MA MA

Julio Medem vuelve a reunir fuerzas con una de sus musas, Penélope Cruz, para crear una nueva película. Como no iba a ser menos su cinta vuelve a crear conflicto y se convierte en uno de esos filmes que fácilmente crea detractores como un público satisfecho con lo que ve, algo a lo que el director donostiarra ya nos tiene acostumbrados, con ma ma no iba a ser menos.

La película gira entorno a Magda, una mujer en paro a la que le diagnostican cáncer de mama y que decide tomarse la vida con positivismo, contagiando sus energías a los que les rodean y viviendo con felicidad.

Si destacaba al principio la unión de Medem con Cruz no es solo por la vuelta de la actriz que hace seis años que no se le vé en un papel importante en una producción hispana -desde Los abrazos rotos (Pedro Almodóvar, 2009), si no tenemos en cuenta el pequeño cameo de otro filme de Almodóvar: Los amantes pasajeros (2013)-, si no por la importante presencia de la actriz en el filme que no solo aparece como protagonista absoluta, si no también como productora de esta. De este modo es fácil entender la obra como una muestra de sus dotes interpretativas, y lejos de ser un ejercicio de narcisismo, es sin duda un trabajo que se hace con ganas y gusto, algo que de puede entrever en el resultado final.

Y es que si algo puede destacarse en ma ma es sin duda el apartado interpretativo. A pesar de ser un papel emocionalmente complejo, es cierto que también es fácil destacar en una película que se centra mayoritariamente en una sola figura, en ese sentido Cruz lo tiene más fácil que otros de sus compañeros, que con papeles más pequeños consiguen destacar incluso por encima de ésta. Uno de ellos es Luis Tosar, que una vez más demuestra lo bien que se le da su oficio. Tosar interpreta a Arturo, un hombre religioso que ha perdido a su hija en un accidente y su mujer se encuentra en un estado grave. El actor gallego vuelve a ofrecer un trabajo estupendo incluso a pesar de su papel secundario. Tampoco podemos desmerecer en absoluto a Asier Etxeandia, que da vida a Julián, doctor y amigo de Magda.

El resto de factores del filme son los que empiezan a balancear el trabajo de Medem en esa ambivalencia que posiciona radicalmente a su público, pues ma ma tiene matices tan interesantes como aquellos que la hacen caer en lo apocalíptico (cinematográficamente hablando). Qué Medem es un director experimentado no es nuevo, y eso se vé claramente en un filme que dentro de su sencillez se expone sobre una realización para nada básica, si no que arriesga para imponer un estilo propio, aunque en algunos puntos roce lo decadente, como en los momentos de CGI que de entrada llegan a chocar tanto que alejan momentáneamente nuestra empatía del relato, muy a pesar que al final estos se vean justificados. Por otro lado ese no es motivo suficiente para salvar un guión algo edulcorado para un tipo de producción como ésta, y no por su historia en si, si no por lo poco fluido del conjunto, que se sigue más por imposición escrita que por un orden natural del relato. Al final lo único que se consigue es obtener un tono de telefilme que hace flaco favor a la película, solo hace falta fijarse en el par de innecesarios momentos musicales de la película, que provocan más vergüenza que un sentido rítmico al filme.

Lo que no quiero criticar negativamente es la decisión del tono de la película, pues aunque no sea del todo partidario de ese tono que muchos han tachado de ñoño, si es cierto que se convierte también en un punto diferenciador del filme. Otras producciones que se centran en problemáticas similares a la que se plantea en ma ma han optado por la dureza como recurso, y no viene mal que el espectador que quiera pueda elegir un producto que difiera de la debacle pesimista para hacerlo de un modo dónde el positivismo reine a pesar del siempre implícito drama. Una cosa no quita la otra.

Lo que verdaderamente podemos salvar de ese guión tan desnaturalizado es el acierto en reflexionar de un modo subversivo en planteamientos que van mucho más allá de la enfermedad, todos ellos girando entorno a la felicidad o a la imposición moral de nuestras creencias. Temas como la religión, el fútbol, la familia... todos se tratan desde una perspectiva estupenda, que invitan al respeto sea cual sea nuestro posicionamiento. Factores que Medem entiende como canalizadores de nuestros males, y que deberíamos respetar los de cada uno sin imponer los nuestros, y por supuesto, sin que se nos impongan a nosotros.

Definitivamente ma ma no es la película de la temporada, pero queda lejos de ser aquella catástrofe que muchos temen. Dentro del panorama cinematográfico es sin duda una apuesta más que aceptable y yo con eso me conformo.

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TÍTULO ORIGINAL ma ma AÑO 2015 DURACIÓN 111 min. PAÍS España, Francia IDIOMA Español DIRECCIÓN Julio Medem GUIÓN Julio Medem MÚSICA Alberto Iglesias FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica REPARTO Penélope Cruz, Luis Tosar, Asier Etxeandia, Teo Planell, Silvia Abascal, Mónica Sagrera, Àlex Brendemühl, Ciro Miró, Jon Kortajarena PRODUCTORA Morena Films

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Enfermedad. Melodrama

SINOPSIS

Magda es una maestra en paro que tras ser diagnosticada de cáncer de mama reacciona sacando toda la vida que lleva dentro, desde lo imaginable a lo inimaginable. Su lucha valiente y optimista hará posible que ella y su entorno más íntimo vivan insospechadas escenas de humor y delicada felicidad.

