Ángela de la Cruz, más allá del Premio Turner 2010

El prestigioso premio Turner se concede anualmente por la Tate Britain a un artista menor de 50 años que, independientemente de su nacionalidad, haya exhibido sus trabajos en el Reino Unido a lo largo de los últimos doce meses.

La elección del premio Turner es uno de los acontecimientos artísticos más importantes de Londres y suele dividir a la crítica por su tendencia a destacar trabajos marcadamente conceptuales. Sin embargo, este año, la lista de artistas seleccionados (el inglés Dexter Dalwood, la escocesa Susan Philipsz, el dúo londinense Otolith Group y la española Ángela de la Cruz) hacía pensar en un regreso a la pintura y una ruptura con el habitual predominio de apuestas más radicales.

El pasado 6 de diciembre su conoció el veredicto.

And the winner was… el arte sonoro de Susan Philipsz, artista escocesa de 44 años, residente en Berlín, que atrajo la atención del jurado del premio Turner con la instalación sonora Espejos, que en su día exhibió el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (MARCO). Sus propuestas, según el jurado del Turner, reflejan "una tensión entre el sentimiento de las canciones y ciertos entornos descuidados".

Ángela de la Cruz no consiguió el premio, pero haber sido una de los cuatro finalistas al Premio Turner es todo un triunfo. La selección de su exposición “After”, en el Camden Arts Centre, supuso una sorpresa para la crítica británica, que sin embargo la señaló hasta última hora, como una de las favoritas a hacerse con el galardón.

 

La artista gallega (La Coruña, 1965) ha marcado, en cualquier caso, un hito al convertirse en la primera española finalista del Turner en sus 26 años de singladura.

Residente en Londres desde 1989, Ángela de la Cruz llamó la atención del jurado por su obra, caracterizada por la deconstrucción de sus pinturas, que rompe, rasga y dobla para presentarlas como esculturas. En la presentación de los finalistas, el jurado del Turner destacó que la artista gallega considera “el bastidor una extensión del cuerpo humano”, y recordó que ya en su época de estudiante en Londres empezó a romper los bastidores de los cuadros “para liberarlos de los límites”.

 

  

En 2005, un cavernoma mandó a la artista a una silla de ruedas. Pero ni la enfermedad ni una obligada pausa pudieron con la dedicación de esta mujer que necesita de sus asistentes para materializar lo que ella define como escultura con técnica pictórica.

A pesar de no haber obtenido el premio (ni las 25.000 libras con las que está dotado) Ángela de la Cruz ha conseguido una posición que afianza su nombre en los círculos internacionales. Sus pinturas escultóricas o esculturas pictóricas serán objeto de su primera exposición individual en España, el próximo 21 de enero, en la galería madrileña Helga de Alvear.

"Lo reciclo todo. Los lienzos que no funcionan pasan a formar parte de otros".

"Como si se marcharan por ahí y después de un tiempo volvieran a casa, que es el bastidor. Suerte que aunque estén hechos polvo se pueden colgar igual"

-Ángela de la Cruz-

 

 

A propósito del Premio Nacional de Artes Plásticas

NO

Tras la negativa del artista Santiago Sierra a aceptar el Premio Nacional de artes Plásticas 2010 que le había otorgado, el pasado 4 de noviembre, el Ministerio de Cultura del Gobierno de España, escribí una entrada en el blog  “Una estantería anexa”, reconociendo la coherencia del artista,  intentando acercarme a su obra… comprender el motivo de su decisión…

Y me quedaron dudas, y me quedaron preguntas…. y busqué… y quise saber quién había sido premiado en anteriores ocasiones…

LA PÁGINA WEB DEL MINISTERIO DE CULTURA

En la página web del Ministerio de Cultura –pobre página web, qué vergüenza- podemos leer que se trata de “una convocatoria anual que se inició en el año 1980”, que “la concesión del Premio Nacional de las Artes Plásticas es el reconocimiento de la sociedad a las personas como recompensa a la meritoria labor de los galardonados, que con su creación artística contribuyen al enriquecimiento del patrimonio cultural de España”; y que “los candidatos serán presentados por los miembros del jurado o por las entidades relacionadas con la actividad artística”.

Eso es todo.

