Haciendo cosquillas a las tradiciones

Tom Zé, nacido como Antonio José Santana Martins, es un compositor, cantante, arreglador y actor brasilero. Es considerado una de las figuras más originales de la Música Popular Brasilera. Participó activamente del movimento Tropicalista de los años ‘60 y hoy es una voz alternativa influyente en la escena musical de Brasil. Después de años de hermetismo y discos experimentales, y con la ayuda de un ex-Talking Heads, lentamente su carrera se recuperó y Tom Zé atrajo al público de Europa, Estados Unidos y Brasil.

Escribe: Leonardo Parente
(corresponsal en Brasil)

es el tipo que tuvo la valentía de mostrar un culo con una bolita de vidrio allí enroscada, en la portada de su LP "Todos los ojos", en 1973, en plena dictadura militar de Brasil. Originario de Irará, Bahía, aún habiendo nacido en una zona desértica y con una infancia difícil transcurrida en una ciudad culturalmente atrasada, Tom Zé no se entregó a la suerte. Se fue a la capital donde estudió música en la Universidad Federal de Bahía.

Es moderno desde que inició su carrera, cult, pop y experimental hasta los huesos. Se reinventa y recicla como una cobra que desprende su piel de tanto en tanto. Hacia 1980 formaba parte de la Música Popular Brasilera (MPB), pero la prensa lo tildó de “maldito”, lo consideraba un marginal ya que, según decían, su música no tenía atractivo comercial ni popular. Esta situación lo llevó al encierro y al ostracismo, hasta quedar atrapado en un estado psicológico y financiero muy complicado. De ahí, a la depresión y las drogas hubo sólo un paso.
A pesar de que nunca es mencionado, Tom Zé fue uno de los precursores del Tropicalismo, aquel movimiento músico-cultural que tenía entre sus integrantes a Caetano Veloso, Gilberto Gil y la agrupación Os Mutantes, movimiento que, según él, lo enterró.

Disco "Tropicalia, o pan y circo" (1969).
Arriba, derecha, de saco claro, Tom Zé

Hace algunos años estuve en Recife, en el Abril Pro Rock, uno de los principales festivales de rock de Brasil, después del show de Tom Zé, conversando con Paulo André, creador y productor del evento y Miranda, un importante productor de la escena rock de Brasil. Estábamos conmocionados comentando el desempeño espectacular de Zé, riendonos de la crisis que se generó cuando alguien tiró una pelota de plástico gigante por el aire dispersando la atención de la gente.
El detuvo el show y bastante irritado preguntó al público:
"¿Qué payasada es esa?"
Creo que la falta de atención en el período negro de la década del 80 lo dejó traumatizado y no quería que aquello se repitiese ni un minuto más.

Aún con el ruido del público que esperaba el próximo show, alcancé a escuchar a la distancia la sirena de una ambulancia. Y mientras conversaba con Paulo y Miranda, llegó un tipo apurado y agitado que dijo:
-Paulo, Tom Zé está mal y lo llevaron a emergencias!

Tom Zé había sufrido un infarto que le pegó un buen susto a sus familiares y a sus fans. Felizmente, en poco tiempo se recuperó y volvió al escenario. Al final de cuentas Tom Zé siempre vuelve. Por cierto, su peor caída no fueron sus problemas de salud, psicológicos o con las drogas. Como él mismo dijo en una entrevista: “Sin dudas que fui enterrado. Era el Trostky del Tropicalismo y me sacaron de la foto”. Aquello de la exclusión sucedió en una solemne ceremonia, después de un concierto que dio con Gal Costa, cuando Gilberto Gil llamó a Tom para conversar y anunciarle su “salida” de los Tropicalistas.
Años después, David Byrne (ex-Talking Heads) buscaba discos en una disquería de segunda mano de Río de Janeiro cuando encontró el LP “Estudiando la samba” (1976). Se entusiasmó con el sonido y le preguntó a Caetano Veloso quien era el tipo aquel.
Cuando se conocieron, Tom le dijo a Byrne que estaba pensando en volver a su ciudad natal a trabajar en una estación de servicio. Obviamente David, que estaba convencido de lo contrario, terminó relanzando toda su obra en Estados Unidos a través de su sello Luaka Bop, lo que atrajo al público de Europa y de Brasil que, con una nueva imagen lo “aceptó” definitivamente.