CRÍTICA

- "'Ma ma' es cursi, blanda y llorona. Digamos que pocas películas tan pretendidamente sublimes como ciertamente ridículas como ésta. (...) pese al bello esfuerzo de Penélope Cruz (...) Puntuación: ★★ (sobre 5)" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

- "Medem intenta huir de sus características figuras excéntricas (...) parece que haya querido sumergir esos personajes de Almodóvar en un tanque de formaldehido (...) El problema es que, en lugar de formaldehido, en el tanque sólo hay falsa poesía." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Gran Penélope, puro Medem. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

- "Todo lo que ocurre pasa porque está escrito en el guión, jamás porque la lógica narrativa lo dicte. (...) Sí, ya sé que estamos en un cuento. Pero también los cuentos tienen su lógica. Y aquí no se ve por ningún lado." (M. Torreiro: Fotogramas)

+ "El director despliega su capacidad atmosférica y poética (...) una experiencia que se mueve entre lo sublime y lo ridículo, pero que se llena de generosidad y autenticidad gracias a la magia luminosa que desprende Penélope Cruz en la pantalla." (Beatriz Martínez: Fotogramas)

- "Cruz es la fuente de todas las virtudes femeninas en este desvergonzado vehículo lacrimógeno (...) Un enorme cargamento de ardides sensibleros, todos diseñados para sacar brillo al halo en torno a Santa Penélope" (Dennis Harvey: Variety)

- "Dejando aparte a Cruz, la película es más bien 'meh meh' (...) Muy poco de esta muy decepcionante película parece real y parte de ella es risible" (Jonathan Holland: The Hollywood Reporter)

= "Cruz está radiante (...) Pero el sensiblero guion y el irregular tono de la película conspiran para eclipsar su interpretación y disminuir nuestra capacidad de conmovernos con ella" (Allan Hunter: Screendaily)

- "Ni siquiera una magnífica interpretación puede sostener un material forzadísimo, tan excesivo y autoindulgente como lo que viene ofreciendo Medem en sus últimas películas. Cayendo en ocasiones en la autoparodia inconsciente (...) Puntuación: *1/2 (sobre 5)" (Manuel Piñón: Cinemaía)

PUNTUACIONES

 

	6,0		5,7		5,9
NOTA MEDIA: 5,9

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THE VOICES

Después de que Marjane Satrapi nos dejara anestesiados con su inmensa ópera prima Persépolis (Persepolis; 2007) que dirigió junto a Vincent Paronnaud, película de gran importancia histórica no sólo para el cine de animación sino para el cine en general, y que adaptaba su también imprescindible novela gráfica homónima. Una obra autobiográfica de mensaje anti-belicista que ha catapultado a Satrapi al éxito. La artista de origen iraní siguió su aventura cinéfila estrenando cuatro años después otra adaptación de otros de sus cómics, una vez más junto a Paronnaud. Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes; 2011) deja atrás la animación para apostar por los actores de carne y hueso, algo que no terminó de convencer a la crítica. Satrapi abandona Paronnaud en 2012 para presentar La banda de Jotas (La Bande des Jotas; 2012), película que a pesar de estar rodada en España está prácticamente inédita en nuestro país. En esta nueva producción la directora cambia completamente de registro para adentrarse en el mundo del humor negro y gamberro, algo con lo que seguiría trabajando en su última producción The Voices, el filme que hoy os traigo. 

Jerry tiene nuevo trabajo como embalador en una empresa de bañeras dónde conoce a Fiona, una hermosa chica de la que no puede evitar enamorarse. Jerry tiene como amigos a Bosco y el Sr. Bigotes, un perro y un gato con los que suele hablar para escuchar sus consejos, aunque Jerry debería escuchar más los consejos de la Dra. Warren y tomar su medicación. 

El nuevo registro de Satrapi se basa en el humor negro y como ella ha dicho, un cine de entretenimiento, lo que le apetecía hacer, simplemente divertirse. El problema de hacer algo así viene cuando se parte de un guión poco apasionado, pues la mejor manera de disfrutar un filme gamberro es precisamente con las salidas de tono. Pero en The Voices todo se queda corto y en lo único que destaca es en una puesta en escena que roza lo kitsch sin llegar a ello, usada esencialmente para ilustrar el estado mental de su protagonista. Por lo demás es una película que utiliza el tópico fácil y no se adueña de él, por lo que no consigue reírse del mismo si no que lo utiliza como una herramienta poco trabajada que realmente no llega a sorprender. En definitiva, causa poca risa.

