En los escenarios de Barcelona, vuelven a tocar "Señores" como tú

Flor y Nata editaba en 2006 un lujoso digibook recopilatorio con la música de los míticos Kamenbert, banda barcelonesa de pop soul de los ochenta,  con el nombre genérico de “En Barcelona ya no hay nadie como tú". El título  lo puso el mismo grupo y está sacado de la letra  de uno de sus temas “Terciopelo Azul”. Cuatro de los músicos que formaron parte de los Kamenbert  en diferentes épocas, han creado recientemente una nueva banda de R&B llamada Los Señores.  Ellos son Dani Prenafeta, guitarra; Andrés Verdú, batería; Joan Llovera, bajo; y Manolo Crespo, voz.  Prenafeta también tocó en los Wom A2, LLovera en Los Forajidos, y Andrés Verdú con Killwats, los Novios y Brighton 64.

Por el momento han presentado, en directo, unas cuantas versiones muy bien trabajadas, impregnando los temas no solo de su experiencia como músicos sino también de un troque muy personal que augura una buena trayectoria propia.  Sabemos que tienen compuestos también algunos temas propios que probablemente nos den a conocer en una próxima maqueta. Tal y como nos cuentan ellos mismos: “En principio no hay perspectivas de disco. El objetivo es pasarlo bien y disfrutar haciendo música. Esto, evidentemente, pasa por grabar maquetas y hacer bolos de vez en cuando, para intentar que otros disfruten de ello; pero sin ninguna presión”.

Los Señores en directo



Las excelentes versiones que puedes oír en su facebook son  “Do the dog” de Rufus Thomas de  1964; “Yo sé lo que soy” adaptación de “I Take What I Want” (1978) de los Bishops; “Se terminó” versión del  "It´s all over now"(1964) de Bobby Womack y Shirley Womack que interpretarían los Rolling Stones; el “I’m a hog for you” (1958) de los Coasters que convierten en “Yo soy un cerdo”; y “Perderás mi amor”, que es una adaptación del "Hurt by love” (1977) de Chris Spedding.  Tocan otras versiones como el "Got my mojo working" (1956) de Preston Foster popularizado al año siguiente por Muddy Water  y en directo algunos temas de los Kamenbert como "El negro es mi color" (1985), "Australia" (1988) y "En la diana" (1985). 



Recopilatorio, 2006

Y ya que nos hemos referido a los Kamenbert, no está de más rememorar a esta seminal banda y el recopilatorio que te mencionábamos al principio que seguramente ya conocerás.  Se trata de Cd’s que recogen sus singles con DNI de 1983, con DRO en 1987, su mini Lp “Soul Night” con DRO de 1987 y el maxi de 1989 para Don Disco;  así como temas inéditos grabados tanto en maqueta como en directo. En total son 34 canciones más una pista interactiva y videoclips,  entre las que destacan sus recordados éxitos llamados  “Ultimo Grito”, “Tuve una novia psicodelica”, “Sha la la la” o el tema central de la serie de TV3 “Judes Xanguet i les Maniquins”.




Kamenbert, inicios

Kamenbert  se formaba en Castelldefels, Barcelona, en el año 1981 con Manolo Crespo (voz), Carlo Calderano (guitarra), Dani Prenafeta (guitarra), Xavi Pujadas (bajo) y Robert Pujadas (batería).  Influenciados por el R&B, el soul y el pop de los sesenta, crearon un sonido propio, con actitud mod, que pasará a la historia de la mejor música de este país.  En 1986 solo quedaba Dani de la formación original con Maika Vílchez substituyendo a Manolo como vocalista, más Joan Lloverá al bajo y J. Manuel González a la batería . Maika también abandona y en 1987 toman protagonismo las Kamenberettes,  Mireia Cardeña, Charo Boix y Mari Rodríguez.  Charo y J. Manuel también se van y entra Andrés Verdú a la batería y Emma Bosch. En 1988 se separan. Volverían a tocar en los noventa en un homenaje a Steve Marriott en 1993 y al año siguiente en la presentación del recopilatorio “Mi generación” de Al·leluia records.  En marzo de 2013 volverían a subirse  a un escenario para tocar en la  primera "Festa!" del grupo de Facebook 'Jo vaig viure els 80s a Barcelona' en la sala Salamandra de L'Hospitalet de Llobregat con otros grupos de esa década como Último Resorte, Elektroputos, Melodrama, Los Bisontes Revival Bunch, Los Novios, Aaron & Roll Trio, Ultratruita, Piorreah y Trabelios, mezcla de La Banda Trapera del Rio, Decibelios y Subterranean Kids.

Los Señores

El repertorio de Los Señores nos indica el buen criterio de estos grandes músicos que vuelven a los escenarios, en principio, para disfrutar del rock and roll y, de paso, compartir su entusiasmo y profesionalidad con su fiel público, muchos de los cuales proceden de esa etapa gloriosa de la Barcelona mod de los ochenta.  Los temas no solo han sido adaptados con destreza lingüística al castellano sino que también cuentan con unos arreglos muy originales en los que sobresale una sección rítmica muy conjuntada, una guitarra que enciende  pasiones y una voz emblemática con gran personalidad. Con todas estas consideraciones, podemos afirmar sin duda alguna que en los escenarios de Barcelona vuelven a tocar Señores como tú parafraseando a los seminales Kamenbert. De esa época pasada quedan algunos aspectos   muy vivos y presentes por la relevancia y originalidad creativa que supusieron entonces y ahora.  Pero esos recuerdos, afortunadamente, no  impiden a sus principales protagonistas apostar por un nuevo camino para avanzar con nuevas ideas y renovadas energías.  

Nota: Si quieres más información sobre Kamenbert y el mencionado digibook, entra en la web de Flor y Nata; y sobre los Señores, accede a su facebook donde podrás escuchar sus canciones.  

“Downtown Rock”, una exquisitez de Oldians ideal para los amantes del jazz y la música jamaicana

The Oldians acaban de sacar al mercado discográfico, de la mano de la incombustible Liquidator Music, su cuarto álbum de estudio con el título genérico de “Downtown Rock”. A los amantes de los sonidos jamaicanos, no vamos a descubrirles nada si afirmamos de que se trata de una de las mejores bandas actuales bien sea a nivel estatal como internacional. En este nuevo disco han hecho gala, una vez más, de su extraordinario dominio instrumental con unas canciones absolutamente memorables compuestas con una destreza rítmica envidiable y una capacidad melódica de ensueño. Entre arreglos fascinantes aparecen momentos interpretativos, muy conseguidos, mediante la preciosa voz de su cantante principal o gracias al carisma de cada uno de los solistas que nos ofrecen pasajes repletos de imaginación y pasión a raudales. Por ello, un tanto anonadados por tanta belleza sonora, hemos dispuesto muy atentos todos nuestros sentidos para intentar explicar en la siguiente reseña, con todo lujo de detalles, los múltiples matices que contiene este gran álbum.