Al intentar abrir el documento “Creación del Premio Nacional de las Artes Plásticas y su desarrollo. Órdenes vigentes (DOC 32 KB)” que se incluye como contenido relacionado… no pasa nada.  Vuelta a intentarlo… Sólo puedes leer el texto guardándolo previamente…

Se trata de la ORDEN DE 22 DE JUNIO DE 1995 POR LA QUE SE REGULAN LOS PREMIOS NACIONALES DEL MINISTERIO DE CULTURA Y SE CONVOCAN LOS CORRESPONDIENTES AL AÑO 1995, INCLUYE MODIFICACIONES POSTERIORES, (BOE n. 154 de 29/6/1995). *

El texto, resumido a mi manera -en verde el texto original, y subrayado lo que me interesa o llama mi atención-, sería algo así:

Bla,bla,bla,(…) Con el carácter de Premios Nacionales se convocarán anualmente los siguientes:

Premio Nacional de las Artes Plásticas. Premio Nacional de Fotografía. Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales, de las Letras Españolas, Premio Nacional de Literatura en sus diversas modalidades(4)…de Historia, Traducción(2)…Literatura Infantil y Juvenil….Teatro, Música(2)… Danza, Circo y Cinematografía… Dieciocho en total, si la suma no me falla.

Bla, bla bla… (…)1. Los Premios Nacionales se otorgarán como recompensa y reconocimiento a la meritoria labor de los galardonados (…) 2. Los premios se otorgarán con base en las actividades de creación cultural realizadas por personas físicas o colectivos susceptibles de ser considerados como creadores cualquiera que sea su personalidad jurídica.

Se exceptúan(…)que podrán bla,bla,bla. (…)3. Para la concesión de los premios se tendrá en cuenta la calidad de las obras o actividades recompensadas, y su significación como aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural y artística españolas.(…)Tercero.- 1. La dotación económica de los premios será de… 30.000 euros para unos, de 15.000 euros para otros (si yo fuera escritora, traductora o historiadora… me molestaría mucho)… y sin dotación económica para los Premios Nacionales a la Mejor Labor Editorial Cultural y al Fomento de la Lectura, que tienen carácter honorífico –¿y quizás publicitario?- bla,bla,bla.

Cuarto.- 1. Cada premio se fallará por un jurado integrado por un número de miembros no inferior a cinco ni superior a diez, que serán designados por la Ministra de Cultura, a propuesta de cada uno de los Directores Generales competentes, entre personas de reconocido prestigio en las actividades objeto de los respectivos premios nacionales y, preferentemente, entre los que propongan las instituciones, academias, corporaciones o asociaciones profesionales, de forma que quede garantizada al máximo la idoneidad, competencia e independencia de los jurados.

En las propuestas de los jurados deberá velarse por mantener la paridad entre hombres y mujeres.

Además formarán parte del jurado las personas premiadas en la anterior convocatoria de cada uno de los premios o, en su caso, un representante de la persona jurídica premiada, libremente designado por ésta. Bla,bla,bla, cuestiones varias…(…)

4. Los miembros del jurado tendrán derecho a percibir las gratificaciones correspondientes a sus trabajos de asesoramiento y, en su caso, los gastos de locomoción y alojamiento.

Quinto.-Los candidatos serán presentados por los miembros del jurado o por las entidades culturales o profesionales relacionadas con las actividades artísticas o culturales objeto de cada premio, mediante propuestas razonadas dirigidas a la Ministra o a los propios jurados, una vez constituidos.

Sexto.-El fallo del jurado se elevará a la Ministra (…) «Boletín Oficial del Estado».

Séptimo.-La entrega de los premios concedidos se efectuará en un acto o actos públicos, convocados al efecto, a los que se dotará de la trascendencia, solemnidad y publicidad adecuadas.

Octavo.-En ningún caso, la concesión del premio implicará cesión o limitación de los derechos de propiedad intelectual de su autor.

(…) Cuestiones sobre el Régimen Jurídico, Procedimientos… de dónde sale el dinero para pagar los premios, a los jurados, los actos públicos y sus ágapes –aunque no se mencionan…-

Undécimo.-1. Se convocan los premios nacionales correspondientes al año 1995

Bla,bla,bla,

Madrid, 22 de junio de 1995.

ALBORCH BATALLER

Bla,bla,bla

---

* Nota: El texto que se ofrece en esta página está destinado a su uso como instrumento documental. El Ministerio de Cultura no se hace responsable de su contenido. Este texto no tiene validez jurídica alguna. Para fines jurídicos consulte los textos publicados en los Boletines y Diarios Oficiales.

Las actualizaciones, desde 1995, las obtienes enlace tras enlace… pero nada nuevo, en realidad.

