I dischi più belli degli anni '10

Cosa resterà degli anni dieci? Speriamo non la trap o il reaggeton. In questo caso profetico sarebbe stato il titolo del sesto album dei Tre Allegri Ragazzi Morti uscito nel 2010: Primitivi del futuro.
Certo che pensando agli anni settanta, ottanta, novanta e a quello che è rimasto, al momento c'è da farsi prendere dallo sconforto. Il confronto può sembrare impietoso, ma non esageriamo, magari il tempo è veramente galantuomo, anche se a volte assistendo a certe riabilitazioni si resta parecchio perplessi. Con la rete e la bulimia musicale che ne è conseguita, ne è passata di musica sotto i ponti e in tutti i dispositivi e in chiusura di questo decennio ho raccolto gli album che ho amato di più e che forse resisteranno alle ingiurie del tempo, per lo meno qui sulla teiera.
Intanto, per cominciare, è impossibile dimenticare una performance semplicemente geniale come questa.



2010
Arcade Fire - The Suburbs
Dirt Music - BKO
John Grant - Queen of Denmark

2011
Feist - Metals

2012
The Shins - Port of Morrow

2014
J. Mascis - Tied a Star

2016
Radiohead - A moon shaped pool
David Bowie - Black Star
Michael Kiwanuka - Love & hate

2017
Black Grape - Pop Voodoo  
Balmorhea - Clear Language
Respirare e sciogliersi. Post-rock per la disconnessione

Dischi che arredano

Nella nuova camera da letto il posto migliore che ho trovato (dopo il giradischi).
Sotto ovviamente c'è anche Closer.

Album vissuti: Lucio Battisti - Anima Latina 1974

Giornalista: Perché sei sempre di moda?
Battisti: Perché me ne infischio delle mode.
(Tv Sorrisi e Canzoni, 3 dicembre 1978)

Avevo appena imparato a suonare la chitarra con il metodo che andava per la maggiore: chitarrista in 24 ore. Ovviamente la prima cosa che si imparava erano i tre accordi (LA-RE-MI) de La canzone del sole di Lucio Battisti. Tanti di noi, cresciuti nei primi anni '70, hanno respirato la sua musica per poi allontanarsene per svariati motivi; prima di tutto non faceva più figo ed era etichettata di destra, soprattutto in certi ambienti; inoltre all'epoca pochi capirono la portata e la complessità di un disco clamorosamente avanti sui tempi come Anima Latina. 

Avevo appena comprato la cassetta e ricordo che una sera, affascinato e al tempo stesso sbigottito per il radicale cambio di rotta, stavo ascoltando l'album nel mio mangianastri. Entrò mio padre incuriosito e attratto dalla voce inconfondibile. In casa avevamo quasi tutti i suoi 45 giri (ricordo anche svariate cassette di Fausto Papetti e l'indimenticabile Ho scritto t'amo sulla sabbia di Franco IV e Franco I).  

- Ma è Battisti questo? - 

- Sì, l'ultimo disco. 

- Ma che robaccia si è messo a fare?

Bocciatura istantanea. Se il ricordo non mi tradisce stavo ascoltando Il Salame. 

Di quell'album riuscii a suonare solo un paio di canzoni: Due Mondi e la title track grazie agli accordi rimediati sull'ultima pagina di un Ciao 2001. Col tempo poi, nel passaggio dall'adolescenza alla maggior età, Battisti non si suonava più; neanche in spiaggia davanti ai falò. Eravamo presi da Guccini, De André, Gaber: La Locomotiva, Il Bombarolo e La Libertà i nostri inni. A un certo punto io cominciai a scartare con De Gregori e Lolli; ancora due anni e il punk avrebbe fatto piazza pulita delle nostre chitarre acustiche e dei nostri credo. Tant'è che quando salii per la prima volta su un palco, lo feci suonando e cantando Psycho Killer.

Comunque mi ci vollero vent'anni per recuperare e comprendere a pieno quello che può essere considerato un capolavoro assoluto della musica italiana.

