EL CLUB

"Y vio Dios que la luz era buena, y separó a la luz de las tinieblas”.

Génesis 1:4

Un grupo de antiguos curas vive aislado en una casa situada en un pequeño pueblo costero bajo la atenta mirada de la hermana Mónica, donde conviven para purgar sus pecados. Su vida transcurre pacífica hasta la llegada de un nuevo padre que hará tambalear su pacífico y cerrado estilo de vida.

No es la primera vez que Pablo Larraín presenta comunidades coercitivas en las que solo pueden nacer monstruos, pero si es la primera vez que abandona la dictadura chilena de Pinochet como eje narrativo para centrarse en la dudosa moralidad de la santa iglesia, e internacionalizando así su discurso.

Se crea en El Club, una atmósfera opresiva gracias a una fotografía de luz naturista y unos arriesgados enfoques en los que la profundidad de campo queda difusa y no nos deja ver más allá, pero crea nitidez en los planos cercanos donde el discurso de los personajes suele ser esquivo en palabras pero intenso en pensamientos.

Como bien indica el epígrafe extraído del Génesis que aparece al inicio del filme (y que podéis leer al principio de esta reseña),  nos encontramos ante una película sobre la oscuridad que se esconde tras la luz.
Los personajes representan los peores pecados de la moral y con ellos el cinismo de una iglesia corrompida que decide crear su propia -y divina- ley para castigar a sus miembros descarriados, invitándolos a un retiro espiritual. Y los de ésta nueva iglesia de imagen supuestamente renovada, que presenta los mismos síntomas que la antigua, demostrando como lo carcomido, difícilmente puede arreglarse.

El Club es una película sobre el mal, y quizás no haya mejor protagonista para representarlo que la propia iglesia. A través de unos personajes que deberían presentar culpa y remordimiento, pero en vez de eso luchan con la negación por bandera y prefieren las actividades lúdicas a las de purga eclesiástica.

Larraín nos ataca con un filme frío, sórdido, escalofriante e incluso violento, pero como el mejor Haneke, alejado del espectáculo. Nos incomoda con las verdades que subyacen en nuestros pensamientos en contra de la moral socialmente aceptada.
La mejor herramienta para conseguirlo son los actores que dan vida a unos personajes muy bien trazados, en los que destacan el grupo de "curitas" y los fantasmas que les persiguen, especialmente el padre Vidal (Alfredo Castro); la hermana Mónica, a la que Antonia Zegers encarna como uno de los personajes más siniestros escondidos detrás de la bondad; Sandokan (Roberto Farias), un hombre ambivalente que representa los mayores temores de nuestros protagonistas y que se ve incluso más atrapado que ellos; y por último el personaje de Marcelo Alonso, ese padre que se postula como paladín del bien y que no tardará en representar aquello por lo que está en contra.

Definitivamente la película elegida por Chile como representante a los Oscar es una simple maravilla. Así lo atestiguan algunos de sus galardones, en especial el del gran premio del jurado concedido en Berlín.
Así que no tardéis en ir al cine a dejaros asfixiar por la última película de Pablo Larraín, cine así solo se conjura muy de vez en cuándo en nuestras salas.

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TÍTULO ORIGINAL El Club AÑO 2015 DURACIÓN 98 min. PAÍS Chile IDIOMA Español DIRECCIÓN Pablo Larraín GUIÓN Guillermo Calderón, Daniel Villalobos, Pablo Larraín FOTOGRAFÍA Sergio Armstrong REPARTO Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro Goic, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso PRODUCTORA Fabula

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Religión. Abusos sexuales. Vida rural. Drama psicológico

SINOPSIS

Cuatro hombres conviven en una retirada casa de un pueblo costero, bajo la mirada de una cuidadora. Los cuatro hombres son curas y están ahí para purgar sus pecados. La rutina y tranquilidad del lugar se rompe cuando llega un atormentado quinto sacerdote y los huéspedes reviven el pasado que creían haber dejado atrás.

