Miami Sound Machine: Otra Vez (1981)

Hoy Gloria Estefan cumple 56 maravillosos años, por eso quiero dedicar esta entrada a todos sus fans y especialmente a los que he conocido a través de los años. Entre ellos a Isa Garnateo, Ignacio Sánchez, Carolina Poza, Rubén Fernández, Miriam Fernández, Joaco Sánchez, Marilú Biondi, David Cordero, Aarón Cuevas, Gorane Cantalapiedra, Carlos González Jr., Óliver García, Felipe Blanco, Claudinei Oliveira, Ascen Gómez, Pedro Vega, Raúl del Águila, Vero y Luisa Carnicero y a todos aquellos otros con los que también he compartido momentos de locura, risas, esperas, rumores, quedadas, fotos y sobre todo, una gran afición como ha sido y es seguir la carrera de tu artista favorito.

Aunque muchos identifiquen el nombre Miami Sound Machine con un grupo de tres exuberantes chicas latinas surgidas a principios de los 2000 siguiendo la estela de Destiny's Child, lo cierto es que la agrupación original formada en los 70 la integraban la archiconocida Gloria Estefan, su prima Merci Navarro, Emilio Estefan -marido de Gloria-, Rául Murciano, Enrique "Kiki" García y Juan Marcos Ávila.

La banda, creada bajo el liderazgo de Emilio Estefan en Miami a mediados de los años 70 con el nombre Miami Latin Boys, cambió su denominación a Miami Sound Machine cuando Gloria y Merci se unieron al conjunto en 1975. Antes de lanzar el disco que hoy nos ocupa, publicaron otros cuatro: Renacer / Live Again (1977), Miami Sound Machine -con dos versiones diferentes, en inglés y español- (1978) y Miami Sound Machine -conocido popularmente como The Piano Album- (1980) consiguiendo en pocos años lograr un gran éxito en Florida y sobre todo en América Central y Sudamérica con temas como Renacer o Regresa A Mí.

Si bien los primeros elepés reflejan una producción más pobre, Otra Vez supone un gran ascenso en la calidad musical y el sonido de la agrupación, probablemente por ser también el primero con una gran discográfica, CBS -que se convertiría posteriormente en Sony-. En Otra Vez, al igual que sus predecesores, ya se incluía la mezcla de pop, rock, música latina y soul con la que Miami Sound Machine alcanzaría la fama mundial tan sólo unos años después cantando en inglés. Estos álbumes fueron, sin duda alguna, el germen del conocido "Sonido Miami" y la base de lo que casi dos décadas más tarde se conocería como "Latin Boom" tras el éxito de artistas como Ricky Martin, Jennifer Lopez, Marc Anthony o Shakira.



Otra Vez incluía, como en anteriores producciones, versiones de otros artistas adaptadas a español: así el popular Lança Perfume de la brasileña Rita Lee se convirtió en Baila Conmigo mientras que la dulce balada de Paul Anka Think I'm In Love Again fue transformada por Gloria Estefan en Me Enamoré. Precisamente este tema, en su versión original en inglés, ha sido grabado nuevamente por el veterano artista canadiense junto a Gloria en el reciente disco Duets (2013).



Hay que destacar también que Gloria no sólo adaptó estas versiones a español para Otra Vez sino que contribuyó con una composición propia, Quiéreme Más, y con un tema co-escrito con Wesley Wright -guitarrista del grupo-, Has Logrado Olvidar. Otro corte interesante es Quedemos Como Amigos de la puertorriqueña Mary Lynne Pagán, que había formado parte del cuarteto femenino de los 60 y 70 "Las Caribelles". Pagán también escribió temas para otros artistas, como el grupo adolescente Menudo (Ricky Martin).



El disco supuso la consagración del grupo en el mercado hispano y de él se desprendieron los hits Otra Vez, Sola, Me Enamoré y Baila Conmigo. Fue también en esta época cuando la tímida Gloria comenzó a dejar de esconderse entre timbales para ser la mayor atracción de la agrupación, gracias a la firme convicción de su marido Emilio de convertirla en una estrella. Esto, unido a ciertos desacuerdos entre los miembros de Miami Sound Machine Raúl Murciano y Merci Navarro -que eran pareja- con Emilio y Gloria por el reparto de acciones que la CBS les había dado como pago, supuso la salida de Miami Sound Machine de los dos primeros. Quedándose el grupo con cuatro de los seis miembros originales: Emilio, Gloria, Juan Marcos Ávila y Enrique "Kiki" García.



