UNA VERDAD INCÓMODA

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La hora del planeta es un evento internacional celebrado cada año el último sábado de marzo desde 2007, consiste en un apagón voluntario de la luz y de cualquier aparato eléctrico por parte de hogares y empresas de todo el globo. Con ello se pretende lograr una concienciación sobre la adopción de medidas frente al cambio climático, además del ahorro de energía o el aminoramiento de la contaminación lumínica. Ya son muchas las ciudades que se han sumado al evento, además de empresas, asociaciones y webs. Desde Descubrepelis nos sumamos a esta necesaria iniciativa, hablando de un documental que seguro todos ya conoceréis, pero que conviene no olvidar: Una verdad incómoda.

La película no deja de ser un panfleto para el lucimiento completo del político Al Gore y contiene muchas escenas que intentan conmover con historias paralelas, como el accidente del pequeño hijo de Gore, totalmente innecesarias y metidas con calzador en algo que por si solo ya se sostiene lo suficiente, sin necesidad de los artificios absurdos que nos meten con calzador.

Su realización es más bien escasa, por lo que cinematográficamente hablando, no destaca en absolutamente nada, ello es debido a que su realizador solo se encarga de grabar una conferencia sin dotarla de ningún ritmo exterior al de esta, tan solo las presentaciones de gráficos rompen un poco con esa monotonía del discurso, además de las antes mencionadas innecesarias secuencias paralelas.

Pero la película contiene un mensaje que todos debemos asimilar, y su mensaje utiliza un lenguaje claro que consigue que cualquier espectador pueda entender todo lo que expone. Cine llamado en ocasiones útil, la mayoría de las veces de un modo peyorativo a causa de su escasez artística, pero que gracias a la facilidad del lenguaje cinematográfico para hacer llegar mensajes a todo el mundo, en realidad hace un bien social completamente necesario.

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TÍTULO ORIGINAL An Inconvenient Truth
AÑO 2006
DURACIÓN 96 min.
PAÍS Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Davis Guggenheim
GUIÓN Davis Guggenheim
MÚSICA Michael Brook
FOTOGRAFÍA Davis Guggenheim
REPARTO Al Gore
PRODUCTORA Paramount Classics
GÉNERO Documental
TEMÁTICA Medio Ambiente. Naturaleza. Política. Catástrofes

SINOPSIS

Documental sobre los efectos devastadores del cambio climático. El ex-vicepresidente norteamericano Al Gore muestra un contundente y preocupante retrato de la situación del planeta, amenazado por el calientamiento global provocado por las ingentes emisiones de CO2 por parte de la acción del hombre. Un documental cuya leyenda reza: "De lejos la película más aterradora que verá jamás".

WEB OFICIAL

PREMIOS

2006: 2 Oscars: Mejor documental, mejor canción original (Melissa Etheridge)
2006: National Board of Review: Mejor documental
2006: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor documental

CRÍTICAS

+ "El hecho de que 'Una verdad incómoda' no debería existir es una razón para estar agradecido de que exista. (...) intelectualmente es estimulante (...) Un buen lugar para empezar, y continuar, un proceso de concienciación que difícilmente puede ser más urgente. Un film necesario." (A. O. Scott: The New York Times) 

+ "No es un film aburrido. El director usa palabras, imágenes y la letanía concisa de Gore sobre los hechos para construir una película que es fascinante e implacable. (...) Puntuación: **** (sobre 4)." (Roger Ebert: Chicago Sun-Times) 

+ "Una excelente herramienta educacional." (Dennis Harvey: Variety) 

+ "Lección magistral. (...) Más que un documental, parece un grito de alarma. (...) Lo mejor: La permanente impresión de estar aprendiendo de la manera más amena que se pueda imaginar. (...) Puntuación: **** (sobre 5)." (Alberto Bermejo: Diario El Mundo) 

+ "Su fórmula narrativa acaba convirtiendo un defecto en una virtud. Nada hay más alejado del cine que ver a un tipo largando una teoría tras otra durante una conferencia (...) Tiene el valor de la divulgación de lo incontestable más allá de sus más nimios defectos." (Javier Ocaña: Diario El País) 

+ "Una clase magistral (...) ¿Aburrida? Para nada. ¿Electoralista? Tampoco." (Días de cine)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,2

- Filmaffinity: 6,8

- IMDB: 7,7

* Media:  6,9

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8 MUJERES

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Podríamos definir la filmografía de François Ozon con una palabra: extraña. Sus películas a pesar de ser distintas entre sí, contienen puntos comunes que hacen que tengan un sello muy característico. A pesar de tener un estilo totalmente diferenciado del de Pedro Almodóvar, hay que reconocerle varios elementos recurrentes en sus películas, que son comunes con las de Almodóvar, el más claro de estos elementos es sin duda la importancia de las mujeres en sus obras. 8 mujeres es sin duda el film dónde la presencia femenina es más fuerte, convirtiéndose así en el mayor ejemplo de su importancia para las historias de Ozon.

Como el resto de películas del realizador francés, 8 mujeres es un film extraño, una mezcla de intriga con comedia, que a pesar de ser géneros que ya hayamos visto en otras películas como Un cadáver a los postres o El quinteto de la muerte (Ladykillers), aquí son sazonados con unas gotas de musical que la convierten en una rareza única que consigue dejarnos chocados en más de una ocasión.