PREMIOS

2015: Festival de Berlín: Gran Premio del Jurado
2015: Festival de San Sebastián: Sección oficial competitiva ("Horizontes Latinos")
2015: Premios Fénix: 9 nominaciones incluyendo Mejor película y director

CRÍTICA

+ "No sólo el mejor, más cruel y más divertido a la vez, trabajo [de Larraín] sino que comparte con obras como 'Saló o los 120 días de Sodoma', de Pasolini, o 'Funny games', de Haneke, la virtud del 'shock'." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En lo que va de festival [Berlín 2015] es la película más desagradable, perturbadora, terrorífica y hostil. (...) Es mejor no contar lo que ocurre (...) y sí el coraje y las ganas de tocar las narices de Larraín, de hundir el dedo en la llaga" (Sergi Sánchez: Fotogramas)

+ "'El club' es dura y áspera, destila necesaria mala leche, inteligencia, sarcasmo, claustrofobia y violencia interna, te remueve lo que ves, lo que escuchas y lo que imaginas." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "'El Club' alcanza tal nivel que perfección que, por momentos, duele verla (...) Una de las mejores películas del año" (Carlos Loureda: Fotogramas)

+ "Es un filme complejo, que se mueve con maestría en una zona de penumbra moral, como el drama que explica. (...) Un drama con toques de humor negro" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Es un trabajo sorprendente y que llama a la reflexión, por parte de un director que nunca ha optado por el camino fácil, confirmando a Larraín como uno de los talentos más auténticos del cine actual." (Jordan Mintzer: The Hollywood Reporter)

+ "Es a la vez un thriller apasionante, una incendiaria crítica social y una cáustica fábula moral." (Jessica Kiang: Indiewire)

+ "Respuesta incisiva y psicológicamente compleja a los múltiples abusos de la iglesis Católica (...) Maestro de la atmósfera sucia, Larraín demuestra aquí un feroz dominio como cineasta." (Scott Foundas: Variety)

+ "Fabulosa quinta película de Larraín (...) Incluso en la oscuridad, su humor mordaz brilla como una cuchilla. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)" (Ryan Gilbey: The Guardian)

+ "Esta mezcla sorprendente, áspera e inteligente, de un tema muy serio con un enfoque de comedia negra, catapulta a Larraín a la primera fila de los cineastas internacionales." (Neil Young: Indiewire)

+ "Para fans del cine que experimenta y arriesga. (...) Lo mejor: su arrojo y contundencia. Lo peor: la dureza de la película es tan necesaria como difícil de soportar. (...) Puntuación: ***** (sobre 5)." (Desirée de Fez: Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,8		7,8
NOTA MEDIA: 0,00

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THE WORLD OF KANAKO (KAWAKI.)

Se acerca el cierre del Festival de Sitges y aquí no podemos despedirlo sin hablar por lo menos de alguno de los filmes que se han visto estos días por alguna de sus pantallas. Para ello tenemos entre manos una de las cintas que a pesar de no entrar en la categoría de lo fantástico se proyecta en el festival por otros motivos, ya sea su nacionalidad, su homenaje al cine de explotación o por contar con un nombre ya de referencia en el festival catalán de cine: Tetsuya Nakashima. Para los que nos cuesta que un nombre japonés se nos quede grabado en la mente seguramente os sonará mucho más si os digo que Nakashima no es otro que el director de la insuperable Confessions (Kokuhaku; 2010), y que acaba de triunfar en su país natal con el estreno de The Wold of Kanako, filme que ha participado en el palmarés de Sitges llevándose el galardón de mejor actor para Kôji Yakusho.

Cuando Kanako desaparece, su madre no tarda en acudir en la ayuda de su ex-marido (y ex-policía) para lograr encontrar a su queridísima hija. La desaparición es todo un misterio, Kanako siempre ha sido una buena hija, una alumna ejemplar y una mejor compañera. Aunque parece que no todo es tan bueno como parece en la vida de la muchacha.

Nakashima vuelve a construir una película entorno a los mismos temas que ya ha tocado en sus anteriores trabajos. Sus películas se presentan como thrillers dónde la criminalidad, el drama familiar o la adolescencia más problemática se articulan a través de un mensaje de violencia poco controlable. Si bien los temas son recurrentes en su obra, los modos no son del todo similares. Si es cierto que el tono de spot y videoclip es más o menos recurrente, pero el uso es distinto si lo comparamos con por ejemplo Confessions, película mucho más pausada a pesar de su excelente montaje, o dónde el gore no tiene tanta representación como en The World of Kanako. La idealizada magia de su anterior trabajo se convierte en esta ocasión en una explosión colorista y estridente, sobrecargada a más no poder, que se traduce en un claro homenaje al cine de explotación de los 70, de ahí que sea inevitable pensar en, por ejemplo, Quentin Tarantino o Park Chan-wook, la violencia pulp que sobresale de su pantalla deja buenos motivos para ello.

Y es esa explosión descontrolada, que sumada a un argumento de lo más trillado consigue por partes iguales que el publico quede totalmente rendido a sus pies o por contra, mareado ante tal arsenal avasallador y decida que esta película no es para él. De ambos modos, aunque el filme guste o no, una cosa la consigue con todo el mundo, y es dejarnos enganchados en nuestras butacas, algo que Nakashima siempre ha logrado con sus filmes.

