, 2015) -mi favorita de las que he podido ver en el festival-, hasta la austríaca Tomcat (Klaus Händl, 2016), pasando por la divertida y única Flores de mazapán (Prahim shel Martzipan; Adam Kalderon, 2014) o el documental Hockney (Randall Wright, 2014) que repasa la vida de este referente del pop-art. Este año, el festival, ha dado el pistoletazo de salida con Un amor de verano (La Belle Saison), una hermosa cinta que además se acaba de estrenar en varios cines de España, así que si no habéis podido asistir al Festival, no tenéis excusa para al menos ver una de sus propuestas.

Delphine deja su vida en el campo para estudiar en París. Allí conocerá a Carole, una chica por la que enseguida sentirá una fuerte atracción. En plena década de los 70, cuando la lucha feminista se alza en Francia, las chicas conectarán enseguida y juntas empezarán una historia valiente y sincera, todo hasta que un inconveniente hace que Delphine deba volver a ayudar a la granja de sus padres.

Un amor de verano, es un filme de toques preciosistas que no renuncia a una sincera valentía para narrarnos, a través de la historia de amor de dos mujeres, el avance histórico de un país donde la mujer empezó a revelarse y a pedir el reconocimiento de sus derechos, en la conocida segunda ola feminista. Es por eso que no hay que entender la cinta de Catherine Corsini, como una sencilla historia sobre la homosexualidad, si no por una compleja película sobre una época en la que se conjugan varios ingredientes.

De entrada nos topamos con la lucha de una mujer que intenta avanzar en su vida, abandonando el entorno rural en el que vive, y buscando su plena felicidad. Un entorno que se nos muestra anclado en derechos y reconocimientos para la mujer y por supuesto en la condición sexual de las personas, pero que en el filme se nos muestra de forma natural, sin recurrir al maniqueísmo fácil que puede presentarse en filmes de este tipo.

Por otro lado se nos muestra, ya en la ciudad, como la lucha progresista es una realidad, y como ciertos valores de lucha sobrepasaron los de las propias vidas de las personas que perseguían unos ideales que aunque los tenemos cerca, todavía debemos trabajar en ellos.

El filme se basa en una historia de amor, y es evidente que el mayor peso del relato recae en esa idea, pero Un amor de verano no se presenta como una película que se sienta satisfecha solo con eso, y construye alrededor de sus bases, todo un entorno trabajado, mimado y que nos enternece y nos invita a la reflexión.

Mención especial para las interpretaciones de las dos actrices: Cécile de France e Izïa Higelin, que están mayúsculas, y un seguido de secundarios tan trabajados como ellas dos, en especial el complejo personaje de la madre de Delphine, interpretado por Noémie Lvovsky y que tan importante es para entender el fondo del filme.

Con un final que, a pesar de su sencillez, puede dejarnos poso, Catherine Corsini son regala una cinta preciosa y valiente, donde se nota la huella sincera y personal de la autora.

(Por cierto, ha sido elegida por la organización del festival como Mejor película.)

================================================================

TÍTULO ORIGINAL La belle saisonaka AÑO 2015 DURACIÓN 105 min. PAÍS Francia IDIOMA Francés DIRECCIÓN Catherine Corsini GUIÓN Catherine Corsini, Laurette Polmanss MÚSICA Grégoire Hetzel FOTOGRAFÍA Jeanne Lapoirie REPARTO Cécile de France, Izïa Higelin, Noémie Lvovsky, Kévin Azaïs, Laetitia Dosch, Benjamin Bellecour, Eloïse Genet, Patrice Tepasso PRODUCTORA Chaz Productions / France 3 Cinéma / Artémis Productions / Canal+ / Orange Cinéma Séries / France Télévisions / Jouror Productions / Indéfilms 3 / Soficinéma 11 / Cinémage 9 / Région Limousin / Centre National de la Cinématographie (CNC) / Tax Shelter Fil

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Mujer. Homosexualidad. Años 70. LGBTIQ. Vida rural

SINOPSIS

En París, en 1971. Delphine conoce a Carole. La primera, hija de campesinos, se muda a la capital para alcanzar la independencia económica y ser dueña de su propia vida. La segunda tiene novio y vive felizmente los comienzos del movimiento feminista. A Delphine, misteriosa y reservada, le gustan las mujeres. Carole ni se plantea esa posibilidad. De su encuentro surge una historia de amor que desequilibrará sus vidas al tropezar con la realidad.

PREMIOS

2015: Premios César: nominada a mejor actriz (de France) y actriz sec. (Lvovsky)

CRÍTICA

+ "Una película tan delicadamente irregular como perezosa, tierna, profunda y, si no queda más remedio, triste. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Corsini consigue algo realmente complejo: capturar una desbordante plenitud sensorial, sin negar, ni dramatizar su inevitable condición efímera." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "El producto final es una película honesta, puede que incluso necesaria, que explora las contradicciones de estas violentas militantes sin partido… pero con toda la vida para explorar (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Mirito Torreiro: Fotogramas)

+ "Entre política y pasión, Catherine Corsini elige la sensualidad (...) Jeanne Lapoirie saca partido a la campiña como si fuera su propia amante estival (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Daniel De Partearroyo: Cinemanía)

+ "Quizás el mundo ya esté preparado para un romane lésbico tan directo y sin ambages como 'La belle saison' (...) Catherine Corsini ofrece un drama de época luminoso y teñido de dorado" (Peter Debruge: Variety)

+ "Las radiantes y sentidas interpretaciones de Izia Higelin y Cecile De France hacen que te importe el resultado final, incluso cuando sientes que sabes exactamente hacia dónde podría ir 'La belle saison'." (Allan Hunter: Screendaily)

= "Sus potentes interpretaciones y una dirección detallista, ayudan a pasar por alto los irregulares cambios de tono" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

PUNTUACIONES

 

	7,0		7,0		6,7
NOTA MEDIA: 6,9

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL ANSIA

Hoy tocaría una reseña referente a la entrega de los Globos de Oro concedidos la pasada noche del domingo, pero por la repentina muerte de David Bowie merece la pena dejar los galardones para más adelante y dedicarle a él la entrada de hoy.

