EL VIENTO SE LEVANTA (SE LEVANTA EL VIENTO)

Retirada por todo lo alto del gran Hayao Miyazaki, El viento se levanta (Kaze tachinu; 2013) puede disfrutarse ahora en las salas de cine más dispares: de las comerciales a las de autor; y es que hay pocos directores que han conseguido poner de acuerdo a los más opuestos, y él es una estupenda excepción. Hay que aprovechar las contadas ocasiones que tenemos de disfrutar de buen cine de animación en los cines, y esta es una oportunidad que no hay que dejar pasar.

Jirô sueña con diseñar los más bellos aviones y volar junto a ellos, así lo seguiremos desde su niñez hasta su edad adulta, época en la que creará uno de los caza de combate más famosos de la histórica de la aviación bélica.

"Se levanta el viento. ¡Debemos intentar vivir!"

Con estas palabras del poeta y filósofo francés Paul Valéry, al que Miyazaki admira y con el que comparte ideas, arranca este último regalo del director nipón. Un biopic sobre Jirô Horikoshi, otro personaje que Miyazaki admira, aunque de modo distinto, por ser una figura que persiguió su sueño: hacer real sus sueños, aunque quizás sin quererlo, también creo pesadillas ya que Horikoshi diseño el caza moderno que tanto dolor causó en Pearl Harbor.

Es curioso ver como los sectores más ultra-derechistas de su país han criticado a Miyazaki por recrear un personaje histórico con dudas morales en vez de un patriótico ingeniero aeronáutico, y a su vez, algunos sectores de izquierda lo han juzgado por el simple echo de dedicar tiempo y esfuerzo a realizar un biopic sobre un hombre que tanto tuvo que ver con la muerte de tantas personas. Como curiosidad también se ha ganado la antipatía de los sectores anti-tabaco más reaccionarios, que no han sido capaces de soportar la veracidad histórica con la que el autor japonés ha retratado a su personaje, mostrándolo como fumador empedernido. Lo que está claro es que Miyazaki está en otra liga, él no quiere en absoluto dar la espalda a un echo, pero tampoco sobredimensionarlo, simplemente lo utiliza para lanzar su propio mensaje, un mensaje que nos viene lanzando hace décadas, así en síntesis es fácil ver cómo el argumento del filme trata sobre los sueños de un hombre, y como estos se vieron atrapados por los influjos de la guerra.

El viento se levanta no es en absoluto el filme más complejo  del co-fundador de los estudios animados Ghibli, pero si es una de sus obras más personales -qué no la única-, y a mi parecer la más emotiva y llena de belleza. No se me ocurre una mejor despedida para la filmografía de uno de los directores japoneses más representativos de nuestro tiempo. Llama la atención, eso sí, que esta vez el director haya optado por un estilo más clásico y realista abandonando levemente uno de los géneros que tan bien le definen: el fantástico; y se acerca así más al relato de su compañero y amigo Isao Takahata, pero remarco el "levemente", ya que lo onírico hace acto de presencia en el filme y de un modo totalmente esencial para el relato, de echo es en esos momentos en los que podemos encontrar las señas más comunes del director, y los recursos recurrentes en su filmografía (si queréis una lectura muy interesante y completa sobre esos elementos y otros asuntos relacionados con la figura de Miyazaki, haceros con el libro de Laura Montero Plata: El mundo invisible de Hayao Miyazaki -Dolmen Editorial, 2012-; sin duda la tesis más completa sobre el director que se ha publicado en nuestro país.).
El viento se levanta se va transformando en un melodrama trágico a medida que avanza por sus escenas dibujadas a mano, y ese es a grandes rasgos lo que la diferencia del resto de su obra, y eso lo acerca más a figuras como Ozu o Naruse, aunque las relaciones siempre han estado presentes, aquí se hacen más explicitas.
El protagonista, Jiro, personaje masculino que lejos queda de las jóvenes y luchadoras niñas de la obra del director, se debate entre sus sueños, la lealtad a su país, su propia moral y el amor de su vida... Trágico amor que tiene como protagonista a Nahoko, una valiente muchacha -aunque de clase alta- que debe batir su propia lucha y que demuestra un espíritu de sacrificio -esta vez sí- propio de las muchachas que Miyazaki nos ha presentado anteriormente, Nohoko podría sin duda tener su propio filme.