Otra Vez es actualmente un disco de coleccionista para los fans de Gloria, Miami Sound Machine y los sonidos funk, disco y latinos de los 80, ya que se encuentra descatalogado prácticamente desde su publicación. Quizá una caja con la discografía de Miami Sound Machine anterior a 1984 remasterizada sacaría del olvido y acercaría al gran público estas pequeñas joyas.

No hemos visto lo último de Cher

Después de un tiempo sin escribir en el blog debido al trabajo y otros temas, quiero aprovechar el título del último éxito de Cher, You haven’t seen the last of me, (literalmente No habéis visto lo último de mí) para volver a decir "presente" en el mundillo blog. Y lo hago de la mano de esta legendaria diva de la música no por casualidad.

Y es que la artista californiana está hoy de doble celebración gracias a esta canción, incluida en la banda sonora de la película Burlesque. Por un lado acaba de ser premiada junto a la compositora Diane Warren con el Globo de Oro al Mejor Tema Original. Y por otro, ha establecido un récord histórico –y probablemente insuperable- en el terreno musical: alcanzar el #1 en la famosa lista Billboard norteamericana en 6 décadas diferentes (60, 70, 80, 90 y las dos primeras del siglo XXI). ¡Toda una hazaña!

Cher saltó a la fama en los años 60 junto a su entonces marido, el productor Sonny Bono, formando una de las parejas artísticas más importantes de la época. Primero conquistaron las radios de todo el mundo al ritmo de I got you babe y The beat goes on para continuar posteriormente con un éxito igual de arrollador en televisión con su propio programa, The Sonny & Cher Comedy Hour.

En los 70 comenzó su carrera en solitario, cosechando nuevamente las mieles del éxito con temas como Gypsies, tramps & thieves, Dark lady, Half-bread o Take me home. Durante los primeros años de la década de los 80 mantuvo un perfil bajo en el mundo de la música pero se centró en el cine con gran éxito de crítica en películas como Silkwood (Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto), Máscara (Palma de Oro en el Festival de Cannes), Sospechoso, Las brujas de Eastwick o Hechizo de luna (Óscar a la Mejor Actriz).

A finales de la década retomó con fuerza su carrera musical con el disco Cher (1987) del que se desprendieron los éxitos I found someone, We all sleep alone y la nueva versión del clásico Bang bang. Pero sería su siguiente trabajo discográfico, Heart of stone (1989) el que la devolvería a primera línea de actualidad gracias sobre todo al tema If I could turn back time, cuyo videoclip tiene el peculiar mérito de ser el primero baneado por el canal MTV debido a la provocativa indumentaria de la cantante.



En los 90 su carrera perdió fuerza en Estados Unidos pero continuó a buen ritmo en Europa gracias a la repercusión de canciones como After all, Just like Jesse James o la archiconocida Shoop shoop song (It’s in his kiss). Sin embargo Cher era ya más conocida en esta época por sus constantes operaciones de cirugía estética, sus vídeos de aerobic y algunos anuncios para televisión.



En 1998, a instancias de su discográfica, Cher cambió de registró para pasar del pop-rock al dance más absoluto con Believe. El álbum fue #1 en 23 países y de él se vendieron más de 20 millones de unidades y otros 10 de singles, convirtiéndose en el éxito más grande de su carrera. Posteriormente publicó Living proof (2001), en la misma línea estilística que su predecesor, y se embarcó en The Farewell Tour (2002-2005). La gira se convirtió en la más exitosa realizada por una solista femenina, con 326 conciertos por todo el mundo en los que se recaudaron más de 250 millones de dólares.