Scrive Roberto Blatto: ... un album che precede le migliori intuizioni di tutto il rock di quarant'anni a venire. Il tropicalismo "raffreddato", la navigazione ritmica a vista, le acustiche a fianco dei synth, il funk e i fiati solcati dalle percussioni. La voce registrata bassa, talvolta persino filtrata e schiacciata dai suoni per esplicito volere di Battisti stesso, che richiedeva all'ascoltatore un impegno e una partecipazione superiore. (da MyTunes - Come salvare il mondo una canzone alla volta, Baldini & Castoldi).

Ancora adesso è uno di quei pochi dischi degli anni settanta che un paio di volte all'anno sento il bisogno di ascoltare; senza derive nostalgiche, ma semplicemente per godere di qualcosa di bello ed irripetibile; magari per commuovermi immancabilmente al minuto quattro di Anima Latina, quando prende vita il coro che fa da apertura alla entusiasmante galoppata finale tirata da fiati e percussioni.

Quarant'anni portati alla grande: Anima Latina uscì nel dicembre del 1974.

Amoeba music (viaggio troppo breve nel paese dei balocchi)

Dieci anni fa nel paese dei balocchi

Luglio 2001: il nostro viaggio californiano in camper fa tappa a San Francisco per qualche giorno. Molto prima di partire c'era un nome segnato nella mia agenda: Amoeba Music. Non solo un immenso negozio di dischi (2.200 m²), ma il più fornito a livello mondiale di musica alternativa e indipendente con anche concerti settimanali gratuiti al suo interno: la locandina dei Sonic Youth era lì a testimoniarlo.

Una volta entrato, resto come ipnotizzato per un intero pomeriggio senza accorgermi del tempo che passa e senza decidere cosa comprare. Intanto la copilota con i nostri due amici ed i bambini aspettano pazienti in un parco nelle vicinanze. Quando vedo comparire mio figlio all'ingresso e subito dopo tutti gli altri, stanchi e affamati, ho in mano un misero cd di Lou Reed: "Lasciatemi qua, ancora un po!" imploro (considerate che il download selvaggio non era ancora entrato nelle nostre abitudini). Per amore dei figli e rispetto dei nostri compagni di viaggio ho dovuto concludere veloce prima che mi crescessero le orecchio da asino; per un giorno ancora ho continuato a sentire il richiamo delle sirene amebiche, poi il fascino della costa dell'Oceano Pacifico ha giustamente preso il sopravvento.
L'esperienza insegna: due anni dopo a Londra con la lista della spesa nel marsupio.

In Italia vogliono sempre fotterci

Libri e dischi sono fra le poche cose che concepisco come regali di Natale. Ed ecco che mentre mi accingo al primo acquisto mi ritrovo di fronte alle due opzioni sotto...

Amazon Italia

Amazon UK (col cambio attuale 8,16 €)

Spedizione dall'Italia

Spedizione dall'Inghilterra in sterline

LP cover art: Blind Faith 1969

Uno dei primi esempi di supergruppo che adesso va così di moda: Eric Clapton, Stewe Winwood, Ginger Baker e Rich Grech. Fecero un solo disco dal titolo omonimo nel 1969 e poi ognuno andò per la sua strada. Insieme a Electric Ladyland è una delle copertine più famose, censurate e controverse nella storia della musica. Il fotografo Bob Seidemann, già famoso per aver fotografato nuda Janis Joplin, era amico di Eric Clapton e fu incaricato di realizzare la copertina. L'idea era di catturare il momento di passaggio dall'età dell'innocenza all'adolescenza. Seidemann racconta nel suo sito che un giorno in metro a Londra vede una ragazzina in divisa scolastica e rimane colpito dalla sua bellezza; la ferma e le chiede se vuole posare per la foto di copertina del nuovo disco di Eric Clapton. Lei (non proprio una sprovveduta) gli chiede se per caso dovrà spogliarsi e a risposta affermativa, accetta comunque. Viene organizzato l'incontro con i genitori che sono d'accordo, ma la ragazza si dimostra più timida del previsto, inoltre ha quattordici anni e ha già superato l'età dell'innocenza. La sorella undicenne Mariora Goschen si fa avanti offrendosi per la foto e il fotografo resta folgorato: un angelo di Botticelli. Così la foto si fece e venne intitolata Blind Faith (fede cieca), nome poi adottato da Clapton per la band. La casa discografica non era per niente d'accordo, anche per via del modellino d'areo dalla forma fallica, ma lo stesso Clapton si impuntò minacciando addirittura di non pubblicare il disco, che alla fine vide la luce senza il nome della band in copertina: solo la foto. In America scattò immediatamente la censura e lo scatto dello scandalo fu sostituito con l'immagine della band. Leggende metropolitane cominciarono a fiorire in Inghileterra sull'identità della ragazzina: si diceva che fosse la figlia illegittima di Ginger Baker o perfino una groupie tenuta prigioniera dai musicisti.