LOS PREMIADOS

Sabiendo algo más sobre LOS PREMIOS NACIONALES DEL MINISTERIO DE CULTURA, quise saber quiénes habían recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas, desde su creación –en 1980 según la página web- y 2010, año en que Santiago Sierra lo rechaza. Y de paso, ver cuántas mujeres lo ha recibido y quiénes. Un enlace… click…

2010.
Santiago Sierra

2009.
Nacho Criado

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2009.(PDF 155 KB)

Biografía Nacho Criado. (PDF 88KB)

2008.
Esther Ferrer

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2008.(PDF 145 KB)

Biografía Esther Ferrer (PDF 88KB)

2007.
Isidoro Valcárcel Medina

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2007 (PDF 37 KB)

Biografía Isidoro Valcárcel Medina (PDF 94 KB)

2006.
PereJaume

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2006 (PDF 47 KB)

Biografía Perejaume (PDF 42 KB)

2005.
Antoni Muntadas

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2005 (PDF 87 KB)

Biografía Antoni Muntadas (PDF 94 KB)

2004.
Carlos Pazos

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2004 (PDF 36 KB)

Biografía Carlos Pazos (PDF 21 KB)

2003.
Alcain, Alfredo

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2003 (PDF 33 KB)

Biografía Alfredo Alcaín (PDF 35 KB)

2002.
Juan Uslé

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2002 (PDF 40 KB)

Biografía Juan Uslé (PDF  50 KB)

2001.
Juan José Aquerreta

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2001 (PDF 36 KB)

Biografía Juan José Aquerreta (PDF 41 KB)

2000.
Juan Muñoz

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 2000 (PDF 40 KB)

Biografía Juan Muñoz (DOC 98 KB)

1999.
Pablo Palazuelo y Cristina Iglesias

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1999 (PDF 47 KB)

Biografía Cristina Iglesias (DOC 37 KB)

Biografía  Pablo Palazuelo (DOC 46 KB)

1998.
Cristino de Vera

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1998 (PDF 29 KB)

Biografía Cristino de Vera (DOC 26 KB)

1997.
Ramón Gaya

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1997 (PDF 34 KB)

Biografía Ramón Gaya (DOC 90 KB)

1996.
Miguel Ángel Campano

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1996 (PDF 107 KB)

Biografía Miguel Ángel Campano (DOC 27 KB)

1995.
José Manuel Broto Gimeno

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1995 (PDF 48 KB)

Biografía José Manuel Broto Gimeno (DOC 53 KB)

1994.
Eva Lootz

Orden por la que se concede el Premio Nacional correspondiente al año 1994 (PDF 73 KB)

Biografía Eva Lootz (DOC 40 KB)

…¿Y de 1980 a 1994…? No hay datos, no hay información, nada de nada. ¿Catorce años`para olvidar…? Espero que no, la siguiente búsqueda será esta: ¿Quien recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas entre su primera convocatoria –1980- y 1994?

MUJERES ARTISTAS PREMIADAS CON EL PREMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS

Pues desde 1994 hasta 2010… Tres: Eva Lootz (1994), Cristina Iglesias (compartido, en 1999) y Esther Ferrer (2008), en 17 años. ( Y eso que según he leído: “En las propuestas de los jurados deberá velarse por mantener la paridad entre hombres y mujeres. “)

• EVA LOOTZ
• CRISTINA IGLESIAS
• ESTHER FERRER

Fuentes:

• http://www.mcu.es/promoArte/CE/Premios/NacionalArtesPlasticasPresentacion.html

(Mercedes García Bravo, para Gradiva.es)

SURREAL FRIENDS- Exposicion

19 junio – 12 septiembre 2010
Pallant House Gallery, Chichester, UK

 

Leonora Carrington, Remedios Varo, Kati Horna… y algunos mas

Surreal Friends, la exposicion que tiene lugar este verano en la Pallant House Gallery, de Chichester, cerquita de Londres, celebra la amistad de estas tres mujeres artistas. Es la primera muestra del trabajo de Leonora Carrington en Gran Bretaña en 19 años y por primera vez se exhiben trabajos de sus amigas Varo y Horna.

Leonora Carrington, Remedios Varo Y Kati Horna -una pintora inglesa, una pintora española y una fotografa hungara- se encontraron en Mexico en 1943. Compartian recuerdos de Paris, del surrealismo, de la guerra civil española y el estallido de la segunda guerra mundial.

La exposicion tiene lugar en Chichester, cerca de West Dean, en West Sussex, la propiedad del mecenas surrealista Edward James, que aloja una coleccion de arte surrealista. Amigo de las tres artistas, James vivio un tiempo en Mexico y pidio matrimonio a Kati Horna y Leonora Carrington. Con su amigo Plutarco Gastelum, construyo un jardin del Eden surrealista en Las Pozas, en Xitila, San Luis, Potosi, donde se encuentra una “doble escalera a ningun sitio” diseñada por Leonora Carrington, que tambien pinto un mural en El Castillo, la casa de Xilitla que Plutarco construyo para el, su esposa y su amigo Edward James.

Surreal Friends coincide con el doble aniversario de dos sucesos de la historia mejicana: el Bicentenario de la independencia de Mexico y el centenario de la Revolucion mexicana, ambos en 2010.