Foto de prensa entregada mundialmente por Luaka Bop & Warner Bros. como parte de la promoción del disco "The Best Of Tom Zé" (1990-1992). Foto: Janet Atkinsonp

“...porque com essa idéia que a Trama tramou, você me baixa sem ofensa, me grava sem agravo, me copia com capa e sem culpa...” (...porque con esa idea que Trama armó, vos me bajás sin ofender, me grabás sin agraviar, me copiás con tapa y sin culpa...) fue lo que dijo al referirse a Danç-Eh-Sá – A dança dos herdeiros do sacrifício ao vivo, el nuevo proyecto de Trama, el visionario sello que arriesga e innova el fallido escenario de la industria de la música brasilera, lanzando discos virtuales gratuitos y pagando a los artistas por cada disco descargado.

70 años no fueron suficientes para envejecer las ideas de este cantante que se renueva cada día. Después de una investigación de marketing de MTV Brasil acerca del comportamiento musical de los jóvenes, en el que la mayoría contestó que no le importaban las letras de las canciones, Tom Ze acepta la tendencia y lanza un disco sin palabras. Danç-Eh-Sá – A dança dos herdeiros do sacrifício fue lanzado originalmente en 2006 y en 2008 relanzado en vivo. Siete canciones sólo con voces, ruidos y onomatopeyas que no pasan desapercibidas para quienes buscan sonidos nuevos y creativos.
En la peor de las hipótesis, si vos no captás un mensaje en el disco, podés bailar y divertirte con Acum-Mahá, Atchim, Uai-Uai, Triú-Triii..., Taka-Tá, Cara-Cuá, Abrindo as urnas e Xique-Xique.

Web oficial: tomze.com.br
Para bajar y escuchar: albumvirtual.trama.com.br

Leonardo Parente es periodista, tiene 29 años y vive en Bahia, Brasil.
Trabaja como asesor de prensa para la Municipalidad de Salvador (Bahia) y Gobierno del Estado de Bahia. Pueden conocer su pasión por el periodista gonzo Hunter S. Thompson en este fotolog.

Peter Sempel: el último de los independientes

Nina Hagen, Lemmy Kilmister, Blixa Bargeld, Kazuo Ohno, Jeffrey Lee Pierce, Dennis Hopper, Andy Warhol, y los directores cinematográficos Wim Wenders y Jonas Mekas son algunas de las figuras sobre las que construye sus películas. Sus films, considerados de culto, no se exhiben en salas tradicionales. Peter Sempel es el último de los independientes.

“Tenés una idea, conseguís una cámara, filmás, editás, agregás música y ¡felicidades!: ya está lista” (Peter Sempel)

Escribe: Fernando Velazco

Hace veinte años que el cine de Hollywood ya no es lo mismo. Poco a poco la creatividad en el séptimo arte comenzó a escasear dándole lugar a fórmulas taquilleras, cuyos efectos especiales son una cortina de humo perfecta para tapar un guión mediocre.
Atrás quedaron los tiempos en que los actores más populares eran aquellos que habían estudiado en el Royal Dramatic Theatre o el Actor’s Studio. Definitivamente ya no habrá otra Greta Garbo, ni otro Marlon Brando. Los hermanos Wachowski, directores de The Matrix, o Peter Jackson, quien dirigió El señor de los anillos, no son ni la sombra de lo que fueron Elia Kazán, Alfred Hitchcock o François Truffaut.
Okay, podemos aceptar esto y cruzarnos de brazos en vez de volver al cine o podemos saber que todavía quedan brillantes directores y actores, con la diferencia de que ellos ahora transitan un camino vanguardista. El buen arte se ha vuelto casi elitista, donde solamente unos pocos saben que la cartelera no termina en la lista de siete u ocho películas que proyectan las grandes salas. A pesar de todo y como bien dijo Luca Prodan hace veinte años, en Buenos Aires parece haber “gente despierta”. El festival BAFICI agota anualmente sus funciones. Otros menos populares como el Festival de Cine Inusual de Buenos Aires o Buenos Aires Rojo Sangre, tienen una larga fila de seguidores. Pero todo esto tampoco es nuevo, el cine vanguardista comenzó hace ya varias décadas y sin duda uno de sus pioneros fue John Cassavetes.
Ya en los años 80, al hacerse el cine más comercial, comenzaron a aumentar la cantidad de directores independientes. Jim Jarmusch, Derek Jarman y Peter Sempel fueron algunos de sus máximos exponentes. Éste último nació en 1954 en Alemania y sus estudios de Literatura y Música se vieron reflejados en sus películas. Su film “Dandy” (1988) está basado en una obra de Voltaire y entre sus actores figuran Nick Cave, el Campino de Die Toten Hosen y Nina Hagen.

