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domingo, 22 de mayo de 2016

PERRO BLANCO

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Samuel Fuller, escritor y director, destacó por atreverse con temas tan polémicos en su cine que tuvo que terminar su carrera alejado de Hollywood trasladándose a Francia dónde ya trabajó anteriormente junto a Godard. Corrupción, violencia, racismo, política… Fue Perro blanco, un filme sobre la discriminación por color de piel, y que tardó diez años en estrenarse en América, el que colmó la gota del vaso, consiguiendo que abandonara su país natal. Autor absoluto de sus obras, pues solía ser guionista, productor y director al mismo tiempo, Fuller fue un icono del cine independiente, afincado esencialmente bajo la etiqueta de serie B, pero cuyas obras no estaban exentas de contenido, siendo alabado y reconocido por directores como Scorsese o Tarantino, que no se cansarán de reclamarle un puesto en la historia cinematográfica de su país.

Tras una larga jornada de rodaje, una joven actriz atropella un perro en medio de la carretera de vuelta a casa. La mujer socorre al perro y después de no encontrar a sus dueños decide quedarse con él para que le haga compañía en su solitaria casa. Poco a poco la muchacha descubre como el perro es en realidad una máquina de matar adiestrada para atacar a personas de color. Antes de deshacerse de él, decide llevarlo a un centro de entrenamiento a que lo reeduquen.

Perro blanco, es un filme que por desgracia ha envejecido muy mal. Nos encontramos con una película que abusa ridículamente de los efectos de maquillaje (si podemos llamar así a lo que hacen con el perro al intentar hacerlo más fiero), está especialmente desenfrenado en los zooms, que buscando enfatizar el horror producen hoy más risa que que miedo, y no vamos a olvidar las interpretaciones para nada destacables, con una protagonista, Kristy McNichol, de un semblante similar al de un muro de carga cuándo debería estar horrorizada. Y bueno, tenemos a un grande en la composición de la banda sonora, el mítico Ennio Morricone que nos trae una música cansina que no es ni de lejos lo mejor del artista italiano. Por no hablar, claro, de lo trillado del argumento.

Pero ojo, aunque todos estos aspectos, causa sin duda de los escasos recursos económicos del filme, sean suficientes para dejar el filme en el olvido, es en realidad su contenido, escondido tras el loco argumento, el que alza la película de Fuller al altar de esas películas de interés creciente. Ya os he avanzado que el director Massachusetts era arriesgado, y si hay un filme que dé fe de ello es sin duda su Perro blanco.

Ya en el primer tercio del filme, la protagonista decide quedarse con el perro tras ser defendida por él de un intento de violación en su propia casa. Un acto que aunque parezca extremadamente baladí y poco trabajado, se convierte al final del filme en un recurso inteligente de guión, que resume estupendamente la esencia de la película, es decir, una transformación que hace de un guión tonto en uno de lo más inteligente. Fuller consigue hablarnos con su película canina, de temas humanos que van más allá del racismo, el eje principal del filme, dónde nos expone como un perro blanco ha sido entrenado por el hombre para atacar a personas de raza negra, todo un acto de odio que busca reflexionar sobre una mala semilla implantada en y por la humanidad que, aunque debe ser erradicada, parece dura de roer. Pero no contento con ello el guión va más allá y reflexiona sobre las segundas oportunidades y si es verdaderamente posible eliminar esa maldad latente dentro de todo hombre. Por eso, nuestra protagonista, decide llevar el perro a intentar que deje el mal hábito del racismo, aunque ello implique más ataques, no se rendirá en intentar corregirlo a base de encarcelamientos y técnicas dónde el animal aprenderá a través del hambre a quién debe obedecer.

Y es justo al final, cuándo conocemos el resultado de todos estos entrenamientos, cuándo podemos volver al inicio del filme, y recordamos esa violación dónde el atacante, una vez reducido por el perro, es detenido por la policía que nos anuncia que el hombre es un reincidente y va a volver a prisión. Un lugar del que salió sin aprender nada, ¿algo premonitorio con el caso del perro? Deberéis ver el filme para saberlo.

Lo que está claro es que a Fuller le gusta hacernos pensar sin darnos respuestas claras, ¿Qué nos quiere decir con su filme? ¿Es buena –y efectiva- esa re-educación social del encarcelamiento? Bien, si aguantamos los aspectos más bajos del filme y conseguimos adentrarnos en sus propuestas, de bien seguro que quedamos satisfechos y dedicaremos más de un momento en reflexionar sobre todo lo planteado.