En los últimos años Cher sólo nos ha deleitado con un recopilatorio, The Very Best Of Cher (2003), y una larga serie de conciertos -contrato multimillonario mediante- en el Caesars Palace de Las Vegas. Aunque desde finales de 2010 ha vuelto a la palestra con la película Burlesque, junto a Christina Aguilera. Cinta que no es ni mucho menos de lo mejor de su carrera pero que, dado el éxito de la banda sonora y la alabada interpretación de Cher, demuestra que aunque la legendaria intérprete pueda estar algo obsesionada con las operaciones o ser carne de cañón de la prensa amarilla por su hijo transexual, sigue siendo la artista incombustible, camaleónica y original de siempre. ¡Y prepara nuevo disco!

Fotografía: Norman Jean Roy

Entrevista con Pablo Flores

«Es un reto ser creativo dentro de la limitación de la música dance»

Pablo Flores es probablemente el DJ latino más importante de los 80 y 90. De su habilidad en las mezclas han salido espectaculares remixes para toda una pléyade de estrellas mundiales de la música como Ricky Martin, Madonna, Jennifer Lopez, Will Smith, Jon Secada, Backstreet Boys, Christina Aguilera, Phil Collins y muchos otros. Pablo nació en Virginia (Estados Unidos) pero toda su familia es puertorriqueña y siempre se ha considerado cien por cien boricua. Desde que fuera descubierto por Gloria y Emilio Estefan a principios de los 80, ha cosechado una carrera plagada de éxitos en las pistas de baile. Actualmente vive en Miami y prepara su regreso como DJ en Puerto Rico para 2011.

JOSÉ RAMÓN GONZÁLEZ

¿Cómo llegaste a convertirte en DJ?
Mi carrera de DJ comenzó como han comenzado casi todas mis facetas… sin yo conscientemente buscarlas. Iba a decir "por casualidad" pero como dicen, no hay casualidades. Yo tenía una tienda de discos en el viejo San Juan. Algunos la recordarán, se llamaba El Discóbolo y se especializaba en música dance. Todos los DJ’s de aquella época -no eran muchos- iban a comprar música, y yo me pasaba conversando con ellos. Juan García, uno de los dueños de Bachelor, iba a comprarme discos para hacer cassettes -pues en el primer año de Bachelor no había DJ sino música grabada-. Cuando Juan decidió poner una cabina y DJ, me preguntó si conocía a alguno que quisiera trabajar en Bachelor. Como a mí siempre me intrigaba eso de "mixear" por las conversaciones con los DJs, le dije que yo lo quería intentar. Empecé sin saber, pero con la práctica fui aprendiendo. Para aquel tiempo había un DJ muy conocido en San Juan llamado Ray Martinez, al cual le estoy muy agradecido por enseñarme algunos aspectos de la mezcla y también me enseñó a editar, que para aquel tiempo era con cinta y navaja. Al principio lo de DJ era más bien un "hobby", un pasatiempo, pues tenía mi negocio, pero me fui entusiasmando y ahí me quedé. Vendí las tiendas para dedicarme por completo a "disc-joquear".

Hablando de Bachelor, y siendo tú el DJ oficial de aquel mítico club gay en San Juan, ¿qué recuerdos tienes de aquella época?
Fue una época mágica, más inocente, menos complicada. Bachelor ha sido "mítico" porque hubo una convergencia de factores: música, luces, los artistas que trabajaron en los shows, el sistema de sonido, la visión de los dueños. En fin, el momento perfecto en el lugar perfecto, difícil de recrear.

¿Cómo era el ambiente gay de los 70 y 80 en Puerto Rico?
No vivo en Puerto Rico hace casi 13 años, pero por lo que he visto, había más aceptación de la homosexualidad que ahora. Aunque siempre ha existido la homofobia en Puerto Rico, en los 70 y 80 había muchos más lugares gays que ahora. Me acuerdo que en el viejo San Juan solamente, había 10-15 discotecas y barras para aquellos tiempos. Ahora, encuentro que la comunidad gay está un poco más marginada.