Salva el resultado el indiscutible trabajo actoral, este sí, entregado totalmente a dar vida a sus personajes. Hay que partir de Ryan Reynolds, quién sabe pasárselo bien con su esquizofrénico personaje, dándole un toque muy cercano al más que mítico Patrick Bateman de Christian Bale en American Psycho (Mary Harron; 2000), pero desde el cariño y con un descontrol más comedido, pues Jerry no deja de ser una persona ambivalente con sus deseos, afectados por su enfermedad. El reparto femenino que encabeza Gemma Arterton, en uno de los géneros que mejor se le da: la comedia. La actriz da vida a una chica aprovechada que confunde mucho más a Jerry, y Arterton la conduce con soltura, al igual que Anna Kendrick, que incluso llega a destacar mucho más aunque sea con un personaje algo más secundario. El broche de oro lo da la siempre estupenda Jackie Weaver, la psicoterapeuta de Jerry. Weaver siempre sabe dar lo mejor de ella, y eso es indiscutible, esta vez no iba a ser menos, con pocos filmes en sus espaldas esta mujer ya ha demostrado lo bien que se desenvuelve en cualquier género, una maravilla.

Conclusivamente la salida de tono de Satrapi es un desaliento para cualquier fan de la artista. Difícilmente The Voices vaya a contentar a nadie, y se presenta tan solo como un entretenimiento de lo más descafeinado, algo nada positivo para un filme que debería ser todo lo contrarío, le falta garra, mala leche y un humor mucho más marcado. Incluso sus créditos finales llegan a sorprender más que todo el conjunto del filme. Con ello se deja ver, aunque no tenga sorpresas que darnos.

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TÍTULO ORIGINAL The Voices AÑO 2014 DURACIÓN 103 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Marjane Satrapi GUIÓN Michael R. Perry FOTOGRAFÍA Maxime Alexandre REPARTO Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Stephanie Vogt, Adi Shankar, Gulliver McGrath, Paul Brightwell, Ricardia Bramley, Helena Prince PRODUCTORA Lionsgate / 1984 / Mandalay Vision / Vertigo Entertainment

GÉNERO Comedia. Thriller

TEMÁTICA Comedia negra. Thriller psicológico. Crimen. Asesinos en serie. Enfermedad. Animales. Perros y lobos. Gatos

SINOPSIS

Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarle a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

PREMIOS

2014: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Gérardmer Filml Festival: Premio de la audiencia. Premio del jurado

CRÍTICA

+ "Un híbrido de género salvaje y, a ratos, hilarante, que ofrece una impresionante interpretación de Ryan Reynolds" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

= "Ryan Reynolds hace su mejor Norman Bates en una sátira de asesinos en serie con apariencia de chorrada romántica" (Peter Debruge: Variety)

- "'The Voices' intenta llegar a la interesección entre terror y comedia, pero cae en un extraño valle de tediosa repugnancia" (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Es, al mismo tiempo, bizarra, divertida, perturbadora y llena de suspense (...) Satrapi evita lo predecible en casi todos los giros (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Ryan Reynolds está pavorosamente perfecto (...) Satrapi se mueve sin esfuerzo entre el gore serio y lo alegremente absurdo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

PUNTUACIONES

 

	5,0		6,1		6,4
NOTA MEDIA: 5,8

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LA TEORÍA DEL TODO

Después de que los Goya queden ya entregados en una larga, llena de censura y hastía gala, dónde La isla mínima (Alberto Rodríguez, 2014) se alza con el premio al mejor filme español, un thriller estupendo pero que lejos queda de las cintas verdaderamente potentes que este año nos ha dado nuestro cine y que tan injustamente maltratadas han sido en la entrega de premios -hablo por supuesto de la absorbente Magical Girl (Carlos Vermut, 2004) y de la pequeña joya que es Loreak (Flores) (José Mari Goenaga, Jon Garaño, 2014)-, llega el momento de dar paso a los BAFTA, los premios ingleses del cine. A estas alturas no sorprende que Boyhood (Richard Linklater, 2014) sea la declarada mejor película del año por los académicos británicos, así que toca centrarse en la que ha sido premiada como mejor película inglesa, reconocimiento que ha sido entregado a La teoría del todo.

Stephen y Jane se conocen en una fiesta en la universidad de Cambridge, quedando perdidademente enamorados el uno del otro. Entonces la joven pareja no sabia lo que el futuro les deparaba. Stephen no solo se convertiría en el más celebre astrofísico de nuestro tiempo, si no que además una enfermedad degenerativa haría su vida de lo más complicada.

James Marsh, más conocido por sus obras documentales -especialmente por la maravillosa ganadora del Oscar Man on Wire (2008)-, se centra esta vez en contarnos otra historia biográfica pero esta vez desde las estrategias que ofrece el cine de ficción. Así adapta las memorias de Jane Hawking, dónde cuenta la relación que tuvo con Stephen Hawking y de las dificultades que ambos tuvieron al afrontar una enfermedad que le daba de entrada dos años de vida al joven científico.

Marsh dirige con mano correcta a su nueva hija, con el dinamismo y el suspense que le caracterizan, y aunque éste nos esté contando una historia de entrada ya conocida, nos lleva a sentirnos cautivados por ella y sentir curiosidad por los acontecimientos que en ella se desarrollan. Aunque como biopic podamos echar en falta una visión más amplia de los personajes que se plasman, Marsh decide apostarlo todo por el romance, y aunque eso de como resultado un filme poco atrevido, al final el envoltorio preciosista llega a conmovernos con facilidad.