La película, más cercana al teatro que al cine, en especial por su puesta en escena que consigue incluso que al final del metraje creamos que las actrices van a salir a saludar, es simple: un cadáver y 8 personajes sospechosos del homicidio, encerrados en una casa, que harán juegos con el espectador hasta desvelar cual de ellos es el asesino, tal como si del tablero del Cluedo se tratase. En esta ocasión el total de los personajes son mujeres, todas ellas con algún tipo de relación con el único varón en escena: el muerto. La historia se va desarrollando a medida que todos los personajes van sacando lo más oscuro de si mismos, desnudando su verdadera personalidad y quedando a merced no solo de los demás presentes, si no también a la del propio espectador, sorprendiendo en más de una ocasión.

Para interpretar a las féminas tenemos a un reparto simplemente insuperable, especial atención a la sexy Emmanuelle Béart, y como no a la siempre estupenda Catherine Deneuve que nos concede un fabuloso duelo interpretativo con la menos conocida, pero soberbia Fanny Ardant, no tan poco conocida como Firmine Richard, quizás la que menos destaca en todo el conjunto, pero no por ello desmerece. No faltan nombres como el de la veterana Danielle Darrieux, o la joven musa de Ozon: Ludivine Sagnier. También Virginie Ledoyen que trabaja por primera vez con él, y por supuesto lo mejor de todo: Isabelle Huppert, en un registro totalmente distinto al que nos tiene acostumbrados, y que sin duda alguna, es la guinda del pastel.

Las curiosas canciones, que interpretan cada actriz una a una, son lo que más descoloca de todo el metraje, pero le dan un toque naïf al conjunto, que aunque de entrada pueda ser molesto, terminan consiguiendo que esperemos la siguiente tonada con ganas.

Como resultado nos encontramos un film, que a pesar de sus carencias, que no son pocas, es extraño que no se gane nuestra simpatía, siendo un juego no solo para nosotros, si no también para su director y para sus actrices.

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TÍTULO ORIGINAL 8 femmes
AÑO 2002
DURACIÓN 103 min.
PAÍS Francia, Italia
IDIOMA Francés
DIRECTOR François Ozon
GUIÓN François Ozon & Marina de Van (Obra: Robert Thomas)
MÚSICA Krishna Levy
FOTOGRAFÍA Jeanne Lapoirie
REPARTO Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Fanny Ardant, Virginie Ledoyen, Danielle Darrieux, Ludivine Sagnier, Firmine Richard
PRODUCTORA Mars Films

GÉNERO Comedia. Musical. Intriga

TEMÁTICA Años 50. Crimen

SINOPSIS

En los años cincuenta, en una gran mansión burguesa en pleno campo se están haciendo los preparativos para festejar la Navidad, cuando se produce un drama: el dueño de la casa es asesinado. Ocho mujeres cercanas a la víctima están presentes y, forzosamente, una de ellas es la culpable. Comienza entonces una larga jornada de investigación, jalonada de discusiones, traiciones y revelaciones, en la que no tardará en saberse que cada una de ellas tiene sus razones y guarda secretos insospechados. La verdad estallará, cruel y trágica, desenmascarando a los personajes y poniendo de manifiesto sus mentiras.

PREMIOS

2002: Festival de Berlín: Oso de Plata - Contribución artística sobresaliente (las mujeres). Premio de los lectores del Berliner Morgenpost. Nominada a oso de oro.
2002: Premios Europeos: Mejor reparto coral. Nominada a mejor película y mejor guión. Nominada a los premios de la audiencia a Mejor actriz (Fanny Ardant), mejor actriz (Isabelle Huppert), mejor director.
2003: Cesar: 12 nominaciones: Incluiendo mejor película, director, actriz (Fanny Ardant), actriz(Isabelle Huppert).

CRÍTICAS

+ Suena a argumento de una novela de Agatha Christie. Pero sabiendo que tras la cámara está el francés François Ozon, rendido admirador de Fassbinder y Almodóvar, uno sabe que el film no puede ser una historia detectivesca convencional. Y en efecto, el argumento es la excusa para articular una tragicomedia con fotografías de hermosos colorines, y hasta canciones, donde salen a colación todos los trapos sucios de la familia. El reparto es la mejor baza del film, e incluye jóvenes valores (como Virginie Ledoyen) junto a estrellas consagradas (Catherine Deneuve, Danielle Darrieux). (Decine21.com)

+ Producción suntuosa y elegante, puesta a entero servicio y lucimiento de un bouquet selecto integrado por las más destacadas damas de la escena francesa. Una película di-vertida, traviesa y chic a la que no se le debe tener en cuenta su falta de compromiso, pues ésta era la intención de su autor. (Tònia Pellejà: La Butaca)

+ Una comedieta de vodevil, de factura irreprochable y que es todo un desfile de glamour. Filme refrescante e impe-cable en sus pretensiones, con un sensacional reparto de actrices que es su verdadero motor y que se ha sabido equilibrar para no caer en un brutal enfrentamiento de egos. (Mateo Sancho Cardiel: La Butaca)

- Ver a la Deneuve mover los brazos en un intento de sensualidad al ritmo de una canción plomiza es una rareza tan digna de presenciar como de olvidar. [...] Es posible que haya quien se tome todo como una parodia a este tipo de películas y disfrute con el lucimiento de unas actrices que son capaces de llenar la pantalla con diálogos que en otras bocas provocarían la huida, pero yo fui incapaz de contemplar la pantalla con esa perspectiva. [me aburrí de forma soberana con el ir y venir de unos personajes sin chispa, incapaces de sacarme una sonrisa ni de involucrarme en una historia demasiado marciana para mi gusto [...] me aburrí de forma soberana con el ir y venir de unos personajes sin chispa, incapaces de sacarme una sonrisa ni de involucrarme en una historia demasiado marciana para mi gusto. ** de 5 (Heitor Pan: Muchocine)

+ El mayor atractivo de 8 mujeres procede de todas formas de su condición "antinaturalista", que se hace muy explícita en la exagerada ambientación años 50 y en los fabulosos números musicales intercalados en la trama con descaro y sin necesidad de excusas, que abren espacios que permiten conocer con mayor complejidad a los personajes, sus motivos y sus límites, humanizándolos así paradójicamente a través del mayor artificio. (Juan Antonio Bermúdez: Cinestrenos)

CURIOSIDADES

- Fue elegida para representar a Francia en los Oscar.