La simpleza de sus imágenes (entiéndase simpleza desde una perspectiva en la que lo visual es tratado de un modo que fácilmente impresione al espectador, y no entendido como mal lograda, ya que claramente no es el caso) es la que fácilmente encandile al espectador que ansia este tipo de cine, pero por otro lado cuenta con otra buena baza, y es la profundidad oscura en su enturbiado argumento.

Este puede presentarse en la mayor parte del filme como algo realmente irracional, pero no es difícil darse cuenta que entre tanta locura que apuesta por la carcajada a lo excéntrico, se dejan entrever un par de perfiles realmente interesantes. El primero y más claro es el de su galardonado protagonista, un personaje único dónde los haya, difícil de entender dada su complicado perfil, con el cual es realmente imposible empatizar, pero si comprender cuales son sus locas motivaciones, y no juzgarle por ello. Por otro lado a la ausente Kanako, chica Lynch dónde las haya, una suerte de Laura Palmer en Fuego Camina Conmigo (1992), influenciada por las turbias relaciones con su padre, que se presenta como una misteriosa y oscura muchacha que nos hace inquietar constantemente a pesar de desconocer su paradero.

Punto a parte merece su banda sonora, una delicia que realmente puede llegar a superar a la película en si misma, una suerte de actualización de las canciones más populares del pop, el folk o la música clásica, llevadas a su terreno de una manera arrolladora. Una delicia.

Realmente The World of Kanako es una película bastante aguda, y aunque se pueda echar de menos mayor profundidad en su historia y un desenlace más acertado -que rompe completamente con el estilo que ha imperado durante todo el metraje-, gustará seguro a los fans del cine más explosivo, y aunque al resto les deje más desangelados no podrán decir que no han asistido ante un filme que les ha dejado indiferentes.

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TÍTULO ORIGINAL Kawaki. (The World of Kanako) AÑO 2014 DURACIÓN 118 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Tetsuya Nakashima GUIÓN Tetsuya Nakashima (Novela: Akio Fukamachi) FOTOGRAFÍA Shôichi Atô REPARTO Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto PRODUCTORA GAGA / GyaO / Licri

GÉNERO Thriller. Intriga. Drama

TEMÁTICA Crimen. Familia. Secuestros / Desapariciones. Gore. Venganza. Drogas. Colegios & Universidad. Neo-noir. Prostitución. Abusos sexuales

SINOPSIS

Cuando Kanako, hija pródiga y alumna intachable, desaparece, su madre no duda en llamar a su exmarido, un policía poco ortodoxo. A medida que la investigación avanza, la imagen idealizada de Kanako se va resquebrajando, dejando entrever que, bajo la excelencia, la chica esconde otra vida, más oscura y secreta.

PREMIOS

2014: Festival de Sitges: Mejor actor (Yakusho)
2014: Festival de Austin: Mejor guión

CRÍTICA

- "Un film de gran negrura y pesimismo, puesta en escena en claroscuro y luces de neón rojiazules, con un exceso de violencia repulsiva y sanguinaria, aires de film explotation sui generis, donde se mezcla el noir  y el policíaco con el film de institutos tan caro a cierto público nipón, en una narración desarticulada, sincopada que nos lleva al absurdo. [...] todo resulta demasiado operístico y desaforado y nos quedamos con el raciocinio inutilizado ante lo que hemos visto. [...] En todo este artefacto, no resulta dificultad menor, por parte del público occidental, dilucidar quién es la hija, quién la madre, quién una compañera, quién otra... en fin, también en los personajes femeninos hay una extrema complicación añadida dada la semejanza de rostros." (Ignasi Juliachs: Scifiworld)

+ "Uno de los mejores y más memorables títulos por los que seguro, recordaremos esta Sección Oficial de Sitges 2014. Tetsuya Nakashima sigue incurriendo en su particular universo desde su inconfundible registro. [...] 'El Mundo de Nananko' es una implacable delicia audiovisual que, comunicándose no tanto por los diálogos de sus personajes como a través de su frenético e hipervitaminado montaje, sorprendentemente abduce mucho más de lo que supuestamente epata." (Joan Sala: Filmin)

PUNTUACIONES

 

	7,0		6,2		6,6
NOTA MEDIA: 6,6

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MILLENNIUM 2: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