Parece que el filme esté conjugado para que sus interpretes cosechen premios, especialmente Eddie Redmayne que da vida al científico achacado por la ELA (enfermedad de la cual el filme se aprovecha tras la popularidad del Ice Bucket Challenge de este verano), un papel muy agradecido para todo actor que se precie, aunque Redmayne tenga que poner de su parte para dar credibilidad a su trabajo, y eso lo consigue con creces, aunque no alcance la grandeza de Daniel Day-Lewis en aquella maravilla irlandesa llamada Mi pie izquierdo (My Left Foot; Jim Sheridan, 1989).

Al final lo que más me atrae del filme de Marsh es su banda sonora. El compositor islandés Jóhann Jóhannsson está sonando mucho últimamente por Hollywood, y es que su trabajo sabe sintetizar muy bien la verdadera esencia de las películas para las cuales compone. En La teoría del todo, su música nos endulza el trágico relato de amor de una pareja que lucha por superar las trabas, y Jóhannsson al final es el maestro que consigue hilar todo el conjunto narrativo del filme. Todo gracias a sus notas.

La teoría del todo no es ni de lejos una película que vaya a quedar grabada en nuestras retinas, pero si que es cierto que lo que ofrece es suficiente para una película de rasgos ya marcados, y el resultado es muy aceptable. Al final es fácil quedar encantado con ella.

Por cierto, os dejo en el lateral derecho del blog una lista de reproducción para que podáis escuchar un resumen de las melodías que han estado sonando en las entregas de premios y festivales que dedican alguna de sus secciones a ellas, os invito a ir escuchándolas mientras leéis los artículos del blog.

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TÍTULO ORIGINAL The Theory of Everything AÑO 2014 DURACIÓN 123 min. PAÍS Reino Unido IDIOMA Inglés DIRECCIÓN James Marsh GUIÓN Anthony McCarten (Libro: Jane Hawking) MÚSICA Johann Johansson FOTOGRAFÍA Benoît Delhomme REPARTO Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson, Simon McBurney, Charlotte Hope, Adam Godley, Harry Lloyd, Maxine Peake, Joelle Koissi, Zac Rashid, Hugh O'Brien, George Hewer, Georg Nikoloff, John W.G. Harley PRODUCTORA Working Title Films 

GÉNERO Drama. Romance

TEMÁTICA Biográfico. Años 60. Enfermedad. Discapacidad. Drama romántico. Colegios/Universidad

SINOPSIS

Narra la relación entre el célebre astrofísico Stephen Hawking y su primera mujer, Jane, en la época en que ambos lucharon contra la enfermedad degenerativa que postró al famoso científico en una silla de ruedas.

PREMIOS

2014: Premios Oscar: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: 2 Globos de Oro: Mejor actor - Drama (Redmayne) y Mejor BSO
2014: Premios BAFTA: Mejor film británico, actor (Redmayne) y guión adaptado
2014: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Eddie Redmayne)
2014: Critics Choice Awards: 5 nominaciones, incluyendo Mejor película

CRÍTICA

+ "Una estimulante y agridulce historia de amor, modulada con un sentido del humor de buen gusto." (Justin Chang: Variety)

+ "'La Teoría del todo' (...) es ciencia fascinante, provocación emocional y una singular historia de amor, todo encajado en una maravillosa película. (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 4)" (Peter Travers: Rolling Stone)

+ "Es una historia real inusualmente convincente acerca de una pareja extraordinaria (...) Hasta el momento es mi película favorita del año (...) No te la pierdas (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Lou Lumenick: New York Post)

+ "Cautivadora, preciosa y triste." (Tim Grierson : Screendaily)

+ "'La teoría del todo' deja una huella profunda gracias a Redmayne. Su asombrosa interpretación hace justicia a la vida real de Hawking (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Rene Rodriguez: Miami Herald)

= "Sí, 'La Teoría del todo' hace hincapié en cosas diferentes. Pero al igual que tantas vidas cinematográficas de famosos, pierde el rastro al origen de la fama de su protagonista." (A. O. Scott: The New York Times)

+ "Marsh toma a un personaje complicado y revela su amplia gama de dimensiones. El resultado es un interesante biopic que a menudo resulta bastante conmovedor. Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Como si fuera la cosa más fácil del mundo, "La teoría del todo" hace malabares y profundiza en las tres áreas principales de la vida de Hawking -su trabajo, su enfermedad y su matrimonio (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

= "No importa cuánto muestre 'La Teoría del todo' del increíble proceso a través del cual Hawking mantiene una conexión con el resto del mundo, se queda corta a la hora de meterse dentro de su cabeza." (Eric Kohn: Indiewire)

= "Un 'biopic' atípico (...) una película desenfocada, de puro minimalista. Y luego está lo de Eddie Redmayne. Impresiona. No se trata tanto de una imitación como de una especie de metamorfosis." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "En ningún sentido es desdeñable este biopic. (...) es tan contenido como digno. Y son muy justas las nominaciones al Oscar de Eddie Redmayne y de Felicity Jones" (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "Tal vez, desde un punto de vista científico, la película no esté a la altura de su personaje, pero es evidente que el propósito apuntaba a otra zona de Hawking, mucho más íntima y conmovedora. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Felicity Jones (...) toma ella sola las riendas de una película, por lo demás, delicada, sensible y rodada con extrema elegancia. (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Beatriz Martínez: Fotogramas)

