LOLA VALLS expone en Madrid

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* Exposición en el Matadero, entre el 26 y el 31 de mayo.

¿Por qué El Greco pintaba las figuras alargadas?

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Con motivo de la inauguración de la gran exposición dedicada al Greco en Toledo, un artista capaz de aprehender lo invisible con los mimbres de lo visible, según Fernando Marías, quizás el mayor experto en su obra, ha comentado que sus figuras no son alargadas porque el pintor padeciera algún  problema oftalmológico, como se ha venido repitiendo, sino porque muchos de sus cuadros eran concebidos para ser vistos desde abajo, pero también porque pensaba que las personas altas eran más bellas.

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El mausoleo de la reina Luisa de Prusia

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Uno de los lugares de Berlín más gratos para pasear son los jardines geométricos del palacio barroco de Charlottenburg, inspirados en los de Versalles y mandados construir por los Hohenzollern. Pero, además, una vez que atravesamos el lago de carpas aparece un jardín inglés, diseñado por Lenné. Están situados en plena ciudad y, en parte, bordeados por el río Spree. Entre los diversos lugares de interés que uno se encuentra se halla la Orangerie; el Teatro; el Nuevo Pabellón de estilo neocláciso (las dos columnas de granito con la Victoria son obra de Rauch), construido por Schinkel en 1825; el Belvedere (en sus orígenes una casa de té, fue proyectado por Langhans) y el mausoleo de la reina Luisa, quizá la más querida por los alemanes, la esposa del kaiser Federico Guillermo III, fallecida a los 34 años de edad. Recuérdese que, en 1826, cuando se publica la primera edición, Bethoven le dedicó la Novena Sinfonía, como homenaje tras su derrota ante Napoleón. El compositor, además, rasgó la dedicatoria al emperador francés de la Tercera Sinfonía (La heroica) por considerar que había traicionado los ideales de la Revolución Francesa. En fin, la pareja fue tan querida por sus conciudadanos que el poeta Novalis los consideró como un modelo a seguir por todos.
Este monumento funerario tiene, además, un importante valor artístico. El edificio que lo acoge fue diseñado por el propio rey, aunque las obras corrieran a cargo de Heinrich Gentz, siendo supervisadas por Schinkel. De todas formas, la portada dórica del edifico original fue trasladada a la Isla de los pavos reales. Con relación a los grupos escultóricos de las cuatro tumbas: de la reina Augusta, de Federico Guillermo I, obra de Erdmann Encke, y Federico Guillermo III, junto con el de la reina Luisa, destaca este último, construido con marmol de Carrara, obra de Rauch, a quien también se le debe el busto de la reina Luisa que hay en la entrada, y cuyas numerosas reproduciones se exhibían en jardines y salones privados como muestra de patriotismo.

En 1918, cuando desaparece la monarquía, el edifio se convierte en un lazareto. Durante la Segunda Guerra Mundial sufrió graves desperfectos. Hoy los jardines están abiertos al público y el edificio principal es un museo que acoge, además, exposiciones temporales. En los jardines la gente pasea o toma el sol sobre la hierba, los deportistas corren, los ciclistas dan la lata y los enamorados se besan, se achuchan y se hacen todos los arrumacos que les apetece.

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* El cuadro es de Josef Grassi (1758-1838) y representa a la reina con 26 años. Las fotos son de Gemma Pellicer.

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Escribir con las manos

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Tras los análisis a los que ha sido sometida la "Santa Ana", de Leonardo da Vinci, para su restauración, un cuadro que fascinó a Delacroix, Degas o Max Ernst, sabemos -por las huellas dactilares que dejó- que el pintor metía los dedos en el óleo, moldeando las capas de pintura con la mano, aplastándolas y añadiendo otras nuevas hasta alcanzar el efecto de relieve deseado.

Así debería seguir trabajando el artista, el escritor, como un artesano del lenguaje y del pensamiento, moldeando y amasando la estructura y el contenido de la historia como si de un panadero, o de un pintor, se tratara.