Mas informacion:

• Surreal friends (Ciudad de mujeres: Londres)
• Pallant House Gallery

Y una propuesta interesante: comenta tres obras de Leonora Carrington y gana un viaje a Mexico

Toda la informacion

Comenta las obras de Leonora Carrington y gana un viaje a Mexico.

En el marco de la exposicion Surrealist Friends, que reune en Chichester (West Sussex, UK) la obra de Leonora Carrington, Remedios Varo y Kati Horna, tiene lugar una propuesta  que felicitamos: consiste en comentar tres obras de Leonora Carrington.

Puedes ganar un viaje a Mexico si envias antes del 28 de agosto de 2010 tus comentarios on line-de 150 palabras como maximo- sobre estas tres obras de Leonora Carrington:

• The House Opposite, Leonora Carrington, 1945
• Are You Really Syrious?, Leonora Carrington, 1953
• Bird Pong, Leonora Carrington, 1949

  ¿No es una propuesta estupenda…? Y poco habitual. Si te animas a participar… cuentalo y dejanos una copia de tu comentario.

Louise Bourgeois (1911-2010). CITAS

La escultora estadounidense –nacida en Francia- Louise Bourgeois falleció en Nueva York el pasado 31 de mayo de 2010.

Revisando los libros y archivos de la Biblioteca de Mujeres artistas, he encontrado estas citas, que algún día subrayé:

   "UNA MUJER NO TIENE LUGAR COMO ARTISTA HASTA QUE PRUEBA UNA Y OTRA VEZ QUE NO SERÁ ELIMINADA" (Respuesta a la pregunta "¿Qué le parece la posición actual de las mujeres en el mundo del arte?, para el artículo "Forum: Women in Art", de Cindy Nemser, publicado en 1971 en Arts Magazine, y recogido en "DESTRUCCIÓN DEL PADRE/RECONSTRUCCIÓN DEL PADRE: escritos y entrevistas 1923-1997", Madrid, SINTESIS, 2002

 

   "TENÍA LA SENSACIÓN DE QUE LA ESCENA ARTÍSTICA PERTENECÍA A LOS HOMBRES Y DE QUE YO ESTABA, EN CIERTO SENTIDO, INVADIENDO SUS DOMINIOS. POR ELLO, HACÍA LAS OBRAS Y LUEGO LAS ESCONDÍA. ME ENCONTRABA MÁS CÓMODA SI LAS ESCONDÍA, AUNQUE AL MISMO TIEMPO, NUNCA DESTRUÍ NINGUNA. GUARDÉ CADA PIEZA.
     NO OBSTANTE, HOY ESTOY HACIENDO UN ESFUERZO POR CAMBIAR." (1979) incluido en el libro " Originals: American Women Artists", de Eleanor Munro y recogido en el capitulo "Apuntes(!979) de L.B., Destrucción del padre(...), Madrid, ed. Síntesis, 2002, pp54.

 

Louise Bourgeois, fotografiada por Annie Leibovitz

   "EL PRIMER SUCESO AFORTUNADO DE MI VIDA CONSISTIÓ EN QUE EL MERCADO ARTÍSTICO DECIDIÓ DEJARME A UN LADO, ASÍ QUE ME QUEDÉ SOLA PARA TRABAJAR A MI AIRE DURANTE QUINCE AÑOS", Publicado en 1986 EN PARKETT, nº9 de una entrevista con Robert Storr. Aparece en L.B. DESTRUCC(...),Madrid, Síntesis, 2002, pp.80.

 

"UNA HIJA CONSTITUYE UNA DECEPCIÓN. CUANDO SE TRAÍA UNA HIJA A ESTE MUNDO, HABÍA QUE SER PERDONADA. ASÍ, POR EJEMPLO, SE PERDONÓ A MI MADRE GRACIAS A QUE YO ERA LA VIVA IMÁGEN DE MI PADRE. ESE FUÉ MI PRIMER GOLPE DE SUERTE.", Apunte recogido en 1992 por Ammann Verlag, Zurich, en "Louise Bourgeois: Designing by Free Fall", aparece en L.B. destrucción(...) Madrid, Síntesis, 2002 pp 125

 

"LA NECESIDAD INTERIOR DEL ARTISTA DE SER UN ARTISTA CONECTA ÍNTIMAMENTE CON SU GÉNERO Y SU SEXUALIDAD. LA FRUSTRACIÓN DE LA MUJER ARTISTA Y SU FALTA DE UN PAPEL INMEDIATO DE ARTISTA DENTRO DE LA SOCIEDAD ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESIDAD, Y SU IMPOTENCIA (INCLUSO SI LLEGA A TENER ÉXITO) ES CONSECUENCIA DE ESTA NECESARIA VOCACIÓN" Fragmento del texto"tiene el arte un género?, escrito para una mesa redonda  en YMCA, N.Y. 16 de feb de 1972, recogido en L.B. destrucción(...), Madrid, Síntesis, 2002, pp.47

"Me sentí atraída del arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones en las que mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era... Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura."