SECTION 25

Cosa sarebbe potuto uscire da un frullatore musicale shakerando le sonorità dei Joy Division insieme a quelle dei Pil? I Section 25 da Blackpool. Chissà se qualcuno se li ricorda. Era un gruppo post-punk il cui primo singolo fu lanciato nel 1980 da Rob Gretton, già manager dei Joy Division. Agli esordi fecero da supporters proprio al gruppo di Ian Curtis come si vede dal biglietto/reperto scovato in rete. Alienanti e malinconici allo stesso tempo: il loro suono è un mix tra new wave, postpunk ed elettronica con bassi ipnotici, batterie marziali, chitarre distorte proveniente dalla Manchester degli anni 80. (il mucchio)
Ebbero un successo di nicchia, ma era un po' il genere di musica che ci piaceva suonare e sperimentare. Ai tempi trasmettevo in una radio con un mio programma settimanale dedicato alla new wave e alle nuove tendenze e fu proprio in quel periodo che organizzammo il loro concerto in un cinema.
Dopo quattro album si sciolsero verso la fine degli anni '80, per poi riunirsi dal 2001 anche in esibizioni live con la partecipazione di Peter Hook (il bassista di Joy Division e New Order).

LP cover art: Miles Davis - Tutu 1986

Le foto sono del grande fotografo di moda Irving Penn, morto lo scorso ottobre. L'art concept e il design di Eiko Ishioka. Copertina di grande impatto: il nudo ritratto in bianco e nero di Davis si pone in evidente contrasto con l'etichetta rossa in verticale.
Il titolo è un tributo in onore a Desmond Tutu, il primo arcivescovo di colore di Città del Capo in Sud Africa che negli anni '80 fu uno dei più strenui oppositori dell'apartheid e vincitore del premio Nobel per la pace nel 1984.
Ho avuto la fortuna di vedere proprio la tournée successiva all'uscita di questo album, a Imola nel 1987. So che molti puristi del primo Miles Davis non apprezzarono questo lavoro. A me dal vivo quella miscela di funk-rock-fusion-jazz suonata da dio, fece impazzire.

LP cover art: Rolling Stones - Some Girls 1978

Furbastri e paraculi come pochi, i Rolling Stones riescono a rilanciarsi commercialmente in piena era disco e punk. Con più di sei milioni di copie, Some Girls è stato il loro album più venduto in USA. Il ritorno di Richards dopo l'arresto e i vari problemi di droga e l'inserimento di Ronnie Wood, diedero nuova linfa ad un gruppo che la critica aveva già marchiato come dinosauri.
Ispirandosi al titolo del disco, Peter Corriston (già autore di memorabili art-work come quello per Physical Graffiti dei Led Zeppelin) cercò di creare una copertina stile giornalino anni '50, con la pubblicità di parrucche con tanto di prezzi. L'intenzione iniziale era di inserire 20 volti femminili del mondo dello spettacolo; questa prima copertina però incontrò subito dei problemi poiché una parte delle interessate non concesse i diritti e minacciò un'azione legale. Si trattava di Lucille Ball, Farrah Fawcett, Raquel Welch, Liza Minelli (per la madre Judy Garland) e i detentori dell'immagine di Marylin Monroe. Da qui l'idea di rimuovere indistintamente tutte le celebrità per sostituirle con le facce intercambiabili degli Stones.
Peter Corriston realizzò le copertine dei successivi tre albun degli Stones, vincendo il Grammy Award per l'artwork di Tatoo You.