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Ángeles Santos: 100 años

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La pintora Ángeles Santos (Port Bou, 1911) acaba de cumplir 100. Su caso resulta extraordinario en la historia de las artes, pues con 19 años ya había pintado las tres obras maestras que nos ha legado: "Un mundo" y "Tertulia", ambas de 1929, y "Niña muerta" (1930). Si hubiera que calificarlas formarían parte de lo que Franz Roh llamó realismo mágico o nueva objetividad (su libro lo tradujo la editorial de la Revista de Occidente en 1925), una tendencia europea de las artes que también cultivaron, entre nosotros, Miró, Benjamín Palencia, José de Togores y Joaquín Suñer. Durante los años veinte, mientras residía en Madrid y Valladolid, estuvo relacionada con Francisco de Cossío, Jorge Guillén, Ramón Gómez de la Serna y Juan Ramón Jiménez, pero tras una fuga a un río, no se sabe con qué pretensiones, su padre acabó internándola en un hospital psiquiátrico. Tras su regreso a la vida civil y su boda, con un pintor convencional, del que se separó al acabar la guerra, nunca volvió a ser la misma artista. Con el paso del tiempo su extraordinaria obra fue olvidada y tardó en ser valorada como se merecía, cosa que ocurrió en los años setenta. Los dos primeros cuadros pueden verse hoy en el Museo Reina Sofía y el tercero forma parte de la colección familiar. Recuérdese que era hermana del poeta y prestigioso crítico de arte Rafael Santos Torroella.
A propósito de "Un mundo", Ángeles Santos le revelaba al periodista Josep Massot (La Vanguardia, 12 de julio del 2009) lo siguiente: "Quería contarle a los habitantes de Marte cómo era mi mundo, todo lo que había visto. Mi padre encargó en Madrid dos lienzos enteros, que una vez cosidos ocupaban toda la pared de mi cuarto; yo dormía frente a él, pusimos un somier para que cada vez que soñaba con el mundo pudiera pintar. Pinté los lugares que veía desde la ventanilla del tren, pinté Valladolid y Portbou, la escalerita por la que bajaban los ángeles y después se iban al cielo. Me acordaba de aquel poema de Juan Ramón: Ángeles malvas/ apagaban las verdes estrellas; lo único que en mi cuadro no las apagaban, las encendían". En otro, inspirado en Walter Spies o en El Bosco, quiso imaginarse cómo eran los hombres y las mujeres de Marte.
Respecto a "Tertulia", comenta lo siguiente: "Iba a ver a una compañera de clase de dibujo y se me ocurrió hacer un retrato a todo el grupo". Las tres figuras centrales son sus amigas, chicas modernas que fuman en una ciudad conservadora, de provincias, y la cuarta figura está inspirada en El Greco, mientras que todo el conjunto se asemeja a "La familia Mestres", cuadro de Togores que acaba de exponerse con éxito en Madrid.    
En el libro de divulgación de Francisco Calvo Serraller, Las cien mejores obras del siglo XX. Historia visual de la pintura española (Tf, Madrid, 2001), un volumen con voluntad canónica, si es que no lo son todos, que sí, aparecen "Tertulia" y "Niña muerta", pero sorprendentemente se olvida de "Un mundo". ¿Por qué?       

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Lorca: la deconstrucción de una imagen

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..... Casi trescientos artistas le rinden homenaje a Lorca en una exposición que puede verse en la oficina de correos del palacio de Telecomunicaciones de Madrid, con motivo del setenta y cinco aniversario de su muerte. Entre ellos se encuentran Tàpies, Pérez Villalta, Úrculo, Barjola, Albacete, Bellver, Canogar, Feito, Genovés, Gordillo, Cristina García Rodero, García Alix o Isabel Muñoz. Se trataba de retocar la imagen del poeta y dramaturgo en 288 postales que han servido como soporte. El título de la muestra, ideada por Agustín de Julián, es lo único que resulta poco afortunado: Ciento y... postalicas a: Federico García Lorca. Tampoco resulta fácil dar con la sala, pero una vez que se llega a ella todo son satisfacciones. Hubo un tiempo, no tan lejano, en que los viajeros enviaban postales con la imagen de una ciudad y sus breves impresiones. Aquí, los artistas juegan, retocan, trocean o recomponen la imagen del escritor, como una manera de comprenderlo, interpretarlo, matizarlo o mostranos una nueva visión de su efigie. Todos estos Lorcas posibles, que vienen agigantándose con el paso del tiempo, son uno. Se trata, cada vez resulta más claro apreciarlo, de un escritor que ha logrado sobreponerse al personaje asesinado por el franquismo para convertirse parece que definitivamente en el extraordinario y complejo autor que siempre fue y que cada vez se nos presenta como más sutil y profundo.