- Este es el listado de canciones del film:

• Papa t'es plus dans l'coup, interpretada por Ludivine Sagnier.
• Mesagge personnel, interpretada por Isabelle Huppert.
• A quoi sert de vivre libre, interpretada por Fanny Ardant.
• Mon amour, mon ami, interpretada por Virginie Ledoyen.
• Toi jamais, interpretada por Catherine Deneuve.
• Pour ne pas vivre seul, interpretada por Firmine Richard.
• Pile ou face, interpretada por Emmanuelle Beart.
• Il n'y a pas d'amour heureux, interpretada por Danielle Darrieux.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6

- Filmaffinity: 6,3

- IMDB: 7

* Media: 6,4

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VER TAMBIÉN

LOS NOMBRES DEL AMOR

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Los nombres del amor es una divertidísima comedia que se lo debe todo a su guión, un trabajo sin complejos, atrevido y que aunque en su carta de presentación pueda parecernos esa típica película que no va a ofrecernos nada que no se haya visto ya, una vez nos envolvemos en ella, descubrimos que nos está ofreciendo mucho más de lo que otros films de su género ponen a nuestra disposición.

Partimos de la típica base donde encontramos la pareja de polos opuestos, que por consecuencias del destino, sus vidas terminan coincidiendo. Esa idea no seria nada deslumbrante si no fuese por los personajes, que se encargan de romper con cualquier arquetipo previamente creado, para sorprendernos con unos perfiles frescos que además empatizan con nosotros sin problemas. Es cierto que la relación puede recordarnos a films como La fiera de mi niña, donde un hombre maduro y aburrido ve su vida quebrada por la aparición de una chica alocada pero que enseña a nuestro protagonista a disfrutar de la vida, pero el film de Michel Leclerc no imita a sus precedentes, si no que le da un toque de modernidad que actualiza muy bien la historia, y que sazonado con un humor que mezcla el estilo Woody Allen con la comedia absurda da como resultado un producto fabuloso.

Debemos reconocerle a Los nombres del amor, el merito de ser un film atrevido, ya que toca varios temas delicados y se atreve a hacerlo con un humor mordaz que otros no se atreverían a utilizar en estos casos, temas como el holocausto, la inmigración, la demencia senil... Logrando que formen parte de su relato sin que lleguen a ser hirientes, pero tampoco sin querer remover conciencias de un modo maniqueo, solo introduciéndolos como parte más de su divertida historia, consiguiendo, que aún rozando lo absurdo, nunca caiga en él. Son sobretodo los personajes secundarios, a pesar de su escasez de presencia en pantalla, los que se encargan de perfilar muy sutilmente un mundo que es finalmente el que sostiene esa historia, que de lo contrario caería en el surrealismo absoluto alcanzando el desastre.

Jacques Gamblin y Sara Forestie forman el dúo protagonista, una actuación sobresaliente, acorde a sus papeles. Quizás ella esté excesivamente histriónica en su papel, hecho que hace que de entrada le cojamos algo de manía, pero innegablemente forma parte de ese personaje creado conjuntamente por Michel Lecler y Baya Kasmi, al que finalmente cogemos cariño. Ambos consiguieron sendas nominaciones en los premios de la academia de cine francesa, aunque solo Sara consiguió llevarse el merecido galardón.

Los nombres del amor es una película muy recomendable, donde los momentos graciosos están asegurados, y que no olvida su parte enternecedora, para terminar de atraparnos en su entrañable magia.

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TÍTULO ORIGINAL Le nom des gens
AÑO 2010
DURACIÓN 104 min.
PAÍS Francia
IDIOMA Francés, Inglés, Griego, Arabe
DIRECTOR Michel Leclerc
GUIÓN Michel Leclerc, Baya Kasmi
MÚSICA Jérôme Bensoussan, David Euverte
FOTOGRAFÍA Vincent Mathias
REPARTO Jacques Gamblin, Sara Forestier, Zinedine Soualem, Carole Franck, Jacques Boudet, Michelle Moretti, Antoine Michel, Cyrille Andrieu-Lacu, Nabil Massad, Lionel Jospin
PRODUCTORA Delante Films / Karé Productions
GÉNERO Comedia. Romance
TEMÁTICA Comedia romántica. Familia

SINOPSIS

El padre de ella es argelino; la madre de él es judía. Ella es un espíritu libre, él tiene una mente cuadriculada. Ella es provocativa y desvergonzada, él es discreto y, desde hace años, vive abrumado por un gran sentimiento de culpa. Ella es promiscua, él es hombre de una sola mujer. Baya Benmahmoud y Arthur Martin son dos personas antagónicas, pero cuando Cupido entra en juego, la lógica salta por los aires.

PREMIOS

2010: 2 Premios Cesar: guión original, actriz (Forestier). 4 nominaciones, incluyendo película

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: 7,1

- IMDB: 7,2

* Media: 7,3

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BREAK UP CLUB

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Original, fresca, divertida... el trabajo de Chun-Chun Wong es una bocanada de aire fresco para las comedias románticas de occidente.