1980: un anno superlativo per la musica

Nell'attesa che il nuovo anno ci regali qualcosa di buono, facciamo un salto indietro nel tempo per celebrarne un altro sempre con lo zero in fondo. A tre anni dal terremoto del punk, la new wave contribuì alla frantumazione di uno statico universo musicale producendo i suoi frutti migliori, fra contaminazioni e nuove tendenze. Ho scelto dieci album, tutti usciti nel 1980. Ho preso questo anno come simbolo, ma tutto il periodo (fine '70 inizio '80) ha rappresentato un capitolo fondamentale nell'evoluzione di un certo tipo di musica. Dischi da avere nella propria collezione.

The Pretenders - Album omonimo
1979 (uk) - gennaio 1980 (usa)








The Cure - Seventeen Seconds
18 aprile 1980
La seconda tappa di un percorso unico che fatto di Smith e compagni uno dei pochi gruppi capaci di evolversi e resistere fino ad oggi alle mode, alle tendenze e a MTV.





Joy Division - Closer 18 luglio 1980

Un capolavoro straziante uscito pochi giorni dopo il suicidio di Ian Curtis. L'emblema del post punk e la sua stessa pietra tombale.

Heart and soul





Siouxsie & the Banshees Kaleidoscope 1 agosto 1980

Il terzo disco della regina del dark, prologo e preparazione del suo vero capolavoro Ju Ju, che uscirà l'anno successivo.

Killing Joke - Album omonimo
agosto 1980

Disco feroce e seminale che ha ispirato diversi gruppi futuri. Tribalismo, dark, metal e industrial in una miscela esplosiva.

Bauhaus - In the flat field ottobre 1980

Il dark più puro che ha avuto molti seguaci. Un disco memorabile, come le loro esibizioni dal vivo, con la presenza istrionica Peter Murphy.

In the flat field




Talking Heads - Remain in light ottobre 1980
Ancora oggi un disco di una modernità spiazzante.






Japan - Gentleman take polaroid
15 novembre 1980

La sensibilità compositiva e la decadenza di David Sylvian che per la prima volta collabora a pieno con Sakamoto.

The Clash - Sandinista
12 dicembre 1980
Un triplo vinile per raccontarci dove la musica sarebbe andata.





Tuxedomoon - Half Mute
Il rock come avanguardia creativa e sperimentazione non solo musicale.







Disco simbolo del post-punk italiano nel 1980: Sick Soundtrack dei Gaznevada.

LP cover art: Brain salad surgery 1973

Non ho mai particolarmente amato Emerson Lake & Palmer e il loro stile barocco, ma questa copertina mi ha sempre affascinato; la vedevo sempre quando entravo nei negozi di dischi e ci passavo ore, specie da Nannucci a Bologna, dove sfruttavo impunemente le cabine insonorizzate facendo indispettire le commesse.

I disegni sono opera di H. R. Giger, artista svizzero (scultore, pittore, designer) famoso per aver creato il mostro Alien nel film di Ridley Scott del 1979. Giger fu contattato dal gruppo e il lavoro fu eseguito in soli due giorni senza bozze o progetti (34*34 cm), il che è incredibile, vista la qualità dei particolari.

Una strana creatura composta da parti meccaniche e da un teschio femminile occupa tutta la facciata della copertina. Una specie di schermo circolare illumina il collo e la parte inferiore del viso, mettendo in evidenza un fallo che si innalza dalla base con il logo del gruppo, volutamente confuso con l'effetto del bagliore Il titolo stesso è un modo di dire meno diretto utilizzato per indicare la fellatio. Le tavole originali dei disegni sono state rubate durante una mostra a Praga nel 2005; è stata addirittura messa una taglia di 10.000 $ sul loro ritrovamento.
Giger nel 2001 ha progettato e costruito un'asta microfono molto particolare da utilizzare dal vivo per il cantante dei Korn.