El polifacético artista de origen británico era sobradamente conocido por su música, pero también por su relación con el mundo del arte, la moda, la literatura y especialmente con el cine. Un todo que se conjugó en un mundo propio y que lo alzó convirtiéndolo en una figura de lo más icónica. Además de su participación musical en cintas de importante calado histórico, artístico, social y/o de culto como pueden ser C.R.A.Z.Y. (Jean-Marc Vallée, 2005), El beso de la pantera (Cat People; Paul Schrader, 1982), Dentro del laberinto (Labyrinth; Jim Henson, 1986), Cuándo el viento sopla (When the Wind Blows; Jimmy T. Murakami, 1986) o en varias de las obras de Leos Carax, Bowie también destacó como actor en alguna de ellas o en otras de igual calado como su primera interpretación en un largometraje para la cinta de culto El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth; Nicolas Roeg, 1976), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (Senjo no Merry Christmas [Merry Christmas Mr. Lawrence]; Nagisa Oshima, 1983), La última tentación de Cristo (The Last Temptation of Christ; Martin Scorsese, 1988), Twin Peaks: fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me; David Lynch, 1992), El truco final (El prestigio) (The Prestige; Christopher Nolan, 2006) o la ópera prima (y seguramente mejor filme) del difunto Tony Scoot: El ansia (The Hunger, 1983), cinta con la que hoy le rindo homenaje.

Miriam es una elegante vampiresa residente en Manhattan. En su lujosa casa vive con su pareja John, y ambos pasan la eternidad disfrutando de las cosas bellas que les ofrece la vida. De repente John envejece a gran velocidad y buscará la ayuda de una especialista llamada Sarah sin mucha esperanza. Inevitablemente Miriam y Sarah sentirán una fuerte atracción entre ellas conduciéndoles a las más profundas tinieblas del deseo.

Adaptación libre de la novela homónima de Whitley Strieber que se suma al cambio de carácter del cine vampírico, dándole un enfoque más contemporáneo siguiendo la estela de novelas también adaptadas a la gran pantalla como Soy leyenda de Richard Mathenson, El misterio de Salem's Lot de Stephen King o Entrevista con el vampiro de Anne Rice. De este modo, El ansia, se convierte en uno de los ejes más importantes para este cambio que no abandona el sabio estilo impulsado por el viejo conde Drácula, si no que lo actualiza.

Tony Scott, hijo del videoclip y la publicidad, dota de un tono esterilizado a su película, algo que le mereció abundantes críticas al marcar su obra como de una estética vacua, pero lejos de ello, es precisamente esa decisión la que convierte su película en una obra interesante, de merecido título de culto. Su arranque da fe de ello.

Bajo la tonada de Bela Lugosi's Dead de Bauhaus, Scott nos ataca con una secuencia inicial que nos pone en sintonía con lo que está por venir, y que con una coreografiada puesta en escena musical nos lo cuenta todo sobre nuestros vampiros protagonistas: Sus deseos, como es su vida, la relación entre ellos y nos adelanta algunos de sus secretos. Pero la música de Bauhaus no está sola, con ella aparece otra que es en esencia la que se encarga de definir a los personajes y su relación, ésta vez es Schubert con su Trio In E-Flat, Op. 100. Música melancólica, trágica en segmentos, como la propia vida de Miriam, y es por eso que son los temas más clásicos los que se encargan de irnos acompañando durante el metraje para añadir fuerza narrativa al guión del filme.

 

En definitiva, lo que Scott nos enseña es un arranque con un montaje de unos seis minutos brillante, que bajo el prisma de lo experimental y a la vez de lo comercial, nos sorprende y nos hechiza.

Lo mejor sin duda de El Ansia son sus personajes, principalmente Miriam. Interpretada por una siempre estupenda Catherine Deneuve, de corte gélido, belleza incomparable y porte distante. Toda un icono del vampirismo en si misma que incluso ha sido emulada en la quinta temporada de la serie American Horror Story: Hotel (Brad Falchuk, Ryan Murphy, 2011- Actualidad), serie cuyo eje central convierte el filme de Scott en una clara referencia, y a Lady Gaga en una emulación de esa suprema Catherine Deneuve, aunque lejos de alcanzar su grandeza interpretativa -por mucho (e incomprensible) Globo de Oro que quieran darle por esa actuación-. Todo un referente para el cine vampirico posterior, un ente que a pesar de su frío carácter se convierte en un ser polisexual lleno de erotismo, un erotismo siempre presente en la película, algo muy bien heredado del cine anterior. Quién tiene difícil sobresalir es David Bowie, pues lo que más destaca en su papel es el inmenso trabajo de caracterización al que es sometido, brillante, digno de el mayor de los presupuestos, merece realmente un aplauso, pues consigue que lleguemos a pensar que Bowie abandona el papel para cedérselo a un actor totalmente distinto, brillante. Un trío no estaría completo sin un tercero, y es Susan Sarandon la encargada de cerrarlo. Con un papel que no es ni de lejos el mejor de su carrera, Sarandon convence en el que sí es uno de los papeles más comentados, pues el trabajo sin tapujos que ofrece en las escenas más intensas junto a Deneuve es simplemente perfecto.