La premisa es fabulosa: Wong, que se interpreta a si misma, quiere realizar una nueva película de estilo documental, así conoce a Jay, un joven que le hablará de una extraña web que te ayuda a recuperar a tu pareja, pero provocando que otra rompa. La directora interesada en el tema le dará una cámara al joven para que le aporte material al documental, pero finalmente el chico decide no entregar lo grabado. Podemos ver que la originalidad es arrolladora, no solo por el concepto de la historia, si no también por el modo como las imágenes han sido rodadas en un estilo pséudo-documental. Una vez pasados esos minutos de metraje, la película toma un rumbo más común en las comedias románticas, si bien, no abandona ese ritmo que la hace tan especial, pero las pesquisas entre la pareja protagonista no son nada que no hayamos visto antes, eso si, te hacen pasar un rato divertido como ninguna otra. Al final, nos queda alguna sorpresa que consigue hacer redonda la película, pero no termina de compensar el estirado desenlace que nos ofrece Wong, intentando contar demasiadas cosas para desembocar en un edulcorado Happy End de lo más innecesario. Pero de todos modos el conjunto del film se salva de esos errores y hace que sintamos que ha valido la pena su visionado.

Su historia además intenta ser fiel con la realidad de la juventud de Hong Kong, tarea que sin duda logra superar a la perfección, de hecho el tema del amor puede ser tan internacional, que podríamos extrapolarlo a cualquier ciudad del mundo. Gracias a ello, la directora del film, consigue una frescura en su metraje de lo más agradable.

La pareja principal de la película es la que absorbe toda la importancia de la película, tarea que soportan muy bien Jaycee Chan (hijo de Jackie Chan) que se encarga del rol masculino, un rol que comúnmente solemos ver como dominante en el género, pero que en esta ocasión es característica del femenino, figura que interpreta una guapísima Fiona Sit, y que demuestra sus grandes dotes como actriz.

Break Up Club quizás no sea una de esas películas inolvidables, pero hay que reconocerle muchos méritos que logran convertirla en un trabajo entrañable y tremendamente divertido.

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TÍTULO ORIGINAL Fun sau suet oi nei
AÑO 2010
DURACIÓN 104 min.
PAÍS Hong Kong
IDIOMA Cantonés
DIRECTOR Wong Chun-Chun
GUIÓN Wng Chun-Chun, Lawrence Cheng
MÚSICA Mak Chun Hung
FOTOGRAFÍA Kenny Tse
REPARTO Jaycee Chan, Fiona Sit, Hiro Hayama, Patrick Tang, Seli Xian
PRODUCTORA Diva Productions / Film Development Fund of Hong Kong / Joyful Founder / Theatrix.asia
GÉNERO Comedia. Drama. Romance
TEMÁTICA Comedia romantica. Cine dentro del cine

SINOPSIS

¿Te acaban de abandonar? ¿Y si hubiera un sitio web que consiguiera devolverte a tu su ser querido? Lo hay! se llama BreakupClub (Club ruptura). Todo lo que tienes que hacer es romper a una pareja que son felices en el amor. Sólo tienes que rellenar un espacio con sus nombres, y ¡voilá! ¿Lo harías? Nuestro héroe Jaycee está frente a su ordenador a punto de pulsar. Desde que le habló a la directora, Barbara Wong, del sitio web BreakupClub, Jaycee se ha estado filmando a si mismo para demostrar la existencia de la página web. Y, sin saberlo, tanto a su mejor amigo como la directora, le han estado filmando en secreto. A través de múltiples puntos de vista en primera persona, y mezclando lo real con lo ficticio mostrando a personas reales entre ellos el director y el equipo como a sí mismos, vemos Jaycee encontrar y perder, y tal vez encontrar el amor de nuevo con la hermosa y enigmática Fa.

PREMIOS

2011: Hong Kong Film Awards: 3 Nominaciones: Mejor actriz (Fiona Sit), Mejor banda sonora, Mejor guión.

CRÍTICAS

= "Entre sus virtudes destaca su admirada estética y su cuidada apariencia y estilo, mientras que entre sus defectos, quizás el excesivo metraje no beneficia a un conjunto que, en ocasiones, peca de reiterativo. Vaya por delante que estamos ante un trabajo original y diferente, ya que los espectadores no estamos acostumbrados a ver el universo femenino desde la perspectiva que Wong nos propone." (Francisco Nieto: Cine Asia) 

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7

- Filmaffinity: (Sin nota)

- IMDB: 5,6

* Media: 6,7

TRAILER

VER TAMBIÉN

DOMINGO

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Nacho Vigalondo es un cineasta inclasificable, su cine siempre anda rompiendo los esquemas en todos los sentidos. Demasiado alternativo para los circuitos comerciales, demasiado poco underground para los festivales, eso no ha evitado que sea uno de los pocos cineastas de nuestro país nominado al Oscar, por su cortometraje 7:35 de la mañana.

Entre varias habilidades hay que destacar la de cortometrajista, donde saca todo su ingenio, y consigue hacer, de lo que otros solo conseguirían piezas simples, ejercicios fílmicos de lo más interesantes. De ellos hoy rescatamos Domingo, pieza que sin duda alguna a sido el germen para su segundo y recién estrenado largometraje, Extraterrestre, el cual espero poder ver pronto.

Enmarcada en el género de ciencia-ficción, Domingo nos cuenta en realidad la historia de una pareja y sus problemas, quedando el tema de los alienígenas en un segundo plano. Lo interesante del cortometraje es, que además, Vigalondo utiliza el fuera de campo de un modo magistral y consigue que esa pareja, a pesar de quedar fuera de nuestra visión, atraiga toda la atención hacía ellos.

El cortometraje dura menos de 4 minutos, por ello tampoco deja mucho para el análisis, solo podemos decir que además Vigalondo es un cachondo, y en Domingo esa faceta queda sobradamente reflejada, y al que no consiga arrancarle una carcajada es porque es una persona sin sentido del humor alguno.