A pesar del realismo del argumento, Miyazaki vuelve a apostar por un estilo animado más sencillo, más cercano a primera instancia a Ponyo en el acantilado (Gake no Ue no Ponyo; 2008), pero el detallismo de fondos y personajes es el propio de filmes anteriores al de la niña pez, comparables a los de El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no kamikakushi; 2001) o La princesa Mononoke (Mononoke Hime; 1997). Unas pinturas que, a pesar de la tristeza final que se respira en El viento se levanta, inflan de belleza y esperanza el relato, convirtiéndolo en un filme de lo más conmovedor, sin caer jamás en los típicos sentimentalismos.

A estas alturas sólo podemos arrodillarnos ante la imponente banda sonora del filme, y no sólo por la maravillosa música que una vez más compone para Ghibli Joe Hisaishi, si no también a los artesanales efectos de sonido, nada sintéticos, realizados en ocasiones por voces humanas y que erizan la piel en todo momento, un detalle artístico que no hace más que sumarse al conjunto de orfebrería que compone El viento se levanta.

Sólo queda una pequeña reflexión que analizar detrás de lo que Miyazaki nos cuenta en su película. La pregunta sería si el biopic que hay detrás de El viento se levanta ¿nos habla realmente de un ingeniero aeronáutico o es en realidad un auto-retrato del propio director? La plasmación que hace Miyazaki sobre su protagonista va esta vez más allá que en ocasiones anteriores, como por ejemplo en Mi vecino Totoro (Tonari no Totoro; 1988) dónde nos cuenta una experiencia de su infancia, ya aquí los matices e ideales de Jiro pueden ser claramente relacionados con la forma de vida del artista.

Una despedida como he dicho por todo lo alto, pues El viento se levanta no será la obra más compleja, pero si la más bella que jamás ha realizado este artista japonés que se ha ganado un hueco en nuestros corazones.

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TÍTULO ORIGINAL Kaze tachinu (The Wind Rises) AÑO 2013 DURACIÓN 125 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés, Alemán, Italiano, Francés DIRECCIÓN Hayao Miyazaki GUIÓN Hayao Miyazaki (Cómic: Hayao Miyazaki. Novela: Tatsuo Hori) MÚSICA Joe Hisaishi VOCES ORIGINALES Hideaki Anno, Miori Takimoto, Hidetoshi Nishijima, Masahiko Nishimura, Steve Alpert, Morio Kazama, Keiko Takeshita, Mirai Shida, Jun Kunimura, Shinobu Otake, Nomura Mansai PRODUCTORA Studio Ghibli 

GÉNERO Animación. Drama

TEMÁTICA Biográfico. Melodrama. Aviones. II Guerra Mundial. Años 20. Años 30. Manga. Catástrofes. Terremotos

SINOPSIS

Jiro, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial.

PREMIOS

2013: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de animación
2013: Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera
2013: National Board of Review (NBR): Mejor película de animación
2013: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación
2013: Críticos de Chicago: Mejor película de animación
2013: Asociación de críticos de Los Angeles: 2ª Mejor película de animación
2013: Critics Choice: Nominada a Mejor película de animación
2013: Premios Annie: Mejor guión. Nominada a Mejor película
2013: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2013: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Drama histórico de una belleza inquietante (...) Miyazaki está en la cima de su arte visual, alternando exuberantes paisajes rurales de colores vivos, con épicos lienzos urbanos superpoblados." (Scott Foundas: Variety)

+ "Miyazaki, que es a la vez artista e ingeniero, ha vivido su década dorada por tercera vez, y sin embargo, continúa dejándonos atónitos." (Robbie Collin: Telegraph)

+ "Puede que no sea la película más accesible del director, pero es una de sus más fascinantes y seductoras" (Oliver Lyttelton: Indiewire)

= "Su 'look' es asombroso, pero no logra hacer frente bien a la política de su tema. (...) Naturalmente la animación es un placer para la vista (...) pero la película es demasiado controlada, le falta garra (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Xan Brooks: The Guardian)

+ "Una película sobre el preludio a la guerra y la belleza de volar, cuyos superlativos efectos visuales remarcan cuán maravillosa es la vida." (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El señor Miyazaki provee la vida y los sueños de Jiro de una elegancia lírica y una dolorida angustia." (Nicolas Rapold: The New York Times)

+ "Si Miyazaki finalmente no se retira, le costará superar este maravilloso, encantador biopic (...) La perseverancia y la fuerza de sus personajes, su amor por la humanidad, se sienten como un oasis en un desierto de cinismo." (Alonso Duralde: The Wrap)

+ "Jiro es un ingeniero serio y un romántico, no un soldado. Y 'The Wind Rises' transmite la poesía visual a la que hace referencia su título. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Es una gran historia, y en este hito de película Miyazaki cumple cada demanda. Siéntate y observa. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Si este es el adiós de Miyazaki, es un buen adiós. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Michael Phillips: Chicago Tribune)