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TÍTULO ORIGINAL White Dog AÑO 1981 DURACIÓN 89 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Samuel Fuller GUIÓN Curtis Hanson & Samuel Fuller (Novela: Romain Gary) MÚSICA Ennio Morricone FOTOGRAFÍA Bruce Surtees REPARTO Kristy McNichol, Paul Winfield, Burl Ives, Jameson Parker, Lynne Moody, Marshall Thompson, Christa Lang, Paul Bartel, Dick Miller, Samuel Fuller PRODUCTORA Paramount Pictures

GÉNERO Drama
TEMÁTICA Animales. Perros/Lobos. Racismo. Amistad. Drama psicológico

SINOPSIS
Al volver del rodaje de una película, una joven actriz atropella a un pastor alemán de pelaje blanco. Inmediatamente lo lleva a un veterinario para que lo cure y coloca anuncios para localizar a su dueño. Como nadie lo reclama, se queda con él, pero un día ataca sin motivo a una mujer negra. La joven descubre, horrorizada, que el perro está adiestrado para atacar a personas de color.

CRÍTICA
+ "Fuller juega a la confusión con una metáfora tan diáfana que admite pocas literaturas. (...) El resultado, polémicas aparte, es un thriller con indiscutible mordiente." (Luis Martínez: Diario El País)

+ "Un prodigio de montaje, de planificación, de depuración de todo elemento no esencial. De narración. (...) Intensa y emocionante." (Jordi Batlle Caminal: Diario El País)

PUNTUACIONES
 
6,0 6,4 7,1
NOTA MEDIA: 6,5


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viernes, 17 de abril de 2015

THE VOICES

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Después de que Marjane Satrapi nos dejara anestesiados con su inmensa ópera prima Persépolis (Persepolis; 2007) que dirigió junto a Vincent Paronnaud, película de gran importancia histórica no sólo para el cine de animación sino para el cine en general, y que adaptaba su también imprescindible novela gráfica homónima. Una obra autobiográfica de mensaje anti-belicista que ha catapultado a Satrapi al éxito. La artista de origen iraní siguió su aventura cinéfila estrenando cuatro años después otra adaptación de otros de sus cómics, una vez más junto a Paronnaud. Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes; 2011) deja atrás la animación para apostar por los actores de carne y hueso, algo que no terminó de convencer a la crítica. Satrapi abandona Paronnaud en 2012 para presentar La banda de Jotas (La Bande des Jotas; 2012), película que a pesar de estar rodada en España está prácticamente inédita en nuestro país. En esta nueva producción la directora cambia completamente de registro para adentrarse en el mundo del humor negro y gamberro, algo con lo que seguiría trabajando en su última producción The Voices, el filme que hoy os traigo. 

Jerry tiene nuevo trabajo como embalador en una empresa de bañeras dónde conoce a Fiona, una hermosa chica de la que no puede evitar enamorarse. Jerry tiene como amigos a Bosco y el Sr. Bigotes, un perro y un gato con los que suele hablar para escuchar sus consejos, aunque Jerry debería escuchar más los consejos de la Dra. Warren y tomar su medicación. 

El nuevo registro de Satrapi se basa en el humor negro y como ella ha dicho, un cine de entretenimiento, lo que le apetecía hacer, simplemente divertirse. El problema de hacer algo así viene cuando se parte de un guión poco apasionado, pues la mejor manera de disfrutar un filme gamberro es precisamente con las salidas de tono. Pero en The Voices todo se queda corto y en lo único que destaca es en una puesta en escena que roza lo kitsch sin llegar a ello, usada esencialmente para ilustrar el estado mental de su protagonista. Por lo demás es una película que utiliza el tópico fácil y no se adueña de él, por lo que no consigue reírse del mismo si no que lo utiliza como una herramienta poco trabajada que realmente no llega a sorprender. En definitiva, causa poca risa.

Salva el resultado el indiscutible trabajo actoral, este sí, entregado totalmente a dar vida a sus personajes. Hay que partir de Ryan Reynolds, quién sabe pasárselo bien con su esquizofrénico personaje, dándole un toque muy cercano al más que mítico Patrick Bateman de Christian Bale en American Psycho (Mary Harron; 2000), pero desde el cariño y con un descontrol más comedido, pues Jerry no deja de ser una persona ambivalente con sus deseos, afectados por su enfermedad. El reparto femenino que encabeza Gemma Arterton, en uno de los géneros que mejor se le da: la comedia. La actriz da vida a una chica aprovechada que confunde mucho más a Jerry, y Arterton la conduce con soltura, al igual que Anna Kendrick, que incluso llega a destacar mucho más aunque sea con un personaje algo más secundario. El broche de oro lo da la siempre estupenda Jackie Weaver, la psicoterapeuta de Jerry. Weaver siempre sabe dar lo mejor de ella, y eso es indiscutible, esta vez no iba a ser menos, con pocos filmes en sus espaldas esta mujer ya ha demostrado lo bien que se desenvuelve en cualquier género, una maravilla.

Conclusivamente la salida de tono de Satrapi es un desaliento para cualquier fan de la artista. Difícilmente The Voices vaya a contentar a nadie, y se presenta tan solo como un entretenimiento de lo más descafeinado, algo nada positivo para un filme que debería ser todo lo contrarío, le falta garra, mala leche y un humor mucho más marcado. Incluso sus créditos finales llegan a sorprender más que todo el conjunto del filme. Con ello se deja ver, aunque no tenga sorpresas que darnos.