Il disegno di interno copertina

Joni Mitchell - The Hissing of summer lawns 1975

A certi dischi si resta legati da un filo invisibile, attraverso strani meccanismi tra cui spesso quelli affettivi.
Nel 2002 ero in vacanza a Londra e stavo spulciando i CD in un negozietto a Greenvich Village, quando riscoprii dopo più di vent'anni di oblio questo disco. Lo comprai subito in preda ad un mix di ricordi e nostalgia: lo collegai istintivamente a due cari amici ormai lontani (fratello e sorella) miei compagni di viaggio e d'avventura e come me grandi appassionati di musica. A suo tempo mi piaceva, ma mi sembrava troppo freddo e preferivo il più classico Blue. Una volta tornato a casa, nel riascoltarlo ne sono rimasto affascinato. Un disco che - non solo a mio modo di vedere - ha precorso i tempi ed è ancora oggi di una modernità incredibile. Forse per questo all'epoca non fu particolarmente apprezzato: nè dalla critica, nè dai fan (vendite bassissime). Un uso magico del piano elettrico Rhodes, il contributo dei migliori strumentisti della West Coast dell'epoca (John Guerin, Joe Sample, Larry Carlton, Robben Ford, Jeff Baxter, Chuck Findley, Victor Feldman) e la voce di Joni Mitchell, hanno prodotto uno scrigno di raffinatezze. Fin dal primo brano, In France they kiss on main street, che vede la presenza vocale di Crosby, Nash e James Taylor, si viene colpiti dall'originalità delle armonie e dalla qualità degli arrangiamenti. Questo è l'album che segna il passaggio dalla fase folk, allo sviluppo di nuove sonorità, in primis il jazz, ma anche sperimentazioni fra cui ad esempio il campionamento di tamburi tribali del Burundi (Jungle line). Lost and found.

L.P. Cover Art: In the Court of Crimson King - 1969

Il mese scorso e precisamente il 10 ottobre è stato l'anniversario dei 40 anni dall'uscita. L'idea sovversiva di gruppi come i King Crimson e tutti gli altri della scena progressive di quegli anni, fu di andare oltre i classici tre-quattro minuti della canzone rock per spingersi in territori più vicini alla musica sinfonica che alla musica di consumo. Risultato: una serie di capolavori per una stagione musicale irripetibile.
Barry Godber, un amico di Fripp, realizzò il volto grottesco e angosciato della copertina ispirandosi chiaramente all'urlo di Munch. Rappresenta il 21st Century Schizoid Man: l'uomo schizoide del 21° secolo di cui si parla nella favolosa e ipnotica traccia iniziale del disco. Un vero pugno nello stomaco, una scossa elettrica sulla ormai declinante Swinging London; musicalmente di una complessità enorme ed ancora oggi all'avanguardia. La voce filtrata di Greg Lake recita versi atroci che nel finale diventano inquietanti, soprattutto se proiettati nel nostro secolo, un futuro che in quegli anni pareva lontanissimo ed era vissuto nell'immaginario come fantascientifico.

Death seed blind man's greed / Seme di morte nascondiglio di uomini avidi
Poets' starving children bleed / Poeti affamati bambini sanguinanti
Nothing he's got he really needs / Nulla ottenuto di reale bisogno.
Twenty first century schizoid man / Uomo schizoide del XXI° secolo.

Aprendo la copertina ci accoglie invece un personaggio sorridente con le due dita alzate in segno di pace; rappresenta il Re Cremisi che ha ispirato il nome del gruppo. In un'intervista Fripp, proprietario del disegno originale, ha detto che in realtà, coprendo la bocca sorridente, gli occhi rivelano un'infinita tristezza (in effetti è vero). Barry Godber (1946-1970) morì di infarto giovanissimo nel febbraio del '70, pochi mesi dopo l'uscita del disco. Fu l'unico suo disegno, poiché in realtà era un programmatore di calcolatori.