Y nada más, disfrutarlo.

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TÍTULO ORIGINAL Domingo
AÑO 2005
DURACIÓN 4 min.
PAÍS España
IDIOMA Español
DIRECTOR Nacho Vigalondo
GUIÓN Nacho Vigalondo
FOTOGRAFÍA Jon D. Domínguez
REPARTO Alejandro Tejería, Pilar Gil
PRODUCTORA Arsénico Producciones
GÉNERO Comedia. Ciencia ficción
TEMÁTICA Extraterrestres. Cortometraje

SINOPSIS

Narra el domingo de picnic de una pareja cuya vida se convierte en ciencia-ficción en un abrir y cerrar de ojos.

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinity: 5,7

- IMDB: 6,7

* Media: 6,3

CORTOMETRAJE

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EL OSO

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Jean-Jacques Annaud, después de las dos maravillas que fueron En busca del fuego y En el nombre de la rosa, vuelve con un original film dónde la naturaleza es la protagonista, y rodado de un modo que la convierte en una rareza filmica.

Madre del remake no oficial de la sosa película de la Disney (Hermano Oso), la película de Annaud, es demasiado adulta para emparejarla con films como Liberad a Williy o El pequeño panda, pero a su vez, demasiado tierna para que nos vengan en mente películas como The Plague Dogs o Grizzly Man, El oso se encuentra en un limbo de donde es difícil desubicarla. Seguramente el público que mejor se adapte al metraje sea el infantil, ya que el canto a la libertad de la naturaleza la convierte en un dulce caramelo para los infantes, pero en contra puede jugar ese ritmo pausado, que atraerá más a los adultos.

A ello debemos sumarle el estilo narrativo, en el que los diálogos escasean, convirtiéndola en una propuesta arriesgada y en una película que difícilmente pueda contentar a cualquiera. Pero son esos mismos motivos los que convierten a este film en una película que merece una especial atención, ya que es raro ver metrajes tan curiosos y distintos, que ofreces experiencias nuevas.

La historia es simple, un relato sobre la amistad, la superación, la lucha contra el deseo de venganza, y por supuesto un canto a la naturaleza. Des de lo que de entrada parece un film de estilo documental, concepto que abandona de inmediato, nos encontramos con un pequeño oso que pierde a su madre tras un accidente y que conseguirá seguir adelante gracias al encuentro con un macho de su especie que le acompañará en su etapa de aprendizaje, a su vez, un cazador buscará a ese mismo oso adulto para vengar el ataque que sufrió tras un intento anterior de caza. El argumento nos da la sensación de que poco puede ofrecer, pero el director consigue sorprender gracias a esa naturalidad con la que dota el film.

La excelente y su vez complicada realización (no olvidamos que los protagonistas de la historia son animales), aunque contenga alguna secuencia de director primerizo, rompe un poco con ese ritmo pausado, además de suprimir esos tópicos que suelen poblar las películas de animales, y aunque echemos de menos un poco más de vida en el argumento, el director francés finalmente consigue hacernos la película más amena, y nos acompaña a que lleguemos al final del metraje en un visto y no visto.

El Oso es una película que tan sólo por sus méritos merece aunque sea, un solo vistazo, así que darle esa oportunidad, quizás incluso a alguno le sorprenda gratamente.

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TÍTULO ORIGINAL L'ours (The Bear)
AÑO 1988
DURACIÓN 93 min.
PAÍS Francia, Estados Unidos
IDIOMA Inglés
DIRECTOR Jean-Jacques Annaud
GUIÓN Gérard Brach
MÚSICA Philippe Sarde
FOTOGRAFÍA Philippe Rousselot
REPARTO Jack Wallace, Tcheky Karyo, André Lacombe
PRODUCTORA Price / Renn Productions
GÉNERO Aventuras
TEMÁTICA Animales. Osos. Caza. Naturaleza

SINOPSIS

Una osa que intenta alcanzar un panal de miel con el que saciar su glotonería, muere aplastada por un alud, dejando huérfano y desamparado a su osezno Youk, el cual se ve obligado a sobrevivir en un medio muy hostil. Afortunadamente, Youk se encuentra con Kaar, un oso Kodiak adulto que decide adoptarlo y protegerlo. De todos los peligros que los amenazan, el peor lo constituyen los tramperos. Dos de ellos, Bill y Tom, mantendrán una lucha singular con Kaar; sobre todo Tom, que se enfrenta varias veces con el gran oso y se plantea su caza como una cuestión de orgullo personal.

PREMIOS

1989: Nominada al Oscar: Mejor montaje

1989: BAFTA: Nominada a mejor fotografía

1989: César: Mejor director. Nominada a mejor película, mejor fotografía, mejor montaje, mejor sonido y mejor cartel.

CRÍTICAS

= "Entretenida cinta destinada al consumo familiar. Todo muy bonito, pero sin demasiada chispa" (Fernando Morales: Diario El País)

+ "El Oso es una soberbia pelicula, hay suspense, emoción, ternura, y humor, imágenes de una belleza casi lírica, un espectáculo para todos." (Cine y criticas)

- "Sus resultados tienen un gran atractivo visual pero no consiguen evitar caídas en el tedio." (Fotogramas)

CURIOSIDADES

- El guion fue creado por Gérard Brach basándose en la novela The Grizzly King del escritor conservacionista James Oliver Curwood.

- No obtuvo una gran aceptación comercial aunque funcionó mejor en Europa que en Estados Unidos.

- Aunque sea ambientada en Columbia Britannica, la película fue hecha en las Dolomitas en los alpes, en el valle de San Lucano a Taibon Agordino, y el Valle de Primiero.