+ "En el trabajo de Redmayne y el de Felicity Jones como Jane está en realidad la verdadera fuerza de esta historia de amor que trasciende el tiempo y el espacio (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (Irene Crespo: Cinemanía)

- "'La teoría del todo' evade cuidadosamente todo tipo de polémica y busca con denuedo el consenso con estrategias cinematográficas que terminan aburriendo de tan convencionales." (Alejandro Lingenti: Diario La Nación)

PUNTUACIONES

 

	6,5		7,2		7,8
NOTA MEDIA: 7,2

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AMOR

El cine de Michael Haneke siempre es bienvenido por estos lares, y su último trabajo (cinematográfico se entiende, ya que si no deberíamos detenernos en la dirección operística de Così fan tutte) ya tardaba en aparecer por aquí. Amor (Amour, 2012) es sin duda una de las mejores propuestas de su año, además de ser seguramente la obra más personal de director de Múnich. 

Anne y Georges son una pareja de profesores de música retirados que han alcanzado ya su vejez. Anne sufre un día un infarto y es operada con urgencia, tras pasar por quirófano la mujer queda dañada con una hemiplejia derecha, necesitando atenciones constantes por su marido.

Michael Haneke arranca su película contándonos el final, vemos como un grupo de bomberos encuentra el cuerpo de Anne en el salón de su hogar cubierto de flores, de este modo el director austriaco deja claras dos características del filme, por un lado que no habrá finales emotivos y felices, él nos va a relatar una vez más la realidad. Por otro lado nos ayuda a ver ya desde el inicio que no vamos a ver una película que construya un canto al romanticismo basándose en el amor de dos ancianos y el sacrificio de uno por el otro, no quiero decir con ello que la cinta esté carente de estos significados, no es así, pero Haneke no va a construir una película basándose en el lirismo de esos sentimientos.

De este modo podemos ver como no hay ningún tipo de embellecimiento de la acción, en ese sentido Haneke es tan parco como siempre, y aunque pueda retratar lo más duro del ser humano, lo hace esta vez desde el rigor y el respeto, algo muy visible al ver como trata con dulzura Jean-Louis Trintignant al personaje de Emmanuelle Riva, pero con dureza en los momentos de flaqueza del anciano.

Quizás pueda parecer que el director no es el mismo que conocíamos de películas tan violentas como Funny Games (Juegos divertidos) (Funny Games; 1997) o Caché (Escondido) (Caché; 2005), pero no hace falta fijarse mucho para ver como es el mismo en las formas y conceptos, el dolor sigue estando ahí, al igual que el retrato de la complejidad humana. Así qué, ¿es Amor una extraña avis en la filmografía de Haneke? ¿Dónde está el frío observador de la crueldad, debilidades y perversión? Después de La cinta blanca (Das weisse Band; 2009) es fácil tener la sensación de que ha desaparecido, pero la verdad es que sigue ahí, pero con una historia dónde la desesperación se vive, y se percibe, de otro modo.

Solo hace falta revisar su primer largometraje: El séptimo continente (Der siebente Kontinent; 1989), para darnos cuenta que en realidad lo que está haciendo es volver a sus inicios, cerrando sin darse cuenta un ciclo redondo, siempre volviendo a retarnos con largos planos de clímax de fuerza descomunal (esta vez en una danza de dureza, amor, compasión y brutalidad). Es tenebroso escuchar a Emmanuelle Riva comentar como tanto su primer filme –Hiroshima, mon amour (Alain Resnais; 1959)- como este último contienen la palabra Amour en su título, esperemos que ni ella, ni Haneke, estén cerrando de este modo su aportación al mundo cinematográfico.

Hablando de Riva, no puedo proseguir con el comentario de este filme sin antes alabar el estupendo trabajo interpretativo de la actriz francesa, merecedora de todos los premios habidos y por haber (¡demonios! ¡ese Oscar era suyo!), y mucho mejor la presencia de su partenere Jean-Louis Trintignant del que se ha hablado menos pero que realmente consigue un trabajo espectacular, sincero y sin concesión alguna.

Volviendo al filme, hay que decir que hay muchas películas sobre la muerte y la enfermedad, pero la mayoría de ellas se centran en acercarse al entorno familiar y lo social, el trato hospitalario, o el sufrimiento físico... Pero Haneke lanza su mirada a lo emocional, ¿cómo debe enfrentarse alguien a algo tan común como el sufrimiento, y especialmente alguien al que amamos? Solemos ver eso en otros filmes que intentan emocionarnos al presentarnos ante niños con enfermedades incurables, parejas jóvenes a las que la muerte les sorprende... pero Haneke se pregunta sobre algo tan natural e inevitable, aquello a lo que nos deberemos enfrentar todos de un modo u otro, al alcanzar los últimos años de nuestra vida, y es justo ahí dónde el director más nos asalta.