Hace tiempo tenia pendiente seguir con la trilogía sueca de la hiper-vendida novela homónima Millennium escrita por el fallecido Stieg Larsson. Después de quedar mínimamente satisfecho de la primera parte, la cual logró resumir en poco más de dos horas un libro de casi novecientas páginas, adaptando el relato al medio sin perder la esencia del mismo, esencialmente esa denuncia al sistema patriarcal tan rancio en un país que se supone de lo más abierto, logrando a la vez un suspense notable que te mantenía atento a la pantalla y una realización más que suficiente para un producto pensado para la televisión. En esta segunda parte, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina, la trama se abría mucho más, por lo que la adaptación requería de un mayor de esfuerzo si se quería anunciar con el nombre de Larsson en cartel, trabajo que se dejó a manos de un nuevo director, Daniel Alfredson.

Ya ha pasado más de un año de la investigación sobre la familia Vanger que llevó a cabo Mikael Blomqvist con la ayuda de la enigmática hacker Lisbeth Salander. Ahora Blomqvist ha salido de prisión y tiene entre-manos un nuevo reportaje sobre trata de blancas con un nuevo colaborador, Doug. Pero este aparece muerto antes de terminar su artículo, y todo conduce a que el asesino es la misma Salander, algo que Blomqvist no cree posible.

A pesar del pequeño cambio de estilo y narrativa, esta segunda entrega de Millennium consigue no perder el hilo de su antecesora, pero al tener detrás un relato mucho más complicado, intenta simplificarlo hasta el punto de perder parte del estupendo mensaje que sí tenía la película de Niels Arden Oplev, y que se esconde tras la investigación de la trata de blancas, que en el filme de Daniel Alfredson sirve tan solo como excusa para centrarse de lleno en sus protagonistas, olvidando que esa excusa era en realidad la base de la historia que nos quería contar. Lo que si es cierto es que el complicado trabajo de contar en pantalla algo que en el texto se presenta como farragoso, se consigue hasta un punto de simplificación casi increíble, que se resuelve con algunos diálogos de más profundidad narrativa que intentan contarnos lo profundo del caso.

De este modo nos queda un filme algo más descafeinado, que parece que sólo quiera aprovechar el tirón de un personaje tan emblemático y excéntrico como el de Lisbeth Salander, interpretado por una mayúscula Noomi Rapace, olvidando por competo lo realmente interesante del relato.

Así, Millennium 2, se presenta como un simple thriller dramático, que aunque le falte garra se deja ver con piedad, y que a pesar de su extensa duración es apto para verse, siempre y cuándo hayamos antes disfrutado con su anterior parte.

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TÍTULO ORIGINAL Flickan som lekte med elden AÑO 2009 DURACIÓN 129 min. PAÍS Suecia IDIOMA Sueco  DIRECCIÓN Daniel Alfredson GUIÓN Jonas Frykberg (Novela:Stieg Larsson) MÚSICA Jacob Groth FOTOGRAFÍA Peter Mokrosinski REPARTO Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Georgi Staykov, Per Oscarsson, Sofia Ledarp, Hans Alfredson, Annika Hallin, Micke Spreitz, Paolo Roberto PRODUCTORA Yellow Bird Films / Nordisk Film / ZDF Enterprises / Sveriges Television

GÉNERO Thriller. Intriga

TEMÁTICA Secuela. Asesinos en serie. Prostitución. Crimen. Corrupción. Abusos sexuales

SINOPSIS

Lisbeth Salander es buscada por la policía, tras verse envuelta en el asesinato de dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con justa ira sobre los que la han herido... Segunda parte de la trilogía Millennium, adaptaciones de las exitosas novelas de Stieg Larsson.

PREMIOS

2009: Premios Guldbagge (Suecia): 2 nominaciones

CRÍTICA

- "Larsson para unos pocos. (...) Entre los hilos argumentales más trascendentes y la intriga más convencional, han elegido lo segundo. (...) han desaparecido desde tramas insustanciales hasta otras más básicas" (Javier Ocaña: Diario El País)

= "Mantiene el interés gracias a los recursos narrativos del thriller americano pero la incertidumbre y el interés por el destino de los personajes se pierden en una narración larga y derivativa. (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)." (Francisco Marinero: Diario El Mundo)

PUNTUACIONES

 