"Todos los días uno tiene que abandonar su pasado o aceptarlo, y entonces, si no puede aceptarlo, se hace escultor." 
Louise Bourgeois. Memoria y Arquitectura. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Catálogo de la exposición del mismo nombre del 16 de noviembre de 1999 al 14 de febrero del 2000.

  Spider, Louise Bourgeois

Falleció Louise Bourgeois (1911-2010)

La escultora francesa Louise Bourgeois murió este lunes, 31 de mayo, a los 98 años de edad en la ciudad de Nueva York, dos días después de sufrir un infarto.

Nacida en Paris, el día de Navidad de 1911, en el seno de una familia dedicada a la restauración y venta de tapices y textiles antiguos, Louise Bourgeois siempre reconoció que su trabajo se inspiraba en las experiencias de su infancia y adolescencia.

Con gran talento para las matemáticas, en la adolescencia comenzó a ayudar en el negocio familiar, reparando pequeñas partes de tapices y añadiendo hojas de parra en los genitales de las figuras desnudas que aparecían en obras destinadas a los pudorosos clientes americanos. En esa época su mujeriego padre introdujo en casa a su joven amante, una inglesa llamada Sadie, que se convirtió en su tutora. Con ella aprendió inglés, y supo de celos y odios.

Todo esto se convirtió en parte de la leyenda de Bourgeois y en clave de su arte. Como artista francesada emigrada, llegó a Nueva York en 1938 y su carrera se desarrolló lentamente. Alcanzó el éxito comercial y de crítica cumplidos los sesenta años. Cuando en 1982 el MOMA de Nueva York le dedicó una retrospectiva –la primera organizada en torno a una mujer- ya era bien conocida, aunque vista como inclasificable, marginal e incluso excéntrica. La exposición la convirtió en la Gran Dama del Arte americano.

Ese mismo año, el fotógrafo Robert Mapplethorpe realizó varios retratos de Bourgeois que se ha hecho célebres.

Louise Bourgeois realizó esculturas en todo tipo de soporte y medio, realizó también grabados y dibujos, creó instalaciones claustrofóbicas, pequeñas muñecas de trapo y gigantescas arañas de metal, criaturas con múltiples pechos, manos esculpidas en mármol, objetos sexuales y extraños que sugieren secretos y una violencia apenas escondida.

Su reconocido prestigio internacional viene avalado por los premios recibidos: Grand Prix en Escultura del Ministerio de Cultura Francés (1991), León de Oro en la 48 Bienal de Venecia; Praemium Imperiale, Asociación Japonesa de Arte (1999) y Wexner Prize Wall de Wexner Center for the Arts de la Ohio State University (1999).

El año 2008 Louise Bourgeois recibió el Premio Aragón-Goya "por la  trayectoria de una obra que, con una singular visión femenina en donde la introspección psicoanalítica se funde con la narratividad, es deudora directa de las consecuencias que el arte de Goya tiene en el presente". El mismo año se celebró una retrospectiva en el Centre Pompidour, de Paris

A pesar de haber vivido gran parte de su vida en Estados Unidos y contar con la nacionalidad de ese país, el presidente de Francia, Nicolas Sarkozy, ya ha decidido conceder la Legión de Honor como homenaje a la "gran artista" fallecida.

Sin duda se ha ido una de las artistas más originales.

BIBLIOTECA DE MUJERES ARTISTAS:

 Bibliografía sobre Louise Bourgeois

Laia LLorca. Exposición de pinturas

Restaurante el Foro

C/ Princesa, 53 – BARCELONA

Inauguración 10 de marzo. 2010

Katia Acín (Huesca1923 – Pamplona 2004)

Katia Acín (en realidad llamada Ana MaríaTeresa de Jesús Katia y Titania Acín Monrás -Titania era el nombre de la reina en la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano- ,era la mayor de las dos hijas del artista, militante libertario y pedagogo Ramón Acín y de Concha Monrás, pianista, asesinados el 6 de agosto de 1936.

Katia Acín, que iba a cumplir entonces los 13 años y su hermana Sol, de 11, fueron llevadas a Jaca con sus primas y se quedaron a vivir con su tío Santos Acín y su esposa Rosa Solano, que eran conservadores. Como explicarían, tras mucho tiempo de obligado silencio, ambas hermanas tenían inculcados el amor por la libertad y el ansia de conocimiento de sus padres, que mantuvieron siempre. Las dos estudiaron en la Universidad de Zaragoza, donde Katia se licenció en Historia Medieval en 1944. Se casó con el abogado Federico García Bragado y tuvieron cinco hijos.