= "Tiene momentos estéticamente deslumbrantes (...) Y un tono tan romántico como veraz (...) Miyazaki habla de las pasiones de este hombre singular con imágenes muy hermosas, pero dilata innecesariamente el metraje." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Sin poseer la lírica desatada y cautiva de sus mejores trabajos, la película se ofrece sin embargo como un perfecto, agónico y doloroso resumen de, quizá, una vida entera entregada a hacer desaparecer la pantalla de los cines; a empapar la realidad con el veneno del deseo." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Quizá sea la más contenida y antiespectacular de las películas [de Miyazaki] (...) El director logra hacer palpable lo invisible (...) un hondo melodrama de la resignación" (Jordi Costa: Diario El País)

= "Un testamento en el que uno echa en falta un corazón dramático menos confuso (...) Miyazaki no se atreve a preservar el recuerdo de la destrucción colectiva y lo disuelve en el dolor personal [del protagonista] (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es una película monumental y deslumbrante (...) Bella y escrita con mimo (...) regala una inolvidable historia de amor (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "El maestro Miyazaki se despide del cine por todo lo alto (...) Puntuación: ★★★★½ (sobre 5)" (Rubén Romero: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	9,5		7,4		8,1
NOTA MEDIA: 8,3

TRAILER

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PORCO ROSSO

La despedida de Miyazaki (además de la de Takahata) de su trabajo como cabeza de los siempre estupendos estudios animados Ghibli es una triste noticia, aunque también es cierto que ya en más de una ocasión se ha desdicho de su retirada. Su polémica cinta de despedida, que parece se va a llamar en España Se levanta el viento, y es sin duda de las mejores propuestas animadas que participan este año en los premios de la academia de cine estadounidense, y aunque ya cuenta con varias nominaciones y un premio por su El viaje de Chihiro, no está de más que el director nipón se vaya con un buen homenaje de sus compañeros americanos, a fin de cuentas ¿no es de las mejores cintas que participan en la categoría animada?

Unos años antes de dar el adiós definitivo, Miyazaki declaraba estar preparando una secuela de su película Porco Rosso, esta vez dentro del marco de la guerra civil española como continuidad temporal a su predecesora que se trasladaba a la época de la dictadura de Mussolini tras la primera Guerra Mundial en un punto de entreguerras, un caramelo así lo esperábamos muchos, pero tras el anuncio de su retirada parece que nos vamos a quedar sin ver nuevas aventuras del cerdo más famoso de Ghibli. Por lo pronto recordemos hoy la historia de esa primera aventura de aviones y piratas.

Varios grupos de piratas aéreos del Adriático harto de ver como sus planes se frustran a causa de la intromisión del famoso cerdo aviador Porco Rosso, deciden crear una alianza y contratan a un experto piloto americano para terminar de una vez por todas con él.

Lo que de entrada debía ser un cortometraje amable y divertido para proyectarlo en las líneas aéreas de Japan Airlines, terminó finalmente por ser un largometraje más de la extensa obra de Ghibli patrocinado igualmente por la misma compañía de vuelo y sin abandonar el tono amable captó un carácter más oscuro de lo que un principio debía ser. El carácter anti-belicista no sólo de Miyazaki sino del propio estilo del estudio animado (imposible no pensar en la obra maestra de Isao Takahata La tumba de las luciérnagas), nace en Porco Rosso al gestarse esta justo en plena explosión de la guerra de Yugoslavia de los 90, algo que no dejó indiferente al guión de Hayao Miyazaki.

La historia de pirata secuestra a jovencita se ve pues ampliada en este trasfondo de guerras que evidentemente toma toda la atención del filme, y aunque este se presente como una película algo distanciada a lo que nos tenía acostumbrados Miyazaki, no abandona jamás el espíritu de fabula tan común en su obra. Algo que se ve especialmente en el propio protagonista, un aviador que harto del sin sentido de la guerra en la que él mismo participó (espectacular escena de toma de conciencia dentro del marco del fantástico con una vía láctea de aeroplanos), se convierte en cerdo tras un hechizo (o al menos es lo que se entiende en la versión traducida del filme, parece ser que en el original es el propio Porco, antes llamado Marco Pagott, el que decide por si mismo abandonar el cuerpo de hombre tras su descontento con la humanidad, aunque eso poco importa al final). Tampoco falta uno de los elementos recurrentes en la filmografía del director, que en esta ocasión toma una relevancia clara: los aviones, afición de Miyazaki y que en tantas películas se ha encargado de dejarlo claro, el amor que siente por los artefactos voladores es tal que no hay filme que se salve de la aparición de estos, y en Porco Rosso se hacen con el filme sirviendo como eje central del mismo.