La banda The Oldians son de Ripollet  (Barcelona) y está formada por Javier García, aka "Sir JJ The Oldian", compositor, guitarra y arreglos (Kinky Coo Coo's, Flight 404); Xavier Angulo, baterista; Alvaro Taborda, contrabajo y bajo (The White Jazz Trio); Eduard Fernandez, piano; Ricard Vinyets, saxos tenores y alto (Amusic Skazz Band, Cabrians); Eduard Fernàndez, piano; Pol Omedes trompeta y fiscorno (Pol Omedes trío y quartet, The Kinky Coo Coo's);  y Leire Etxarri, voz principal (The Kinky Coo Coo's). En este combo confluyen el sonido original de las secciones rítmicas jamaicanas de los sesenta y setenta  con la habilidad y elegancia del jazz y el soul para conseguir un sonido propio verdaderamente encantador.

La banda se formó en 2001, tras la Jeta Band y duró en primera instancia hasta el 2003. Después de un tiempo sin actividad, por compromisos personales y profesionales de sus componentes, volvieron y sacaron un disco en 2008 con el título de “Old Secrets” (Liquidator Music – Red Star73). En 2009 participaron del recopilatorio “Skarnival Party #9” (Mad Butcher). Durante 2010 se incorporó, de forma estable, Leire, (The Kinky Coo Coo’s) y  editaron su segundo disco “Arts of Seduction” (Liquidator Music) que presentaron por numerosos escenarios. También participaron en el Ep “Tributo a Alton Ellis” (Enlace Fubk) con una exclusiva versión.  Su tercer disco salió en 2011 con el título de  “Wandering Souls” (Liquidator Music).  En 2012 participaron en un sencillo para Jewels Records, con el tema con The Mighty Thumb, con los The Kinky Coo Coo’s, que aportaron “Keep It Up”. También tienen editado un disco recopilatorio “Island Jazz Sessions” (CD, P-Vine, Japón 2013).

En la grabación de este álbum han participado el lengedario percusionista jamaicano Larry MacDonald (n. 1937, quien ha colaborado con Bob Marley, Peter Tosh, Toots & the Maytals, Bunny Wailer, Bad Brains, Taj Mahal, Earnest Ranglin, the Skatalites, Gil Scott Heron, Lee Scratch Perry, entre otros); el saxofonista neerlandés Tommy Tornado (n. 1980, quien ha tocado con Rude Rich & The Highnotes, The Toasters, Victor Rice, Mr. T-Boney, Rico Rodiguez, Derrick Morgan, Alton Ellis, Dennis Alcapone, The Heptones, Ernest Ranglin, Winston Francis o U-Brown o Big Jay McNeeley, más su proyecto en solitario); y el trombonista italiano Mr T-Bone (n. 1973, Africa Unite, Mr. T.Bone & His Jamaican Liberation Orchestra, Mr. T-Bone & the Young Lions, New York Ska-Jazz Ensemble...).  También han  colaborado compañeros habituales de la banda como Alejo Peloche al trombón (The Kinky Coo Coo's), Víctor Laguna a las percusiones adicionales (The Kinky Coo Coo's) y Daniel Lampérez (The Peanuts, Kinky Coo Coo's) al órgano hammond.

El disco se grabó en directo en  Stroika (Manresa) en agosto de 2012 con Oriol “Dry” rafi. Fue producido por Javier García y mezclado en Kinkylab, Barcelona.  De la masterización se encargó Marco Rostagno en Hitmakers Matering en enero de 2013. Las fotografías que aparecen en el disco son de Leire Etxarri y el artwork de Marc Padró.  Fabulosa también resulta la portada con ese detalle de los taburetes en la barra de un bar. Han contado también con la colaboración de cervezas la Guineu. 

Las canciones

El disco empieza mediante “Red Code”, con el habitual toque de alerta de percusión jamaicana,  e ipso facto se pone en marcha la maquinaria de sueños rítmicos que acompañan a la voz principal quien nos mima con un timbre y un tono encantador. Sin lugar a dudas, una de nuestras mejores cantantes. Bonita melodía con gusto soul y acordes jazzy en la que destacan momentos estelares a cargo de la guitarra eléctrica que se crece con una enorme habilidad entre otras intervenciones fantásticas del saxo que cierra el tema. Le sigue “Shalalala (Prisoner Of Love)”, otra muestra excelente de la capacidad para sumar  talentos interpretativos con detalles que no pasan desapercibidos como ese simple pero efectivo acompañamiento tan hábil de órgano y piano, percusión perfecta, coros sensuales y, por supuesto, la elegancia de su cantante solista, más un saxo fabuloso. “The Gunman” es el título del siguiente corte instrumental que aporta una concepción melódica sorprendente al género del ska con ese aire cinematográfico, policíaco y portuario, en el que sobresalen saxo y una trompeta recorriendo octavas con una facilidad pasmosa.     

“Words On The Sand” nos lleva a las raíces del reggae con una Leire que va más allá incluso de sus ya maravillosas posibilidades vocales. La banda está perfecta, tremendamente conjuntada, y permiten que sobresalga una brillante intervención de la trompeta soleando con algunos toques de corneta jazzy. “Jay's Mood” tiene una curiosa mezcla entre sonidos jamaicanos y swing con sorprendentes  intervenciones de piano y guitarra que se deslizan por el teclado y mástil con una profesionalidad de premio. Otro genial instrumental perfecto, desde el primer al último acorde, que da paso a “Lil'Sista”,  canción que finaliza al cara A con metales como grandes protagonistas acompañando cariñosos a la voz principal. Preciosa melodía en la que no faltan detalles de cualidad en cada uno de los compases, más otro fantástico solo de guitarra bailarina y dulce trompeta quien se recoge con sordina. 

“Crossroads” es deliciosa. Una canción que abre la cara B para celebrar lo que te venga en gana, luminosa, que discurre alegre y ondulante en primera línea de mar; ideal para bailar en una noche de verano. No podía faltar una excelente intervención de órgano, como es el caso.  Y de este modo llegamos al tema que da nombre al disco, “Downtown Rock” con un arranque que haría las delicias de los maestros Sly Dunbar y Robbie Shakespeare. Percusión, bajo y metales en plena conjunción de propósitos, como los mejores combos de reggae de la historia, al que se añade ese solo tremendo de saxo y unas segundas voces de metales que no cesan, más una participación muy soul al piano y un trombonista ejemplar, consiguiendo con su privilegiado labio una intensidad absorbente.

A continuación nos regalan otro encantador tema llamado “Dippy” con un arranque de metales y voz principal, más coros, que pone los pelos de punta. Una canción que alegra el alma e invita al baile. Pedales de Hammond, stacattos, y un solo de saxo que toma el protagonismo jugando con motivos circenses, consiguen otra delicia para los sentidos. Con “The White Cat” vuelven al swing de los años cincuenta, para aprovechar los mejores recursos de las orquestas de baile con toque jamaicano. Destaca por la templanza de todos los músicos, esa serenidad en la interpretación, lejos de la solemnidad, tremendamente cariñosa, con solos fascinantes a la trompeta, el saxo, piano o guitarra,  que desembocan en el tema principal al unísono.      

Puede que muchos no consideren a "Dark Line" como la mejor canción del disco. Comparada con el resto de maravillas que hemos escuchado hasta el momento, no destaca especialmente por sus componentes jamaicanos ni por su virtuosismo, pero a nuestro modo de ver, es fascinante, o como dirían algunos, lo siguiente. Con un arreglo inicial en apariencia sencillo para piano, a modo de motivo sinfónico, al que se incorpora la sección rítmica, empieza siendo un tema enigmático casi siniestro y adquiere, poco a poco, una dulzura indescriptible. Todo ello desemboca en un solo, primero de piano, su principal protagonista, a dos voces, con acompañamiento minimalista, más una intervención jazzy de trompeta y guitarra que eleva el tema ya a cotas magistrales.     