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TÍTULO ORIGINAL The Voices AÑO 2014 DURACIÓN 103 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Marjane Satrapi GUIÓN Michael R. Perry FOTOGRAFÍA Maxime Alexandre REPARTO Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver, Stephanie Vogt, Adi Shankar, Gulliver McGrath, Paul Brightwell, Ricardia Bramley, Helena Prince PRODUCTORA Lionsgate / 1984 / Mandalay Vision / Vertigo Entertainment

GÉNERO Comedia. Thriller
TEMÁTICA Comedia negra. Thriller psicológico. Crimen. Asesinos en serie. Enfermedad. Animales. Perros y lobos. Gatos

SINOPSIS
Jerry vive en un piso con la única compañía de su perro Bosco y de su gato Mr. Whiskers. Hasta aquí todo parece normal, pero cuando conoce a la bella Fiona, nuestro protagonista llega a su casa y no duda en contarle a sus animales de compañía sobre el encuentro. Evidentemente, ellos contestan.

PREMIOS
2014: Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
2015: Gérardmer Filml Festival: Premio de la audiencia. Premio del jurado

CRÍTICA
+ "Un híbrido de género salvaje y, a ratos, hilarante, que ofrece una impresionante interpretación de Ryan Reynolds" (Boyd van Hoeij: The Hollywood Reporter)

= "Ryan Reynolds hace su mejor Norman Bates en una sátira de asesinos en serie con apariencia de chorrada romántica" (Peter Debruge: Variety)


- "'The Voices' intenta llegar a la interesección entre terror y comedia, pero cae en un extraño valle de tediosa repugnancia" (A. O. Scott: The New York Times)


+ "Es, al mismo tiempo, bizarra, divertida, perturbadora y llena de suspense (...) Satrapi evita lo predecible en casi todos los giros (...) Puntuación: ★★★ (sobre 5)" (Claudia Puig: USA Today)

+ "Ryan Reynolds está pavorosamente perfecto (...) Satrapi se mueve sin esfuerzo entre el gore serio y lo alegremente absurdo (...) Puntuación: ★★★ (sobre 4)" (Sara Stewart: New York Post)

PUNTUACIONES
 
5,0 6,1 6,4
NOTA MEDIA: 5,8


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miércoles, 14 de enero de 2015

KATY, LA ORUGA

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Ayer martes saltaba a las redes la noticia del fallecimiento de un nombre clave para la publicidad española y el campo del cine animado: José Luis Moro. El artista fundó, junto a su hermano Santiago, los estudios Moro, cuna de varios anuncios inolvidables para los españoles como el de la famosa canción del Colacao. Los hermanos Moro crearon también personajes tan emblemáticos como la calabaza Ruperta, mascota del concurso de éxito Un, dos, tres… responda otra vez (Narciso Ibáñez Serrador, 1972-2004), además de otros de los personajes que aparecieron posteriormente en el programa; sin olvidar a la emblemática familia Telerín, cuyos integrantes nos mandaban a los más pequeños de la casa a dormir bien temprano, y que además fueron llevados a la gran pantalla como protagonistas de la estupenda película El mago de los sueños (Francisco Macián, 1966). Los estudios Moro produjeron también, junto a la mexicana Televicine S.A. de C.V., series animadas como la de Cantiflas Show (Mario Moreno 'Cantinflas', Jose Luis Moro, 1972-1982) o el filme que hoy nos ocupa, Katy, la oruga (José Luis Moro, Santiago Moro, 1984). Con tantos títulos emblemáticos no es de extrañar que Moro fuera galardonado con varios premios importantes como tres Palmas de Oro en Cannes, premios publicitarios en el Festival de Venecia, medalla de oro por efectos especiales y muchos otros reconocimientos especialmente en el campo de la publicidad. Sin duda hoy, merece una buena despedida.

Katy es una oruga curiosa e inconformista que vive junto a sus amigas oruga en un árbol a salvo del mundo hostil. Katy siente la necesidad de recorrer mundo, y encontrar un lugar para ella sintiéndose satisfecha, así, tras una conversación con la madre naturaleza, decide emprender un temerario viaje dónde conocerá los estilos de vida de varios personajes, los cuales le ayudarán a entenderse mejor a si misma.

Hay que reconocer que Katy, la oruga, es una película realmente mal envejecida. Pero en su época, siendo una cinta hispana, pudo presumir de una calidad animada superior a la media a pesar de usos de la técnica limitada. La mano de Moro para los escenarios queda muy bien definida y es sin duda de lo mejor del filme, además de un estupendo diseño para algunos de los personajes como la araña, la reina abeja o los ratones de la ciudad. En los momentos musicales se crean unos escenarios muy propios de Moreno, que nos recuerdan con nostalgia los créditos de apertura del programa de Narciso Ibáñez Serrador, dónde luces de colores y gigantescas letras llenan la pantalla.