La música desempeña otro papel esencial, la pareja protagonista eran maestros de música, por lo tanto la importancia de esta en sus vidas es la misma que el aire que necesitan para respirar, y es por eso que a lo largo del filme encontramos varias composiciones diegéticas, y sólo hace falta fijarnos un poco en ellas para darnos cuenta como todas ellas son bruscamente interrumpidas antes de alcanzar su final. El mensaje es claro y no es casualidad que el título inicial del filme sea La musique s'arrête (La música acaba).

Amour es un relato poco violento en el sentido de la gratuidad, poco tiene que ver con la sangre de Tarantino o los filmes belicistas dónde se tortura a gente y que Haneke siempre ha despreciado. Esa oferta de violencia tan común en el cine comercial siempre ha merecido su desprecio, es por eso que él siempre la ha utilizado en un formato de denuncia, quería alejar al espectador de la pantalla, y todos sabemos que lo ha sabido hacer muy bien. Con Amour se torna más realista, y es por eso que consigue impresionar más, ya que el espectador siente el mensaje como valido, lejos de la artificialidad de la violencia como divertimiento, entendido este último como irreal y, por lo tanto, lejos de toda angustia.

Amour es sin duda una gran película, y no hay que dejarla escapar.

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TÍTULO ORIGINAL Amour AÑO 2012 DURACIÓN 127 min. PAÍS Austria, Francia, Alemania IDIOMA Francés, Inglés DIRECCIÓN Michael Haneke GUIÓN Michael Haneke MÚSICA Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach FOTOGRAFÍA Darius Khondji REPARTO Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova PRODUCTORA Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions

GÉNERO Drama

TEMÁTICA Drama romántico. Vejez. Enfermedad. Discapacidad

SINOPSIS

Georges y Anne, dos ancianos de ochenta años, son profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija, que también se dedica a la música, vive en Londres con su marido. Cuando, un día, Anne sufre un infarto que le paraliza un costado, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

PREMIOS

2012: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 5 Nominaciones, incluyendo película
2012: Festival de Cannes: Palma de Oro (Mejor película)
2012: 5 Premios César, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones
2012: Globos de Oro: Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios del Cine Europeo: Mejor película, director, actor y actriz. 6 nominaciones
2012: Critics Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
2012: 2 Premios BAFTA: Mejor película extranjera y actriz (Riva). 4 nominaciones
2012: Independent Spirit Awards: Mejor película extranjera
2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera
2012: National Board of Review (NBR): Mejor película extranjera
2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película
2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor película extranjera y mejor actriz (Riva)
2012: Premios Guldbagge: Mejor película extranjera
2012: Premios David di Donatello: Mejor película europea
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Mejor película extranjera
2013: Premios Goya: Mejor película europea

CRÍTICA

+ "Magnífica en su simplicidad y en su implacable honestidad acerca de la vejez, la enfermedad y la muerte (...) No hay un paso en falso ni una sola escena superflua" (Deborah Young: The Hollywood Reporter)

+ "El film más íntimo de Haneke en casi un cuarto de siglo, (...) con unas interpretaciones conmovedoras, un mano a mano inusualmente tierno" (Peter Debruge: Variety)

+ "La nueva película de Michael Haneke, un estudio de los efectos de la demencia y el envejecimiento en un agraciado matrimonio, es cine inteligente de primer orden (...) Puntuación: ★★★★★ (sobre 5) (Peter Bradshaw: The Guardian)

+ "Obra maestra (...) Una tierna, desgarradora e impecablemente dirigida historia sobre el amor y la muerte" (Manohla Dargis: The New York Times)

+ "Paralizante y extraordinariamente emotiva, quizás la película más inolvidablemente honesta sobre la vejez que se haya hecho nunca" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

+ "Un tipo inesperado de obra maestra de Haneke (...) No te esperas una seriedad tan inquebrantable, tanta profundidad (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

+ "Duro y sobresaliente drama. (...) Michael Haneke ha hecho su película más sutil y tierna –hasta donde puede llegar Haneke en ternura, claro- con 'Amor'" (Gregorio Belinchón: Diario El País)

+ "Deslumbrante y lúcido paseo de Haneke por el dolor y la muerte. (...) pese a la aparente frialdad, cada segundo de metraje conmueve. Conmociona y arrasa." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "Una película que, ¡brrrroooom!, te convierte en cascotes todo tu edificio personal. (...) Es un trabajo tan bueno que parece un milagro que no caiga en un solo momento en ninguno de los muchos agujeros sentimentales que podría haber" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

+ "Atractiva película (...) Te deja abrumado, con el cuerpo y el espíritu revueltos, deseando que se acabe y volver a respirar en la calle. O sea, Haneke ha vuelto a lograr lo que se propone con su cine sombrío, retorcido y perverso." (Carlos Boyero: Diario El País)

+ "La historia de amor más auténtica del cine reciente (...) obra maestra absoluta" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "'Amor' es puro Haneke, pero, al mismo tiempo, es algo que el austriaco no había hecho nunca: una película humanísima, sin autoengaños, ni infecciones sentimentales. Una obra mayor y… problemática." (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Haneke filma esta lección de humanismo con gran sencillez: serenidad expositiva, un tempo medidísimo, calidez en la textura de la imagen. Lo demás lo aportan los dos veteranos actores, soberbios y compenetradísimos. Un poder de emoción de verdadero cine recorre 'Amor' de proa a popa (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