Con ella volvería a trabajar más de diez años después en el que fue su film más conocido: “Nina Hagen = Punk + Glory”. En esta película, juega entre el blanco y negro y los colores, una característica del director que se refleja también en otras obras. Para contar la historia de la pionera del punk alemán, Sempel apela a un reportaje a Nina sentada en el capot de un automóvil y hasta la hace intervenir a Eva-Maria Hagen, la madre de Nina, quien habla desde su casa.
En 2002 dirigió la película “Lemmy”, la biografía definitiva del excéntrico cantante de Motörhead, Lemmy Kilmister. Su última película data de 2007 y se titula “Flamenco mi vida - Knives of the wind” donde deja el rock para recorrer el camino del baile flamenco viajando por el mundo para mostrar todo lo relacionado a ello. Además de cineasta es un dedicado fotógrafo.


A continuación, un diálogo que mantuve con Sempel vía e-mail, en el que habla sobre sus principales films, en exclusiva para Klamahama.

¿Por qué elegiste Voltaire para el film Dandy?
Después de filmar un año para “Dandy” de casualidad leí "Cándido" de Voltaire y pensé: Hey, eso se parece bastante a lo que estoy haciendo con la película…. Alrededor del mundo (Berlín, Nueva York, Paris, Madrid, Marrakech, Cairo, Ganges, San Pablo, Himalaya, Tokyo y...) filmando diferentes culturas y sociedades, personajes, artistas, músicos, bailes, y mirando el mundo como una gran catástrofe fascinante, explotación, mentira, engaño, asesinato, violación, odio y a veces, aquí y allá, ves amor (y humor),… así es como veo el mundo. Así que puse algunas oraciones de la historia que me gustaron en el guión y comencé a decir que el film estaba “inspirado por Voltaire”. Creo que fue una buena idea, especialmente para la prensa y gente de los medios, porque ellos tienen dificultades para describir mi tipo de cine.

¿Cuál fue la película más difícil en la que trabajaste?
Esa es una pregunta difícil... mmm... en realidad cada película tiene varias grandes dificultades en distintas formas…, pero supongo que la película de Nina Hagen fue la mas difícil. Igualmente, estoy contento y agradecido de que todas las películas que comencé fueron finalizadas como yo lo deseaba, y proyectadas en las pantallas de al menos algunos cines aquí y allá (y en el canal de arte alemán (3sat+Arte). La mayor dificultad es en realidad sobrevivir haciendo este tipo de películas en un mundo que, como ya sabés, se está volviendo más y más comercializado en varias formas. Por ejemplo hace varios años la juventud está aprendiendo del idealismo y las ideas de Nike, Coca Cola, Apple, H+M, y…y…es una explotación perfecta. La canción "We are all Prostitutes" se debería volver un himno nacional para todos los estados.

La fotografía es una disciplina muy ligada al cine a la que también te dedicás. ¿Podrías contarnos tu experiencia?
Me gusta tomar fotos, y soy afortunado en encontrar y filmar a un montón de artistas maravillosos, famosos y no famosos. También animales, campos, etc, etc… Es francamente curioso ver como se conserva un momento de una situación fluida para mirarlo después por un largo tiempo, incluso colgarlo en una pared, o dárselo a la gente o hacer afiches o postales, o folletos con ellas. Eso es divertido; las fotos generalmente expresan como ven mis ojos a aquellos artistas y/o el mundo o…sólo documentar sin ninguna razón también. Por ejemplo, fotografié a John Cage escuchando caer las gotas de lluvia en un charco de la Segunda Avenida en Nueva York. Tal vez uno quiere conservar el tiempo, mantenerlo inmóvil… como las fotos que se ven como si se estuvieran moviendo… o como si no estuvieran allí, es difícil de entender.
Incluso me gusta filmar y fotografiar cosas que no entiendo y cuando veo la foto, en general todavía no entiendo, pero mirarlas es a menudo un buen sentimiento, luego de nuevo…mirando a un árbol…