El filme en si cuenta con un argumento que carece de fuerza dramática, siendo desarrollado de un modo demasiado básico, el cual solo podría llegar a entretener al público más infantil, estimulado principalmente por su colorido contenido. Realmente, dejando de lado su básica narración, el filme contiene una serie de valores difícilmente apreciables en otras películas infantiles de la época, y ese es sin duda una baza que hacen del filme de la oruga una película a tener en cuenta para nuestros pequeños. Katy nos enseña valores como el no conformarse con lo impuesto y luchar por los sueños, o si bien no, encontrar aquellas aspiraciones que nos pueden hacer realmente felices; el respeto hacía los que son diferentes a nosotros, el no tener miedo a equivocarse, o a enseñarnos a evitar de un modo suave algunos valores negativos como el capitalismo más feroz. Al final la moraleja es clara, Katy nos muestra como dentro de nosotros se esconde un potencial único e incomparable, y que solo hay que esforzarse un poco para lograr ser felices.

La perdida de José Luis Moro es sin duda una triste noticia, pero por lo pronto que nos sirva para revisar alguna de sus obras y recordar con nostalgia aquellos buenos momentos del pasado.

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TÍTULO ORIGINAL Katy AÑO 1984 DURACIÓN 69 min. PAÍS España, México IDIOMA Español DIRECCIÓN José Luis Moro, Santiago Moro GUIÓN Silvia Roche, Steve Hulett, Peter Young MÚSICA Nacho Méndez VOCES Cristina Camargo, Alfonso Obregon, Héctor Lee, Francisco Colmenero, Diana Santos, Álvaro Tarsiglo, Eduardo Tejeda, Nancy MacKenzie, Gabriela Willer, Esteban Siller, Luis Bayardo, Patricia Acevedo, Araceli de León PRODUCTORA Moro Creativos Asociados / Televicine S.A. de C.V.

GÉNERO Animación. Aventuras. Musical. Infantil
TEMÁTICA Naturaleza. Animales. Insectos

SINOPSIS
En un avión que sobrevuela el Atlántico, un contenedor de abejas modificadas genéticamente es abierto y se deja escapar su mercancía.... unos insectos cuya única picadura es suficiente para causar la muerte. Cuando al avión aterriza en Nueva York, el que las abejas puedan escapar puede significar el inicio de una tragedia a escala mundial...

CRÍTICA
+ "Esta joya de la animación mexicana, basada en el libro de Silvia Roche ha sido injustamente olvidada y quizá muchos de ustedes la recuerden sólo como una peli cursi. En realidad es mucho más. Katy la Oruga es en realidad una hermosa metáfora sobre la niña que se convierte en mujer." (Mail Civeira: Ego Sum Qui Sum)

PUNTUACIONES
 
5,5 5,8 6,9
NOTA MEDIA: 6,1


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martes, 30 de septiembre de 2014

ZAFARRANCHO EN EL RANCHO


Son varios los famosos declives de la Disney, y uno de los más recientes nace después de películas como La ruta hacía el dorado (The Road to El Dorado; Bibo Bergeron, Don Paul, Will Finn, David Silverman, 2000) o la irregular Hermano Oso (Brother Bear; Aaron Blaise, Bob Walker, 2003), declive que tardarían en solucionar tras varios intentos de películas como la suicida Chicken Little (Mark Dindal, 2005), el ejemplo más escalofriante de ellos. La factoría de Mickey no tenía muy claro que camino tomar, y el resultado fueron un buen puñado de películas que es mejor olvidar. Pero entre tanta ida de cabeza personalmente rescataría el sencillo western animado Zafarrancho en el rancho (Home on the Range; Will Finn, John Sanford, 2004), sin lugar a dudas la más maltratada por la crítica del grupo.

Tres vacas deciden dejar un tiempo su querido hogar para intentar atrapar a un famoso ladrón de reses, para así cobrar la recompensa y con ella pagar el dinero que su dueña debe al banco, antes de que les embarguen el hogar.

De acuerdo, es de lo más sensato pensar que tres vacas que parece que en cualquier momento van a ponerse a tejer ganchillo no sea el mejor acierto del filme, en ese sentido la película se les escapa estrepitosamente de las manos, por mucho carisma que puedan ganar estas durante el viaje. Tampoco ayudan el escandaloso caballo del sheriff, ni el resto de animales que no presentan demasiada profundidad narrativa. El argumento, a pesar de algún pequeño giro, tiende a la planicie, y no presenta demasiada originalidad en su elaboración, tanto en su avance como en la poca ambición de su desarrollo dramático. Pero es innegable, que Zafarrancho en el rancho tiene algunos ingredientes que la hacen especial.

De entrada tenemos una animación bastante decente, de un estilo que se atreve a mezclar aires de Aladdin (John Musker , Ron Clements, 1992) con El Rey león (The Lion King; Rob Minkoff, Roger Allers, 1994). Por entonces la Disney todavía no había decidido abandonar la animación tradicional, de hecho este sería su último trabajo antes de casi abandonar los "lápices de colores" por el CGI completo, y poder gozar todavía de ello es motivo suficiente para disfrutar ni que sea un poco del filme.