	5,5		5,9		7,1
NOTA MEDIA: 6,2

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PORQUE TE VI LLORAR

No se puede negar que el valor histórico del cine es impagable, y si pensamos en la filmografía española ese valor se hace mucho más interesante por lo cercano y testimonial que ha sido siempre nuestro cine, eso sí, inevitablemente y por mayoría: un cine panfletario y de gran carga ideológica, ya sea de un bando u otro. De este modo es interesante echar la vista atrás para entender nuestro pasado, y compararlo con la situación actual en la que nos encontramos. Lo que puede pasar en ocasiones, es que nos podemos dar cuenta del retroceso social que estamos viviendo, al ver como un filme de principio de los años 40, podría presentarse como una película totalmente actual. Para poner un ejemplo aquí está Porque te vi llorar, película de uno de los más reconocidos directores de nuestro país, Juan de Orduña, realizador de taquilleros éxitos folclóricos como El último cuplé (1957) y uno de los primeros en explotar el cine histórico ampuloso sobre los romances de palacio, con por ejemplo Agustina de Aragón (1950). Gracias a su filmografía, se convierte en uno de los directores preferidos no solo por el público, si no por el régimen, que aplaude cada uno de sus filmes por su contenido claramente falangista. Con Porque te vi llorar es imposible no pensar en la reforma de la ley del aborto que nuestro actual gobierno nos quiere imponer, dejando claro que a pesar del paso del tiempo, tenemos por desgracia en España una herencia muy difícil de dejar atrás.

Después de la guerra civil que dejó atrás la segunda república y que da comienzo a la nueva era de franquista, las sociedades burguesas empiezan a ocupar sus puestos socio-económicos en las altas esperas del país. Ahí nos encontramos una joven pareja que durante la fiesta de compromiso verá truncado su futuro al ser atacados por una pequeña resistencia republicana, siendo él asesinado, ella violada.

La historia se centra en la vida de la muchacha, una vez ha dado a luz del niño fruto de esa violación, y de los tormentos que deberá vivir en la sociedad que le rodea. Lo que es curioso es como la película de CIFESA (productora falangista), plantea unos hechos que causan tanto dolor a la joven protagonista, un retrato que demuestra el calvario que representa tener que tener un hijo fruto de tal tropelía, el rechazo de la propia familia a la joven, el olvido por parte de amistades, y el destierro social al que debe someterse. De echo podemos escuchar de boca de la muchacha uno de los diálogos más reveladores del filme, mientras ésta habla con su ama, y le da fe de sus pensamientos más dolorosos:

Si me hubieran matado aquella noche como a José Ignacio... [... ] Era preferible a vivir así, como si en vez de una víctima, fuera una culpable.

Tales palabras no hacen más que reforzar la idea de la terrible opción del camino tomado, algo que parece no ir en sintonía con las ideas de la productora predilecta del caudillo, pero Orduña no tarda en tejer una red que va poco a poco desviando hacía otro sendero el relato, al fin y al cabo no olvidemos que el abuso fue a causa de un ataque republicano.

Así la chica toma una decisión, debe dejar atrás su vida y empezar una nueva en un lugar dónde nadie la conozca, para ello deberá encontrar a algún hombre que le pueda dar un apellido a su hijo y así dejar de vivir en los márgenes de la indecencia, alcanzando así esa nueva vida tan deseada. Los padres de la chica deciden casarla, bajo pago, con un muchacho que parece de buen corazón, pero el destino ataca de nuevo a la joven cuándo se da cuenta que ese hombre es en realidad el verdadero padre de la criatura.

A partir de aquí es cuándo Juan Quintero, guionista del metraje, empieza a dar señales del verdadero mensaje falangista del filme al al mostrarnos como la muchacha se va interesando por el joven con el que acaba de contraer matrimonio. Poco a poco conocemos la humilde vida de este, y nos va normalizando la narración para que no nos parezca tan chocante la idea de que la chica termine por simpatizar con el hombre que la agredió sexualmente, algo que en todo momento vemos tan descabellado como peliagudo, pero que a los artífices de la historia no parece escamar en absoluto, al fin y al cabo ellos saben que la sorpresa estallará en el iluminado final del relato, cuándo los espectadores conoceremos la verdad oculta tras las imágenes de Porque te vi llorar.

Si olvidamos el claro posicionamiento político del filme, es interesante analizar el terror vivido en una situación así para la mujer, y no es nada complicado llevar el relato a nuestros días que mágicamente da la vuelta al original y verdadero origen de la película para ofrecernos una lectura totalmente contraria a la que dio en su época, y demostrar una vez mas, y como ya he comentado al inicio del escrito, la importancia de volver a mirar atrás para darnos cuenta de lo poco que pueden llegar a cambiar algunas cosas. En ese sentido, un filme imprescindible.