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Fotografía y pintura en Almería

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"Follow me (fragmento)", 2003,
de Wang Qingsong
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Sorprende gratamente la cantidad de equipamientos culturales, artísticos, que tiene la ciudad de Almería. Durante estos días, en el modélico Museo Arqueológico de la ciudad puede visitarse una exposición sobre Vanguardias de la pintura almeriense y su presencia internacional, que cuenta con obras de Ginés Parra, Jesús de Perceval, Luis Cañadas, Francisco Capuleto y los para mí desconocidos, pero excelentes, José Segura Ezquerro y Federico Castellón. En esta muestra, sólo he echado de menos las obras de Carlos Pradal. De igual modo, en el patio de la Diputación provincial puede verse el hasta ahora desconocido legado fotográfico del ingeniero inglés Gustavo Gillman, compuesto por una serie de instantáneas sobre la ciudad y la provincia que datan de entre los siglos XIX y XX. A su vez, en el Centro andaluz de la fotografía se ofrecen dos exposiciones de sumo interés: la del chino Wang Qingsong, y la del fotógrafo jerezano Emilio Morenatti, con unas impresionantes fotos de rostros de mujeres paquistaníes que habían sido agredidas por su familia o maridos. Y, por último, en el Centro de Arte Museo de Almería ya les conté que podía verse una buena exposición de fotos de Perceval. Que en una discreta ciudad de provincias coincidan simultáneamente cinco exposiciones de pintura y fotografía de esta entidad parece casi un milagro. Resulta descorazonador, en cambio, que apenas si hubiera nadie visitándolas. ¿A qué se deberá tal escasez de público? ¿Será por desinterés, o bien por falta de información? Lo primero sería grave, y desazonador; lo segundo, en cambio, podría solucionarse fácilmente.

... "Retrato de anciana", de José Segura Ezquerro
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Vídeo sobre Gustavo Gillman
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Giotto/Rothko

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En la Gemäldegalerie, de Berlín, en un pequeño espacio acotado e íntimo, puede observarse el diálogo que se establece entre "La crucifixión de Cristo" (c. 1315), "La dormición de la virgen" (c. 1310), de Giotto (1264-1337), y la composición "Reds nº 5" (1961), de Mark Rothko (1903-1970), bajo el título común de "La tangibilidad del cuadro". La exposición pretende trazar vínculos entre el arte moderno y los maestros antiguos. Así, el título apela a la cualidad material de la pintura en ambos artistas, a su carácter físico; si bien, lo que en Giotto es percibido como plasticidad de los cuerpos, en Rothko se convierte en enormes masas de color no exentas de la mayor ingravidez. Así, podemos percibir de qué modo Rothko llegó a trascender, en sus composiciones monocromas, la materialidad del color que descubriera Giotto, allá en los albores del Renacimiento.

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El artista americano, considerado como uno de los principales representantes de la Escuela de Nueva York, del expresionismo abstracto, siempre insistió en que él no era un pintor abstracto, catalogando sus obras como murales, descendientes de la técnica italiana clásica de pintura al fresco. El cuadro expuesto forma parte de los llamados campo de colores, creados a partir de la década de 1950, que le proporcionaron reconocimiento internacional. Lo que le interesó a Rothko, de la obra del pintor italiano, fue su capacidad para organizar el espacio y la acción por medio del color. Y como Giotto, trató de intensificar las masas de colores que iban a ser observados por el espectador como figuraciones de acción y emoción.

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El objetivo de la pequeña muestra, en suma, es llamar la atención sobre la influencia que ejercieron en el artista abstracto algunos pintores italianos renacentistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, y especialmente Giotto. Rothko encontró en los renacentistas una dimensión mística, una plasticidad y una organización del espacio que le interesaron hasta el punto de viajar varias veces a Italia. Así, apunta Stefan Weppelmann, comisario de la muestra, los marcos arquitectónicos, el pan de oro, y las figuras de líneas bien delimitadas de Giotto, sirvieron de inspiración a un Rothko que había comenzado a ser conocido y a forjarse un estilo personal, caracterizado por sus célebres rectángulos de color. Precisamente el punto de unión entre ambos artistas reside en un uso similar del color, como herramienta para crear estructuras.

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En “La dormición de la Virgen”, el marco de la escena se vale de la forma triangular de los tímpanos de los templos griegos. María aparece acostada sobre una cama en el centro, contrastando su horizontalidad con el hieratismo casi vertical de los apóstoles y ángeles que la acompañan. La silueta aislada de Cristo, en su serenidad, queda un poco al margen de las demás, una muestra más del clasicismo del pintor, a pesar de no conocer el arte griego, que puede observarse también en los vuelos y volúmenes de los trajes, en la contención de los gestos. En el cuadro se repiten los contrastes entre el rojo y el azul de las túnicas que visten los apóstoles, creando una "estructura simétrica". En "Reds n°. 5" observamos una cierta degradación de color, del magenta al cadmio, que refleja la preocupación de Rothko por los estudios de color.......