PUNTUACIONES

 

	8,5		7,6		7,8
NOTA MEDIA: 8,0

TRAILER

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ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS

Toshio Suzuki integrante del trío fundador de uno de los estudios de animación más admirados: Ghibli, se suma a Hayao Miyazaki en su despedida de la empresa. La figura de Suzuki es quizás la menos visible del trío en el estudio de animación japonés, pero su labor es de las más importantes. Suzuki ha sido hasta ahora el encargado de la producción de cada uno de los filmes de la empresa y sin él seguramente la compañía no sería tan conocida alrededor del mundo como lo es hoy. De este modo sólo queda presente Isao Takahata, que aunque no haya dado el adiós definitivo sería sorprendente que llegásemos a ver alguna otra obra suya después de la esperada The Tale of Princess Kaguya (Kaguya-hime no Monogatari; 2013). Ghibli siempre ha sido un estudio especialmente conocido por ofrecer películas comerciales pero de autor, dónde el nombre del director siempre ha sido lo que más ha llamado el público, pero también es cierto que siempre han apostado por una política de nuevos talentos para suplir el vacío que podría quedar con la despedida de sus estrellas. Ya en 1993 pudimos ver esa primera película para televisión no dirigida por Miyazaki o Takahata llamada Puedo escuchar el mar (Umi ga kikoeru; Tomomichi Mochizuki, 1993), una cinta algo alejada de los márgenes típicos del estudio, para en 1995 descubrir la primera cinta comercial del estudio dentro de sus linias rutinarias, Susurros del corazón (Mimi wo sumaseba; Yoshifumi Kondo, 1995). A lo largo del tiempo varias son las obras que el estudio ha ido lanzando descubriéndonos a nuevos nombres para que a día de hoy nos quedemos con la esperanza de que Ghibli va a continuar siendo la factoría de cine de siempre. Encabeza el relevo Yoshiaki Nishimura responsable de producción que ya se ha encargado de cordinar el último trabajo de Takahata (que es la obra más costosa que el estudio ha realizado hasta la fecha), seguida por la dirección de Goro Miyazaki encargado hasta ahora del museo Ghibli y director de la menos notable Cuentos de terramar (Gedo Senki; 2006) y la exitosa La colina de las amapolas (Kokuriko-zaka kara; 2011), además de la incorporación de un interesante Hiromasa Yonebayashi que es precisamente el director de la película de la que hoy os hablo: Arrietty y el mundo de los diminutos (Karigurashi no Arietti; 2010); y que ya está preparando su segundo trabajo When Marnie Was There (Omoide no Marnie, 2014), eso por citar algunos nombres clave. Queda claro que Ghibli no volverá a ser el mismo estudio, de echo el hijo de Miyazaki está dirigiendo la que será la primera serie episódica del estudio, algo que nunca se había echo antes dada la mala experiencia de los fundadores con este formato, pero por el momento parece que la esencia de la compañía seguirá siendo la misma.

En una casa de campo vive una familia de diminutos seres compartiendo la vivienda con los humanos. Sólo tienen una norma, no dejarse ver jamás por el hombre. Arrietty, hija de la familia de los diminutos tendrá un inesperado encuentro cara a cara con el nuevo inquilino de la casa, un joven con problemas de salud. El contacto con el humano hará tambalear la estabilidad de la familia de los pequeños seres que decidirán buscar un nuevo hogar para evitar cualquier peligro ahún dejando atrás su confortable vida.

El filme adapta la famosa novela de Mary Norton, Los Borrowers (1952), conocida especialmente en nuestro país por su adaptación en el formato de serie animada infantil que vimos en los ochenta: Los diminutos (The Littles; Bernard Deyriès, 1983) y la película Los Borrowers (The Borrowers; Peter Hewitt, 1997), y que en esta ocasión estrena, como he dicho antes, a Yonebayashi en la dirección. Aunque los filmes de Ghibli siempre han gozado de un excelente éxito, las obras firmadas por Miyazaki o Takahata eran siempre las que partian la taquilla, dejando las de autorías menos reconocidas lejos de las recaudaciones de los hitos del estudio. Por primera vez la ecuación no se cumple y el filme de Arrietty no tardó en ser un éxito de taquilla, cosa que no es de extrañar, ya que nos encontramos ante un filme que destila calidad por los cuatro costados.

Nada más arrancar la película nos damos cuenta del mimo con el que se ha cuidado cada detalle de la animación, los colores y formas nos trasladan inmediatamente dentro de un mundo realista dónde no se oculta lo fantástico, en ese sentido el trabajo de dirección de Yonebayashi es simplemente maravilloso, sabe captar muy bien lo que quiere transmitir y eso tan solo con los decorados y el juego de luces y sombras que nos acompaña a lo largo de toda la película. Y si la animación es fantástica a la par está el sonido, un elemento que cobra un inmensa fuerza en el filme al ir a la par con el relato y el siempre latente discurso medio-ambiental de Ghibli, es increible como un elemento que comunmente es más utilizado en un cine más grandilocuénte, se presenta en una película más minimalista con una importancia esencial para el filme. Y todo esto dejando a parte la (como siempre) maravillosa banda sonora de tonos celtas.