¿Fue allí donde conociste a Gloria y Emilio Estefan? ¿Cómo surgió empezar a trabajar con ellos?
En una visita a Puerto Rico llegó a sus oídos que había un DJ que le gustaba hacer inventos, y que había hecho su propia versión de un par de sus canciones. Fueron a visitarme a Bachelor en 1983 y escucharon mi "invento", que era una versión dance de su canción Dingui Li Bangui. Les gustó tanto que me pidieron hacer un remix para su primer tema en inglés, Dr. Beat. En 1984 hice ese remix, el cual fue muy exitoso en Europa y Estados Unidos. Luego vino Conga y así, más de 50 trabajos con ellos a través de los años.

¿Qué han significado los Estefan en tu carrera?
Han sido mis mentores en mi carrera como DJ y productor. Les estoy eternamente agradecido por las oportunidades que me brindaron, pues gracias a la fe que siempre mostraron en mí pude entrar en las grandes ligas del mundo discográfico.

A parte de Gloria has remezclado a muchos otros artistas como Will Smith, Madonna, Ricky Martin, Shakira, Marc Anthony, Chayanne, Jon Secada, Jennifer Lopez… ¿si tuvieras que quedarte con uno de todos ellos con cuál sería?
Esa pregunta está difícil de contestar. Cada artista tiene su magia. Por supuesto, si lo miramos desde un punto de vista comercial, uno siempre quisiera trabajar con los más famosos y exitosos. Pero en lo personal, en cuanto a la relación humana y la química, ha sido una maravillosa experiencia trabajar con grandes como Gloria Estefan, Ricky Martin, Chayanne, Madonna, Shakira y Yolandita Monge por su calidad humana.



¿Suelen darte los artistas directrices a la hora de remezclar o tienes total libertad para darle a los temas el sonido que quieras?
Afortunadamente siempre se me ha dado mano libre para crear los remixes. Acuérdate que en casi todos los casos, ellos ya tienen su versión "oficial" y precisamente lo que buscan es un enfoque nuevo y fresco a su canción. Le es difícil a un artista ser objetivo en cuanto a su canción, especialmente cuando llevan meses trabajándola. Por lo tanto me dan total libertad para crear, y confían en mi habilidad.

Explícanos tu forma habitual de remezclar las canciones y qué programas e instrumentos utilizas.
El sello disquero me facilita los elementos de la canción que necesite, como voces, percusiones o cualquier otro elemento que me sirva para el nuevo arreglo. Después de decidir el nuevo tempo de mi versión, se comprimen estos elementos para adelantarlos o atrasarlos según el tempo. Entonces se programan los nuevos sonidos y a veces se añade percusión o guitarras en vivo y ha habido ocasiones en que el artista le pone voz a la nueva versión, como pasó con Don’t Cry For Me Argentina de Madonna.

Después de terminar el arreglo y la grabación, viene la parte de la mezcla, donde el ingeniero de sonido mezcla y ecualiza todos los "tracks". A veces se edita la version larga para discotecas, para crear una versión para radio. El sistema que utilizo para todo esto es Pro-Tools.

Hablando de Madonna, ¿cómo surgió colaborar con ella y cómo fue la experiencia?
Un día recibí una llamada de la mánager de Madonna preguntándome si me interesaba hacerle un remix a “Don’t Cry for Me Argentina” y “Buenos Aires”. Te podrás imaginar mi respuesta. Como dicen los americanos: DUH??!! Unas horas después me llama la misma Madonna, explicándome que me había considerado para el trabajo pues había escuchado algunos de mis trabajos con Gloria Estefan y le gustaba el enfoque latino que le dábamos a esos remixes, especialmente el de "Reach" por sus guitarras españolas.

Quería mantener al máximo posible la integridad de la original. Javier Garza -mi socio en aquel tiempo- y yo, hicimos el arreglo y la programación en Miami, y nos fuimos a Los Ángeles a encontrarnos con ella, pues quería estar envuelta en la producción. Y obviamente había que cantarla de nuevo, siendo la original tan lenta.

Allá le añadimos guitarras, piano latino, coros y voz. Decidimos hacer también una versión “spanglish” y usamos la letra de la versión de Paloma San Basilio. Pero en nuestra versión había doble coro, así que para no repetir la letra yo escribí el coro que dice “jamás yo te he abandonado, aunque en silencio, mi alma te grita, hoy y por siempre, soy Argentina”. Fue pura inspiración y me la inventé en cuestión de media hora. Sobre todo, lo más emocionante para mi fue ser “vocal coach” para Madonna y guiarla en el español, pues queríamos minimizar el máximo posible su acento.