Acaba este fabuloso álbum con otro magnífico instrumental llamado “The End Of The Days” con puesta a punto de percusión tribal que regula el aire sofisticado de unas intervenciones casi de free jazz  entre las que emerge una guitarra que vuela con escalas y trinos cercanos a la psicodelia, acompañada por toques de atención de una llamativa trompeta y un sensual saxo. 

Son todos éstos unos cuantos posibles comentarios de los muchos que podríamos añadir tras la escucha de esta obra maestra titulada “Downtown Rock”. Te guste el jazz, los sonidos jamaicanos o la música en general, no puedes perder la oportunidad de conseguir una copia, y en vinilo si nos permites la sugerencia, para que tu tocadiscos reproduzca a la perfección todos estos matices que hemos intentando explicar con palabras en esta reseña. Tras cuatro álbumes, este combo catalán nos demuestra, con gran maestría, que su prestigio internacional tiene un fundamento más que razonable. Si tienes la suerte de coincidir en alguno de sus directos con cualquiera de sus line-up, de cuarteto a septeto, en una terraza de bar o en el mejor de los festivales, no dudes ni un instante en asistir porque la experiencia te resultará memorable. Por el momento, nosotros nos quedamos disfrutando, una y otra vez,  de su último álbum de estudio hasta el momento. Sin lugar a dudas, es ya uno de los discos del año con sus ensoñadoras canciones interpretadas por tan excelsos músicos, unos Oldians en estado gracia arropados por unos colaboradores de lujo y una discográfica imprescindible.     

Nota: Puedes escuchar el disco en el bandcamp o adquirir una copia del vinilo en Liquidator aquí o del Cd aquí.  

Fallece Walter de Maria, conocido escultor, y baterista de los Primitives de John Cale y Lou Reed

Walter de Maria

Walter Joseph De Maria nació en Albani (California) el 1 de octubre de  1935 y murió el 25 de julio de 2013. Fue baterista de la banda The Primitives, así como compositor y escultor vanguardista que trabajó y vivió en la ciudad de Nueva York. 

Empezó estudiando piano e Historia del Arte en la Universidad de Berkeley. Se formó como pintor pero pronto se interesó por la escultura.  Con su amigo el compositor vanguardista La Monte Young montó varios espectáculos teatrales en California, empezó tocando en algunas bandas de jazz y participó en varios happenings.  En los sesenta se trasladó a Nueva York donde trabajó como escultor influenciado por el dadaísmo creando formas geométricas simples utilizando materiales industriales como el acero inoxidable y el aluminio.

The Primitives

En Nueva York siguió tocando con músicos de jazz, como Don Cherry y en 1964 se convirtió en el batería de The Primitives, banda de “garage” formada por John Cale (bajo), Lou Reed (voz y guitarra), y Tony Conrad (violin).  Grabaron un single editado por Pickwick City records con los temas “The Ostrich” en la cara A y en B, “Sneaky Pete”.  Fue uno de los tantos grupos pre Velvet Underground. Como compositor, Walter tiene un par de piezas experimentales creadas en los sesenta bajo el título genérico de “Drums and nature”. 

Por lo que se refiere a su vertiente como escultor, “The Lightning Field” (1977) es su obra más conocida.  Se compone de 400 postes de acero inoxidable dispuestos en cuadrícula. La hora del día y el tiempo producen  efectos ópticos y también está previsto que se ilumine durante las tormentas eléctricas.

Walter era una persona muy reservada, alejado siempre de cualquier atisbo de fama. En  mayo de 2013 fue a celebrar el 100 cumpleaños de su madre y padeció un accidente cerebrovascular que le ha ocasionado finalmente la muerte.

Documento sonoro:

The Primitives grabaron en 1964 un single editado por Pickwick City records con los temas “The Ostrich” en la cara A y en B, “Sneaky Pete”.

Nos deja Mick Farren de los Deviants, escritor y periodista musical

Michael Anthony 'Mick' Farren nació en Cheltenham, Gloucestershire el 3 de septiembre de 1943 y murió el 27 de julio de 2013. A finales de los sesenta formó parte de la banda de garage psicodélico y proto-punk The Deviants; tuvo una carrera en solitario en los setenta, trabajó de periodista musical, y escribió varios libros de ficción así como biografias musicales. Falleció a los 69 años, tras sufrir un colapso en el escenario de The Borderline en Londres mientras actuaba con los Deviants. 

Farren fue el cantante de la banda The Deviants en sus inicios entre los años 1967 y 1969. Durante esos años se editaron tres álbumes: “Ptooff!” ( 1967 Impressario/Decca Records); "Disposable” (1968 Stable Records) y “The Deviants 3” (1969 Transatlantic Records).  Los Deviants, antes los Social Deviants, se crearon en 1966 en la comunidad británica underground de Ladbroke Grove con Mick como cantante más Pete Munro al bajo; Clive Muldoon  y Mike Robinson a las guitarras; y Russell Hunter a la batería.  El primer disco lo grabaron con la ayuda de un amigo de Farren, hijo de un millonario. Durante una gira por los Estados Unidos, tuvieron unas diferencias personales y Farren volvió a Inglaterra.  La banda se disolvió aunque volvieron a tocar juntos en varias ocasiones. La última reunificación tuvo lugar a partir de 2011. A finales de los sesenta también colaboró con los Pink Fairies.

The Deviants

Tras dejar los Deviants, Farren sacó en 1970 un álbum en solitario “Mona - The Carnivorous Circus” que también contó con Twink de los Pretty Things, Steve Peregrin Took, de Tyrannosaurus Rex,   y John Gustafson de los Merseybeats y Roxi Music, entre otros. Empezó su carrera como escritor y periodista, y a mediados de la década sacó un Ep como Mick Farren and The Deviants llamado “Screwed Up EP” ( 1977 Stiff Records) con Larry Wallis de Pink Fairies y Motorhead; un par de sencillos en 1978 para Logo Records con canciones como "Half Price Drinks",  "Broken Statue" y  "It's All In The Picture” más un Lp “Vampires Stole My Lunch Money” ( 1978 Logo Records) con la colaboración de Wallis, más Allan Powell  de los Hawkwind,  Chrissie Hynde de los Pretenders y Wilko Johnson de Dr. Feelgood. 

En los ochenta se editó un álbum en directo de los The Deviants  titulado “Human Garbage” (1984 Psycho Records) y tres años después salía un trabajo conjunto con Wayne Kramer  de los MC5 llamado “Who Shot You Dutch?” con el que seguiría colaborando en  los noventa. También  grabó con Jack Lancaster y es autor de algunas letras para Lemmy con Hawkwind o con Motorhead, o para los Pink Fairies.  

En los setenta trabajó en el conocido periódico underground y vanguardista “International Times”.  Como periodista colaboró con el NME y es autor de numerosas novelas tanto de ficción como biográficas, por ejemplo cuatro de Elvis Presley, entre otros trabajos. 
Documentos sonoros:

El tema "You've Got To Hold On" de los Deviants, original de  Mick Farren, Russ Hunter, y Sid Bishop, incluido en su segundo álbum de 1968, "Disposable".