En esta película Miyazaki se nos vuelve mucho más occidental al trasladar la acción a Italia, aunque también es cierto que no es la primera película en la que los elementos europeos destacan, por ejemplo en Nicky, la aprendiza de bruja, nos encontramos unos decorados de un estilo muy europeo, algo que se irá volviendo más común en futuras películas con el paso del tiempo.

Claramente lo mejor del filme es su personaje principal, que está creado con sumo cuidado y dotado de una fuerza emocional que nada tiene a envidiar a los personajes de carne y hueso a los que los actores dan vida, contrastando muy bien con la jovencita mecánica, con la que deja entrever una mayor complejidad del personaje.

No creo que sea necesario extenderme mucho hablando de la estupenda banda sonora que acompaña a las imágenes de Porco Rosso, ya que esta es siempre sello identificable en cualquiera de las películas del estudio, esta vez el trabajo dirigido por Jô Hisaishi es tan estupendo como cualquier otro.

Aunque dentro de la filmografía de Hayao Miyazaki existen filmes mucho más complejos y completos, queda claro que Porco Rosso no desmerece entre ellos, y no podría decir que este es un trabajo mucho más personal del director japonés ya que todos lo son, pero se nota en esta un especial enfasis de sus ideas.

 

Para cerrar el comentario de la entrada, y aunque se han publicado en nuestro país varios libros sobre Miyazaki, os recomiendo una publicación que el estupendo semanario cultural francés Les inrockuptibles acaba de sacar a la venta en su revista bimestral Les Inrocks2 donde hacen una monografía del director de lo más completa y mimada, así que si no se os da mal el idioma os recomiendo echarle un ojo.

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TÍTULO ORIGINAL Kurenai no Buta
AÑO 1992
DURACIÓN 94 min.
PAÍS Japón
IDIOMA Japonés
DIRECCIÓN Hayao Miyazaki
GUIÓN Hayao Miyazaki
MÚSICA Jô Hisaishi
VOCES ORIGINALES Shûichirô Moriyama, Tokiko Katô, Bunshi Katsura, Greg Ellis, Tsunehiko Kamijô, Akemi Okamura, Akio Ôtsuka, Hiroko Seki
PRODUCTORA Studio Ghibli / Japan Airlines / Nibariki / Nippon Television Network Corporation (NTV) / TNNG / Toho Company / Tokuma Shoten
GÉNERO Animación. Fantástico. Aventuras

TEMÁTICA Años 20. Años 30. Aviones. Piratas

SINOPSIS

Periodo de entreguerras. Porco es un cerdo aviador que frustra todos los actos de piratería perpetrados por los piratas aéreos del Adriático. Éstos, decididos a acabar con el valiente y hábil aviador, se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero americano cuya misión será eliminarlo.

PREMIOS

1992: Mainichi Film Concours: Mejor película animada, mejor BSO
1993: Festival de Annecy: Mejor largometraje

CRÍTICAS

+"Bellísima fantasía histórica" (M. Torreiro: Diario El País)

FRASES

* Prefiero ser un cerdo a un fascista.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7

- Filmaffinity: 7,5

- IMDB: 7,8

* Media: 7,4

TRAILER

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BLANCANIEVES

Vamos hoy con un doble comentario de la previamente exitosa a su estreno Blancanieves de Pablo Berger. Doble porqué ya que el filme fue concebido para proyectarse con música en directo (una de sus mejores armas) es interesante analizarla también desde esa perspectiva, yo al no tener la suerte de asistir a una de las múltiples (aunque pocas y caras) sesiones que se han echo en nuestro país con el filme orquestado en vivo comentaré la experiencia del filme desde una sala de cine, por otro lado, os dejo al final con el comentario de Anna Vélez, que asistió al pre-estreno en el Liceu de Barcelona, y nos ilustra la vivencia de haber disfrutado del filme tal y como fue ideado.

Blancanieves, como su nombre nos marca, es una adaptación libre del conocido (y últimamente muy explotado) cuento de los hermanos Grimm, pero Berger solo utiliza la idea de la historia para trasladarla a una España por todos conocida, por muchos amada y por tantos despreciada, una España de los años 20 dónde la radiografía cultural de un país no puede ser más certera, y ahí decide borrar todas las convenciones del cuento, mostrándonos de un modo sorprendente un imaginario único a pesar de todas las deudas y homenajes al cine mudo (o no) europeo.