¿Qué fue lo mejor de haber trabajado con Nina Hagen?
Ah…, su don para improvisar, si ella tiene un día de suerte, ¡es la mejor! Puede cantar una canción de Opera y cambiar en el medio a una canción, por ejemplo, rap. Para decirte la verdad no conozco a ninguna otra cantante con tanta calidad y talento. También me gusta manejar con ella en mi auto y hablar boludeces…
¿Qué podés contarme sobre tu última película "Flamenco mi vida - Knives of the wind"?
Estoy muy, muy agradecido de haber hecho esta película, pienso que tiene calidad, lo cual no es importante para la prensa y los medios comerciales, pero para el público normal lo es. Todos los artistas son muy reales y adorables, son todos de alta categoría en lo que hacen, de personalidades, sociedades y culturas muy diferentes.
Tal vez vos sepas, el flamenco es como un gran árbol con muchas ramas y raíces, así que tuve que filmar mucho, la mayoría por supuesto en Andalucía, España. También en El Cairo, un poco en Estambul, danza Kathak en la India y hasta en Japón. En realidad podría escribir un libro (con muchas fotos). Filmando aprendí un poco de español (todavía planeo hacerlo bien). Alrededor de dos años manejé con mi auto, a través de Andalucía, por cada ciudad y pueblo, y filmé todo lo relacionado con el flamenco que sentí necesario, además de varios caballos. También es importante la música. La película es en realidad un musical, principalmente sobre flamenco tradicional, y también del Cairo, India y artistas pop e industrial, como Einstuerzende Neubauten, Oriol Rosell, Asmus Tietchens...

Estas y otras fotos a mayor tamaño sobre Peter Sempel están disponibles en nuestras galerías de Flickr.
El sitio web oficial de Peter Sempel.

Fernando Velazco se considera a si mismo un "periodista post-punk independiente". Mientras cursó la carrera de Periodismo en el Instituto Grafotecnico puso en marcha su propio fanzine "Chelsea Zine" dedicado a la música rock en general, especialmente de 1974 a 1985. Participa en la revista La Otra y con la entrevista que acabás de leer se incorpora a nuestro Staff. Desde el piso 93 de Klamahama, le damos la bienvenida y agradecemos su aporte.

La salud de W.R.

[Iluminaciones 04-cr-2/008]

15. Fiebre consumista.
La gente paga por una fotografía de sus huesos.
Una multitud se baña en rayos X.
En Postdam, el gobernador emplaza una estatua de W. R. en pleno Zentralpark.
Roentgenstrahlen: diáfana fuente de salud y juventud.
Los carretes de inducción y los tubos de rayos catódicos son rebautizados.
En los consultorios, se hace casi obligatorio usar rayos para el diagnóstico y tratamiento de múltiples enfermedades.

16. Medalla Rumford.
Sociedad Real de Londres, 1896.
Una cultura fascinada por la fluorescencia.
Que desde hoy se desmantela en el procedimiento, bajo la grafía de los rayos equis.
Un condómino de huesos progresa en la placa como una turba albina.
Tubos (óseo linaje) que parecen nacidos de un cristal de Bohemia.
Fuelles centrales, percudidos.
Instantánea falaz: la exposición dura unos veinticinco minutos.
Se comprueba el potencial cancerígeno de la placa pionera.
W. Roentgen masca una bolita que le ayuda a soportar la radiación (lejos aún de la dosis permitida, 2 milisievert al año).
El paciente masca su TBC (otra condena).
A todos nos llega el imperativo de una estructura imposible: el operador adopta un valor equis de corriente y por contraste, se exhibe el brillo virgen de una pública osamenta.

17. Negerplastik. Buda, 1896.
Enlace radiográfico. Estructura, esbozo, imitazione
Placa-testigo: imagen de la mano de Anna Bertha.
El anillo prenupcial.
Un cuerpo se hace visible sin necesidad de intervenir con cirugía.
El contorno difuso, blanco, de los huesos de su mano bajo el rayo revelador.
Falanges macizas, campiranas, en esa garra de zombi que maniobra una zona reservada al servicio del causante del hechizo.
Reducida, a posteriori, por los efectos de la radiación ionizante.
Por esos rayos transversales, en ondas, que ignoran olímpicamente los acelerados campos magnéticos.
Que atraviesan, inalterables, la gruesa pulpa de la donna de Roentgen.