"Mona (The Whole Trip)" de Bo Diddley incluido en su álbum de 1970  “Mona - The Carnivorous Circus”.

Mick Farren & The Deviants y "Screwed Up", Ep de 1977.

Muere Rita Reys, la primera dama del jazz europeo

Maria Everdina "Rita" Reys nació el 21 de diciembre de 1924 en Rotterdam (Holanda) y murió el 28 de julio de 2013 en la población holandesa de Breukelen. Fue una prestigiosa cantante, activa durante más de seis décadas, y considerada como la “Primera Dama del Jazz europeo”. 

Reys nació en el seno de una familia de artistas.  Su padre era violinista y director de orquesta, y su madre bailarina. Creció con música clásica y siendo una adolescente ganó muchos concursos de talentos locales.   En 1943, Rita conoció a su primer marido, el baterista Wessel Ilcken , quien le introdujo en el mundo del jazz.  Juntos formaron la banda Rita Reys & the Ilcken Wessel Sextet, con Jerry van Rooijen a la trompeta y Toon van Vliet al saxofón tenor.  Empezaron a tocar en el club de jazz Sheherezade en Amsterdam y después en varias partes de Europa entre 1945 y 1946 incluida una gira por España y el norte de África, con la orquesta de  Piet van Dijk.

En 1950, Rita y Wessel fundaron el Rita Reys Sextet con el que triunfaron en Amsterdam y en otros escenarios como las bases  militares estadounidenses y clubs de baile.  Tres años después se establecieron en  Estocolmo , Suecia, durante medio año, centro del jazz de Europa en aquella época.  Rita hizo allí sus primeras grabaciones con el saxofonista Lars Gullin  y con el  Ove Lind sexteto.  Después regresaron a  Holanda y en 1956 se fue sola a los Estados Unidos. Al parecer Wessel no pudo ir porque no le dieron el visado debido a su hábito de fumar cannabis. Allí grabó con Art Blakey y los Jazz Messengers el disco “The Cool Voice of Rita Reys” (Columbia 1957) al que siguió una segunda parte llamada “The Cool Voice Of Rita Reys II / Her Name Is Rita”. Al año siguiente saldría “Two 'Jazzy' People” (1958).

Al poco de regresar a su país, su marido muere de una hemorragia cerebral el 13 de julio de 1957.  En los años siguientes, Rita que ya tenía una hija, siguió cantando. Colaboró en Alemania con Kurt Edelhagen y Bengt Hallberg , y con Lester Young en Francia.  En Holanda trabajó con el trío del pianista Pim Jacobs con el que se casaría. Juntos grabaron en 1960 el disco “Marriage in Modern Jazz” y  ganaron el primer premio del festival de jazz de Juan Les Pins (Francia) donde la nombran primera dama del jazz de Europa.

Durante los sesenta sacó varios trabajos como “ Jazz Pictures At An Exhibition” (live 1961); “Jazz Sir, That's Our Baby” (1963);  “At The Golden Circle Club, Stockholm (live 1963)”; “Live At Jazzfest, Warsaw, Poland” (live 1963); “Relax With Rita And Pim” (1964); “Congratulations In Jazz” (1965); “Rita Reys Meets Oliver Nelson” (1965); “Rita A Go-Go, Live At The Go-Go Club, Loosdrecht” (live 1967); y “Rita Reys Today” (1969). En ese año fue la primera cantante holandesa de jazz  en cantar en el festival de Nueva Orleans, ciudad que la nombró ciudadana de honor en 1980.
Durante los setenta grabó temas de Burt Bacharach, Michel Legrand y  Goerge Gershwon, y sacó otros álbumes como “That Old Feeling” (1979). En la década de los 1980, Rita interpretó el repertorio de standards del cancionero de jazz norteamericano  y en  1985 le diagnosticaron un cáncer de mama del que se recuperó. En 1995 le diagnosticaron cáncer a Pim quien murió el 3 de julio de 1996 a los 61 años.  Rita siguió actuando hasta muy recientemente. 

Documento sonoro:

Rita Reys canta con Art Blakey y los Jazz Messengers, "Taking A Chance On Love", tema grabado con la producción de George Avakian durante los meses de mayo a junio de 1956 en los estudios Columbia de Nueva York. Donald Byrd toca la trompeta, Hank Mobley el saxo tenor, Horace Silver el piano, Doug Watkins el contrabajo y Art Blakey la batería. 

Fallece J.J. Cale, creador del "Tulsa Sound", músico introspectivo con emotivas melodías

El músico, cantante, guitarrista y compositor J.J.Cale nació el 5 de diciembre de 1938 en Oklahoma City. Se crió en Tulsa con el nombre de John Weldon Cale y moría el 26 de julio de 2013 en el Scripps Hospital en La Jolla, Calfornia tras padecer un ataque al corazón.   Algunas fuentes creen que en realidad se llamaba Jean Jacques Cale, y de ahí las iniciales aunque parece ser que no es correcto. Se le considera uno de los creadores del llamado  "Tulsa Sound", una mezcla de blues, rockabilly, country y jazz, con un estilo propio muy relajado que se distingue por punteos y solos moderados y ligeros.

En 1958 grabó un single con los temas "Shock Hop/Sneaky" como  Johnny Cale al que seguirían otros sencillos como el de 1960 "Troubles, Troubles/Purple Onion" y "Ain't That Lovin You Baby/She's My Desire" de 1961 editados con el nombre de Johnny Cale Quintette en los que dominaba el rockabilly.

En la década de los sesenta se mudó a los Ángeles donde empezó a trabajar como ingeniero de sonido y músico de estudio.  Después volvió a Tulsa donde a punto estuvo de abandonar la música  por falta de éxito cuando Eric Clapton triunfó con una de sus canciones como es “After Midnight”. Años más tarde volvería a tener éxito con otra de sus versiones, “Cocaine”.

Sus primeros trabajos como J.J. Cale los grabó con Liberty en 1965 como el single "It's A Go Go Place/Dick Tracy"; "In Our Time/Outside Looking In"(1966); y "After Midnight/Slow Motion" (1966). En 1972 salió su primer álbum “Naturally” (1972) donde se incluye su “After Midnight” con el que triunfó Eric Clapton en 1970. El tema lo había  grabado Cale en 1966 en una demo. 

A ese discó le sucedieron otros como “Really” (1973); Okie (1974) que también contiene una canción muy versionado como es “I got the same old blues”;  “Troubadour” (1976) en el que está el tema “Cocaine”  que también tocó Eric Clapton en su álbum de 1977, “Slowhand”; más “5” (1979).

En los ochenta sacó los discos “Shades” (1981), muy conocido en esa década aquí;  “Grasshopper” (1982);  y “#8” (1983): Siete años después vería la luz su siguiente álbum “Travel Log” (1990) y durante esa época sacó varios trabajos como “Number 10” (1992); “Closer to You” (1994); y “Guitar Man” (1996).