Por otro lado, aunque claramente no nos encontremos ante un argumento complejo, la historia se sigue con simpatía y es fácil que encandile especialmente a los más pequeños, y aunque no pueda tener nada de especial tampoco lo contrario, así que es difícil achacarle nada en ese sentido. Se pasa un buen rato con ella, y eso ya no es moco de pavo.

Dentro de esa simpleza nos encontramos con alguna pequeña escena deslumbrante, como la aparición del villano de la función, dónde con sus cánticos consigue hipnotizar a las vacas como si del Flautista de Hamelín se tratara. Una suerte psicodélica que recuerda irremediablemente a uno de los momentos más underground de la Disney, el espiral colorido de elefantes que pudimos gozar en Dumbo (Ben Sharpsteen, 1941) -para mi de las mejores películas que han nacido en el seno del estudio-. Una escena que además está acompañada con un estupendo ejemplo del genial trabajo en las partituras de la película, la canción Yodel-adle-eedle-idle-oo. Si una cosa es de aplauso en Zafarrancho en el rancho es su banda sonora, como bien apunta el cartel del filme, Alan Menken, autor de las oscarizadas canciones de Aladdin o La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast; Gary Trousdale , Kirk Wise, 1991), es el culpable de tales divertimentos sonoros.

Definitivamente Zafarrancho en el rancho no es ni de lejos la mejor película del estudio, pero tampoco merece ser el título más desprestigiado. La película es entretenida, y se te hace pasar mejor rato que muchas de las sosa propuestas de la Dreamworks.

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TÍTULO ORIGINAL Home on the Range AÑO 2004 DURACIÓN 76 min. PAÍS Estados Unidos IDIOMA Inglés DIRECCIÓN Will Finn, John Sanford GUIÓN Will Finn, John Sanford MÚSICA Alan Menken VOCES ORIGINALES Roseanne Barr, Bobby Block, G.W. Bailey, Steve Buscemi, Carole Cook, Charlie Dell, Judi Dench, Charles Dennis, Marshall Efron, Joe Flaherty, Cuba Gooding Jr., Charles Haid, Estelle Harris, Lance LeGault, Sam J. Levine, Randy Quaid, Ann Richards, Richard Riehle, Keaton Savage, Ross Simanteris, Jennifer TillyPatrick Warburto, nMark Walton, Dennis Weaver PRODUCTORA Walt Disney Pictures / Walt Disney Feature Animation

GÉNERO Animación. Comedia. Infantil. Musical. Western
TEMÁTICA Animales. Robos/Atracos. Vida rural (Norteamericana)

SINOPSIS
Un avaricioso proscrito llamado Alameda Slim planea apoderarse de la vaquería “Patch of Heaven”, pero tres decididas vacas, un caballo karateka llamado Buck y un alegre corral lleno de criaturas unen sus fuerzas para salvar la granja en una aventura loca y frenética. Esta extraña mezcla de animales pondrá su vida en constante peligro para capturar al malvado Slim, y cobrar la recompensa con la ayuda de un misterioso cazarrecompensas llamado Rico.

PREMIOS
2005: Annie: 3 Nominaciones

CRÍTICA
+ "Un film que gusta, agradablemente nada pretencioso y muy divertido" (Olly Richards: Empire)

= "Bueno para echarse unas risas, especialmente si tienes menos de, digamos, 8 años más o menos." (Christine Dolen: Miami Herald)

= "Divertida para los niños, aunque no tenga la calidad de otros grandes productos de la Disney" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

= "La idea funciona. (...) Una comedia musical de Disney perfectamente engrasada y hueca. Atractiva para los ojos de un niño pequeño pero aburrida para los de un adulto que ha visto la fórmula repetida hasta la saciedad. Aún así, la película tiene momentos que enganchan" (Javier Mendoza: Cinemanía)
PUNTUACIONES
 
6,0 4,7 5,4
NOTA MEDIA: 5,4


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miércoles, 3 de octubre de 2012

BESTIAIRE



No se podía escoger mejor encargada de cerrar la 3ª Muestra de cine de Quebec, el último trabajo de Denis Côté, que ya pudo verse antes en la pasada edición del D'A (Festival de Cinema d'Autor de Barcelona), es un film que no puede dejar a nadie indiferente.

Distanciándose un poco en el formato (aunque quizás menos en las formas) del resto de la filmografía del director canadiense, Bestiaire es un documental único que nos muestra a plano fijo los diferentes rincones de la carcel del zoo de Montreal durante medio año, una colección de imágenes donde se crea un inventario de animales que tienen mucho a decir, pero que cada uno interpretará a su modo. De este modo Côté se acerca al Cine-Ojo de Vertov utilizando algunas de las características de la escuela soviética pero sin tener del todo nada que ver ya que se evidencian varios factores que asumen una distancia clara en sus características.