El transcurso de El Ansia se pasa bajo un ritmo algo irregular, pero que se sustenta con el desarrollo argumental del mismo. La gran apuesta del filme es hablarnos de esa ansiada juventud eterna, la frialdad que rodea a todo lo que puede relacionarse con esa idea y lo trágico de lo que podría llegar a comportar. Scott convierte el ansiado deseo de la inmortalidad en una verdadera maldición. Nos habla del amor prohibido, del imposible, del egoísmo y a última instancia ejerce de cañón sobre la libertad sexual, tan de moda en su década. 

El Ansia es en definitiva no solo un interesante ejercicio de estilo, si no también un filme de género que se atreve a traspasar a los temas más profundos, una cinta cuyo título de culto tiene bien merecido y que merece ser reivindicada.

Nada más, a disfrutarla y de paso dedicar un adiós de todo corazón al gran David Bowie.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Hunger AÑO 1983 DURACIÓN 94 min. PAÍS Estados Unidos, Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Tony Scott  GUIÓN James Costigan, Ivan Davis, Michael Thomas MÚSICA Michael Rubini & Denny Jaeger FOTOGRAFÍA Stephen Goldblatt & Tom Mangravite REPARTO Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Cliff De Young, Willem Dafoe, Beth Ehlers, Dan Hedaya, Suzanne Bertish, Bessie Love, Bauhaus PRODUCTORA Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Peerford Ltd.

GÉNERO Terror. Drama. Romance

TEMÁTICA Vampiros. Homosexualidad. Película de culto. LGBTIQ

SINOPSIS

Miriam Blaylock colecciona no sólo arte del Renacimiento y colgantes del Antiguo Egipto sino, sobre todo, amantes y almas. Moderna y elegante, Miriam es una vampiro intemporal residente en Manhattan, una mujer bendecida con la belleza y maldecida con su sed de sangre.

PREMIOS

1984: Saturn Awards: 2 nominaciones: Mejor vestuario, mejor maquilaje

CRÍTICA

- "Visionar una película como 'El ansia' ('The Hunger', Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada." (Alberto Abuín: Blog de cine)

+ "Por la fascinante perspectiva que aporta al mito. Por las brillantes actuaciones. Por la elegancia de la puesta en escena y una fotografía y montaje que aún ahora sorprenden. Por todo... hay que redescubrir este film y emplazarlo donde se merece: película de culto donde las haya." (Arantxa Acosta: El espectador Imaginario)

- "El film sirve como ejemplo de ese cine de los años ochenta, muy moderno en su día pero que ha envejecido bastante mal. Más allá de la estética y de su desaprovechado reparto de lujo, el film no tiene mayor interés." (Luis Cifer: Las críticas de Luis Cifer)

+ "Nos encontramos ante un título mítico del género, y también ante una de las películas más importantes y hermosas del género vampírico, una interesante vuelta de tuerca a la clásica historia de vampiros chupasangres y que sin duda marcó una época y una forma de concebir este tipo de cine, tanto por su aportación al mito (gracias a la obra de Strieber) como por algunas escenas antológicas que permanecen indelebles en la memoria del aficionado." (Luis Fernando Rodríguez Romero: El gabinete del Doctor Lynch)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,3		6,6
NOTA MEDIA: 6,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

LA NOVIA

Ya hace unos días que tenemos anunciados los candidatos de la academia española de este año para la que es la ya 30 edición de los premios Goya. Esta vez destacan por encima del resto 6 películas: con seis nominaciones Truman (Cesc Gay), A cambio de nada (Daniel Guzmán), Un día perfecto (A Perfect Day; Fernando León de Aranoa) y El desconocido (Dani de la Torre), la única que no ha entrado en la categoría de mejor película. Con nueve nominaciones la cinta de Isabel Coixet Nadie quiere la noche (Nobody Wants the Night) y la sorpresa de la edición, La novia, dirigida por Paula Ortiz y candidata a nada menos que 12 premios además de muchas opciones a ser la ganadora del mayor galardón.

Basándose en la obra Bodas de Sangre (1931) que escribió Federico García Lorca a raíz del famoso crimen de Nijar. Se nos narra la historia de una novia que debe casarse con su novio mientras ésta está enamorada de Leonardo. Las tensiones familiares aumentan cuándo las dudas crecen sobre ella, especialmente cuándo conocemos el sangriento pasado familiar de ambos hombres.

Adaptada en varias ocasiones –la primera en 1938 por Edmundo Guibourg con una de las musas de Lorca como protagonista, Margarita Xirgu; en 1976 en una producción marroquí que adaptó la acción al desierto de Marruecos; y en 1981 en un musical dirigido por Carlos Saura y que obtuvo el premio de los críticos de Nueva York-, Bodas de sangre es un poético, intenso y trágico melodrama sobre la venganza, la muerte y el amor como antídoto a esta última. Paula Ortiz se atreve con una nueva versión mucho más visual y poética, intentándose acercar mucho más a la esencia lorquiana que las versiones anteriores.

Lo primero que llama la atención en La novia es la belleza de sus imágenes, Ortiz junto a su director de fotografía Migue Amoedo crean unos planos de una magnificencia poética que, al son de una puesta en escena teatral y unas localizaciones de un misticismo único, son en si mismos puro lirismo. Todo el metraje está orquestado de tal modo que no existe instante que no esté totalmente milimetrado, y en cada momento quedaremos sorprendidos por la fuerza de su imagen, algo que también se mantiene gracias al montaje del filme. Escenas sorprendentes como la danza alrededor del fuego, tan intensa como el texto original, el paseo de la ceremonia hasta el caserío donde se realiza el convite, dónde las escenas nos recuerdan a un Bergman de sombras en color, o las cabalgatas llenas de fuerza, por nombrar algunas de ellas.