En la década de los dos mil vio la luz el disco “To Tulsa and Back” (2004) y “Roll On” 2009. En 2006 colaboró con Eric Clapton en el disco “The Road to Escondido” con trece canciones, de las cuales once eran de Cale.  Ganaron el premio al Mejor Álbum Contemporáneo de Blues en la 50 Edición de los Premios Grammy en 2008. También se rodó un documental  “To Tulsa and back-On tour with J.J.Cale” dirigido por Jörg Bundschuh, en el que se explica la historia de este gran músico, reservado e introspectivo, que vivió siempre al margen de la fama y la ostentación pero que compuso una larga de lista de canciones emotivas .

En 2013 colaboró en el álbum “Old Sock” de Eric Clapton tocando la guitarra y cantando en el tema “Angel”.

Documento audiovisual:

JJ Cale tocando y cantando en directo su famoso "After Midnight" en 1971.

Muere Steve Berrios, trompetista, genial percusionista afro-caribeño y baterista de jazz latino

Steve Berríos nació en la ciudad de Nueva York el 24 de febrero de 1945 y murió el 25 de julio de 2013. Fue un gran percusionista muy reputado entre los amantes del Jazz Latino que también dominaba el hard-bop, y los ritmos Afro-Caribeños.  Tocó a finales de los sesenta con la orquesta  de Mongo Santamaría, también ha colaborado con la Fort Apache Band de Jerry González y con otros grandes como Michael Brecker, Kenny Kirkland, Randy Weston, Hilton Ruíz, los Art Messengers de Art Blakey, Max Roach y su M’Boom, Tito Puente y Paquito D’Rivera.  Como solita, tanto como trompetista como baterista, ha grabado discos con el nombre de Steve Berrios and Son Bachéche como “First World” (Milestone, 1995) y un álbum nominado al Grammy “And Then Some” (Milestone, 1996).



Pasó mucho tiempo en casa de su  abuela en "El Barrio", el Harlem Hispano donde residían grandes músicos como Tito Puente, Mongo Santamaría, Willie Bobo, Joe Cuba, Machito, entre otros. Sus padres nacieron en Puerto Ricio pero llegaron a Nueva York siendo unos niños.  Steve se graduó en la escuela superior George Washington  donde tocó la trompeta  con la que incluso ganó de forma seguida un premio del Apollo para aficionados hasta que le prohibieron participar. Tocaba principalmente de oído. Su padre era un baterista que tocó en los cuarenta en una banda liderada por Marcelino Guerra. Como la batería estaba en casa, Steve empezó a curiosear. Por otra parte empezó a tocar la trompeta en algunas orquestas de baile, con George Wheeler, con  Pucho Brown y sus Latin Soul Brothers y también con Joe Panamá con el que se familiariza con el boogaloo.

Con 13 años, en 1958, participó tocando timbales en el disco de Louis "Sabu" Martinez*, “Safari With Sabu”. A los 19 años tuvo un trabajo seguido como trompetista en un club y grabó con Pucho and His latn Soul Brothers. En esa época le escuchó Mongo Santamaría tocando la batería  y, como tenía problemas con su percusionista, le invitó a tocar con él.  En esa banda conoció l saxofonista  Sonny Fortune, quien entró al mismo tiempo, Ray Maldonado a la trompeta, Rodgers Grant en el piano y Victor Venegas en el bajo, más los saxofonistas Mauricio Smith y Carter Jefferson antes de entrar en los Jazz Messengers. Con Mongo grabó álbumes como “Up From the Roots" (Atlantic, 1972),  Afro-Indio (Vaya, 1975) y A la Carte (Vaya, 1978).  En 2009 colaboró con el joven maestro de las congas, Pedro Martínez.

La forma de tocar de Steve estaba muy influenciada por Willie Bobo, quien conocía a su familia, y Julito Collazo del que aprendió a tocar los tambores batá. Como otros tantos músicos experimentados pasaron injustamente a un segundo plano con la llegada en los ochenta de los jóvenes como Winton Marsalys, y su generación de “neo-clásicos”.  Steve tenía un swing parecido al del baterista Elvin Jones, dominaba como pocos los timbales y la marimba, con una facilidad para construir un tempo rítmico asombrosa. 

Documento sonoro:

"Little Angel", tema incluido en el Lp de Mongo Santamaría de 1972, "Up from the Roots" en el que Steve Berrios toca la batería.

“Spanish Art Today” de Stanley Road, un disco mod excepcional que evoluciona hacia un estilo propio

 

Portada. Art. Ana Nuño

Si hasta el momento los asturianos Stanley Road eran un poderoso trío mod con un par de magníficos Ep’s, en los que la música de los Jam estaba muy presente como referencia indiscutible, a partir de su primer y recién editado Lp, titulado genéricamente “Spanish Art Today”, podemos  afirmar, sin duelo alguno, que son ya una banda con un estilo más propio, altamente creativo, divertido y emocionante.  Si antes nos gustaban por su destreza al componer temas que nos recordaban por todas partes a Paul Weller, Bruce Foxton y Rick Buckler, a partir de este fantástico álbum, autoeditado con el método del micro mecenazgo, nos apasionan mucho más si cabe gracias a un nueva concepción con la que incluso han pasado a ser finalmente un cuarteto con nuevo bajista. Desde luego, siguen habiendo algunos guiños a discos como "Sound Affects" o "Setting Sons" pero están tratados de otro modo, no tan evidente al menos.

Stanley Road es el nombre de una calle del barrio de Sheerwater en la ciudad de Woking, en el  Condado de Surrey, situada en el sureste de Inglaterra. En ella vivió su infancia Paul Weller quien en 1995, utilizó este topónimo para titular su tercer álbum en solitario, un disco con el que recuperó la fama tras haber finiquitado sus anteriores proyectos de todos conocidos, los Jam y los Style Council. Nuestros Stanley Road se formaron en Mieres en el año 2003 con Sabino López, guitarra, vocalista;  Chuce Foxton, bajo y voces; y Pablo Álvarez, baterista y voces.  Actualmente son un cuarteto formado por los mencionados Sabino López y Pablo Álvarez,  más  Pablo A. Torre (Popsesión, Dr. Explosion)  al bajo; y Pedro Teclas (Kings of Makaha, Mockinbyrds) a los teclados.

Stanley Road, formación actual

Habituales en las concentraciones mod, ganaron algunos premios en concursos y estuvieron tocando por televisión. Compusieron unos cuantos temas muy recordados como "This is Spain", "Nothing´s Gonna Come", "Sex Mod & Punk", "Street Fighting Mods","Mieres-Bridge", y "An Evil Shot Of Love", entre otros. En 2006 tuvieron que aparcar el proyecto por cuestiones laborales que comportaron un cambio de residencia de uno de sus miembros y en 2010 decidieron recuperar la banda para regocijo de sus fans que no son pocos. Con el objetivo claro de llevar adelante un proyecto con propósitos más profesionales, sacan un primer Ep con el título genérico de “Clash City Cooters”, grabado en Gijón en los estudios Circo Perrotti, con la producción de Jorge Explosion y distribuido por su sello M3R Records. En 2011 ganaron la cuarta edición del Concurso de Maquetas Apple Pop de Villaviciosa d’Asturies y en 2012 editan un single con dos temas de su primera época, “Mieres-Bridge” y “City”. Si quieres más información sobre esos trabajos puedes leer la reseña que publicamos en su día aquí.  