C.R.

Retrato

Obra del artista Daniel D'Ambrosi.

El ramo de flores de Chacarita

{ Escena 005/11.08.2008 }

“El ramo de flores de Chacarita/ se lo afana el funebrero/ se lo regala a su chica/ y ella le dice te quiero...”

Ciro Pertusi se había comprado su primera casa, atrás de la cancha de Ferro, Caballito.
Un metegol, un perro, una mujer –Sandra, rellenaba huevos de pascua con él en Los Dos Chinos años antes– y una 7UP.
Un astro del rock tercermundista.
Ciro Pertusi hablaba largo y tendido aquella tarde: del nuevo disco, de la realidad de la banda, y de su vida.
Tenía Ciro como una necesidad de decir la verdad.
En este caso, que su papá no había muerto de una enfermedad, como le habían hecho creer durante años de su vida.
El papá de Ciro, el Sr. Pertusi, se había suicidado.
Y no se lo dijeron porque era chico, tenía 11 años.
Mejor que supiera que el papá había muerto de enfermo.
Mejor que no supiera?

“Llora triste y sin consuelo/ la novia del funebrero/ ahora las flores robadas/ las vende en el cementerio...”

Attaque 77 tenía una larga carrera ya, y la casa fue fruto de Hacelo por mí.
Que le provocó a Ciro una fobia social, alcoholismo (Legui!!!), desastre personal.
Ciro habla de eso en pasado esta tarde: está en pareja, tiene un perro, una casa, y toma 7UP.
Está flaco, viste los eternos pantalones bombacha grises de invierno que son trocados por bermudas negras en verano.
Se ha desprendido de su ropa, y su casa es austera.
Puro rejunte de mueble.
Ha dejado todo tóxico, incluso la TV.
Ciro, calmo, se ha enfrentado a la verdad.
Es hijo de un suicida, hermano de un muchacho en problemas, hijo 2do. de una mamá de Lugano y está vivo.
Y su banda vende discos, con lo cual la compañía ha habilitado un montón de plata para un video.
Estará Lito Cruz, actor argentino importante.
Y una modelo de agencia, de esas lindas.
Y Ciro.
En un ataúd Ciro Pertusi descubrirá lo que es estar muerto, aunque más no sea a fuerza de maquillaje e historia personal no dicha.

“Que pasa en el cementerio /que está todo tan inquieto/ Ya nadie duerme tranquilo / ya no hay paz para los muertos....”

En esa tarde de verdades Ciro dirá que se llama Horacio Demian, pero que nadie lo llama así: ni su madre.
Solo le pondrán ese nombre el día que fuímos a la cárcel de Olmos para un show, y la penitenciaría no aceptará apodos.
Que cuando tenía 12 compró un disco en el parque Rivadavia y su vida cambió desde entonces: era “Ace of Spades”, de Motörhead.
Se lo tatuó, en el brazo contrario al tatuaje de Boca.
Que tuvo unos trabajos de mierda (entre ellos rellenador de huevos de pascua de los dos chinos, donde conoció a Sandra, 10 años mayor, varios años juntos) hasta que gracias a su primer empleo en blanco (correo argentino, carterooooo!) pudo alquilar una pieza en una pensión, tener obra social, bancar la banda, y llorar al mandar el telegrama de renuncia: Attaque77 vendía 200.000 discos, pero la banda no veía un mango. Y Ciro renunciaba a su primer y único trabajo en blanco, estable, 6 horas, con Obra Social.
Era un chico de monoblock, producto de un padre suicida y una madre sobreprotectora.
Que le contó un cuentito: el papá un día no estaba más, se había muerto.
Como mueren los padres.
Esos señores ausentes, que un día se pegan un tiro y los niños que casi no lo conocen van a verlos en un cajón, con una mortaja blanca, y las mujeres llorando.
Porque –shhhh, los niños no deben enterarse- los que no mueren de viejos mueren de enfermos.
¿Suicidio?
No.
Los niños no entienden.
A los niños no se les dice la verdad.....