De ese modo ya podemos darnos cuenta de las intenciones de Ortiz por acercarse a la pureza de la obra de Lorca siendo lo más fiel posible a su esencia, algo que seguimos viendo desde el momento que uno de los personajes lanza sus primeros diálogos. El estilo que utilizan los actores es una mezcla en verso -bebiendo del original- con toques más adecuados al marco cinematográfico, aunque eso no impide que la sensación que impera constantemente sea teatral, uno de los puntos flacos a mi parecer, ya que con un estilo así pierde la fuerza narrativa como filme. Lo que si que se consigue con ello es tener unas interpretaciones sinceras y potentes. Con una puesta en escena que quita el hipo todo el reparto da lo mejor de sí, en especial el sector femenino que, encabezado por una matriarca Luisa Gavasa, pasando por la protagonista Inma Cuesta y una nota especial por su papel secundario a Leticia Dolera (actriz que a pesar de no tenerle simpatía me ha impresionado en esta ocasión), consiguen que nos creamos esos textos con tan solo lanzarnos una mirada. Impresionantes.

E igual de impresionantes son las localizaciones, pues gracias a un estilo algo distópico, el filme se cierra bajo un componente mágico que ha sabido sintetizar-se muy bien con una historia de bases melodramáticas. Y de diez es su banda sonora en la que el sonido nos cuenta aquello que las palabras no pueden, una vez más acercándose a la simbología que conjugada intenta acercarse a lo que Lorca escondía detrás de sus textos, y una música maravillosa, imposible de superarse.

Pero a pesar de todas las maravillas artísticas de esta nueva adaptación, el distanciamiento emocional se dispara enormemente no tan solo por esa teatralidad impreante, si no por la incapacidad de entender del todo algunos de los conceptos que Lorca siempre ha utilizado en sus obras. Cambios sutiles que bajo una orden más artística, se olvidan de la importancia de algunos elementos, como el cambio de las navajas por cristal, la luna, que aunque está más que presente durante el filme, no se termina de integrar en el relato, ya que dado el importante papel que tiene en Bodas de Sangre, en ésta ocasión pasa a un plano más místico. Igual que el cambio sutil del final, un final que no esconde su previsibilidad, si no que busca que el espectador lo comprenda desde el inicio, pero que pierde una vez más toda la fuerza emocional de las ideas del autor granadino. Y ya no hablo del clímax previo, que está excesivamente mal encajado.

Es por eso que aunque La novia sea un filme con elementos sumamente hermosos y que ellos por si solos son suficiente para quedar satisfecho con la película, se echa en falta una mayor implicación emocional final, no es bueno que una película de una carga simbólica tan necesaria se termine con un tono tan frío que pierda todo lo ganado por el camino.

A pesar de ello el filme está gustando mucho, y no me extrañaría que terminase por convertirse en la galardonada por la academia española a mejor película, es una cinta arriesgada y ya solo por eso merece mucho reconocimiento.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL La novia AÑO 2015 DURACIÓN 93 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Paula Ortiz GUIÓN Paula Ortiz, Javier García Arredondo (Obra: Federico García Lorca) MÚSICA Shigeru Umebayashi FOTOGRAFÍA Migue Amoedo REPARTO Inma Cuesta, Asier Etxeandia, Álex García, Luisa Gavasa, Carlos Álvarez-Novoa, Ana Fernández, Consuelo Trujillo, Leticia Dolera, María Alfonsa Rosso, Manuela Vellés, Mariana Cordero, Carmela del Campo, Álvaro Baumann, Anchel Pablo PRODUCTORA Get In The Picture Productions / Mantar Film / TVE (Televisión Española)

GÉNERO Romance. Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Melodrama. Bodas. Venganza. Vida rural

SINOPSIS

Adaptación de "Bodas de sangre", de Lorca. Desde pequeños, Leonardo, el novio y la novia han formado un triángulo inseparable, pero cuando se acerca la fecha de la boda las cosas se complican porque entre ella y Leonardo siempre ha habido algo más que amistad. La creciente tensión entre ambos es como un hilo invisible que no se puede explicar, pero tampoco romper.

PREMIOS

2015: Premios Goya: 12 nominaciones incluyendo mejor película
2015: Premios Feroz: 9 nom., incluyendo mejor película drama, director y actriz
2015: Premios Gaudí: 4 nominaciones incluyendo mejor película en lengua no catalana

CRÍTICA

+ "Ni un milímetro de la película está ahí con otro objetivo que no sea arrasar (...) Su intención es negar al espectador la capacidad de respirar. (...) Más Lorca que el propio Lorca. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

= "Es grandilocuente y aparatosa. También valiente. (...) pese a sus desperfectos, demasiados, la poética nobleza de los textos sigue ahí, y algunas grandes interpretaciones (...) Aunque solo sea por eso, y por el acontecimiento, 'La novia' también es imprescindible. Y luego decidan."(Javier Ocaña: Diario El País)

= "El envoltorio de ese pasional y letal triángulo es fastuoso, hipnótico, aunque también previsible (...) Inma Cuesta lo borda (...) En fin, a Lorca le gustaría, y a los lorquianos, también. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Paula Ortiz afronta un osado desafío que supera con creces. (...) Un torrente de imágenes sugerentes que no dan respiro al espectador que acepta desde el principio un impacto emocional estructurado con gran inteligencia." (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Un cóctel de sensaciones al límite dotado de una belleza plástica arrebatadora y que se mueve entre la línea floja entre el delirio catártico y el éxtasis visual. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Diario El Periódico)

+ "Para los que aprecian la belleza más sublime. (...) Lo mejor: su exquisita adaptación. Lo peor: su formalismo estético no gustará a todo el mundo. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nuria Vidal: Fotogramas)

+ "Todo en 'La Novia' es perfecto, aunque eso a ratos juegue en contra de la emoción. (...) A veces la intensidad es tal que la película, milagrosamente, se convierte en poesía. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Andrea G. Bermejo: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,4		7,1
NOTA MEDIA: 7

TRAILER

VER TAMBIÉN

THE BLUE HOUR

Seguimos en el Atlántida Film Fest (AFF) con el filme tailandés The Blue Hour (Onthakan; Anucha Boonyawatana, 2015), curiosa película de temática homosexual, muy acorde a estos días, que sorprende en varios aspectos.