La historia es clara, pero con una fuerza tan grande que prefiero no desvelar mucho de su linea argumental, las propias pistas del cuento ya son suficiente para quedarse con una idea argumental inicial del filme y dejarse sorprender por las acertadas variaciones de Berger. Porqué como ya he dicho Blancanieves no es una versión tradicional, ni una actualización como el resto de producciones sobre la historia que nos ha llegado de los Estados Unidos, ni un experimento para entendidos, Blanvanieves no necesita referencias en las que aguantarse, porqué ella misma se sustenta sola, y de que manera.

Pablo Berger se atreve a robar, en ocasiones sutilmente, en otras sin reparo alguno, trazos de aquí y de allá adaptándolas en su propio trabajo, creando un espectáculo visual que pone la piel de gallina. El expresionismo alemán, el montaje soviético, trazos de Hitchock, de Lang, Einstein, Dreyer o Stroheim, referencias a Freaks, El callejón de las almas perdidas, Juana de Arco, Rebeca o Secreto tras la puerta; pero la también implícita presencia de Currito de la Cruz, La revoltosa o Nobleza Baturra, convierten en este en un filme castizo de pies a cabeza, en una pieza esencial no solo del cine europeo, si no sobretodo de nuestro cine.

Es por ello que pensar en Blancanieves con diálogos, o sin su blanco y negro, es concebir un filme tan distinto como erróneo, sería como pensar en Cantando bajo la lluvia sin música, en El planeta salvaje sin sus colores o El gabinete del doctor Caligari sin sus decorados.

Melodrama, comedia e incluso terror, se entremezclan en un filme trágico, delicado, rabioso y sugerente, dónde una serie de representaciones crean un espectáculo de incredulidad, pero para nada paródico, de la cultura de un país cerca de los años 20, pero de la que todavía hoy no se ha perdido ápice. Sevillanas, toros, revistas del corazón y espectáculos de feria, todo un ejemplo de aquello referente a un territorio, aquello que muchos abanderan con orgullo y aquello a los que muchos dan la espalda, pero que sin dudar ha creado una identidad imborrable con el paso del tiempo, de lo cual sería un error olvidar.

Un reparto para levantarse de la butaca aplaudiendo que va desde una pequeña y natural Sofía Oria, pasando por una dulce y fabulosa Macarena García, una excéntrica Maribel Verdú que no se excede en su para nada exagerada actuación al igual que su compañero Pere Ponce, una emotiva Ángela Molina, un Daniel Giménez Cacho que llena la pantalla, unos esenciales Ramón Barea y Josep María Pou y por supuesto el plantel completo de esos enanos únicos e incomparables. Todos hacen un trabajo preciso y se convierten en unos engranajes que encajan a la perfección en ese todo que es el filme de Berger.

Engranaje que por supuesto hay que remarcar es el de la banda sonora, potentísimo trabajo de Alfonso de Villalonga que pone la piel de gallina, del que Anna os hablará desde una perspectiva más clara en su crítica.

Solo queda pues, dar un pequeño tirón de orejas en torno a la (si es merecida) polémica que se ha montado a raíz de las protestas proanimalistas que denuncian la muerte ilegal de tres astados durante el rodaje del filme, acusaciones que el propio director a desmentido haciendo hincapié en el cumplimiento de la normativa, en un tema tan delicado como este.

Dejando de lado ese asunto, nos quedamos con una película maravillosa, que va a representar a España de modo acertado a la competición de los Oscar (aunque El artista y la modelo también hubiese sido una buena elección), que nada tiene que temer a la sombra de The Artist, de la que más allá de la ausencia de diálogos y de su blanco y negro, poco tiene que ver con la cinta francesa a la que gana en poso.

Recomendable de principio a fin, no hay excusa para perderse un trabajo que es ya, una obra clave de nuestra filmografía y que como dice su autor son aptas tanto para el modernillo como para la señora con rebequita.

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 BLANCANIEVES por Anna Vélez:

Ver Blancanieves en el Liceu fue una experiencia difícil de olvidar. Desde la web del Liceu animaban a llevar un vestuario acorde a los años 20 para homenajear la época, pequeño detalle que yo obvié y me pasé la noche pensando que la gente era una exagerada y se vestía demasiado por mucho que fuera el Liceu...y es que en estos saraos de gafapastas nunca se ver la fina línea que separa el disfraz de un outfit moderno.

Antes de que diera comienzo el espectáculo, el director de la película, Pablo Berger, nos presentó al siempre excéntrico Alfonso de Villalonga, compositor de la música, y subió acompañado al escenario por las actrices Ángela Molina y Marivel Verdú. Yo desconocía que vendrían los actores y partícipes del film así que mi sorpresa fue máxima; nos presentaron a la orquesta y su director, Roman Gottwald i a la cantante Silvia Pérez Cruz.
Visualicé el espectáculo desde el primer palco, justo tras los protagonistas de la película, así que tuve la gran suerte de ver sus expresiones y reacciones. Descubrí a una risueña y emocionada Maribel Verdú, a un nervioso Pablo Berger y a una exultante y reflexiva Ángela Molina.