“El ramo de flores de Chacarita/ se lo afana el funebrero/ se lo regala a su chica/y ella le dice te quiero”

Ciro habla de esto hoy porque hace dos días se metió en un cajón a protagonizar el video de “Flores Robadas”, primer corte de Todo está al revés.
Y lo cuenta sereno, con esa voz bajita y con un dejo “luganense”: “Cuando te metés en un cajón te das cuenta que está hecho a la medida de los muertos. El rigor mortis.... No entrás: estás apretado, te falta la respiración...no hay lugar para los vivos en un cajón: se necesita que estés muerto”.

Ciro pidió ser el muerto en el cajón.
Lo maquillaron, le pusieron mortaja, cerró los ojos, cruzó los brazos y así por diez horas.
Las filmaciones suelen ser eternas.
Le faltó el aire, le transpiró el maquillaje, se acordó de su padre y por un instante se sintió muerto.
Pero no: la filmación terminó, el video fue un éxito (ganó premios, lo pasaron en MTV), Lito Cruz se sacó fotos con A77 –aceptó el protagónico porque su hija era fan de la banda- y la modelo debe estar grande ahora.

Ciro ya no vive aquí: está en Córdoba.
A77 continua, y a veces canta “Flores robadas” en algún show.
Sus fans –algunos- apenas cagaban en sus pañales cuando el tema fue compuesto.
Está flaco, tatuado, toca la guitarra.
Sigue con las giras, aunque ahora los videos no tienen más ataudes.
Contó un par de veces de su padre, y luego se calló: amigos, uno puede contar la verdad solo un par de veces en su vida.
Y no muchas más.
Llaménle desahogo, llaménle descarga, llaménle sacarse un peso de encima.
Ciro cumplió un mandato paterno: su padre-un ser tortuoso, complejo, lejano- amaba los griegos.
Y Ciro es su nombre.
No lo llamen Demian: no responderá.
Porque uno puede perdonar a un padre suicida, y puede sobrevivir a la mentira.
Pero uno puede elegir quien ser, como llamarse y como vivir.
Los ataúdes están hechos para los muertos.
No lo olviden.

Pd: Pertusi: espero aún tengas mis CD de Sid Vicious y Johnny Thunders.

Fotos de este fotolog y de este también.

Discos elementales / Axis Bold as love

Discos elementales [005]
Escribe Claudio, Vagabundo resplandeciente

"AXIS: BOLD AS LOVE"

The Jimi Hendrix Experience, 1967

El nombre Jimi Hendrix, así solo, despojado de toda consideración o contexto, ya resultaba, desde hace décadas, rayano en lo mitológico, cuando a mí se me ocurrió, por pura curiosidad adolescente, comprar un disco suyo. Y precisamente, sin haber escuchado nada de su autoría en mi vida, sin embargo sí había oído en más de una ocasión su nombre, instalado en un altar de la religión pagana que constituyen los devotos del rock, como una especie de semidiós intocable. Entonces compré Are You Experienced?, el álbum que está unánimemente considerado por la crítica especializada como su obra máxima, y lo escuché muchísimas veces, disfrutando hasta la saciedad de su revolucionaria zurda. No obstante, y a pesar de todas las virtudes que el mencionado disco ostenta, considero que su trabajo más redondo, y siendo conocedor de que voy contra la corriente, es Axis: Bold as love, un álbum al que accedí bastante tiempo después y que me conquistó en la primera escucha (algo que muy pocas veces me sucede). Sería una osadía, y una postura decididamente miope de mi parte negar que el primero haya tenido mayor trascendencia e influencia para la posteridad rockera, porque, en efecto, así ha sido, en gran medida gracias a que supuso, en 1967, una innovación radical en lo que se refiere al uso de la guitarra eléctrica: así como el calendario que nos rige se divide en antes y después de Cristo, del mismo modo, en el rock existe un antes y un después de Jimi Hendrix, y ése punto de inflexión está dado, sin lugar a dudas, por su disco inicial junto a Noel Redding y Mitch Mitchell.