L.P. Cover Art: Santana - Abraxas 1970

L'opera originale

Dopo la performance di Woodstock, Carlos Santana era diventato uno dei musicisti più famosi e non solo in America. Per l'uscita del nuovo album si recò nello studio del pittore di origine tedesca Mati Klarwein (1932-2002) per chiedergli l'autorizzazione ad utilizzare un suo dipinto che aveva visto in una rivista e di cui si era infatuato. L'opera del 1961 è un'annunciazione psichedelica (nel link la si può ammirare in tutta la sua bellezza). la Madonna nera con il sesso coperto da una colomba, ha le fattezze dell'allora prorompente fidanzata del pittore, originaria della Guadalupa. Santana rimase colpito, oltre che dai colori e dalla commistione fra sensualità e spiritualità, anche dalle congas dell'arcangelo Gabriele tatuato (versione femminile tutta curve) che sta scendendo dal cielo. Le tre danzatrici Wodaabe invece rappresenterebbero i magi, mentre subito sotto di esse si può vedere l'autoritratto del pittore.
Mati Klarwein ha disegnato tante altre copertine musicali come Bitches Brew di Miles Davis, lavorando anche per artisti come Jimi Hendrix (qui il suo ritratto) e Grateful Dead. Di famiglia ebrea fuggita dalla Germania nazista, si trasferì a New York all'inizio degli anni '60. Fu amico di Timothy Leary e sperimentatore di lsd, anche se ha sempre dichiarato di non aver mai avuto bisogno delle droghe come stimolo alla creatività. MatiKlarwein.com

Conto uno, conto due

Giugno 2008. Da qualche tempo avevo in testa una ventina di storie personali legate alla musica. Un paio in verità le avevo già scritte e giacevano inutilizzate da mesi in un cartella. Nacque così l'idea del blog che all'inizio volevo intitolare Album vissuti. Mai avrei pensato ai bei contatti con tutti coloro che, passando da qui, mi hanno arricchito e stimolato ad andare oltre. Per questo motivo mi piace riproporre alcune di queste storie, scritte quando la teiera volante era appena nato.

ALBUM VISSUTI
David Bowie - Hunky Dory

Secondo anno delle superiori. Avevo già ascoltato qualcosa di David Bowie, ma il giorno in cui andai a casa di Capo (questo era il suo soprannome di cui ignoro le origini), feci una vera full immersion e lì sentii per la prima volta questo splendido disco che contiene capolavori come Life on Mars. Conobbi Capo il giorno in cui mio cugino, detto il Man (più grande di me di un paio d'anni), mi invitò a casa dell'amico dove stava andando a suonare. Io ero perplesso perché era risaputo che erano entrambi un po' sciroccati, però ebbe il sopravvento la curiosità di vedere che cosa riuscivano a combinare. Ricordo che in soggiorno c'era un pianoforte che Capo sapeva suonare da autodidatta, un buonissimo impianto stereo e tanti dischi tra cui tutti gli album, vari singoli, bootleg e spartiti di Bowie. Capo per tutto il pomeriggio suonò il pianoforte, ci mostrò e ci fece ascoltare diversi dischi e non fu difficile cogliere nei suoi atteggiamenti e nella sua enfasi un'insana e maniacale passione per il Duca Bianco. In seguito, incontrandolo altre volte e parlandoci, mi resi conto che la realtà che Capo viveva e percepiva era quasi sempre filtrata attraverso la musica e i testi di Bowie; con lui era molto difficile e complicato conversare di altri argomenti. Avevo la sensazione che vivesse una condizione di fragilità preoccupante. Nei mesi successivi non ci feci molto caso, ma non si fece più vedere in giro e un giorno chiesi al Man se ne sapeva qualcosa. Mi raccontò che era stato ricoverato in preda a crisi depressive e sentendosi un po' in colpa, mi spiegò che forse anche lui aveva contribuito a questa situazione. Con la sua tipica flemma (opposta alla costante febbrile eccitazione dell'amico), mi raccontò che Capo, non si sa in base a quali principi etici, aveva sempre sostenuto fermamente che una persona nella propria vita, una volta ottenuto un lavoro, doveva mantenerlo per sempre, altrimenti era da considerarsi un fallito. Come il Man appunto, additato di continuo come esempio negativo poiché aveva già cambiato più volte posto di lavoro. Ormai non si frequentavano quasi più, ma la morale che Capo si era imposto gli si ritorse contro, perché il Man al primo lavoro perso dell'ex-amico lo aspettò al varco e incontrandolo per strada gli urlò: "Conto uno!". Quando anche il secondo lavoro andò in fumo, fu la volta di "Conto due", parole che il Man gridava con regolarità implacabile ogni volta che si incrociavano, nel bar o lungo la strada. L'epilogo si ebbe quando il Man, consapevole di colpire nel segno, un giorno al termine di una discussione gli gridò: "Tanto si sa che ormai la musica di Bowie la fa Brian Eno al computer!" Capo, sicuramente non solo per questi motivi, andò fuori di testa. I suoi genitori si presentarono addirittura a casa del Man a fare una scenata, attribuendo a lui la colpa per la depressione del figlio e intimandogli di non tormentarlo più con le sue perfide frasi. Rividi Capo in circolazione dopo cinque-sei anni, visibilmente sedato ed ingrassato. Mi salutò e scambiammo qualche parola stentata: due ragazzi, quasi adulti in imbarazzo reciproco.
Il Man un giorno mi fece leggere alcuni suoi scritti stralunati (alla Syd Barrett): erano poesie e testi di canzoni dai titoli improbabili tipo Canto d'addio al cosmico Daniele. Uno mi colpì, perché il finale era divertente: narrava in versi un episodio vero riguardante questo suo amico sprovveduto che per un paio di anni, quando in paese arrivava l'autoscontro gestito da un omone obeso, si faceva assumere come lavorante, sperando di guadagnare qualche soldo. Finiva così: "...ma alla fine della settimana di lavoro il grasso padrone non gli dava dei soldi bensì gli dava del pazzo".