- La escena final ha sido de los vídeos más vistos en Youtube.

FRASES

* Hay un placer mayor que matar, dejar vivir (James Oliver Curwood).

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 6,4

- Filmaffinity: 7,1

- IMDB: 7,6

* Media: 7

TRAILER

VER TAMBIÉN

AMARCORD (MIS RECUERDOS)

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Blow- Up, La Tregua, La mirada de Ulises, Nostalgia, Ginger y Fred, Paisaje en la niebla, Matrimonio a la italiana, La eternidad y un día, y un largo etcétera de películas todas ellas escritas por Tonino Guerra, el guionista europeo de mayor importancia hasta la fecha en nuestro continente, reconocido por grandes cineastas como Fellini, Angelopoulos, De Sica, Antonioni, Tarkovsky... y que fallecía ayer miércoles en sus recién cumplidos 92 años de edad, sin duda una de las más grandes perdidas que el cine ha sufrido últimamente. Característico por sus guiones que iban más allá de la construcción de personajes y contar una solida historia, estimulando la dimensión más poética de las películas, un trabajo que pocos han logrado igualar. Amarcord (Mis recuerdos) se encuentra también entre esos títulos firmados por el prestigioso escritor.

Amarcord, a pesar de pertenecer al grupo de pequeñas películas de Fellini, es de las más reconocidas, y no podía ser de otro modo. Interpretada a través de los recuerdos de juventud del propio realizador italiano, nos muestra un vello mosaico de imágenes y encuentros, que oscilan entre la comedia y la tristeza, siempre evitando la autoreflexión a la que comúnmente nos tiene acostumbrados Fellini. Un cuento visto desde una perspectiva nostálgica e infantil, enmarcado en un contexto social e histórico, que sólo nos muestra como una raíz, propia de esa mente de niño.

Innumerables son los momentos llenos de belleza que se nos regalan a nuestros sentidos, momentos como el del tío Teo encaramado al árbol y gritando, el de la niebla que envuelve el pueblo, el desfile con la gigantesca cabeza de Mussolini, la espera en bote de la llegada del gran barco en mar abierto, el baile imaginario frente al hotel... Todas ellas hermosas y llenas de una poesía que no desentona con el tono cómico del film, dónde además encontraremos a un variopinto elenco de personajes absolutamente fascinante, todos ellos envueltos con unos muy interesantes matices que dan a la película un gran juego.

Sin duda hay que reconocer que Amarcord es una piedra angular para el llamado cine de adolescentes italiano, y que tanto ha influenciado al actual cine del mismo género en el continente americano, dónde no falta la vulgaridad cuando se habla de la masturbación, el orinar, la adoración a los pechos, y todos esos factores que Fellini ya exploraría en su anterior Los inútiles, convertidos en elementos que dotan a la película de un humor hilarante absolutamente delicioso.

Obra maestra para muchos, película de culto para tantos otros, hay que reconocer que es difícil igualar una obra como Amarcord, por ello se convierte en un film de obligado e histórico visionado para todos.

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TÍTULO ORIGINAL Amarcord
AÑO 1973
DURACIÓN 127 min.
PAÍS Italia; Francia

IDIOMA Italiano
DIRECTOR Federico Fellini
GUIÓN Tonino Guerra & Federico Fellini
MÚSICA Nino Rota
FOTOGRAFÍA Giuseppe Rotunno
REPARTO Bruno Zanin, Pupella Maggio, Armando Brescia, Ciccio Ingrassia, Magalie Noël, Josiane Tanzilli, Alvaro Vitali, Nando Orfei, Luigi Rossi
PRODUCTORA F.C. Producioni / P.E.C.F.
GÉNERO Comedia. Drama
TEMÁTICA Años 30

SINOPSIS

Historia de un hombre que un día se da cuenta de que apenas reconoce a las personas con las que ha vivido durante años, hasta el punto de que su propia esposa e hijos le parecen extraños y todo lo que lo rodea le resulta opaco e indiferente. Se lanza entonces a la búsqueda desesperada de algún punto de referencia para recuperar su identidad y no hundirse en el caos. Emprende así, a través de las ilimitadas regiones de la memoria, un viaje que lo conduce a la infancia, a la época en que era un niño que vivía en un pequeño pueblo costero; a la Italia de los años treinta, cuando el fascismo había alcanzado el punto culminante de su apogeo.

PREMIOS

1974: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. Nominada a mejor director, y mejor guión original
1973: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo) y mejor director
1974: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película
1975: Globos de Oro: Nominada a mejor película extrangera

CRÍTICAS

+ "Fellini recuerda su propia infancia en esta maravillosa historia en el que destaca su espléndida dirección y la banda sonora, además de algunas escenas realmente antológicas" (Fernando Morales: Diario El País) 

CURIOSIDADES

- En la película hay una fugaz aparición de Francesco Di Giacomo, cantante del grupo Banco del Mutuo Soccorso.

- Ciccio Ingrassia, además del papel que le corresponde, aparece también brevemente en el papel de carabinero en la secuencia del Sábado Fascista.

- Uno de los niños que se tiran bolas de nieve es Eros Ramazzotti de pequeño.

- El personaje de la Gradisca iba a ser interpretado por Edwige Fenech, pero Fellini consideró que tenía poca carne para hacer el personaje, y se le adjudicó a Magali Noël.

- Fue considerada una película para mayores de 18 años en la mayoría de países, edad rebajada en algunos de ellos, siendo España el único en catalogarla como tolerada.

FRASES

* El cine, si se hace bien, regala pequeños fragmentos de vida que nunca olvidarás. 

* ¡Quiero una mujer!

* ¿Es así la muerte?