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TÍTULO ORIGINAL Porque te vi llorar AÑO 1941 DURACIÓN 80 min. PAÍS España IDIOMA Español DIRECCIÓN Juan de Orduña GUIÓN Santiago de la Escalera MÚSICA Juan Quintero FOTOGRAFÍA Alfredo Fraile (B&W) REPARTO Pastora Peña, Manuel Arbó, Eloísa Muro, Luis Peña, Rafaela Satorrés, José María Seoane, Domingo Rivas, Alejandrina Caro, María Asquerino, Fernando Aguirre, Manuel San Román, Mario Mur, Fortunato Bernal PRODUCTORA CIFESA

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Abusos sexuales. Años 30. Años 40. Crimen. Familia. Melodrama

SINOPSIS

En pleno delirio victorioso, mientras media España comienza a pagar las culpas de los delitos cometidos durante el delirio republicano, los jóvenes y no tan jóvenes hijos de las clases pudientes que han dado y dan forma a las fuerzas militares del nuevo régimen que habrá de durar cuarenta años se disponen a iniciar una carrera de imparables ascensos en la esfera social y económica. Sin embargo, entre esas filas borrachas de victoria quedan aún genuinos salvadores de la patria como el joven protagonista de esta historia, hijo de buena casa, católico como el que más, falangista de pro, quien, conmocionado por las lágrimas y las intenciones suicidas de una chica a la que pretendió en tiempos pretéritos y que fue más tarde violada por la horda roja decide casarse con ella y entregar su muy noble apellido al hijo nacido de semejante tropelía.

CRÍTICA

- "Cómo explicar que la mayor transgresión de todo el cine español la dirigiera Juan de Orduña [...]El 18 de julio de 1936 (menudo día para una pedida de mano) milicianos asturianos, de Castralto, asesinan a un joven y violan a su prometida.[...]Animalada de guión aparte, la película no deja de ser más propagandística del bando nacional.[...]¿Y si...? Quitándole las referencias a la Guerra de España, esta truculencia, este folletín insensato, podría haberse convertido en una obra maestra en manos de Fassbinder, de Buñuel, de Douglas Sirk..., hasta del Raoul Ruiz de Misterios de Lisboa. Solo la boda/funeral merece un lugar en cualquier antología." (Jaime Parra: Duelos y quebrantos)

- "De un golpe, Orduña dirige tres joyas de la más rancia estirpe: ésta, El frente de los suspiros y el inefable canto al sudor patrio ¡A mí la legión! La hija de los marqueses de Luanco ha sido violada por el más truhán de la horda (roja, por supuesto). Para reparar la afrenta está el soldado de marras dispuesto a la boda y posterior adopción de la descendencia (¡ole! el caballero español). Es decir, de traca." (Luis Martínez: El país)

- "Risible folletín que resume todas las esencias del franquismo.[...]acumula tópicos y clichés sin el menor sentido del ridículo: rojos malvados, aristócratas violadas y franquistas pobres pero honrados. Sólo puede ser consumida desde un espíritu de chanza." (Fotogramas)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,3		-,-
NOTA MEDIA: 5,7

PELÍCULA COMPLETA

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TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO

Dale al play al reproductor de la derecha y a leer.

“Nos veremos de nuevo en 25 años”, le dijo la fallecida Laura Palmer al agente Dale Cooper un 25 de marzo de hace justo… ¡25 años!

Es imposible no reconocer Twin Peaks como la serie de culto por excelencia, e igual de inevitable es coronarla como una de las más influyentes producciones de televisión, seguramente sin ella ahora no conoceríamos Expediente X, Doctor en Alaska, Lost, A dos metros bajo tierra o la reciente y exitosa True Detective, por citar algunas. El giro que el cineasta David Lynch de la mano de Mark Frost (cineasta más ligado a la pequeña pantalla) le dieron al mundo del tubo de rayos catódicos, logró sentar las bases del fenómeno de los seriales de hoy. La primera temporada mantuvo a la audiencia del mundo entero enganchada a la pantalla esperando descubrir quién mató a Laura Palmer, el éxito fue instantáneo. No me voy a extender a hablaros de la serie en sí, ya que en cualquier parte de Internet encontraréis mil y una referencias a ella, ¡aquí hemos venido a hablar de una película!, sólo destacar un par de puntos clave: la muerte abrupta que le dio la cadena y productora ABC al no saber gestionarla y achacarle un bajón de audiencia notable (aunque seguía siendo una audiencia superior a la media), con un final que aunque ataba los principales cabos sueltos, abría muchos más ante el estupor de sus seguidores, y el fenómeno de culto que con el paso del tiempo ha ido ganando la serie alrededor de todo el globo con hordas de fans, los cuales han estado esperando el paso de estos 25 años como si de una profecía se tratara, al final parece ser que lo único que vamos a poder ver es una nueva edición en Blu-ray con un extra que Lynch a rodado especialmente para su lanzamiento.