A partir de ahí nos topamos con un filme no apto para todo el público (en la sala de la Filmoteca dónde se proyectaba el filme de la muestra no fueron pocos en abandonar el sitio al poco de empezar) pero del que no es complicado dejarse llevar, si optamos por ello llegaremos a los créditos finales convencidos de no haber perdido el tiempo.

Denis Côté juega con la estética de los encuadres ofreciendo belleza donde quizás no la hay, centrándose en los detalles, en la improvisación y en la magia de la suerte, el resto lo ponemos nosotros.

Muchos no verán nada más allá de una sucesión de imágenes disfrutando o no de ello, otros quizás sientan el efecto contrario al verse observados ellos mismos por los ojos de todas las bestias que recorren la pantalla de Bestiarie, otros pueden entender el trabajo como una protesta pro-animalista encontrando sugerentes muestras de aproximación con aquel estupendo y horrorizante cortometraje llamado La sangre de las bestias de Georges Franju e incluso alguien puede encontrar paralelismos con la propia sociedad que le ha tocado vivir, y muchos seguramente pensarán que ese Côté está simplemente loco. Pero ese es el mejor factor de la película, esa libertad que ofrece a través de su supuesta transparencia de invitarnos a asomarnos a una ventana que nos deje libertad para sacar nuestras propias experiencias llevándonlas inevitablemente a nuestro propio terreno personal y todo a través de un filme dónde en teoría no sucede nada.

Vale la pena dejarse llevar de vez en cuando a través de trabajos de este tipo, para así abrir nuestras perspectivas no sólo fílmicas si no también reflexivas, y más si es de la mano de alguien como Denis Côté. Un trabajo por lo poco, interesante.

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TÍTULO ORIGINAL Bestiaire
AÑO 2012
DURACIÓN 72 min.
PAÍS Canadá, Francia
IDIOMA Sin dialogos (algunas palabras en francés)
DIRECTOR Denis Côté
GUIÓN Denis Côté
MÚSICA Sin música
FOTOGRAFÍA Vincent Biron
PRODUCTORA Metafilms / Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Animales


SINOPSIS
Miles de personas visitan cada año el Parc Safari de Quebec, una especie de Rioleón Safari que cada invierno queda cubierto por un manto de nieve. Lo que a priori podría parecer un documental más de animalitos de La 2, se transforma en manos de su director en un poema visual donde de manera inquietante y evocadora a la vez nos muestra la vida de unos animales salvajes en un entorno totalmente ajeno a su hábitat natural. Sin diálogos de por medio, búfalos, hienas y jirafas nos observan con una mezcla de curiosidad y tristeza. Bestias encerradas que parecen sentir la necesidad de salir de la pantalla, del encuadre que en realidad es su encierro, su pequeño espacio donde les ha tocado vivir.

CRÍTICAS:
+ "un film para dejar correr la imaginación, para que el espectador lo construya y pueda encontrar su propio discurso. Todo ello mediante placenteras imágenes que, sin caer en el tedio, nos dan una calma propia del mundo natural." (Christian G. Carlos: Cine Divergente)

+ "Denis Côté logra ofrecer un discurso estético, donde “todo es intuitivo, todo está en el campo de la hipnosis”. La intelectualización se da por parte del espectador, no la ofrece el film. Bestiaire es de lo mejor visto en Bafici 2012 y debió llevarse algún premio." (Liliana Sáez: El espectador imaginario)

+ "Bestiaire no es una película para todos los gustos, entrando de lleno en el terreno del cine contemplativo más puro, sus jirafas, búfalos y avestruces nos miran a través de su inocente mirada desde su encuadre que los encierra desde su encierro. Gracias al D’A hemos podido descubrir una de las propuestas más curiosas y radicales que pasó por el Forum de la Berlinale 2012, solo apta para los cinéfilos más atrevidos." (Después de 1984)

+ "Extraña máquina perversa, Bestiario es en realidad un retrato extraordinario sobre el impulso antropomórfico de quien está fuera de campo y en un espacio sin contigüidad alguna respecto de las especies dibujadas y filmadas. Inmóvil frente a la pantalla, el verdadero protagonista de Bestiaire es quien está siendo interrogado mientras ve pasar entidades que nada tienen para decirle." (Roger Koza: Con los ojos abiertos)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,5
- Filmaffinity: 6,1
- IDMB: 7
* Media: 6,5

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miércoles, 6 de junio de 2012

KUNG FU PANDA 2


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Kung Fu Panda 2 es una película de puro entretenimiento, de esas cintas que con el sólo hecho de no aburrir ya consiguen un reconocimiento desmesurado (¿alguien en su sano juicio puede explicarme el motivo por el cual siguen nominando las películas de Dreamworks a diferentes premios cinematográficos?), pero tiene cosas a su favor, el principal de todos es que su predecesora no dejó el listón en una altura muy elevada, más bien lo contrario.