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,1

- Filmaffinity: 8,1

- IMDB: 7,9

* Media:  7,7

TRAILER

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POESÍA

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Poesía es una película llena de una fuerza emocional tan potente que es imposible no quedarse prendado de ella, su director Lee Chang-dong consigue transmitir esa fuerza a través de la magia de las imágenes y de un estupendo guión, y nos demuestra como el cine puede ser una maravillosa herramienta sensorial.

Mija es una mujer que ya ha llegado a la plena madurez de la vida, pero ello no hace que no posea la curiosidad y la fuerza necesarias para afrontar cualquier situación, y es que esta mujer, a pesar de las trabas que se van presentando día a día, no se rinde ante nada, y consigue a través del aprendizaje de la poesía, seguir adelante en su camino y derribar todos los duros obstáculos que le aparecen delante. Una fuerza que su actriz Yun Junghee nos transmite de un modo deslumbrante y arrollador, llevando encima el peso narrativo de todo el metraje, una responsabilidad que pocos saben afrontar tan bien como ella, y que consigue hacer un trabajo irrepetible.

Su relato invita también, entre otras cosas, a una reflexión sobre la separación generacional, la fuerza argumental del personaje del nieto no hace más que reforzar el interés hacía esa anciana mujer, ayudándonos inevitablemente a introducirnos dentro de ella, para entender sus emociones, su fuerza, para compartir sus pensamientos. Algo que a la practica veremos finalmente en formato físico a través de esa poesía que nos promete el título, pero que va más allá del concepto literario en sí.

A pesar de ser un film profundamente triste, la positividad nunca nos abandona gracias a ese estupendo personaje principal, pero a pesar de ello, a medida que el metraje avanza, una sensación melancólica entra dentro nuestro a través de las retinas para instalarse en nuestro interior sin que nada podamos hacer para ahuyentarla, consiguiendo finalmente hacer tambalear ese mundo interior que nos protege y sin que podamos hacer nada al respecto. Conseguir algo así no es tarea fácil, por ello hay que aplaudirla, ya que lo logra sin ningún tipo de manierismo, tan solo con una extrema sinceridad que muchos deberían envidiar.

Sin duda alguna hay que perder el miedo a los trabajos orientales, la crítica parece incansable en advertirnos al espectador occidental, que algunos no estamos preparados para este tipo de trabajos, pero comentarios de este tipo solo logran que el público no se decida a abordar estas películas, perdiéndose así, grandes trabajos de un nivel tan loable como el de Poesía.

Por ello solo puedo deciros, que os dejéis llevar, atreveros a sumergiros en sus aguas, al terminar no quedaréis decepcionados, y querréis más.

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TÍTULO ORIGINAL Shi (Poetry)
AÑO 2010
DURACIÓN 139 min.
PAÍS Corea del Sur
IDIOMA Coreano
DIRECTOR Lee Chang-dong
GUIÓN Lee Chang-dong
FOTOGRAFÍA Kim Hyunseok
REPARTO Yun Junghee (AKA Yoon Hee-Jeong), Nae-sang Ahn, Da-wit Lee, Hira Kim, Yong-taek Kim
PRODUCTORA Pine House Film
GÉNERO Drama
TEMÁTICA Vejez. Alzheimer

SINOPSIS

Mija es una anciana que vive con su nieto en una pequeña ciudad coreana. Es una mujer excéntrica y llena de curiosidad, que disfruta cuidando su aspecto y exhibe sombreros con motivos florales y vestidos con vivos colores. El azar la lleva a asistir a cursos de poesía en la casa de la cultura de su barrio y a escribir su primer poema. Busca la belleza dentro de su ambiente habitual, al que no había prestado ninguna atención hasta ese momento. Sin embargo, un suceso inesperado hace que descubra que la vida no es tan hermosa como creía.

PREMIOS

2010: Cannes: Mejor guión, premio especial del jurado. Nominada a la Palma de Oro
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actriz (Jeong-hie Yun)
2011: Premios del cine asiatico: Mejor director, mejor guión. Nominada a mejor película

CRÍTICAS

+ "Bien elaborada e irresistible, aunque quizá no sea del todo accesible al público occidental. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Anna Smith: Empire)

+ "Hablamos de la lucha de una mujer contra algo más grande que su propia vida: el amor a su nieto. (...) Una cinta con el desgarro de un poema de Vallejo. Brillante y doloroso." (Luis Martínez: Diario El Mundo)

+ "La película es imprevisible (...) No teman: el filme no es un canto vacío a la belleza estéril. Por el contrario resulta un ejercicio necesario de mirada descarnada" (Salvador Llopart: Diario La Vanguardia)

+ "Una de las secuencias más hermosas del filme en la que Mija habla con una campesina (...) Es en esos momentos donde es fácil reconocer a un cineasta –y a una actriz– de raza" (Sergi Sánchez: Diario La Razón)

+ "Chang-dong calcula su puesta en escena para que la tormenta de la tragedia se anuncie en segundo plano y siembra su película de ecos y recurrencias que, al llegar al desenlace, confirman que no sobra ni uno solo de los 139 minutos de metraje"
(Jordi Costa: Diario El País)

+ "Película magistralmente rodada, de una belleza nada obvia que hace honor su nombre (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Desirée de Fez: Fotogramas)

+ "Muchas historias en una, todas magníficas, de una emoción sesgada y libre. (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (Quim Casas: Diario El Periódico)

+ "Chang-dong demuestra su maestría en dosificar lo lírico y en regular lo abrupto (...) tan medidos como todo lo anterior están el sentido del humor y del melodrama, gracias a una interpretación sublime de Yun Junghee (...) Puntuación: **** (sobre 5)" (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 7,5

- Filmaffinity: 7,2

- IMDB: 7,7

* Media: 7,5

TRAILER

VER TAMBIÉN

ANY DE GRÀCIA (AÑO DE GRACIA)

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Ventura Pons no tiene una filmografía que destaque en conjunto, pocas de sus obras han conseguido demostrar que es capaz de ofrecernos un cine de calidad, y seguramente tendremos que remontarnos a sus inicios cinematográficos para ello, ya que sus últimas obras rozan lo absurdo y la pesadumbre al mismo tiempo. Con Any de Gràcia (Año de Gracia) abandona esos adjetivos para mostrarnos un cine alegre, simpático y entretenido.