Tam es un chico incomprendido en su casa y víctima de abusos escolares por su condición, lo que le convierte en un muchacho solitario hasta que conoce por Internet a Phum, con quién tras un primer encuentro sexual, mantendrá una relación amorosa que llevará a nuestro protagonista a cometer el más atroz de los crímenes.

The Blue Hour se presenta velozmente como una película melancólica y triste sobre las dificultades de un muchacho que, debido a su condición sexual y a la situación familiar en la que vive, se ve abocado a la soledad. La película de partida, a pesar de no presentar nada novedoso fuera de su país de origen, se entona interesante y con un tono que la convierte en una pequeña y delicada cinta de romance y tristeza. Algo con lo que ya podríamos sentirnos satisfechos. Pero el filme de Boonyawatana no pretende ser tan solo eso, y a medida que avanza el metraje nos esperan varias sorpresas que van a descolocar por completo aquello que podríamos esperar de su cinta.

Siendo un filme Tailandés, no sorprendería de entrada la incursión mística puesto que es algo muy recurrente en la filmografía del país, pero tras los primeros fotogramas de The Blue Hour es imposible llegar a pensar que la cinta va a ir por esos caminos, muy a pesar de que se nos anticipe con una historia de fantasmas. Los giros con los que el director nos espera nos dejan totalmente sorprendidos y aunque hay que reconocer que esa es la mejor baza del filme por contra juega a que nos sintamos confusos, y podamos llegar a odiar la película por no comprender hacía dónde se dirige. Pues The Blue Hour apuesta por interiorizarse con su protagonista, y el giro que toma va muy acorde al estado anímico de un personaje complejo, del que es fácil ir distanciándose. Esa introspección logra agotar por completo al espectador, por eso se convierte en una arma de doble filo con la cual el filme me divide por completo, sintiendo atracción y animadversión a partes iguales. De todos modos, y aunque al final quede algo desconcertado y aburrido, se agradece una apuesta tan arriesgada, que rompa por completo los esquemas al uso de cualquier filme de esta índole.

Uno de los factores que más me han cautivado es sin duda la fotografía y puesta en escena del filme, pues en cada segmento se encarga de definir muy bien la situación en la que se encuentra su protagonista. De entrada nos topamos con unos tonos pastel, algo melancólicos, que acompañan muy bien la presentación de Tam, el ritmo y los encuadres están plenamente cuidados y el resultado es realmente perfecto. Sin darnos cuenta el giro dramático y de género va acompañado por un cambio en la imagen que se llena de ese tono nocturno que toma protagonismo en el título de filme, y sigue así evolucionando en los vaivenes narrativos. Un logro más que positivo dadas las circunstancias presupuestarias de la película.

Así, al final, The Blue Hour es un filme interesante, que aunque corre el peligro de ser incomprendido, no se siente en absoluto una perdida de tiempo. Pues a pesar de que al final podamos terminar extremadamente perdidos, el resultado es más que aceptable.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Onthakan (The Blue Hour) AÑO 2015 DURACIÓN 97 min. PAÍS Tailandia IDIOMA Tailandés (Thai) DIRECCIÓN Anucha Boonyawatana GUIÓN Anucha Boonyawatana, Waasuthep Ketpetch MÚSICA Chapavich Temnitikul FOTOGRAFÍA Chaiyapruek Chalermpornpanich, Kamolpan Ngiwtong REPARTO Atthaphan Poonsawas, Oabnithi Wiwattanawarang, Djuangjai Hirunsri, Panutchai Kittisatima, Nithiroj Simkamtom, Chaowalit Teangsap PRODUCTORA G Village / 185º Equator

GÉNERO Drama. Romance. Intriga

TEMÁTICA Adolescencia. Homosexualidad. Sobrenatural. Crimen. Acoso escolar. LGBTIQ

SINOPSIS

Tam es un chico solitario que sufre bullying en su colegio. En casa, su padre, que trabaja en el ejército, siempre le pega. Su madre y su hermano no confían en él. Un día, Tam conoce por internet a Phum, un misterioso chico. Deciden quedar en una piscina abandonada. Se acuestan juntos y empiezan a salir, una relación que lleva a Tam a cometer el mayor crimen de su vida.