Su guión es una tontería que no merece mucho comentario, lo que si es cierto es que logra una mayor profundidad en sus personajes, alejándonos de esos protagonistas planos de su primera parte, pero la productora tampoco se esfuerza demasiado, sabe que lo único que necesita es una buena promoción y unos bonitos artilugios para el marketing, la película en sí, tiene suficiente con no aburrir a los padres que acompañan a los niños a los cines.

A la calidad visual no le podemos reprochar nada, al menos en ese campo los estudios auto-nominados "independientes" no flojean en absoluto, eso sí, no vamos a fijarnos en el uso que hayan podido darle en su versión 3D ya que es deducible que el resultado no sea para nada envidiable. En algunas secuencias se permite la licencia utilizar otros recursos animados, que aunque en realidad sean puro digital, imitan a la perfección métodos de uso ya más olvidado, y que hacen subir el caché de la película notablemente, aunque ello sólo sea durante unos minutos.

Con Kung Fu Panda la Dreamworks ha encontrado su nueva gallina de los huevos de oro, por eso no debe parecernos extraña su decisión de abandonar la ya obsoleta saga Shrek, ya que con esta nueva filial de bien seguro harán su agosto con nuevas secuelas, y si no, al tiempo.

Una película para verla sin más, que a las dos semanas habremos olvidado por completo su argumento, pero que al menos nos va a tener entretenidos durante un rato (aunque existen más y mejores opciones.

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TÍTULO ORIGINAL Kung Fu Panda 2 (Kung Fu Panda: The Kaboom of Doom)
AÑO 2011
DURACIÓN 90 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Jennifer Yuh
GUIÓN Jonathan Aibel, Glenn Berger
MÚSICA John Powell, Hans Zimmer
VOCES ORIGINALES Jack Black, Angelina Jolie, Dustin Hoffman, Gary Oldman, Jackie Chan, Seth Rogen, Lucy Liu, David Cross, James Hong, Michelle Yeoh, Danny McBride, Dennis Haysbert, Jean-Claude Van Damme, Victor Garber
PRODUCTORA DreamWorks Animation
GÉNERO Animación. Comedia. Acción
TEMÁTICA Artes marciales. Secuela. Animales

SINOPSIS
Secuela de la exitosa producción Kung Fu Panda. La historia vuelve a recuperar el personaje de Po, que ahora vive su sueño como guerrero dragón protegiendo el valle de la paz junto a sus amigos los cinco furiosos. Pero Po será amenazado por un nuevo villano, que planea usar una imparable arma secreta para conquistar China y destruir el Kung Fu. Po se enfrentará a él, pero como se puede parar un arma que puede destruir el Kung Fu. Po deberá buscar en su pasado y descubrir los secretos de su misterioso origen, solo entonces podrá encontrar la fuerza que necesita.

PREMIOS
2011: Oscar: Nominada a Mejor largometraje de animación
2011: Premios Annie: Mejor director y diseño de producción. 12 nominaciones
2011: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película de animación
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de animación o mezcla de técnicas

CRÍTICAS
+ "La animación es elegante, la historia es mucho más envolvente que la original, y tiene energía sin límites. (...) Rating: ***1/2 (out of four)" (Roger Ebert: Chicago Sun-Times)

= "Logra el -lamentablemente familiar- truco matemático de ser más y menos que su predecesora. (...) Usa el 3-D con estilo y moderación (...) su público es probable que la vea en ausencia de una alternativa atractiva." (A. O. Scott: The New York Times)

= "En ocasiones, 'Kung Fu Panda 2' parece Bambi rehecho como un programa de Oprah. Aun así, es una secuela más que digna" (Owen Gleiberman: Entertainment Weekly)

= "Aunque no es tan fresca como la primera, ciertamente la secuela cumple con lo que promete" (Andrew Barker: Variety)

- "Lamentablemente, en esta ocasión hay apenas tres o cuatro risas flojas en toda la película y el aspecto visual de la película en general es una decepcionante chapuza" (Mick LaSalle: San Francisco Chronicle)

= "Contiene acción, energía y esplendor visual a espuertas (...) ¿Un buen espectáculo para todos los públicos? Desde luego: tónico, refrescante, divertido. Pero predecible y redundante. (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Jordi Batlle Caminal: Diario La Vanguardia)

+ "Se presenta más enriquecida que su antecesora (...) los animadores se permiten un mayor despliegue creativo (...) También el protagonista presume de mayor envergadura dramática" (Eulàlia Iglesias: Diario Público)

= "Más espectacular y ruidosa que la primera, pero menos creativa. Eso sí, posee mayor hondura emocional (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Nando Salvá: Diario El Periódico)

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 5,9
- Filmaffinity: 6,2
- IMDB: 7,4
* Media: 6,5

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sábado, 24 de marzo de 2012

EL OSO



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Jean-Jacques Annaud, después de las dos maravillas que fueron En busca del fuego y En el nombre de la rosa, vuelve con un original film dónde la naturaleza es la protagonista, y rodado de un modo que la convierte en una rareza filmica.