La película me pareció una original visión del popular cuento de los Hermanos Grimm desde un punto de vista muy castizo, lleno de melancolía y abrazando el melodrama triste y gótico con toques de un humor negro que le dan mágia.

La oportunidad de verla con música en directo es una oportunidad inconmensurable, la orquesta se ocupa de todos los efectos sonoros, desde la própia música hasta efectos como timbres, campanillas, pisadas y fuegos artificiales, conseguidos con la explosión de globos. El de los músicos me pareció un trabajo dificilísimo y de largas horas de ensayo y puesta a punto. Tengo que destacar a la cantante catalana Sílvia Pérez Cruz y al grupo de palmeros que nos pusieron a todos en pie y con los vellos de punta tras sus versiones flamencas. Nunca vi tan nítidamente lo unidos que van música y cine y lo mucho que aporta cuando notas ambas artes en directo, casi tangibles.

No se cual hubiera sido mi crítica de la película sin poder verla englobada en un espectaculo como el del Liceu, pero siempre la recordaré como una experiéncia inolvidable y un gran trabajo fílmico. No creo que tras el reciente éxito de The Artist, película bonita pero plana donde las haya, logren el Oscar, pero es una gran candidata.

Para mí la mejor película muda de este siglo lleno de ruidos.

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TÍTULO ORIGINAL Blancanieves
AÑO 2012
DURACIÓN 104 min.
PAÍS España
IDIOMA Muda con interludios en español
DIRECTOR Pablo Berger
GUIÓN Pablo Berger
MÚSICA Alfonso de Vilallonga
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica (B&W)
REPARTO Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta, Ramón Barea, Emilio Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila
PRODUCTORA Arcadia Motion Pictures
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Cine mudo. Años 20. Melodrama. Toros

SINOPSIS
Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros.

PREMIOS

2012: Festival de San Sebastián: Premio especial del Jurado, Mejor Actriz (Macarena García, ex-aequo)

2012: Preseleccionada por la academia de cine española como representante a los Oscar.

CRÍTICAS

+ "Una llamativa cinta española (...) Una película muda visualmente impactante (...) una maravilla" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Un afectuoso homenaje al cine mudo europeo de los años veinte (...) una original reinvención andaluza de Blancanieves" (David Rooney: The Hollywood Reporter)

+ "Una película con estética poderosa (...) insólita en su planteamiento, audaz, sentida y bonita" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Pablo Berger firma una obra maestra con 'Blancanieves'. (...) Un milagro silencioso." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Blancanieves, ha causado, como era de esperar, un enorme golpe de amor y admiración entre los presentes. (...) gran película." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Una de las películas más sorprendentes de los últimos tiempos." (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Aparte de su fascinante poder visual, la película combina maravillosamente el humor negro, la sátira social y un tono cercano al gran cine expresionista alemán (...) Puntuación: **** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

+ "Era complicado que, nueve años después de 'Torremolinos 73', Pablo Berger hiciera algo todavía más sorprendente, exquisito, deslumbrante. La buenísima noticia es que lo ha conseguido (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)

+ "Muda, en blanco y negro… y obra maestra. (...) No, no es 'The Artist'. Es mejor" (Irene Crespo: Cinemanía)

CURIOSIDADES

- La película se lleva gestando siete años. Entre sus germenes creativos se encuentran las películas fundacionales como Avaricia y el libro de fotografías España oculta. Donde La cuadrilla de Cristina García Rodero (donde aparecía un grupo de enanos torero) fue la causante del click que Berger sintió viniéndole en mente el cuento de los hermanos Grimm y decidiendo crear una Blancanieves ibérica.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 8,1

- Filmaffinity: 7,5

- IMDB: 7,1

* Media: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

MIDNIGHT IN PARIS (MEDIANOCHE EN PARÍS)

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Woody Allen nos regala con su último trabajo una película encantadora, divertida y de una inocencia tan formidable que es difícil descontentarse con ella, una comedia sofisticada de las de siempre.