Formazione musicale

Quanto durano quegli anni della nostra vita che ci accompagnano dall'adolescenza all'età adulta? La questione è ovviamente molto soggettiva. Sta di fatto che i dischi per me significativi che hanno caratterizzato questo periodo sono veramente troppi, così per sintetizzare questa sorta di formazione musicale, ho deciso di utilizzare come spartiacque i 18 anni: prima e dopo.

UNDER 18

1. Jesus Christ Superstar - Colonna sonoraLegato al ricordo della prima "cotta" adolescenziale.
2. Made in Japan - Deep Purple
   Inevitabile infatuazione di ogni ragazzino appena affacciatosi al rock.
3. Ho visto anche degli zingari felici - Claudio LolliIl primo concerto in assoluto.
   
4. Rimmel - Francesco de GregoriSpartito, chitarra e pedalare.
5. Wish you were here - Pink FloydNuovi orizzonti da esplorare.
6. Non all'amore nè al denaro nè al cielo - F. De AndréColonna sonora e dolce ricordo del mio primo viaggio all'estero e di una ragazza basca.
   
7. Harvest - Neil YoungProgressi con la chitarra. Mi ci sono consumato le dita.
8. Foxtrot - GenesisLa scoperta della complessità.
9. Heroes - David BowieL'inno di una generazione.
   
10. Rock'n'Roll Animal - Lou Reed
    Il risveglio dell'animale in me.

UNDER 20

Solo due anni in più, ma tanti cambiamenti. L'università e l'appartamento a Bologna, il passaggio alla chitarra elettrica, il gruppo, il taglio della barba e dei capelli che sancisce la fine di un'era. Selezionare dieci album è stata veramente dura, perché con l'esplosione della new wave in tutte le sue varianti e con i primi guadagni, la mia discoteca personale aumentò a dismisura.

1. Unknown Pleausure - Joy Division
   No words needed.
2. Remain in light - Talking HeadsIl nostro vangelo musicale.
   
3. The Wall - Pink FloydUn capolavoro per la fine di un'epoca.
   
4. In the flat field - BauhausIl periodo più scuro. Micidiali dal vivo a Bologna nel 1981.
5. Seventeen seconds - The CureLa genialità nell'essenzialità.
6. The Raven - The StranglersLa copertina tridimensionale comprata a Londra.
7. Killing Joke - Killing JokeFurore giovanile.
   
8. Easter - Patty SmithLa magia del primo concerto degno di tal nome. Bologna 10/09/79
   
9. My life in bush of ghosts - Brian Eno & David ByrneLa contaminazione e la visione del futuro.
10. Sandinista - The ClashL'evoluzione del rock in un disco irripetibile.
    