PREMIOS

2015: AFF: Sección Oficial a concurso

CRÍTICA

+ "Notable película con un inquietante ritmo cadencioso y con un tercio final muy sorprendente (aunque se vea venir). Dos personajes que parecen flotar en un mundo solitario." (C. Noodles: Ciudadano Noodles)

= "Buenas actuaciones y aspectos técnicos, pero en cuanto a trama la película es un vaivén de géneros que te acaban confundiendo. Aún así, merece la pena echarle un vistazo." (María José Díaz-Maroto: Pandora Magazine)

+ "Las atmósferas, perfectamente trabajadas, funcionan y consiguen atraparte, y zambullirte con los personajes hasta eses último final de liberación." (Miguel González: Revista Magnolia)

- "Una cinta que tiene un puñado de virtudes que acaban diluyéndose de la misma manera que se diluye la historia provocando que el espectador deje de comprender lo que está viendo y, por ello, acabe perdiendo el interés por ella." (Pinguirina: Los guiltys de Pinguirina)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,8		6,4
NOTA MEDIA: 6,1

TRAILER

VER TAMBIÉN

JENNIE

Jennie, conocida también como El retrato de Jennie, es una indiscutible obra maestra de la década de los cuarenta, a pesar de ello es de las menos conocidas, y es por eso que hoy me permito el lujo de reseñarla, no vaya a ser que tú, que lees estas lineas, seas uno de los que todavía no ha descubierto esta pequeña joya del cine.

Eben Adams es un pintor que malvive malvendiendo alguna de sus pinturas. Un buen día, en un paseo vespertino en Central Park, conoce a una joven muchacha de nombre Jennie de lo más excéntrica que llama poderosamente su atención. Tras un divertido rato con ella el hombre se inspira haciendo un boceto de la chiquilla que plasma muy bien lo mejor del artista. En un nuevo encuentro con ella decide proponerle que pose para él para hacer un retrato, pero algo ha cambiado en Jennie, parece más adulta, y la atracción hacía ella empieza a convertirse en amor. Eben no conoce en realidad el secreto de Jennie.

William Dieterle dirige esta maravillosa película de brillante y original guión elaborado por Paul Osborn y Peter Berneis, a su vez adaptando la novela homónima de Robert Nathan, que cuenta con una historia de lo más sorprendente en cuanto a argumento. Una obra de realismo mágico que bien podría desmoronarse en cualquier momento, pero que en el filme de Dieterle se conjuga como solida y llena de pasión. El entorno del filme se construye bajo las licencias del cine romántico, pero con dosis de fantástico que pueblan la película de un ambiente onírico absolutamente brillante y eficaz.

El filme nos habla de la obsesión de un artista por encontrar el verdadero camino para lograr expresarse plenamente a través de su arte, y de la magia de las musas, encarnadas en el filme en la figura de Jennie, una chica que juega un papel imprescindible en el filme y que se convierte en un ser medio real medio ficticio que se presta al papel inspirativo de un artista. La presentación de este personaje y de la romántica obsesión del protagonista por ella, se gesta en un relato absorbente y atractivo del que es difícil no quedar prendado. Es quizás el punto más edulcorado (aunque en algunos planteamientos sea una cinta muy adelantada a su tiempo) el que puede enturbiar un poco su desarrollo, pero hay que reconocer que sus estrategias de relato espiritual llevan la cinta por la mejor de las sendas.

Uno de los elementos más acertados, y que se convierte en una herramienta totalmente imprescindible para su éxito, es el uso de la fotografía. En su arranque, su director de fotografía Joseph H. August, apuesta por unas imágenes donde los tonos grises logran que las localizaciones del filme se conviertan en algo fantasmagórico y onírico, muy en sintonía con lo que estamos a punto de ver. Las texturas son granuladas, y se presentan en la pantalla unas imágenes que fácilmente nos recordarían a una pintura. Pero poco a poco, siguiendo el avance de su protagonista, el tono se hace cada vez más claro, y esas tonos turbulentos se quedan solo para anticiparnos la fantasmagórica presencia de esa extraña muchacha llamada Jennie. A medida que nos acercamos al punto más álgido del filme, poco nos esperamos la abrupta evolución que va a sufrir la imagen, pues August se atreve con los filtros más básicos para dar un color verde o rosado a algunas escenas finales, logrando un tono todavía más onírico y a la vez arrollador con el espectador, que explosiona como una tormenta que nos deja realmente enganchados en la butaca. No hay que olvidar que estamos hablando de un filme de los años 40, época en que el color y el blanco y negro compartían a partes iguales la cuotas en las salas de cine. En ese aspecto, Jennie, es una película de una experimentación sin limites, y con un final digno de elogio, pues a día de hoy todavía sorprende su trato y deja latente uno de los conceptos básicos del filme: la perdurabilidad del buen arte, que no se ve afectado por el paso del tiempo.

Maravillosa, así hay que definir esta película imprescindible. Así que tenéis una cita con Jennie, esa gran chica que llena el alma de nuestro protagonista.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL Portrait of Jennie AÑO 1948 DURACIÓN 86 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN William Dieterle GUIÓN Paul Osborn, Peter Berneis (Novela: Robert Nathan) MÚSICA Dimitri Tiomkin FOTOGRAFÍA Joseph H. August (B&W) REPARTO Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Albert Sharpe, Henry Hull, Florence Bates, Felix Bressart, Clem Bevans, Maude Simmons PRODUCTORA Selznick International Pictures

GÉNERO Drama. Romance. Fantástico

TEMÁTICA Drama romántico. Pintura. Arte. Sobrenatural. Fantasmas. Realismo mágico

SINOPSIS

Un pintor arruinado y abatido por haber perdido la inspiración conoce, un frío día de invierno, a una chiquilla en Central Park vestida de un modo anticuado. A partir de ese momento se suceden otros encuentros, con la particularidad de que en breves intervalos de tiempo la chica se va convirtiendo en una bellísima joven, de la cual el pintor se enamora. Pero Jennie esconde un secreto…

PREMIOS

1948: Oscar: Mejores efectos especiales. 2 nominaciones
1949: Festival de Venecia: Mejor actor (Joseph Cotten)