Su factor de mayor interés reside indudablemente en el guión, un libreto que Allen llena de su celebrado humor, con el que además se atreve a jugar con los viajes temporales llevándolos tan lejos como sea posible, evitando caer en conjeturas complicadas que nos den dolores de cabeza, un acierto total que además completa con unos entrañables personajes secundarios que de bien seguro nos van a gustar, todos ellos interpretados por queridísimos actores como son Kathy Bates, Marion Cotillard o Adrien Brody. Woody. Allen trata a la propia París como un personaje más de la lista de invitados, y aunque nos venda una ciudad de ensueño que seguramente se aleja de la verdadera realidad (algo que últimamente hace demasiado en sus trabajos, pero oh, así son las subvenciones), el retrato es tan importante para el relato como su propia historia.

Su protagonista, Owen Wilson es el encargado de llevar a cuestas al personaje álter ego que tantas veces ha interpretado el propio Allen, y sin hacer un trabajo espectacular consigue mimetizarse con él a la perfección, de este modo no echamos en falta al neurótico de Allen en pantalla. Wilson demuestra así que es capaz de hacer trabajos más alejados de la absurdidad tan común en sus otras películas, un acertado nuevo camino que esperamos siga hasta llegar a regalarnos lo mejor de si.

La película es también un canto en todos los sentidos a la nostalgia, por ello, los fans de este sentimiento (entre los que me incluyo), quedaran completamente prendados de su magia de principio al fin, e incluso les parecerá entrañable el final aunque realmente sea irremediablemente almibarado y tontorrón.

El film además se atreve a darnos una pequeña moraleja de como debemos vivir el día a día, pero eso ya es otra historia, y cada uno puede quedarse con ella a su manera, lo que ello si consigue, es convertir todavia más a este trabajo de Allen, en uno muy entrañable que nos arranca la sonrisa.

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TÍTULO ORIGINAL Midnight in Paris
AÑO 2011
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Estados Unidos - España

IDIOMA Inglés, Francés
DIRECTOR Woody Allen
GUIÓN Woody Allen
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Darius Khondji
REPARTO Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Corey Stoll, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Michael Sheen, Kathy Bates, Léa Seydoux, Alison Pill, Tom Hiddleston, Adrien Brody, Vincent Menjou Cortes, Carla Bruni, Olivier Rabourdin, François Rostain, Yves Heck, Adrien de Van, Nina Arianda, Marcial Di Fonzo Bo, Gad Elmaleh
PRODUCTORA Gravier Productions / Mediapro / Televisió de Catalunya (TV3) Versátil Cinema
GÉNERO Comedia. Romance. Fantástico
TEMÁTICA Comedia romántica. Viajes en el tiempo. Años 20. Comedia sofisticada

SINOPSIS

Un escritor norteamericano algo bohemio (Owen Wilson) llega con su prometida Inez (Rachel McAdams) y los padres de ésta a París. Mientras vaga por las calles soñando con los felices años 20, cae bajo una especie de hechizo que hace que, a medianoche, en algún lugar del barrio Latino, se vea transportado a otro universo donde va a conocer a personajes que jamás imaginaría iba a conocer...

PREMIOS

2011: Oscars (Pendientes de entrega): 4 nominaciones: Mejor película, director, guión original y dirección artística
2011: Globos de Oro: Mejor guión. 4 nominaciones
2011: Critics Choice Awards: Mejor guión original. 3 nominaciones
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor guión original
2011: Satellite Awards: 2 nominaciones: mejor director y actriz sec. (McAdams)
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a mejor fotografía y actor sec. (Corey Stoll)
2011: Premios Goya: Nominada a Mejor guión original
2011: Festival de Cannes: Sección oficial largometrajes (fuera de competición)

CRÍTICAS

+ "Encantadora comedia romántica (...) A medio camino entre 'La rosa púrpura de El Cairo' y 'Cenicienta', la cuadragésima segunda película de Woody Allen es deliciosa (...) Y, sí, en el papel de guía para turistas, Carla Bruni está perfecta." (François Forestier: Le Nouvel Observateur)

+ "Woody está en plena forma y París resplandece en esta divertida fantasía con viajes en el tiempo. (...) la película tiene el ritmo ágil y la concisión de los mejores trabajos de Allen." (Todd McCarthy: Variety)

+ "Gran Woody Allen para inaugurar Cannes. (...) una maravillosa carta de amor al presente, al pasado y al futuro. (...) El cuadro completo es maravilloso, pero también algunas de sus pinceladas" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "El Woody de antes. (...) inspiración transformada en genialidad. (...) una inagotable, brillante y, por supuesto, delirante sucesión de, admitámoslo, sus mejores chistes." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Allen logra su película más original desde 'Desmontando a Harry' (...) hilarantes gags (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "Woody Allen ha vuelto. (...) gags candidatos instantáneos a la inmortalidad y los libros de las mejores escenas del cine de Woody Allen (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