Sabino en el estudio

“Spanish Art Today” ha sido editado en versión Cd y vinilo. Se grabó en los estudios Magoo entre febrero y abril de 2013. Fue producido, mezclado  y masterizado por Juan Martínez.  En la grabación participaron José Ramón Feito al hammond, piano y Wurlitzer; Silvia Huerga a las voces; Xável Camiña e Ignacio Rodríguez a los violines; José Antonio lage a la viola; José Antonio Longo al violonchelo; y Juan Flores a los metales. Juan Martínez aportó un solo de bajo en “Lambrettas n Argel”; Pablo Alvarez  tocó el piano  en “Bad Citizen”; y Sabino López se hizo cargo del bajo en” 1996”, “Bad Citizen” y  “Coming Home”.    Las canciones del disco, tanto su música como su letra, son todas originales de Sabino López a  excepción de “The Tyger” que es un poema de William Blake de 1794 musicado por Sabino. 

El artwork es original de la ilustradora, diseñadora  y fotógrafa Ana Nuño quien también se ha encargado de crear el escudo “heráldico” con el gallo de pelea que representa esa actitud de lucha por un proyecto común. Resulta especialmente original la foto de la portada con ese plato de arroz blanco con tomate, en forma de “target” mod que en la contraportada ha sido convenientemente devorado. 

Las canciones

Diseño de Ana Nuño

El disco arranca con “Bad Citizen”, canción con guitarra acústica  y acompañamiento de bajo más percusión quienes consiguen que la sencillez sea su principal atractivo. La melodía es apasionante y los efectos de guitarras más piano nos recuerdan a unos Jam menos punks y un poco más psicodélicos pero ya con un estilo original marca de la casa de estos asturianos. Le sigue “The Tyger”, con letra del gran poeta William Blake, otra excepcional referencia británica, en la que la banda demuestra también ser una potente formación  con ese acompañamiento sin tregua de bajo y batería más esos riffs de guitarra que surcan el espacio a reacción.  Excelente también la entrega de su vocalista principal. No falta tampoco, al final del tema, los detalles “made in Paul Weller” que desembocan de forma imprevisible.  “You & Me” tiene esas guitarras tan powerpop que engrandecen una bonita melodía  en esta canción tan personal en la que destacan los cambios de ritmo, un estribillo propio de himno, y algunos detalles solistas a base de guitarra sin desperdicio alguno. “1996” es el título de un corte muy especial a base de guitarra acústica respaldada por un emotivo arreglo de cuerda. Una bonita canción con todo lo mejor de ese pop elegante con toques de folk inglés que tanto motiva, con razón, al “modfather” Weller.
  
“Unidos Como Ladrones” es uno de los tres temas cantados en español. Se trata de otra de las maravillas de este descomunal disco en el que demuestran la fiereza de una banda que también conmueve en directo. Guitarras y órgano Hammond  a la par logran construir una canción  convincente, con un mensaje existencial  entre esas verdades a medias de los cuentos, advirtiéndonos que las palabras no se dicen sin  sentir. Se añade un buen solo de órgano, uno de los elementos más novedosos en la estructura compositiva de esta banda que esperemos se potencie en un futuro con la incorporación del nuevo teclista.     

2013. 24 Scooter Run la Alkarria (Guadalajara)

La cara B del disco se abre, tras el insidioso despertador, con “Lambrettas en Argel”, tremendo corte de punk mod con una memorable participación de bajo, ritmo trepidante y una “curiosa” historia mod en el desierto, un tanto surrealista, parka incluida, en la que Lambretta puede rimar con bragueta. A destacar un solo de guitarra más bien psicodélico y unas aportaciones  de piano a base acordes más bien jazzy.   

Le sigue “Grey Days”, con esas guitarras desbocadas que parecen tener el propósito de impulsarnos con saltos de emoción en las primeras filas de alguno de ssu memorables directos y que nos llevan hasta un pasaje en el que destaca un preciso acompañamiento de bajo y una guitarra más bien “garajera”. Su capacidad melódica sigue siendo una de sus mejores bazas como en el siguiente tema,  “Las Calles de Madrid”. Pura belleza sonora que nos recuerda al mejor pop nacional, ya sea de los ochenta como de los noventa, cantado en castellano. Otro de los temas del disco, extremadamente sensible, con los recuerdos vitales como principal protagonista.  Con “Coming Home” retocan algunos riffs habituales del mod revival británico de finales de lo setenta, para hacerlos propios. Una vez más, se crecen con arreglos de bajo, batería y voz que nos trasladan a pasajes con genial guitarra y un juego de voces final sensacional. Cierra el álbum “Police Surrounding Me”, excelente clausura  melódica con toques de soul, incluso a capella, mediante un  acompañamiento de piano, y saxo, más una guitarra y una batería tan metódicos como, por momentos, sorprendentes.

Diseño Ana Nuño

El salto creativo que han dado con este nuevo disco es muy considerable. “Spanish Art Today” es un álbum rico en matices y ciertamente novedoso no solo con respecto a ese estilo previo de mod revival que identificamos en sus primeros singles, sino también en el contexto de gran parte de la escena pop actual, incluso a nivel internacional. Para aquellos que esperaban un álbum en la misma línea estricta de sus anteriores trabajos, puede que este nuevo disco les decepcione un poco, aunque coexistan aún, en bastantes de los temas, unos cuantos guiños relevantes que nos recuerdan a esa primera etapa; pero en nuestra opinión, si este disco hubiera sido meramente continuista,  no es que nos hubiéramos sentido despagados, por otra parte difícil con tamaña banda, pero estamos seguros que no nos hubiera emocionado tanto como han conseguido con este nuevo álbum.  Al margen de las consideraciones personales sobre el resultado final, lo que nos queda muy claro es que estos pletóricos Stanley Road han creado unas excelentes canciones que inician una nueva trayectoria en la que ese gallo de pelea del escudo va a dar una larga y dura batalla no solo contra la mediocridad sino también contra todo lo previsible. 

Nota: puedes escuchar el disco en el bandcamp.  También acaban de presentar un video realizado por Producciones Cucas con el tema "Bad Citizen" que puedes visionar aquí.

Muere Mijail "Gorshok" Gorshenev, de la banda de punk rusa Korol i Shut (Rey y Bufón)

La noche del 18 al 19 de julio de 2013 moría por soredosis de droga, Mijail "Gorshok" Gorshenev a los 39 años de edad. Había nacido el  de agosto de 1973. Formaba parte, como cantante y guitarrista acústico,  de la banda rusa de punk, Korol i Shut (Rey y Bufón) con claras influencias de los Misfits, a la que añaden textos de fábulas y temática medieval incluso con algunos detalles de folk ruso.  

Considerados como unos de los ejemplos del llamado "horror punk", se crearon en San Petersburgo en 1988 con el nombre previo de de Kontora y pasarían a llamarse Korol i Shut en 1992. Los miembros fundadores eran Mijail "Gorshok" Gorshenev, guitarra y voz; Alexandr "Balu" Balunov, al bajo; y Alexandr "Porutchik" Tchigoliev a la batería. En el año 1990 se les uniría una segunda voz, Andrei "Kniaz" Kniazev. En el año 1996 se incorporó a la banda Maria "Masha" Nefedova como violinista, y al año siguiente el guitarrista Yakov Zvirkunov.  Por la banda han pasado una larga lista de instrumentistas. 