El preámbulo del disco que nos ocupa, “EXP”, no es el mejor inicio posible. Por más intencionalidad humorística que posea, ésos sonidos distorsionados que se oyen de fondo son francamente insoportables. La cosa comienza a mejorar a partir de “Up in the skies”, un tema harto tranquilo que parecería ser la contracara del Jimi explosivo de canciones como “Manic depression”. Aquí se percibe, en cambio, un tibio ritmo de jazz a cargo de Mitchell y la pista vocal por demás apaciguada de Hendrix.
Inmediatamente, el tono cambia de manera radical, y en “Spanish castle magic” podemos hallar una de las mejores composiciones psicodélicas del gran Jimi (que canta su visión:

The clouds are really low.
And they overflow with cotton candy.
And battle grounds red and brown

y que cuenta con una ferocidad rockera que va en aumento hasta llegar al estallido en el estribillo. Luego, la inclinación más bien pop de este álbum, bastante distanciada de los riffs infernales del trabajo precedente, queda más que en evidencia en temas como “Wait until tomorrow”. “Ain’t no telling” es una poderosa y fugaz pieza (dura menos de dos minutos), en la que se destaca el magnífico riff que la zurda superdotada del nacido en Seattle construye y reinventa con vertiginosidad maestra.

A continuación viene, a mi juicio, la mejor canción del álbum, una pequeña gema: “Little wing”, que tiene una introducción magistral, en la que fluye como pocas veces todo el genio de Hendrix. Esa refinadísima y dulce melodía germinal constituye un placer inexplicable para los oídos sensibles, y eso que dura lo que un suspiro: son treinta segundos de embelesamiento, que se prolonga luego, con la irrupción vocal de un Jimi en su versión decididamente más delicada. “If 6 was 9” es el tema más extenso del trabajo, y no se trata de otra cosa que un nuevo devaneo psicodélico en el que lo más destacable, a mi modo de ver, pasa por el solo de guitarra.
Mención de honor merece “Castles made of sand”, una balada exquisita, con varios trucos de guitarra incluidos por el mismo precio, y en la que, sobre el final, podemos encontrar una pequeña historia tan poética como horripilante:

There was a young girl, whos heart a frown cause she was crippled for life. And she couldn’t speak a sound. And she wished and prayed she could stop living, so she decided to die. She drew her wheelchair to the edge of the score. And to her legs she smiled you won’t hurt me no more. But then a sight shed never seen made her jump and say. Look a golden winged ship is passing my way. And it really didn’t have to stop, it just kept on going. And so castles made of sand slips into the sea, eventually.

Precisamente en esa clase de versos se puede comprobar el salto cualitativo en la faz compositiva que existió desde el primer disco hasta el que he seleccionado. Continuando por el carril de las baladas, es necesario resaltar la sutileza que se desprende de “One rainy wish”. Y por último, sólo queda subrayar el descollante riff central de “Little miss lover” y el exquisito cierre que supone “Bold as love”. Lo dicho: aquí no abunda la actitud rocker de azotar la guitarra contra los amplificadores, ni hay tanto espacio para la distorsionada clase de magia que Jimi realizaba con su instrumento. Por el contrario, asoma la faceta, si bien menos revolucionaria, a su vez más poética y sensible de Hendrix, y por consiguiente, las canciones constan de una elaboración muchísimo más cuidada, al lograr combinar con eficacia composición con virtuosismo. Imprescindible para todo amante del rock que se precie.

Esta reseña es original del blog
Vagabundeo resplandeciente.

Taxi, si no remís /07.08.08

Escribe: Gabriel Ferreras

[ENTREGA 004]

Klamahama addicts, estamos en contacto nuevamente. Me encantaría escribir tan lindo y raro como algunos de mis compañeritos de blog, pero por ahora sólo necesito que se entienda, ya que el mundillo musical en si mismo suele complicarse y enroscarse y así…engañar a cualquier desprevenido…

El número 156 de Pentonville Road acogerá la primera discoteca ecológica de Londres, bautizada como "SURYA ECOLOGICAL CLUB", un recinto que funcionará con energías renovables y que será capaz de convertir la energía creada por el público al bailar, en electricidad (si el dj es bueno obviamente…). Entre otras curiosidades, la discoteca reciclará el agua empleada en los baños y ofrecerá a sus visitantes gran variedad de licores orgánicos servidos en copas de policarbono. Asimismo, no cobrará la entrada a todos aquellos que lleguen en bicicleta, transporte público o a pie. El público restante motorizado deberá abonar cerca de 12 euros.
MICK JAGGER cumplió 65 y la banda firmó contrato con el sello Universal para sus próximos discos. Además, los Stones están trabajando en dos películas más.
El nuevo disco de METALLICA se llama Death Magnetic, porque la banda intenta homenajear y/o recordar a todos aquellos jóvenes rockeros que se fueron de este mundo de manera temprana…por ejemplo: Layne Staley de los ALICE IN CHAINS. Es que Metallica se imagina la muerte como un imán gigante, para el cual algunos se dejan llevar, y otros atemorizados por ella, hacen lo imposible para zafar…..
Antes que saquen sus discos nuevos, se juntaron para sorprender…..OASIS y los CHEMICAL BROTHERS……el tema nuevo Falling down de Oasis fue remixado por los Chemical Brothers. El nuevo de Oasis se llama Dig your own hole y el de los Chemical es un "grandes exitos" con algún temita nuevo.