El director de El hombre elefante (The Elephant Man, 1980) no quiso desprenderse aún de sus personajes, así que tras su último éxito Corazón Salvaje (Wild at Heart, 1990) con el que logró la palma de Oro en Cannes, decidió recuperar el universo de Twin Peaks en una especie de precuela/secuela que le valió el desprecio de los mismos que laurearon su anterior trabajo, pero el tiempo lo pone todo en su sitio y a día de hoy ya tiene el reconocimiento que merece, pues Twin Peaks: Fuego Camina Conmigo es una gran película.

Nos situamos unos años antes de la muerte de Laura Palmer. Teresa Banks acaba de ser asesinada y el FBI manda a sus agentes Chester Desmond y Samuel Stanley a investigar el caso. Paralelamente nos trasladamos hasta el pueblo de Twin Peaks, allí conoceremos a fondo a Laura, justo antes de la llegada de su muerte y descubriendo los entresijos que la llevaron a su fallecimiento.

Podemos ver el filme habiendo devorado antes la serie, pero también podemos lanzarnos a su visionado sin adentrarnos previamente en el producto televisivo, esta segunda opción no la recomiendo especialmente ya que dada la complejidad de la obra puede ser complicada de digerir por muchos, si es cierto que vista de las dos maneras el filme va a conseguir varios significados y el espectador va a sacar conclusiones dispares dependiendo de cual de las opciones se trate, algo muy enriquecedor y revelador, pero si vamos preparados la sorpresa va a ser seguro más grata (y de paso nos ahorramos algún spoiler por si queremos ver la serie, merece la pena). De este modo intentaré no dejaros caer nada demasiado revelador, ya que ir descubriendo poco a poco los entresijos de este maravilloso universo es uno de los mayores placeres que un cinéfilo puede tener, y no voy a ser yo el que os prive de ello.

De entrada Lynch nos advierte ya al inicio de su película que lo que vamos a ver va a romper nuestros esquemas, la idea que teníamos del universo Twin Peaks va a desmoronarse por completo, y es por eso que la primera escena de Fire Walk With Me (FWWM, de ahora en adelante) es la simbólica destrucción de un aparato de televisión, olvidemos la serie, nos adentramos a un nuevo universo, el mensaje se capta rápido. A medida que la película avanza nos damos cuenta rápido de esa situación, la investigación de la muerte de Teresa Banks nos lleva hacia un pueblo muy parecido a Twin Peaks, los personajes que los protagonistas se van encontrando nos recuerdan a los de la serie, pero vemos en ellos un reflejo contrario a lo que conocíamos, algo que va ganando en complejidad cuando hemos visionado el filme varias ocasiones y empezamos a crear nuestros propios paralelismos creando un mundo Lynchiano propio. Ese aspecto de subversión no lo vemos solo en los secundarios, el propio protagonista Desmond es facilmente identificable como la antítesis del agente Cooper, y lo más perturbador de todo va a ser el similar destino que va a tener. En ese sentido FWWM llena de oscuridad lo que en la serie sería complacencia y/o simples artimañas de maldad propias del egoísmo del ser humano, el director nos enseña como Twin Peaks está mucho más podrido de lo que pensamos, y lo hace de un modo tan crudo y real que es imposible no sentir auténtico terror. La música se torna más oscura, comparte con la serie el tono pero lo que escuchamos parece salido directamente de las tinieblas, poco tiene ya que ver con la clásica banda sonora de Twin Peaks. Todo ello es difícil de captar en la película si no conocemos de antemano los entresijos del universo de Lynch/Frost, pero no por ello desmerece la película, de ese modo lo que lo que vamos a encontrar es una semilla que luego culminaría en esas crípticos últimos trabajos del director, relacionando FWWM con el resto de su obra.

Realmente podría abrir un análisis de lo más complejo de los entresijos de la película (¿Quién no podría entrar en ese juego?), pero hacerlo me llevaría a destripar el filme por completo, así que me centraré en los aspectos más cinematográficos de esta, y dejaremos las Lynchiadas para hablarlas en privado.