Su guión nos relata la mil veces contada batalla generacional, pero ambientada en el entrañable barrio barcelonés de Grácia. Un joven que huye de su pueblo natal y de su desestructurada familia para estudiar bellas artes en Barcelona, debe compartir piso con Grácia, una malhumorada señora de la tercera edad que el tiempo la ha vuelto una mujer maniática y solitaria. A pesar de la poca originalidad de la historia, el film la resuelve con soltura y eficacia, siendo entretenida y amena para el público, si bien, los diálogos flojean en muchos momentos, sonando forzados y teatrales en más de una ocasión.

La puesta en escena conjunta dan como resultado la sensación de estar viendo el episodio de una sitcom, que a pesar de tener una duración más extensa que el de un capitulo de serial no da la sensación de alargamiento en ningún momento, con lo que cumple bien el papel de entretener. Su banda sonora es una joya, pero cualquier relación con la película es casualidad, las canciones se meten en el ambiente como si del hilo musical de un centro comercial se tratase y solo invitan a la desconexión de la historia para escucharlas y no atender a la pantalla.

En el apartado actoral tenemos como protagonista a Oriol Pla, joven que muchos se han atrevido a colocarle el título de nueva promesa, cuando en realidad su actuación es exagerada y no hace otra cosa que destacar todavía más esos diálogos tontos que pretenden hacer gracia. Por otra parte, y desde la experiencia, tenemos una soberbia Rosa Maria Sardà que está brillante en su papel de malhumorada anciana, y consigue iluminar esa simplona historia elevándola de nivel. Entre los secundarios las fabulosas y divertidas apariciones de Amparo Moreno son regalos para los sentidos, e incluso merece una especial atención el papel de Santi Millán, un actor poco destacable normalmente pero que cumple muy bien en el film de Ventura. Entre el resto de los jóvenes actores se nota bastante la poca soltura y pocos se salvan del desastre, nombres como Diana Gómez (la chica) o Ricard Farré (el amigo) hacen un buen trabajo en sus personajes sobresaliendo sobre el resto. Destacamos el divertido cameo de la cantante Núria Feliu, en el papel de peluquera, su sola presencia hace que debamos soltar una carcajada.

Como conclusión tenemos una película amena, fresca, entrañable, sin pocos elementos que la eleven a una obra de gran interés, pero que se deja ver, pasa rápido, y gracias a su positivismo no deja un mal sabor de boca, algo que en los tiempos que corren es de agradecer.

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TÍTULO ORIGINAL Any de Gràcia (Año de Gracia)
AÑO 2011
DURACIÓN 90 min.
PAÍS España
IDIOMA Catalán
DIRECTOR Ventura Pons
GUIÓN Ventura Pons, Jaume Cuspinera, Carme Morell
MÚSICA Varios
FOTOGRAFÍA Sergi Gallardo
REPARTO Diana Gómez, Rosa Maria Sardà, Santi Millán, Alex Maruny, Amparo Moreno, Oriol Pla, Lluís Villanueva, Jaume Najarro, Ricard Farré, Núria Feliu, Marc Gómez, Cristian Cané
PRODUCTORA Els Films de la Rambla S.A. / Televisió de Catalunya (TV3) / Televisión Española (TVE)

GÉNERO Comedia

TEMÁTICA Adolescencia. Vejez

SINOPSIS

En el barrio de Gracia, en Barcelona, una vieja malcarada comparte piso con un joven pueblerino e inconformista que lucha por encontrar un lugar al sol. La vieja ya ha renunciado a sus sueños, pero el joven los mantiene intactos. Y, a pesar de que viven en un enfrentamiento sin tregua, se necesitan. Humor, ternura, agilidad, unos vecinos estupendos, un barrio de gente joven, una chica muy guapa y una banda sonora potente. Y ganas de ver el lado positivo de la vida.

CRÍTICAS

= "Hasta un desenlace mucho más ridículo que insólito, 'Año de gracia' mantiene una cierta dignidad" (Javier Ocaña: Diario El País)

+ "La película tiene una estructura narrativa que oscila entre el episodio piloto de una sitcom, el sainete y la ironía característica del cine de Ventura Pons (...) Puntuación: *** (sobre 4)" (Lluís Bonet Mojica: Diario La Vanguardia)

- "Tanta impostada alegría y qué poca garra, emotividad y pasión (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Carmen L. Lobo: Diario La Razón)

+ "Coyuntural en el mejor de los sentidos, tiene la virtud de parecer fresca explicando la misma historia de siempre (...) Puntuación: *** (sobre 5)" (Pere Vall: Fotogramas)

= "Comedia crepuscular y telefilmera (...) es tan blanca y optimista que no sólo acaba no haciendo daño a nadie, sino que termina por hacerse simpática (...) Puntuación: ** (sobre 5)" (Carlos Marañón: Cinemanía)

PUNTUACIONES

- Descubrepelis: 5,5

- Filmaffinity: 6,2

- IMDB: 7,3

* Media: 6,3

TRAILER CATALÁN

TRAILER DOBLADO AL ESPAÑOL

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