Madre del remake no oficial de la sosa película de la Disney (Hermano Oso), la película de Annaud, es demasiado adulta para emparejarla con films como Liberad a Williy o El pequeño panda, pero a su vez, demasiado tierna para que nos vengan en mente películas como The Plague Dogs o Grizzly Man, El oso se encuentra en un limbo de donde es difícil desubicarla. Seguramente el público que mejor se adapte al metraje sea el infantil, ya que el canto a la libertad de la naturaleza la convierte en un dulce caramelo para los infantes, pero en contra puede jugar ese ritmo pausado, que atraerá más a los adultos.

A ello debemos sumarle el estilo narrativo, en el que los diálogos escasean, convirtiéndola en una propuesta arriesgada y en una película que difícilmente pueda contentar a cualquiera. Pero son esos mismos motivos los que convierten a este film en una película que merece una especial atención, ya que es raro ver metrajes tan curiosos y distintos, que ofreces experiencias nuevas.

La historia es simple, un relato sobre la amistad, la superación, la lucha contra el deseo de venganza, y por supuesto un canto a la naturaleza. Des de lo que de entrada parece un film de estilo documental, concepto que abandona de inmediato, nos encontramos con un pequeño oso que pierde a su madre tras un accidente y que conseguirá seguir adelante gracias al encuentro con un macho de su especie que le acompañará en su etapa de aprendizaje, a su vez, un cazador buscará a ese mismo oso adulto para vengar el ataque que sufrió tras un intento anterior de caza. El argumento nos da la sensación de que poco puede ofrecer, pero el director consigue sorprender gracias a esa naturalidad con la que dota el film.

La excelente y su vez complicada realización (no olvidamos que los protagonistas de la historia son animales), aunque contenga alguna secuencia de director primerizo, rompe un poco con ese ritmo pausado, además de suprimir esos tópicos que suelen poblar las películas de animales, y aunque echemos de menos un poco más de vida en el argumento, el director francés finalmente consigue hacernos la película más amena, y nos acompaña a que lleguemos al final del metraje en un visto y no visto.

El Oso es una película que tan sólo por sus méritos merece aunque sea, un solo vistazo, así que darle esa oportunidad, quizás incluso a alguno le sorprenda gratamente.

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TÍTULO ORIGINAL L'ours (The Bear)
AÑO 1988
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Francia, Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Jean-Jacques Annaud
GUIÓN Gérard Brach
MÚSICA Philippe Sarde
FOTOGRAFÍA Philippe Rousselot
REPARTO Jack Wallace, Tcheky Karyo, André Lacombe
PRODUCTORA Price / Renn Productions
GÉNERO Aventuras
TEMÁTICA Animales. Osos. Caza. Naturaleza

SINOPSIS
Una osa que intenta alcanzar un panal de miel con el que saciar su glotonería, muere aplastada por un alud, dejando huérfano y desamparado a su osezno Youk, el cual se ve obligado a sobrevivir en un medio muy hostil. Afortunadamente, Youk se encuentra con Kaar, un oso Kodiak adulto que decide adoptarlo y protegerlo. De todos los peligros que los amenazan, el peor lo constituyen los tramperos. Dos de ellos, Bill y Tom, mantendrán una lucha singular con Kaar; sobre todo Tom, que se enfrenta varias veces con el gran oso y se plantea su caza como una cuestión de orgullo personal.

PREMIOS
1989: Nominada al Oscar: Mejor montaje
1989: BAFTA: Nominada a mejor fotografía
1989: César: Mejor director. Nominada a mejor película, mejor fotografía, mejor montaje, mejor sonido y mejor cartel.

CRÍTICAS
= "Entretenida cinta destinada al consumo familiar. Todo muy bonito, pero sin demasiada chispa" (Fernando Morales: Diario El País)

+ "El Oso es una soberbia pelicula, hay suspense, emoción, ternura, y humor, imágenes de una belleza casi lírica, un espectáculo para todos." (Cine y criticas)

- "Sus resultados tienen un gran atractivo visual pero no consiguen evitar caídas en el tedio." (Fotogramas)

CURIOSIDADES
- El guion fue creado por Gérard Brach basándose en la novela The Grizzly King del escritor conservacionista James Oliver Curwood.

- No obtuvo una gran aceptación comercial aunque funcionó mejor en Europa que en Estados Unidos.

- Aunque sea ambientada en Columbia Britannica, la película fue hecha en las Dolomitas en los alpes, en el valle de San Lucano a Taibon Agordino, y el Valle de Primiero.

- La escena final ha sido de los vídeos más vistos en Youtube.

FRASES
* Hay un placer mayor que matar, dejar vivir (James Oliver Curwood).

PUNTUACIONES
- Descubrepelis: 6,4
- Filmaffinity: 7,1
- IMDB: 7,6
* Media: 7

TRAILER


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