Lo más llamativo sin duda es como Lynch sabe jugar con la oscuridad para ofrecernos una película que, aunque no sea de género, cree un sentido del terror de lo más primario para el espectador, el uso que hace de los personajes y el juego de las ambivalencias más humanas, mezclado con el, ya conocido, estilo onírico del realizador da como resultado una obra asfixiante y atrayente, que aunque te maltrata no puedes dejar de ver. Refexiona Lynch, con menos escrúpulos que en televisión, sobre un tema tan escandalizador como el abuso sexual y el incesto, y a su vez se nos intenta mostrar como la pureza de corazón puede salvaguardarnos espiritualmente de todo mal. Unos temas bastante complejos que el director conduce estupendamente hasta la conclusión del filme.

Los protagonistas, que repiten de la serie (salvo la desastrosa substitución de alguno de ellos), dan en el filme lo mejor de ellos, y nos encontramos sin duda ante una Sheryl Lee de lo más impactante en su papel de Laura Palmer, superando las escenas más potentes que nos ofrecía en la serie (aunque fueron pocas, ya que empezó la serie ya muerta), no puedo imaginarme nadie superando lo que Lee consigue en FWWM, su actuación es impagable. Tampoco queda atrás Ray Wise, tan entregado visceralmente como ella en su papel, queda claro que no solo Lynch amaba el universo Twin Peaks.

No se me ocurre una mejor película para Twin Peaks, una precuela, a la vez que secuela, ya que justifica alguna de las situaciones finales de la serie adelantándose temporalemente a los hechos (el juego con el tiempo es uno de los elementos claves de la producción), que no solo satisface las expectativas de los seguidores de la filmografía de Lynch, si no que también lo hará con parte de los adeptos a la serie, aunque algunos puedan quedar decepcionados al esperar de FWWM la típica película que resuelve lo que en la serie no sé nos contó. Así que gente, si ya habéis visto la serie terminar el ciclo con el filme y celebrar su estupendo aniversario, a los que todavía no habéis visitado el pueblo de Twin Peaks... no sé que narices estáis esperando.
   

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TÍTULO ORIGINAL Twin Peaks: Fire Walk with Me AÑO 1992 PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN David Lynch GUIÓN David Lynch, Robert Engels (Personajes: Mark Frost, David Lynch) MÚSICA Angelo Badalamenti FOTOGRAFÍA Ron García REPARTO Sheryl Lee, Ray Wise, Moira Kelly, Chris Isaak, James Marshall, Dana Ashbrook, Kyle MacLachlan, Eric DaRe, Phoebe Augustine, Kiefer Sutherland, Frank Silva, Harry Dean Stanton, Michael J. Anderson, Al Strobel, Grace Zabriskie, David Lynch, David Bowie, Walter Olkewicz, Miguel Ferrer, Mädchen Amick, Heather Graham PRODUCTORA Twin Peaks Production

GÉNERO Intriga. Thriller. Drama. Terror. Fantástico

TEMÁTICA Thriller psicológico. Drogas. Prostitución. Asesinos en serie. Abusos sexuales. Crimen. Precuela. Secuela. Película de culto. Cine independiente USA

SINOPSIS

Precuela de la famosa serie televisiva "Twin Peaks" en la que recorremos los últimos siete días de Laura Palmer. Durante el día, Laura es una popular estudiante modelo en el instituto. Por la noche se asfixia entre drogas y sexo hasta la adicción. Su carrera hacia la autodestrucción viene provocada por los continuos abusos del malvado ente conocido como Bob, que habita los bosques de Twin Peaks desde tiempos inmemoriales. Pero en un ataque de lucidez, Laura se da cuenta de que está conduciendo a su única amiga Donna por el mismo trágico sendero...

PREMIOS

1992: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)
1993: Independent Spirit Awards: Mejor Banda Sonora. Nominada a mejor actriz principal (Sheryl Lee)
1993: Academia de Ciencia Ficción, Fantasía & Terror (USA): Mejor música. 4 Nominaciones.

CRÍTICA

+ "Una de las mejores obras de Lynch, a la par con sus obras maestras "Carretera Perdida" y "Mulholland Drive" y el puente hacia la etapa más original, emocionante y arriesgada de la carrera de este inclasificable artista nacido en Missoula." (Felipe Rodríguez Torres: La habitación nº 26)

+ "Contiene algunas de las escenas más aterradoras que ha dado Lynch como realizador y unos Ray Wise y Sheryl Lee inspiradísimos" (Transgresión Continua)

- "Una película paupérrima. Una parodia burda y grotesca de la serie. Su atmósfera, su encanto, parecen desterrados de la pantalla." (Adrián Massanet: Blog de cine)

PUNTUACIONES

 

	8,0		6,7		7,2
NOTA MEDIA: 7,3

TRAILER

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