La historia es sencilla y, aunque es cierto que queda lejos de los grandes relatos a los que nos tiene acostumbrados Ghibli, no por ello desmerece en ambsoluto, la simplicidad se nivela perfectamente a las emociones que transmite. Lo que no deja de ser curioso, y seguramente este sea el factor menos agraciado del filme, es el modo en el que se construye alguno de los personajes de la película, y eso que estamos hablando de un guión del propio Hayao Miyazaki. Aunque se pueda notar en varios de los personajes llama especialmente la atención en la disección del villano, que vuelve extrañamente a configurarse como un personaje algo más plano en comparación con lo que hasta ahora nos ha ofrecido el artista nipón, las aspiraciones y motivos que mueven a Haru, la principal antagonista, son algo desdibujadas, sin mucha motivación, y no logramos entender sus movimientos, si en guiones anteriores de Miyazaki podíamos comprender los motivos que llevaban a sus personajes a tomar decisiones, en esta ocasión se nos presenta con mayor simplicidad, algo que en conjunto hace desmerecer al tono general del filme, y especialmente la conexión con los otros protagonistas. Así que al final nos queda un filme menor, pero con unas aspiraciones inmensas, que le hacen convertirse en una esperanza para cualquier aficionado al cine de Ghibli.

Arriety y el mundo de los diminutos no es solo un filme entretenido y disfrutable, si no que además esconde pequeño momentos artísticamente impresionantes que la convierten en una pequeña joya llena de esperanza y con ganas de seguir disfrutando de las próximas obras que se nos presentarán en el seno del estudio.

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TÍTULO ORIGINAL Karigurashi no Arietti - Yukashita no kobito-tachi (The Borrowers) (The Secret World of Arrietty) AÑO 2010 DURACIÓN 94 min. PAÍS Japón IDIOMA Japonés DIRECCIÓN Hiromasa Yonebayashi GUIÓN Hayao Miyazaki (Novela: Mary Norton) MÚSICA Cécile Corbel VOCES ORIGINALES Mirai Shida, Ryūnosuke Kamiki, Shinobu Ōtake, Tomokazu Miura, Tatsuya Fujiwara, Keiko Takeshita, Kirin Kiki PRODUCTORA Studio Ghibli / Dentsu Inc. / Hakuhodo DY Media Partners / Mitsubishi Corporation / NTV / TOHO

GÉNERO Animación. Fantástico. Drama. Infantil

TEMÁTICA Familia. Naturaleza. Enfermedad

SINOPSIS

En una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre, vive una familia de seres diminutos, de apenas 10 cm. de altura, que tienen la norma de no dejarse ver nunca por los seres humanos; sin embargo, su tranquila existencia cambia cuando Arrietty, una audaz adolescente, es vista accidentalmente por un niño que se acaba de establecer en la casa debido a su delicada salud. Al tiempo que entre ambos surge una gran amistad, la existencia de los diminutos seres se verá peligrosamente amenazada...

PREMIOS

2010: Premios de la Academia Japonesa: Mejor película de animación
2012: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película de animación
2013: Asociación de Críticos Online: Nominada a mejor película de animación

CRÍTICA

+ "Una aventura íntima preciosamente elaborada y, considerando que está dibujada a mano en 2-D, una de las películas visualmente más arrebatadoras que verás este año. (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Dan Jolin: Empire)

+ "Quizá lo más excepcional del guión de Hayao Miyazaki sea cómo es capaz de imaginar y crear tantas situaciones de suspense sin salir de una pacífica casa familiar." (Ben Sachs: Chicago Reader)

+ "No alcanza la excelencia de los maestros Miyazaki y Takahata, pero recoge ecos de algunos de los títulos mayores del estudio, como 'Mi vecino Totoro' y 'Ponyo en el acantilado' (...) lo mejor está en los detalles" (Jordi Costa: Diario El País)

+ "Maravillosa adaptación (...) El resultado, incluyendo una banda sonora inolvidable, es sencillamente emocionante" (Javier Cortijo: Diario ABC)

+ "Lo más impactante de esta aventura casi amorosa es su profunda y elegíaca melancolía. (...) una magnífica obra de arte visual (...) Puntuación: ★★★★ (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

+ "Yonebayashi no se atreve a apartarse ni un ápice del canon estético fundado por el padre Miyazaki, pero esto es mucho más que el trabajo de un alumno aplicado: su aliento onírico, potenciado por la música de Cécile Corbel, lo acerca al sobresaliente" (Noel Ceballos: Fotogramas)

+ "Miniatura de virtuosa animación y contemplativa belleza (...) Puntuación: ★★★½ (sobre 5)" (David Bernal: Cinemanía)

+ "Excepcional." (Pablo González Taboada: Cinemanía)

PUNTUACIONES

 

	7,4		7,2		7,7
NOTA MEDIA: 7,4

TRAILER

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