Korol i Shut

Sus primeras maquetas son de 1991 y en 1993 ya eran conocidos por toda Rusia llegando a tocar en Moscú. Su primer álbum si tituló  "Bud' kak doma putnik", grabado en 1994. El éxito les llegó con su trabajo de 1996 titulado "Kamnem po golove" al que siguieron un disco en directo y más discos exitosos con títulos variopintos como “Hombres que comían carne”,  “Lástima, no tengo escopeta”, “Anarquista muerto”, “Vendedor de pesadillas”, “Teatro del demonio” o sus últimos trabajos de 2011 y 2012, TODD, Akt 1 y 2. Mijail también grabó en solitario un álbum en 2005.


Documento audiovisual:

Actuación de los Korol i Shut con toda la parafernalia habitual y la mezcla de punk más hard rock con toques melódicos rusos.

 

Fallece Daniel Théron, escritor y músico francés que colaboró con los progresivos Gong

Dashiell Hedayat, Jack-Alain Léger, y Paul Smaïl fueron pseudónimos que utilizó el cantante y escritor francés Daniel Théron para plasmar su obra musical y literaria desde finales de los sesenta.  Fue autor de un par discos, el primero en solitario y el segundo con los Gong,  ambos muy sorprendentes y provocativos, pura psicodelia influenciada por el trastorno bipolar que padecía. Nació en París el 5 de junio de 1947 y moría al caerse de una ventana en su misma ciudad el pasado 17 de julio de 2013 en un posible suicidio.    

Daniel Théron, hijo de un crítico literario del Paris Match, empezó escribiendo críticas de discos para la revista mensual Rock and Folk. A finales de los sesenta inicia su carrera musical con el nombre de Melmoth y su primer álbum, “La Devanture des ivresses” resulta premiado en 1969 por la academia Charles-Cross, prestigiosa institución francesa mediadora entre el Gobierno y el mundo cultural. 

Con los Gong

Después adopta el pseudónimo de Dashiell Hedayat, en homenaje al escritor de novelas policiacas Dashiell Hammett y al escritor iraní Sadegh Hedayat, y publica en 1971 el álbum “Obsolete” grabado con el grupo de rock progresivo Gong en el que militaba el australiano Daevid Allen quien se vio obligado a dejar los Soft Machine expulsado del Reino Unido.   Allen tocó la guitarra,  Dashiell cantó y tocó guitarra y teclados,  Christian Tritsch el bajo,  Pip Pyle la batería, y Didiel Malherbe la flauta y el saxo, mientras que Sam Wyatt y Willie Smith aportaron sus voces en los coros.  William Borroughs también cantó en uno de los temas. El disco es una locura de sonidos y  textos en los que Daniel deja volar su imaginación entre recorridos psicodélicos hipnóticos con efectos, recitados y guitarra fuzz. Los Gong aún no habñian sacado su famosa triología formada por "Angel eggs", "Flying teapot" y "You".
  
En su faceta como escritor tradujo al francés el libro de Bob Dylan, “Tarantula” y en 1969  Christian Bourgois edita su primera novela titulada “Being”. Firmó sus libros con el nombre de  Dashiell Hedayat aunque también utilizó el de Jack-Alain Léger en 1973. Su principal trabajo fue “Monsignore”, un triller satírico publicado en  1976, inspirada en el arzobispo Marcinkus,  todo un best seller en Francia  traducido a 23 lenguas con adaptación cinematográfica en 1982 a cargo de Frank Perry.

Jack-Alain Léger

Sacaría muchos más trabajos literarios como “Autoportrait au loup” de 1982 donde evocaría  su homosexualidad,  o “Vivre me tue”  con el pseudónimo de Paul Smaïl, con la que también originó un escándolo al descubrirse el verdadero autor. Fue adaptada en 2002 al cine y en 2003, publicó “Tartuffe fait ramadan” en la que se declara contrario al Islam y afirma que distinguir islam e islamismo es “una frivolidad, un capricho intelectual occidental”.  Su última obra literaria es de 2012 y lleva por título “Zanzaro circus : Windows du passé surgies de l'oubli”.




Documento sonoro:

El tema "Chrysler" incluido en el álbum "Obsolote" grabado en 1969 con los Gong aunque se editó en 1971 por Shandar.

Nos deja Georgy Guryanov, baterista de los Kino, mítico grupo soviético, y pintor neo academicista

"Gustav" Guryanov

Georgy “Gustav” Konstantínovich Guryanov nació en 1961 y murió en San Petersburgo el 20 de julio de 2013 tras una larga enfermedad producida por el cáncer de páncreas. Formó parte de la mítica banda soviética Kinó (Кино en ruso), que significa cine,  surgido en la Unión Soviética en la década de 1980 y liderado por Víktor Tsoi. Por otra parte, Gustav fue un gran artista que formó parte del movimiento pictórico, primero neo-expresionista y después neo academicista  que se hicieron llamar los “nuevos artistas” liderados por el artista y filósofo Timur Novikov.

Los Kino, banda de rock, post punk y nuevos románticos, se formaron en Leningrado en el año 1981 cuando Oleg Valinsky deja la banda y quedan Víktor Tsoi y Alekséi Rybin. En aquella época el rock and roll estaba considerado, por las autoridades, como música antisoviética con lo que la banda se movía por un circuito muy restringido y oculto para evitar ser detenidos por “antipatriotas”.



Kino, principios ochenta

En 1982 graban su primer disco “45” con la colaboración del grupo de rock Аквариум. Ese mismo año ofrecen su primer concierto en Moscú. Al año siguiente Alekséi Rybin deja la banda e ingresan nuevos músicos con lo que la formación es la siguiente:  Víktor Tsoi (voz y guitarra), Yuri Kasparián (guitarra principal y voz), Georgy Guryanov (batería y voz), y Aleksandr Titov (bajo y voz). En 1984 vería la luz un disco llamado “Nachalnik Kamchatki”  al que seguirían otros trabajos como “Eto ne Lyubov” (1985) y Noch (1986). Ese año  Titov se va de la banda para unirse a los Akvarium y le reemplaza Ígor Tijomírov (bajo).

Con  la perestroika de Mijaíl Gorbachov, la banda consigue llegar a las masas y triunfa en 1988 con el álbum “Gruppa Krovi” y la película “Igla” protagonizada por Víktor Tsoi. Al año siguiente vería la luz un nuevo trabajo titulado “Zvezda po Imeni Solntse”, y realizarían una extensa gira por la URSS, incluso saldrían a tocar al extranjero llegando a sonar en 1990 en Japón.
  

Kino, finales de los ochenta

El 15 de agosto de 1990 Víktor Tsoi muere en un accidente de tráfico en Riga. Parece ser que se quedó dormido y chocó contra un autobús. El resto de músicos sacaron un nuevo disco con canciones que ya estaban grabadas, sin título y que se conoce con el nombre de “albúm negro”.  Tras ese disco, decidieron separarse. 

La faceta pictórica de “Gustav” no es menos interesante. Empezó dibujando algunos carteles para las fiestas con rock and roll prohibidas por el sistema soviético, creo algunas obras neoexpresionistas y formó parte de los llamados  “nuevos artistas” que recurrieron al clasicismo para mostrar su rebeldía contra el poder establecido, destacando los ideales clásicos de la belleza y la perfección física mediante atletas y soldados.  