En los años 60, Katia logró una plaza como profesora en el instituto de Binéfar, en el que llegaría a ser directora. En 1988, ya jubilada, se matriculó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, residió en un colegio mayor, fue delegada de curso y obtuvo la licenciatura en 1993. Se especializó en grabado, que continuó perfeccionando en la Escuela de Arte de Tarragona (entonces vivía en Altafuya, frente al mar) , y durante su asistencia como becaria en los talleres de la Fundación Pilar i Joan Miró.

Katia y Ramón Acín

Katia Acín reunió su obra con la de su padre en una exposición que tuvo lugar en la UNED de Barbastro en octubre del 2001. Continuadora de la herencia plástica de Ramón Acín, la obra de su hija no cae en tentaciones formalistas, decidida como está a dirigir su atención al contenido sensible de las imágenes grabadas, de trazo simple, esencial y decidido , escribió entonces la crítica de arte de EL PERIODICO, Chus Tudelilla.

Los grabados y esculturas de Katia Acín se exponían en la sala La Carbonería de su ciudad natal cuando falleció, en un hospital de Pamplona el 14 de diciembre de 2004. Se le había diagnosticó cáncer sólo dos meses antes, pero ella no lo supo. Su exposición estaba en Huesca: Y la crítica (Chus Tudelilla, 4 de diciembre del 2004) señalaba: ...Katia Acín ofrece protección (a esos seres sufrientes) cuando con sus manos graba y modela en arcilla la herida, más que con la intención de denunciarla, para testimoniarla y mostrarla a la sensibilidad de quienes permanecen ajenos totalmente al dolor de los demás .

(Fuente:  ROBERTO MIRANDA, El Periódico de Aragón 15/12/2004)

Espagnole. Natalia Goncharova, ca 1916

 

Natalia Gontcharova (1881-1962)
Espagnole 
Firmado 'N. Gontcharova' (arriba a la derecha) 
oleo/lienzo
130.3 x 81.3 cm
Pintado circa 1916

Espagnole es una espectacular pintura realizada por Natalia Goncharova durante la Primera Guerra Mundial. Fué vendida en Christie’s (Londres) el pasado 2 de febrero de 2010  por 6.425.250.- libras (7.331.210.- euros y 10.216.148.- dólares), lo que supone un récord mundial para la artista y el precio más alto jamás pagado en subasta por una obra realizada por una mujer.

Esta obra es un ejemplo de la especial habilidad de Gontcharova para fusionar los lenguajes más vanguardistas como el rayonismo, el cubismo o el futurismo con los colores, formas, motivos y tradiciones del arte popular y folclórico.

Espagnole es una de las pocas pinturas que Natalia Gontcharova realizó inmediatamente después de conseguir sus primeros éxitos como diseñadora de vestuarios y decorados para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev y en un momento en el que estaba completamente absorbida en el desarrollo de su nueva carrera, preparando los ballets España (una serie de de bailes tradicionales españoles con música de Ravel) y Triana que, aunque no llegaron a ser representados, acabaron teniendo un enorme impacto en la obra de Gontcharova. Los vestidos y mantillas de las bailarinas españolas que había visto durante su viaje a España en 1916 cautivaron a Natalia Gontcharova hasta tal punto que este tema domina mucho de su arte posterior y de sus diseños para el teatro.

Espagnole, una de las mayores y más ambiciosas obras que pintó Gontcharova parece surgir de una idea que había expresado previamente en un diseño para uno de los trajes que debían aparecer en una de esas producciones teatrales: un gouache  datado en 1914 que fué publicado bajo el título Costume Espagnol en el catálogo L'Art Décoratif Théàtral Moderne, publicado por Larionov y Gontcharova en Paris en 1919.

Natalia Gontcharova crea un caleidoscopio de formas abstractas, líneas que parten del centro y escapan del cuadro, ángulos y colores radiantes, y logra  transmitir la energía y el dinamismo de una bailaora española, incorporando el exotismo del vestuario popular (mantones, bordados, peinetas…)a través de detallados elementos decorativos.

Procedencia de la obra:

Herederos de la artista
Galerie Arditti, Paris.
Galerie Beyeler, Basel (no. 3264), que la adquirió de la anterior en1962.
Galerie Gmurzynska, Cologne,  comprada en 1969.
Leonard Hutton Galleries, New York, en 1971.
Adquirida por un coleccionista suizo a principios de 1980’ y vendida en la casa de subastas Christie`s a un coleccionista anónimo el 2 de febrero de 2010.