Parece que viene CJ RAMONE & BAD CHOPPER a Neuquén el próximo 21 de Agosto. CJ Ramone es el seudónimo de Christopher Joseph Ward, famoso bajista de la más legendaria banda punk de Norteamérica: nuestros amados RAMONES. CJ entró en 1989 al grupo en reemplazo del legendario Dee Dee Ramone (fundador y prinicipal compositor de la banda). CJ le aportó sangre joven a los Ramones, dándoles nueva vida e impulso renovado a una banda ya clásica. Ni idea donde toca…pero estaría tocando.
Vuelve el Rey del Blues, B.B. KING. El inagotable B.B. King está nuevamente entre nosotros: el 26 de agosto sale One kind favor, disco con el cual el Rey del Blues vuelve a las raíces del género. El octogenario músico no está solo, ya que el productor del disco es nada menos que T-BONE BURNETT, mientras que la banda que lo acompaña está integrada por el tecladista Dr. John, el baterista Jim Keltner y el bajista Nathan East.
B.B. King, con sus 82 años, se mantiene activo. Sigue de gira por los Estados Unidos y en septiembre comenzará a conducir un programa de radio.
PINK FLOYD recibió el "Nobel" de la música. El grupo de rock británico fue distinguido en Estocolmo con el premio Polar, de los más importantes a nivel musical. Se lo entregarán en agosto. Los ganadores recibirán el premio, dotado con un 1 millón de coronas suecas (unos 100.000 euros), de manos del rey Carlos XVI Gustavo en una ceremonia que se celebrará en el Konserthus de Estocolmo el 26 de agosto. El premio Polar fue creado en 1989 por Stig Andersson, editor, compositor y representante del grupo Abba. Desde que en 1992 empezó a otorgarse, el Polar ha distinguido a intérpretes como B.B. King, Bob Dylan, Ray Charles, Elton John, Bruce Springsteen, Stevie Wonder, Dizzy Gillespie, y el brasileño Gilberto Gil entre otros.
La LOVE PARADE, cita mundial de la música electrónica, atrajo a 1,6 millones de personas a Dortmund (oeste de Alemania). Un portavoz de la ciudad celebró esta "cifra récord" de asistencia a la manifestación. Unas 30 carrozas de 15 países desfilaron al son de los ritmos electrónicos a lo largo de una de las carreteras más importantes de Alemania y de Europa, la B-1, transformada en "autopista del amor" para la ocasión. Participaron mas de 250 dj´s.THE POLICE: Live in River Plate. El trío editará un CD / DVD con el registro de sus conciertos en River en Diciembre de 2007.
Nuevo de AC/DC: "Black ice".
El grupo CALLEJEROS realizó en Córdoba su último recital antes del juicio por Cromañón. Hubo 10.000 personas.

Increiblemente o no, las noticias de este parte pertenecen a bandas o artistas considerados ya viejos, clásicos, repetidos, pasados de moda, etc. ¿Coincidencia, realidad, o no hay un carajo nuevo??? Entonces sigo escuchando DAVID BOWIE Pin ups, KRAFTWERK Radioactivity, KING CRIMSON Epitafio y ANTONIO CARLOS JOBIM Desafinado.

Hasta casi siempre klamadictos…la próxima volvemos al siglo que nos aguanta.
Gabi.

Gabriel Ferreras, neuquino como el Lanín, conduce y selecciona la música de los programas Zona Franca (de los '70 a esta parte, básicamente rock, se emite de lunes a viernes de 19 a 21, por Record FM 104.7) y Conectados (electrónica de varios gustos, los sabados de 20 a 00, por 40 Principales 91.3) desde Neuquén Capital.