CRÍTICA

+ "Cuando se tiene talento, hasta el argumento más inverosímil puede servir para rodar una pequeña obra maestra. Apoyándose en la solidez de unas interpretaciones increíblemente creíbles y en la magnificencia de una fotografía que combina magistralmente dos registros opuestos, Dieterle combina con sabiduría el registro realista con el fantástico, para ofrecer un peculiar cuento de hadas que cautiva por su lirismo, su fuerza y su romanticismo." (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

+ "Cuento de hadas inteligente, extraño, inolvidable." (Antonia Méndez: Alohacriticón)

+ "Película extraña, misteriosa, evocadora, en donde se da esa única conjunción de magia y perfección artística que ocurre pocas veces en el cine." (Natalia Vías: Miradas de cine)

PUNTUACIONES

 

	7,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 7,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

EL LIBRO DE LA VIDA

Hay que reconocer que 2014 ha sido un buen año para las apuestas animadas made in USA, y eso que Pixar ha estado ausente este año para reformar un poco su linea de estrenos, aunque evidentemente siempre hay en el mercado un hueco para lo mediocre. Las grandes y pequeñas productoras empiezan a mimar más y más lo que tienen entre manos, pues se han dado cuenta que su público potencial, el infantil y sus acompañantes, son un público que ya no se contenta con cualquier cosa, pues con las cintas para todos los públicos se pueden recaudar enormes sumas, pero el fracaso económico también puede llegar a derrumbar a más de un grande (si no que le pregunten a Dreamworks). Todavía tenia pendiente una de estas películas, una de las que más se ha escuchado su nombre este año: El libro de la vida.

Manolo y Joaquín son dos niños enamorados de María, y entre juegos se disputan su amor. Los tres juntos forman una amistad solida que solo se quebrará cuándo, tras un pequeño incidente, María es enviada a España, lejos de su pueblo para aprender a ser una señorita. El tiempo pasa y Joaquín se convierte en todo un héroe para su pueblo, por otro lado Manolo, se ve obligado a seguir la tradición de su familia como torero, pero él en realidad, lo que ama es la música. Con la vuelta de María las disputas amorosas vuelven a la carga, algo que no trascendería más allá del clásico romance si no fuera por la apuesta que La Catrina y Xibalba, dos deidades del inframundo, han echo. Su envite consiste en ver cuál de los dos muchachos terminará junto a María, el resultado puede alterar todo el mundo tal y como lo conocemos.

El libro de la vida es la ópera prima en largo de Jorge R. Gutiérrez, mexicano afincado en California, que gracias al apoyo de Guillermo del Toro ha podido dar vida a esta espiritual cinta animada. Gutiérrez parte de la idea de la celebración del Día de los muertos para crear su propio universo, una apuesta muy fresca para una cinta gestada en Hollywood.

La película es contada como un cuento, dónde un grupo de niños escuchan una historia de la que no habían oído hablar antes. Ahí, Gutiérrez se acerca muy sutilmente, casi de modo simpático, a uno de los problemas de la globalización, mostrándonos como la cultura es una de las sentenciadas a muerte con las políticas capitalistas. Los niños no saben de que va eso del Día de los muertos, ellos solo conocen Halloween, y evidentemente jamás habían oído hablar de La Catrina o Xibalba. Así, se crea un acercamiento a las raíces, e intenta llegar a ese público ya alejado, de la mejor de las maneras. Hay que decir, que las licencias son bastante libres, pues el filme toma prestadas las ideas de la mitología para realizar la suya propia, gestando inframundos que en realidad no son así originalmente y seres a los que les cambia roles, como La Catrina convertida en La Muerte, o Xibalba, que es una mezcla de varias deidades demoníacas (especialmente la de Hun-Can) y tomando nombre del mismo mundo subterráneo de la misma mitología maya. Gutiérrez nos enseña así como el progreso y la mezcla no tiene por que estar reñida con las raíces.

Pero no todo está permitido en El libro de la vida, pues ciertos hábitos culturales pueden ser parte de nuestra identidad, pero no por ello significar que sean correctos. Uno de los aspectos que me chocaban antes de ver el filme era uno de sus protagonistas: Manolo, un torero. Es de sobra conocido por todos que la tauromaquia es considerada por unos como un arte, pero no es difícil darse cuenta de su verdadera cara, más cercana a la barbarie que a cualquier arte. Incluir un personaje como Manolo en una película destinada mayoritariamente a un público infantil me pareció atrevido, incluso llegué a dudar de lo correcto del hecho, pero está claro que no se puede juzgar un libro por su portada, y después de ver el filme me siento muy satisfecho con el trato que se le ha dado.

Lo bueno de El libro de la vida es como consigue defender las raíces culturales reflexionando a su vez sobre ellas. Manolo es torero, pero no por convicción, sigue con la tradición por imposición paterna, él lo que en realidad ama es la música, y aborrece la muerte injustificada. La resolución a tal conflicto no puede estar mejor logrado, pues aunque reconoce las raíces, nos enseña como hay cosas que están por encima de toda creencia, y lo mejor de todo, es que nos lo muestra todo a través del perdón, y ello gracias a una maravillosa canción.

Canción que por supuesto se suma a todas las genialidades de la partitura de Gustavo Santaolalla. Unos ritmos latinos mezclados con el sonido más contemporáneo (incluso canciones pop) que añaden vida a un filme ya de por si rebosante de energía. Canciones maravillosas, sinceras y divertidas.