Exposiciones documentadas:

Paris, Galerie d'Art le Cadran, Espagnoles - Magnolia, 1939 (catálogo)ca
Berlin, Akademie der Künste, Avantgarde Osteuropa 1910-1930, octubre-noviembre1967, no. 24 (catálogo p. 49, as 'sinfirma', fechado 'circa 1914').
Colonia, Galerie Gmurzynska, Russische Künstler aus dem 20. Jahrhundert, Oct – Nov 1968, no. 28 (catálogo).
Ithaca, New York, Andrew Dickson White Museum of Art, Cornell University, Russian Art of the Revolution, Junio - Julio 1971, no. 9 (titulada 'Colorful Construction', fechada '1914'); esta exposición itineró posteriormente a Brooklyn, Museum of Art.
New York, Leonard Hutton Galleries, Russian avant-garde, 1908-1922, Oct – Dic 1971, no. 33 (fechada '1914').

Marika Rivera: obituario

Al parecer La actriz Marika Rivera, hija del muralista mexicano Diego Rivera, falleció el pasado 14 de enero en una residencia de ancianos de Inglaterra a los 90 años, según publican hoy diversos medios de comunicación mejicanos.

Marika, hija del artista y de la pintora cubista de origen ruso Marevna Vorobieff, nunca fue reconocida públicamente por Diego Rivera.
Cuando nació, en Paris, en 1919, Rivera estaba casado con Angelina Beloff, madre del único hijo que reconoció el pintor: Diego Jr, fallecido a los 14 meses.

 Retrato de Marevna Vorobev-Stebelska, ca. 1915. Diego Rivera

Retrato de Diego Rivera. Marevna

 
Marie Vorobieff,  madre de Marika había llegado a Paris en 1912, a los veinte años,  donde continuó sus estudios de arte y comenzó a mostrar su obra en diferentes exposiciones. Se relacionó con los artistas y escritores que, por entonces, residían en Montparnasse y especialmente en La Ruche, como Georges Braque, Marc Chagall, Jean Cocteau, Ilya Ehrenburg, Maximo Gorki, Max Jacob, Moise Kisling, Pinchus Krémègne, Fernand Léger, Henri Matisse, Amadeo Modigliani, Pablo Picasso, Chaim Soutine…

En 1919, nació Marika, la hija que tuvo con el pintor Diego Rivera -con el que vivió durante la Primera Guerra Mundial-, de la que se hizo cargo en solitario cuando el pintor mexicano regresó a su país en 1921.

Marika, que inició su carrera artística como bailarina, se casó por primera vez con el pintor francés Jean Paul Brusset y, en segundas nupcias, con el propietario de la revista cultural "Polemic", Rodney Phillips.
Tras su boda con Phillips, con quien Marika tuvo a su segundo hijo, ésta se trasladó al Reino Unido, donde comenzó su carrera como actriz en un teatro propiedad de su marido en el West End londinense.
En su carrera como actriz abundaron los papeles como "madame" de burdel y rodó películas junto a Julie Christie ("Darling") o bajo las órdenes de Federico Fellini ("Casanova").
En 1957, cuando Diego Rivera estaba a punto de morir, el pintor le pidió que acudiera a México para reconciliarse con él, pero Marika declinó la invitación.

“La razón es que en varias ocasiones Marika escribió cartas y envió fotografías, con la esperanza de ablandar mi viejo y duro corazón. Nunca le respondí. El pasado era el pasado. Aun en el remotísimo caso de que yo fuera su padre, ni ella ni Marevna me necesitaban”, escribió Diego Rivera.

La noticia de la muerte de Marika, que padecía demencia senil, fue confirmada hoy por Patrick Cooke, dueño de la Athelhamptom House, una residencia campestre del siglo XV en el condado de Dorset, sur de Inglaterra, donde vivieron varios años madre e hija y que conserva y exhibe pinturas de ambas.

 

En 1962, Marevna pintó el mural "Homenaje a mis amigos de París", donde se autorretrata junto a varios de sus compañeros artistas, con Marika en sus brazos delante de Diego Rivera.

 

 

MÁS:

• MAREVNA: Bibliografía
• Diego Rivera: su época europea
• Marevna (1892-1984)
• Galería de obras

MARUJA MALLO. Exposición en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. C/ Alcalá, 13. Madrid. Del 27 de enero al 4 de abril de 2010. Horario: Martes a viernes: 10 a 14 y 17 a 20 h. Lunes, sábados, domingos y festivos: 10 a 14 h. Entrada gratuita

 

Del 28 de enero al 4 de abril 2010 podrá verse en Madrid, procedente de Fundación Caixa Galicia de Vigo, la muestra que reúne 142 obras de la pintora gallega Maruja Mallo (Viveiro1902 –Madrid 1995) que conforman "la mayor y más exhaustiva retrospectiva dedicada a la gran transgresora de la generación del 27", en palabras de la directora de la Fundación Caixa Galicia, Teresa Porto.