= "Un Allen mucho más inspirado, el de 'La rosa púrpura de El Cairo' y 'Alice' por ejemplo, habría sacado mejor partido a esta deliciosa historia (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)

+ "Expuesta la idea, Allen tira del hilo desde una triple vertiente. Y las tres resultan extraordinarias" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "El resultado de semejante cóctel surrealista podría ser una presuntuosa astracanada. Pero el ingenio de diálogos y situaciones evita el cataclismo aunque se trate de una obra menor (...) Puntuación: ** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,7

- Filmaffinity: 7,4

- IMDB: 7,8

* Media: 7,6

TRAILER

VER TAMBIÉN

SCOOP

(Woody Allen, 2006)

THE MUMMY (LA MOMIA)

Post del 30 diciembre 2011

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Si "La momia" fuese una parodia nos encontraríamos ante una película muy loable, pero aunque de entrada su punto cómico haga que lo parezca, no lo es. Por ello solo nos encontramos ante un film que se atreve a coger todos esos clichés del género de aventuras y mezclarlos con un guión tonto lleno de diálogos absurdos, aún así, el resultado es entretenido. Lo que si debemos loar de este metraje son sus ambiciosos efectos especiales, que simplemente son magníficos, aunque si nos sumergimos un poco en la historia de su producción descubriremos que el film apuntaba hacía otro lado, al de la serie B, y el uso de estos efectos no entraba en sus planes iniciales. Si el film hubiese tenido una perspectiva menos ambiciosa, seguramente hoy nos encontraríamos ante una película de culto, pero por contra lo que tenemos es un film palomitero tirando a pobre.

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Si "La mòmia" fos una paròdia ens trobaríem davant d'una pel·lícula molt lloable, però encara que d'entrada el seu punt còmic faci que ho sembli, no ho és. Per això tan sols ens trobem davant un film que s'atreveix a agafar tots aquests clixés del gènere d'aventures i barrejar-los amb un guió ximple ple de diàlegs absurds, tot i així, el resultat és entretingut. El que si hem de lloar d'aquest metratge són els seus ambiciosos efectes especials, que simplement són magnífics, encara que si ens submergim una mica en la història de la seva producció descobrirem que el film apuntava cap a un altre costat, al de la sèrie B, i l'ús d'aquests efectes no entrava en els seus plans inicials. Si el film hagués tingut una perspectiva menys ambiciosa, segurament avui ens trobaríem davant una pel·lícula de culte, però per contra el que tenim és un film palomiter tirant a pobre.

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TÍTULO ORIGINAL The Mummy
AÑO 1999
DURACIÓN 125 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Stephen Sommers
GUIÓN Stephen Sommers
MÚSICA Jerry Goldsmith
FOTOGRAFÍA Adrian Biddle
REPARTO Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah, Arnold Vosloo, Jonathan Hyde, Kevin J. O'Connor, Oded Fehr, Erick Avari, Bernard Fox, Stephen Dunham, Corey Johnson, Tuc Watkins, Omid Djalili, Aharon Ipalé, Patricia Velasquez, Carl Chase, Mohammed Afifi
PRODUCTORA Universal Pictures
GÉNERO Aventuras. Acción. Fantástico. Comedia. Terror
TEMÁTICA Antiguo Egipto. Años 20. Cine épico

SINOPSIS
Durante una batalla en Egipto, el legionario Rick O'Connell y un compañero descubren las ruinas de Hamunaptra, la ciudad de los muertos. Algún tiempo después vuelven al mismo lugar con una egiptóloga y su hermano. Allí coinciden con un grupo de americanos, deseosos de correr aventuras, que acabarán provocando la resurrección de la momia de un diabólico sacerdote egipcio que intenta desesperadamente recuperar a su amada.

PREMIOS
1999: Nominada al Oscar: Mejor sonido
1999: Nominada Premio BAFTA: Mejores efectos visuales

CRÍTICAS
+ "Apenas hay algo que pueda decir en favor de la película, excepto que me sentí animado casi cada minuto de ella. (...) Hay algo de inmadurez incrustada en cada uno de nosotros, incluso en los más juiciosos. Y debemos rescatarla. (...) Puntuación: *** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

CURIOSIDADES
- El proyecto fue presentado previamente a directores como Clive Barker, George A. Romero o Joe Dante.

- Brendan Fraser casi pierde la vida rodando una escena.

PUNTUACIONES
- Descubrepels: 5,1
- Filmaffinity: 6,2
- IMDB: 6,9
* Media: 6,1

TRAILER

 

VER TAMBIÉN

En busca del Arca Perdida
Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark
(Steven Spielberg, 1981)