Ficciones
Casa de citas / Jackson Pollock / Una mano
Casa de citas / Jackson Pollock / Pintura líquida
Jackson Pollock
(1912 - 1956)
(Cody, EE UU, 28 de enero de 1912-Springs, id.,11 de agosto de 1956) Pintor estadounidense. Durante su infancia y su adolescencia vivió en Arizona y California, y en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura con Benton en el Art Students League. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.
Jackson Pollock
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio.
Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue además uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos.
A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. Murió prematuramente en un accidente de automóvil, cuando era ya un pintor de enorme influencia en las jóvenes generaciones.
MI PINTURA
Mi pintura no procede del caballete. Por lo general, apenas tenso la tela antes de empezar, y, en su lugar, prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo es donde me siento más cómodo, más cercano a la pintura, y con mayor capacidad para participar en ella, ya que puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. Por eso, intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales, como el caballete, la paleta y los pinceles. Prefiero los palos, las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre, e incluso un empaste espeso a base de arena, vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver, en lo que he estado. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., pues la pintura tiene una vida en sí misma. Trato de que ésta surja. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es una confusión. Si no, es pura armonía, un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien.
Jackson Pollock
Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I., Movimientos de la pintura, pág. 151
LA TÉCNICA
Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abastracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Espresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. En esa época también conoce el celebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas técnicas para pintar y después de esa época siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes, por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional, realista; ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico. Esto es lo que finalmente se dará a conocer como “Action painting”.
Como puntos a tener en cuenta de su trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado “Action painting” , que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida, contundente y con movimientos rápidos, bruscos y autómatas. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra, que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio; el “dripping”. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro, usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando, con movimientos bruscos y de dirección cambiante. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el “all-over” que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir, buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos. A causa de esta forma de pintar, Pollock fue apodado «Jack the Dripper», juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador», y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947, año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century.
 |
| One number |
OBRAS
- (1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art
- (1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art
- (1943) Mural University of Iowa Museum of Art.
- (1943) Moon-Woman Cuts the Circle
- (1943) The She-Wolf Museum of Modern Art, New York
- (1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art
- (1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts, Boston
- (1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection, Venice
- (1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art.
- (1947) Portrait of H.M. University of Iowa Museum of Art.
- (1947) Full Fathom Five Museum of Modern Art
- (1947) Cathedral
- (1947) Enchanted Forest, Peggy Guggenheim Collection
- (1947) Lucifer, San Francisco Museum of Modern Art
- (1948) Painting
- (1948) Number 5 (4 ft x 8 ft) Private collection
- (1948) Number 8
- (1948) Composition (White, Black, Blue and Red on White) New Orleans Museum of Art
- (1948) Number 19 2
- (1948) Summertime: Number 9A Tate Modern
- (1949) Number 1 Museum of Contemporary Art, Los Angeles
- (1949) Number 3
- (1949) Number 10 Museum of Fine Arts, Boston
- (1950) Number 1, 1950 (Lavender Mist) National Gallery of Art
- (1950) Mural on indian red ground, 1950 Tehran's Museum of Contemporary Art (TMOCA)
- (1950) Number 29, 1950 National Gallery of Canada
- (1950) One: Number 31, 1950 Museum of Modern Art
- (1950) No. 32
- (1951) Number 7 National Gallery of Art
- (1951) Black& White
- (1951) Marrón y plata I , Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
- (1952) Convergence Albright-Knox Art Gallery
- (1952) Blue Poles: No. 11, 1952 National Gallery of Australia
- (1953) Portrait and a Dream Dallas Museum of Art
- (1953) Easter and the Totem The Museum of Modern Art
- (1953) Ocean Greyness, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York
- (1953) The Deep, Musée National d'Art Modern, París.
La temporada de subastas de primavera acabó el miércoles con una cifra de vértigo, 495 millones de dólares (unos 380 millones de euros) en la venta de arte contemporáneo realizada por Christie"s en Nueva York. En la imagen del 3 de mayo, una persona contempla "Númbero 19", el cuadro del pintor estadounidense Jackson Pollock, llegó a 58,4 millones, o casi el doble de la estimación de preventa.
REUTERS/Mike Segar
|
Récord histórico en una subasta de arte contemporáneo en Christie's
16 de mayo de 2013
NUEVA YORK, EEUU (Reuters) - La temporada de subastas de primavera acabó el miércoles con una cifra de vértigo, 495 millones de dólares (unos 380 millones de euros) en la venta de arte contemporáneo realizada por Christie's en Nueva York.
Los registros máximos para los distintos pintores fueron cayendo uno a uno, encabezados por Jackson Pollock, Roy Lichtenstein y Jean-Michel Basquiat, cuyas obras se vendieron por entre 49 millones y 58 millones.
Solo cuatro de los lotes en oferta - el seis por ciento - quedó sin vender en una subasta que sumó unos impresionantes 495.021.500 dólares incluyendo las comisiones, batiendo fácilmente la estimación de preventa de poco más de 400 millones.
"Estamos en una nueva época en el mercado del arte", declaró Jussi Pylkkanen, presidente de Christie's Europe, que también intervino como subastador. "Hay una competencia mundial que nunca habíamos visto en el mundo del arte".
La obra más exitosa fue "Número 19, 1948", de Pollock, uno de sus carácterísticos cuadros realizados con la técnica de goteo, que llegó a 58,4 millones, o casi el doble de la estimación de preventa.
"Mujer con sombrero de flores", de Lichtenstein, que se esperaba que superara los 30 millones, casi dobló la cifra hasta los 56,1 millones, mientras que "Dustheads", de Basquiat, se puso en 48,8 millones de dólares, casi doblando también su récord anterior.
Los responsables dijeron que el magnífico resultado de la venta se vio impulsado por la excelente calidad de los cuadros, enriquecidos por colecciones privadas como las del fallecido cantante Andy Williams.
"Hemos llegado a un momento en el que es muy difícil calibrar los precios" para las principales obras delos grandes artistas, dijo Pylkkanen, en parte debido al creciente interés en el arte por parte de los más ricos.
Responsables de Christie's mostraron su sorpresa por la cantidad de coleccionistas que podían apostar por obras por encima de los 20 millones de dólares.
Quince de los 40 artistas representados batieron sus marcas, entre ellos Piero Manzoni, Richard Serra, Philip Guston and Joseph Cornell.
"El 25 por ciento de nuestros compradores el año pasado eran nuevos en Christie's", dijo a Reuters Steven Murphy, consejero delegado de Christie's International. "Y cuatro o cinco de los lotes claves esta noche fueron a gente que no había comprado aquí nunca antes".
"A Fellini", de Guston, vendió por 25,9 millones, más del doble de lo esperado, y "Desnudo con flor amarilla", de Lichtenstein, por 23,6 millones, frente a los 16 millones esperados.
La cuarta obra más cara fue una sin título de Mark Rothko, de 1958, vendida por 27 millones de dólares, siete más de lo que se esperaba.
Entre los pocos que no se vendieron, cuadros de Jeff Koons y Franz Kline, mientras que uno de Francis Bacon que se esperaba recaudara hasta 25 millones fue retirado en el último momento después de que otra obra del pintor no consiguiera atraer interés en una subasta en su rival Sotheby's el martes.