Pues si una cosa destaca en El libro de la vida es el explosivo diseño colorista que impregna de magia toda la pantalla. Decorados y personajes no solo están diseñados con el mayor de los ingenios, si no que además están echos a medida para la historia que se nos está contando. Su estilo animado es deslumbrante, y poco importa si este está creado por ordenador, al final su belleza es aplastante. Y aunque todo ese diseño se base en los tópicos más rimbombantes de la cultura mexicana, algo que argumentalmente también se siembra en el filme, es fácil ver que se hace sin ningún tipo de soberbia, si no de la más clara de las simpatías, toreando el cliché con buenas maneras.

Existe un gran pero en el filme de Gutiérrez, pues parece que el mexicano no termina de controlar muy bien los ritmos del metraje, así nos deja con la sensación de que la película no termina de arrancar, que se estanca en contarnos una historia de amor a la que le falta fuerza narrativa, y no por culpa de una mala historia, pues aunque sea simple, podría alzarse mucho más si el ritmo del filme estuviese mejor pautado.

Aún así hay que decir que los protagonistas están muy bien tratados y son de lo más redondos, pues el material emocional que presentan está muy bien hilado, además que sirve para ensalzar ese sentimiento de cambio sin perder la esencia de lo que somos. Si ya hablamos de Manolo y su afán por escribir su propia vida, nos queda hablar de María, una mujer que ya de niña no parece estar dispuesta a aceptar ningún rol de género que se le imponga, algo que se va desarrollando a lo largo del metraje de un modo muy directo y acertado, y de Joaquín, que parte de un claro egocentrismo para evolucionar hacía el verdadero sentido de la vida comunitaria, especialmente gracias a la amistad.

No quiero olvidarme de aplaudir el gran trabajo actoral que hay detrás de los personajes animados. En un filme dónde los protagonistas son hispanos, pero hablan inglés, algo de entrada muy chocante, se consigue librar bien el combate gracias a las voces de Diego Luna, Zoë Saldana, Ron Perlman o Channing Tatum. Enamorado de la pequeña aportación de Plácido Domingo. 

El libro de la vida es una película fresca, amena y divertida, todo un soplo de aire fresco para los recurrentes universos del cine de Hollywood. Una pequeña cinta, llena de vida que se disfruta de cabo a rabo.

================================================================

TÍTULO ORIGINAL The Book of Life AÑO 2014 DURACIÓN 95 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés, Español DIRECCIÓN Jorge R. Gutiérrez GUIÓN Jorge R. Gutiérrez, Douglas Langdale MÚSICA Gustavo Santaolalla VOCES ORIGINALES Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ron Perlman, Christina Applegate, Ice Cube, Kate del Castillo, Hector Elizondo, Danny Trejo, Carlos Alazraqui, Ana de la Reguera, Emil-Bastien Bouffard, Elias Garza, Genesis Ochoa, Plácido Domingo, Jorge R. Gutiérrez PRODUCTORA 20th Century Fox Animation / Reel FX Creative Studios / Chatrone PRODUCCIÓN Guillermo del Toro

GÉNERO Animación. Comedia. Fantástico. Musical. Romance

TEMÁTICA Sobrenatural. Toros. 3D. Muerte / Duelo. Mitología. Música

SINOPSIS

La película cuenta el viaje de Manolo, un joven torero que se debate entre cumplir con las expectativas de su familia o seguir su corazón y dedicarse a su verdadera pasión: la música. Antes de escoger el camino que seguirá, emprende una aventura recorriendo tres mundos fantásticos, donde tendrá que superar sus peores miedos.

PREMIOS

2014: Globos de Oro: Nominada a Mejor filme de animación
2014: Premios Annie: Mejor diseño de personajes. 5 nominaciones
2014: Satellite Awards: Nominada a Mejor largometraje animación
2014: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor largometraje de animación

CRÍTICA

+ "Un trabajo visualmente deslumbrante que disimula su tópica historia con una atmósfera hechizante" (Frank Scheck: The Hollywood Reporter)

+ "Una golosina visual (...) una alegre fábula animada que mezcla viejos mitos con metáforas actuales" (Geoff Berkshire: Variety)

+"Como el mexicano Día de los Muertos, la película mezcla con éxito y de manera muy disfrutable, lo macabro con lo festivo (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Jordan Hoffman: New York Daily News)

+ "Una alegre celebración del folklore mexicano con un sólido reparto, una sensibilidad irreverente y un maravilloso diseño visual" (Michael Ordona: San Francisco Chronicle)

= "Musical gloriosamente colorido, que casi compensa (pero no lo suficiente) su falta de diálogos concisos con sus imágenes (...) Puntuación: ★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

= "Esta película a menudo hermosa y demasiado moribunda, y exhaustivamente frenética, tiende a ser menos enérgica que las personas muertas que bailan en ella." (Manohla Dargis: The New York Times)

= "Aunque no convenza del todo en cuestión de ritmo y de narrativa, más por falta de control que por tedio, acaba contagiando con su espíritu de cuento intemporal" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "Es una delicia visual, abigarrada y colorista como una feria mexicana, y la aparente morbidez del tema de los muertos se resuelve, como en el imaginario burtoniano, con buenas dosis de inventiva y poesía (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Antonio Weinrichter: Diario ABC)

= "La historia no es particularmente estimulante, pero el diseño visual es magnífico (...) El amor incondicional de Jorge R. Gutiérrez por la cultura popular de su país es tan evidente como contagioso (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Cuando el relato se adentra en el inframundo de la Tierra de los Recordados, la avalancha de imaginería cálido-siniestra embelesa los sentidos, y nos hace pensar en un Tim Burton tocado por el ardor latino." (Manuel Yáñez Murillo: Fotogramas)

+ "Una película que ofrece un despliegue visual impactante y un menú de canciones no menos atractivo ." (Javier Porta Fouz: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,8		7,3
NOTA MEDIA: 7,0

TRAILER

VER TAMBIÉN