El viaje al universo creativo de Maruja Mallo se acompaña de numerosas fotografías y publicaciones de época y  se completa con un catálogo referencial y la edición de una película documental.

- Las espigas surrealistas de Maruja Mallo. Ángeles García. El País.com

- Maruja Mallo viaja a Madrid. El cultural.es
- Fotogalería. El País.com
-La hora de Maruja Mallo. El Cultural.es(18/09/2009)
-Exposición de Maruja Mallo en Vigo. Gradiva arte total
-Biografía de Maruja Mallo
-Maruja Mallo en la Biblioteca de Mujeres Artistas

EXPOSICIÓN DE MARUJA MALLO en Vigo.

La Fundación Caixa Galicia expone en Vigo una exhaustiva muestra sobre la pintora gallega Maruja Mallo (Viveiro, Lugo,1902 - Madrid, 1995), una de las claves de la vanguardia española de principios del siglo XX y destacada representante del surrealismo. Tras años de estudios y análisis en torno a la obra de la viveirense, reunimos ahora su obra junto a fotografías y publicaciones de la época, que nos permitirán un minucioso acercamiento documental a su biografía, mostrando así sus habilidades e imaginario artístico desde su primera fase madrileña, ligada a los artistas de la generación del 27 (Alberti, Buñuel, Dalí, Lorca…), pasando por la etapa de anteguerra de la Escuela de Vallecas, su estancia en París, el exilio bonaerense y el posterior retorno a España en 1965. En total, más de un centenar de obras, procedentes de distintas instituciones públicas y privadas, así como una amplia serie de préstamos particulares, nos transmiten en la presente exposición la esencia de Maruja Mallo. Variadas influencias estéticas, introspecciónes y su vinculación con destacados personajes del mundo cultural (Ortega y Gasset, Pablo Neruda, María Zambrano o Gómez de la Serna, entre otros) dieron como resultado una obra prolífica, única y de enorme calidad. Fernando Huici y Juan Pérez de Ayala son los comisarios de esta exposición, la más extensa hecha en España sobre la artista, que podremos ver

Hasta el 10 de enerode 2010 en la Casa das Artes de Vigo (Rua Policarpo Sanz, 15 y 21.)

Es una sugerencia que nos hallegado a través de este mensaje de correo de María Siguero Rahona, que incluyo:

"les envío un mensaje de invitación a ver la Expo de la obra de Maruja Mallo en Vigo, iniciada hace un mes. Maruja Mallo se llamaba Ana María Gómez González Mallo y parece lógico el resumen de su nombre. Mallo ya saben los lectores de nuestros libros de Pardo Bazán lo que quiere decir. Si no lo encontrarán en nuestra nueva edición de Los Pazos, La madre Naturaleza y los Apuntes autobiográficos, donde hay una escena de la maja o maxa del trigo en la era a las órdenes del marqués de Ulloa.

Quería añadir sobre Maruja Mallo que hay una web muy interesante del IES Atenea que tiene una biografía con muchas fotos http://patry33.wordpress.com/2009/09/29/maruja-mallo/ . Pero tienen un error: entre las obras de ella ponen una de la brasileña Tarsila do Amaral, que vi el curso pasado en Madrid. Es un cuadro de dos desnudos esquemáticos de mujer con palmeras. Y tambien quería añadir que en una web sobre los amores de Miguel Hernández aparece que fueron ardientes entre él y Maruja en el año 1935 y 36 y que a ella se dedican los poemas amorosos del El rayo que no cesa. Yo creo que la vida de la gente influye en su obra sin duda. Por esa época ella hizo el cuadro La sorpresa del trigo. El 36 la sorprendió en Galicia y huyó a Portugal desde donde, con apoyo de su amiga Gabriela Mistral, que era embajadora de Chile allí, partió para Argentina, Uruguay y cuando vino el peronismo, a Estados Unidos. También he sabido que hubo una Entrevista fenomenal con ella emitida en Telemadrid. La podrían repetir alguna vez. Ahí quizá contaría sobre si se relacionó con sus 13 hermanos cuando volvió a Madrid en 1965.

Me gustaría formar un grupo grande para ir a ver esa Expo desde Madrid, pues no conozco Vigo y hay una arquitectura de principios de siglo XX estupenda. Contestadme si os mola." María Siguero Rahona

María Siguero Rahona es fundadora de la Editorial Bercimuel.