Talking Heads - Fear of Music 1979

Oggi è il 3 agosto e siamo all'anniversario trentennale di un altro dei tanti dischi incredibili usciti nel 1979 (cliccando sul link ve ne potete fare un'idea). Sto parlando di Fear of Music dei Talking Heads, l'album dalla copertina formata per intero da un muro metallico nero; opera che preparò il terreno a Remain in Light, dopo il quale, sotto un certo punto di vista, la musica non è stata più la stessa. Questo tuttavia fu per Byrne e compagni il vero album della svolta, quello che anticipò le sperimentazioni di My life in the bush of ghosts e gli scenari futuri della new wave. Il sound spigoloso dei primi due album comincia a mutare e soprattutto a maturare a livello espressivo; entra di prepotenza l'elettronica e si allargano gli orizzonti, ponendo i primi mattoni delle contaminazioni etniche (Zimbra); il basso di Tina si fa più caldo, pulsante e la chitarra ormai è utilizzata come strumento ritmico; collaborano Fripp (chitarra in Zimbra) e ovviamente Brian Eno con un ruolo sempre più determinante. E' un disco multiforme e proiettato nel futuro, un sorta di anatomia della società post-moderna, dove David Byrne ci accompagna in un viaggio intellettual-musicale nelle nostre nevrosi: a volte alienato (Drugs) a volte frenetico (Cities, Life during war time) oppure ossessivo (Mind); e nell'unica ballata del disco (Heaven) canta: Il Paradiso è il posto dove non succede mai niente.
La paura della musica non è mai stata così piacevole e terribile.

Grace Slick - Manhole 1974

Giovanissimo, frequentavo Radio Graal, un avamposto freak della Bassa Romagna che come Radio Alice a Bologna dava spazio a chi avesse voglia di trasmettere. In quel periodo scoprii questo disco per caso quando il mitico (ahimé fu) Alfredo mise sul piatto, senza tante presentazioni un brano di quindici minuti. Da allora è entrato nel mio cuore e in quello di F. che spesso, quando l'ascoltiamo, canta imperterrita a squarciagola nonostante i miei rimbrotti e le mie lamentele.
Manhole è il primo album solista di Grace Slick, prototipo di donna e cantante da clonare nonché icona ribelle e sensuale del Flower Power. L'album fu concepito come colonna sonora per un film mai realizzato, mentre da una costola dei Jefferson stavano nascendo gli Hot Tuna. La prima facciata è occupata dal brano introduttivo Jay seguito da un capolavoro senza tempo: Manhole- Theme From The Movie, una suite di 15 minuti con l'accompagnamento della London Symphony Orchestra, che si dipana potente e delicata allo stesso tempo. La vocalità di Grace esplode in tutte le sue sfaccettature: lirismo, passione e sensualità sorretti da un cantato in cui si alternano inglese e spagnolo. Solo questo brano vale tutto l'album; entra sottopelle e non se ne va più. Le altre canzoni, pure buone, (come ad esempio il blues avvolgente di Better Layin Down) rischiano di sparire di fronte a questa composizione, che si chiude con questi versi:

Don't tie me down I want to run

Give me the sun.
Don't tie me down I want to run
Give me the sun.
And if you see - You think I'm just about to leave,
You can follow me
But I'm already gone.

GIVE ME THE SUN
Theme from the Movie Manhole pt1
Theme from the Movie Manhole pt2

Quando ascoltavo Thriller

Micheal Jackson: Gary, 29/08/1958 – Los Angeles, 25/06/09
Se anche il sottoscritto (che nel 1982 ascoltava prevalentemente Talking Heads, Bauhaus, Cure, Clash, ecc...) aveva in casa e ascoltava questo disco, ci sarà stato un motivo! All'epoca era un grande artista e metteva tutti d'accordo. Poi chissà cosa è successo. Un corpo e una mente minati che forse ora hanno trovato pace.

MEDIUM MEDIUM - The Glitterhouse 1981

Sotto la spinta innovativa della new wave alla fine degli anni '70 nacquero nuovi gruppi che contaminarono la loro musica con il funk e il dub. Questo gruppo di Nottingham, formatosi nel 1979 e sciolto nel 1983, fece un solo album però molto interessante, con sonorità che richiamavano a tratti i Talking Heads del periodo d'oro, ma anche gli A Certain Ratio con il loro white funk algido ed etereo. In epoca revival dance-punk la band si è riunita nel 2004 per una serie di concerti ed esibizioni. All'epoca (ma anche ora) facevano venire una gran voglia di muoversi. Il brano qui sotto era una garanzia: quando lo cacciavamo su, la pista si riempiva.