Documento audiovisual:

Kino interpreta en este video su tema de 1989, "Zvezda Po Imeni Solntse / A Star Called Sun".

Patricia Maestre publica con la editorial Milenio “el último fanzine de los noventa”

Patricia Maestre (n. 1979) es la autora de un libro, recién editado este 2013 por Milenio, llamado de forma genérica “Revival” al que ha añadido el subtítulo de “50 grupos de los 90 que hicieron música de los 60 y los 70”. Principalmente, se trata de un trabajo de investigación, con más de cuatrocientas páginas y fotos de la época, sobre bandas que tuvieron su origen en la década de los noventa: “hijos de los mods y hermanos mayores de los indies, musicalmente en tierra de nadie” según afirma su propia autora quien añade a su labor informativa, algunas consideraciones sin desperdicio alguno que explican varios de los aspectos que marcaron a una generación.




Como ella misma destaca en su introducción, “es un libro dedicado a los músicos de la época, representados por cincuenta grupos de distintos estilos y lugares, cuyo denominador común fue la pasión por los sonidos de los sesenta y setenta, y el revival de los primeros ochenta”.  Un proyecto que nació de un artículo para el fanzine “Ansia de Color”, y que tuvo una vida previa mediante un blog del que se expolió sin permiso y que obligó a Patricia a decantarse por una edición en papel para que sus ideas, con todo su enorme trabajo, estuvieran convenientemente firmadas por su autentica autora.   Es por ello que Patricia lo considera como el “último fanzine de los noventa”… “una serie de historias contadas con emoción desde el punto de vista de sus protagonistas”.

El libro empieza con uno emotivo prólogo a cargo de Paloma García del Cool Club de Madrid. Esta experta conocedora de música mod y sixties, recuerda detalles de esa época, que vivió en primera persona, bien sea organizando eventos, pinchando discos o disfrutando de sesiones y conciertos.  Aunque fue en los ochenta cuando nació su interés por la escena mod, fue en la década posterior en la que empezó a atesorar un prestigio internacional que sigue manteniendo hoy en día deleitándonos con su buen criterio musical desde la cabina de las mejores  fiestas y  pinchadas tras los directos.


Paloma incide en el aspecto cíclico del arte, y afirma que es el momento justo para revisar “nuestro propios recuerdos, ya que muchos” de los lectores de este libro “superaremos los cuarenta ”. También remarca la necesidad de no olvidar “a todos aquellos que formaron parte de nosotros y nos hicieron vibrar en un momento realmente importante de nuestras vidas” . 
El excelente trabajo de Patricia Maestre se inicia con una serie de consideraciones previas en las que vierte sin tapujos su opinión sobre el movimiento mod, los primeros festivales, las discográficas, el peso de la década anterior, la escasa cultura del rock, los fanzines y los medios de comunicación, entre otros aspectos relevantes.  Para ello se ayuda de algunas opiniones de los protagonistas recogidas durante los últimos cinco años en que estuvo trabajando para realizar este proyecto informativo.  Esa aportación, a modo de historia oral, estará también muy presente en las biografías y en los capítulos posteriores en los que se analiza el legado de todos esos grupos protagonistas.

Los grupos que aparecen en el libro son Los 5 Ibéricos, The Allnighters, Aneurol 50, Art School, The Blackbirds, The Blue Bus, Bondage, Los Bretones, Los Brujos, Los Buges, Los Búhos, Les Cactus, Carrots, Los Círculos, Los Contentos, Doctor Love, The Easytones, Elephant Band, Los Eskizos, The Flashback Five, Los Glosters, The Gravestones, The Happy Losers, High Time, Los Imposibles, Kozmic Muffin, The Lazy Sundays, Magic Bus, Magic Teapot, Matamala, The Merry Melodies, Mistakens, The Mockin’ Byrds, Octubre, Píldora X, Smutmen/Pulmón, The Roadrunners, La Ruta, Selenitas, Smart Dress, Smutmen, Something, The Stupid Baboons, Los Substitutos, The Sueters, Tuna Tacos, Undershakers, Unexpected y The Yellow Melodies.

No fueron los únicos  pero como también explica  Patricia “existen muchos grupos, sellos, fanzines, discos y anécdotas más, pero esto sería tema para otra investigación… lo dejo ahí  por si alguien quiere tomar el testigo”. 

En cada uno de los capítulos,  Patricia resume los datos biográficos de las bandas, quiénes y cuándo las formaron, su trayectoria musical, más sus respectivos proyectos anteriores y posteriores. Añade la discografía de cada uno de los grupos,  más su participación en recopilatorios. También recoge comentarios de sus propios protagonistas quienes se encargan de recordar suculentos casos puntuales. Con ellos aportan interesantes explicaciones sobre la época y sus proyectos, y añaden opiniones reveladoras de muchos aspectos  relacionados con el rock and roll, las raíces sixties y en particular sobre los noventa.

Tras una valoración sobre la escena  posterior de la década de los dos mil hasta la actualidad en la que se analiza  el peso de internet, y las redes sociales, el libro se cierra con un no menos interesante epílogo firmado por el también conocido, a nivel internacional, experto en sonidos sixties y mods, como es Alberto Valle, quien también vivió esa época y, como muchos de vosotros sabréis, actualmente es uno del os responsables del club barcelonés Le Clean Cut.

Alberto considera a los noventa “años de transición muy curiosos”.  En su aportación a este libro nos recuerda las “dolorosas” divisiones entre los mods, "aperturismo vs. purismo", y añade que “las bandas asumieron un rol casi heroico de protagonistas secundarios, actuando para salas semivacías, mientras el grueso del público estaba en la tasca de al lado entonándose para la allnighter posterior”.

Una de las palabras que más se repiten a lo largo de todo el libro es “underground” y la sensación que nos queda, como lectores, es que el vocablo se utiliza ya no para definir principalmente una propuesta cultural al margen de lo establecido por las multinacionales, que también, sino que más bien sirve a modo de eufemismo para destacar la falta de seguimiento que tuvieron los grupos por parte de la misma escena mod que, por lógica, debería arroparles y en cambio  estaba más pendiente de los Dj’s y de sus adquisiciones de singles “originales” en el mercado de segunda mano.  No queda exenta de crítica la falta de seguimiento por parte de unos medios de comunicación especializados, en principio afines que, para sorpresa de muchos, empezaron ya en esa década a mendigar publicidad y discos gratis para mantenerse en el candelero informativo vendiendo, a la par, una supuesta independencia comunicativa.  





“Revival” es un libro para recordar pero también para advertir que debemos cuidar a nuestra propia escena si no es que nuestro propósito sea, una vez más, que todo el esfuerzo y activismo queden, como destaca Alberto, “amojamados bajo el sudario del olvido”. 

A nuestro modo de ver, Patricia ha conseguido no solo que los noventa vuelvan a ser actualidad mediante su extraordinario trabajo informativo sino también puede incluso que remueva conciencias y, de paso, algunos y algunas se den cuenta, si no lo han hecho ya con tan instructiva lectura, de que si no cambian su tan cacareada “actitud”, la escena modernista y sixties actual va camino de repetir los mismos estúpidos errores de los noventa.




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