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* Presunto retrato de Giotto, atribuido a Paolo Ucello.

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Andrew Wyeth

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Para Pedro Herrero

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Hace unos días murió con 91 años el pintor estadounidense Andrew Wyeth. Era hijo del no menos célebre pintor e ilustrador N. C. Wyeth. Se había convertido en uno de los artistas norteamericanos más apreciados (a pesar de que el expresionismo abstracto y el arte pop lo convirtiera en un autor al que se consideraba anticuado) por sus cuadros de personas y paisajes de los estados de Pensilvania y Maine, en el noreste de Estados Unidos, como estos que reproducimos. El primero se titula "El mundo de Christina". En el 2007, su cuadro "Ericksons" fue vendido por unos 7,7 millones de euros, una las mayores cifras jamás pagadas por la obra de un pintor contemporáneo.

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Con Landero, en busca de Miquel Barceló

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Fui a Palma de Mallorca, como quizá sabéis, a mantener una conversación pública con Luis Landero, sobre su obra literaria. La reunión se celebró en el Museo de Arte Español Contemporáneo de la Fundación Juan March. Por fortuna, tuvimos un público que se mostró atento, interesado y preguntón, como debe ser. Luego Manuel Fontán, nuestro cordial anfitrión, nos llevó a cenar a Es Baluar, a base de entremeses mallorquines y el pescado del día, que era rodaballo. Al día siguiente, antes de tomar el avión de regreso, todavía tuve tiempo de hacer unas cuantas cosas. Para empezar la mañana, Landero nos fuimos hasta la catedral, dando un paseo, para ver la obra de Miquel Barceló en la llamada Capilla del Santísimo.

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Esta capilla, de trazado gótico, data del siglo XIV, ocupa el ábside derecho, y está destinada a la adoración del santisímo. La intervención de Barceló está inspirada en la multiplicación de los panes y los peces y la conversión del agua en vino en las bodas de Caná, episodios de la vida de Jesús que se cuentan en el Evangelio de San Juan. Fue inaugurada en el 2006 y está compuesta por una pared de cerámica policromada de unos 300 metros cuadrados, a la vez soporte de toda la obra y pieza artística en sí misma, cinco vidrieras de colores de 12 metros de altura y el conjunto del mobiliario litúrgico, formado por el altar, un candelabro de siete brazos, el sagrario (con las huellas de las manos, metáfora de la devoción de los cristianos, sobre la puerta de oro fino), un atril, la silla presidencial y dieciséis sillas o bancos para los canónigos.

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La figura central, situada encima del sagrario, la ocupa el Resucitado, para cuya concepción se tuvo en cuenta la Primera carta de San Pablo a los Corintios y el relato del Evangelio de San Mateo. El Cristo aparece transfigurado, con sus estigmas, sobre una pared de cráneos. Barceló le puso sus medidas corporales, e incluso esa especie de psoriasis que lo recubre por completo. Todos los elementos presentes, desde la granada a los peces boqueando, se abren como frutos que son. El resto de las figuras, frutos de la tierra (tinajas de vino, panes, frutas y hortalizas) y del mar (lubinas, mejillones, rayas y pulpos), están trabajados con barro. Así, el fango se transmuta en carne, en panes y peces, en el mismo mar. Las grietas que recorren toda la pared son como una red que lo relaciona y envuelve todo, con la que el artista pretendía, además, vincularse a las obras de Gaudí y Jujol de esta misma catedral. Para preservarlo del polvo, se le aplicó a todo el conjunto un barniz de cera natural.

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La luz desempeña siempre un papel simbólico en una capilla. En este caso, en las cinco vidrieras, fabricadas en el taller de Jean-Diminique Fleury, de Toulouse, se reproducen palmas, olas, raíces y algas, que mediante una escritura esgrafiada representan la luz agrisada del fondo del mar. Nos quedamos tan embobados, observando esta obra extraordinaria, que luego no sabíamos salir de la catedral, y hasta dos veces nos llamaron la atención por intentar salir por donde no debíamos. Sólo esta visita merece un viaje a la isla, pero después, lo mejor, es recorrer despacio todo el barrio que rodea la catedral. Siempre he pensado que en cualquier esquina puede salirte al encuentro Llorenç Villalonga... *

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* La foto de Landero, con el Calder detrás, es de FV.*.* La ..