Estuvimos dos semanas en Los Ángeles con ella y fue una de las experiencias más increibles de mi carrera. ¡Imagínate trabajar con la reina del pop! Durante nuestra estancia fue muy amable y sencilla, como se dice en inglés “down to earth”. Totalmente lo contrario de lo que esperaba de una estrella de su magnitud. Tuvo el detalle de invitarnos a su casa para su cumpleaños. Era muy conversadora, con tremendo sentido del humor y se interesaba en uno. Fue una experiencia memorable e inolvidable, y para colmo, las remezclas de “Don’t Cry” y “Buenos Aires” fueron todo un éxito mundial. Y con orgullo digo que fueron las únicas remezclas que se le han hecho a esas canciones, cosa no muy común en la industria.

¿Cuál consideras que es el mejor remix que has hecho?
Bueno, si hablamos de éxito comercial yo diría que son 3. “María” de Ricky Martin Martin ha sido uno de los más importantes, pues este remix fue el que lanzó internacionalmente a Ricky y vendió millones de copias, hazaña que no logran muchos remixes. Otro trabajo mío importante fue “Ojos Así” de Shakira, el cual tuve el privilegio de también componer junto a ella y mi amigo Javier Garza.

Y por supuesto “Conga” de Gloria Estefan, que fue lo que impulsó mi carrera en sus principios y fue muy influyente en la trayectoria de Gloria y para el crossover latino.

En los últimos años no se han escuchado remezclas tuyas, al menos en España. ¿En qué has estado ocupado?
La industria de la musica ha cambiado radicalmente en los últimos 8 ó 9 años. Primero, el downloading y la piratería de la música ya es tan común, que la venta ha bajado drásticamente. Por lo tanto, los presupuestos de los sellos disqueros para producciones, y especialmente los remixes, han bajado tanto que ya es difícil que quieran invertir en una remezcla de calidad. También, con la tecnología tan avanzada, cualquier persona con una computadora y un programa te hace un remix aunque sea mediocre, a una fracción del costo de un remix profesional. Ya hoy día puedes tener un mínimo de oído musical, y poco sentido de ritmo y hacer un remix, pues la tecnología te auto-corrige todo. Al ver todo esto, me he visto obligado a escoger entre seguir trabajando por una fracción de lo que regularmente cobro, y comprometer la calidad de mi trabajo, o simplemente hacer remixes esporádicamente cuando me guste el proyecto y haya un presupuesto que me permita crear con la calidad que siempre le he puesto a mis trabajos. He realizado menos remixes en estos últimos años y me estoy dedicando más bien a crear mi propia música y a prepararme para mi regreso como DJ.



¿Hay algún artista con el que no hayas colaborado al que te gustaría remezclar?
¡Lady Gaga!

Has sido mentor de otros DJs, como Manny Munet, ¿cuál crees que ha sido la influencia que has ejercido en ellos?
Yo espero que la influencia que yo he ejercido en mis colegas se componga de lo siguiente: uno, la profesionalidad en todo lo que hagan, aprendiendo su arte al máximo y convirtiéndose en maestros de su oficio. Dos, entrega a su público, recordando que esas personas que los van a escuchar a un club o a un evento trabajaron duro para ganarse el dinero para pagar la entrada y se merecen lo mejor. Y tres, ser originales y tratar siempre de crear algo nuevo, poniéndole su propio sello a su trabajo.

¿Cómo ves el panorama actual de la música dance?
Siempre he dicho que la música dance tiene mas limitaciones que muchos otros géneros de música porque siempre tiene que haber un “beat”. El reto es ser original y creativo dentro de esos parametros rítmicos. Me parece que no hay mucha diferencia entre la música “dance” de hoy y la de, por ejemplo, 20 años atrás. En los 70 era el “disco”, en los 80 el "freestyle", "house". Estos estilos tenian características rítmicas y musicales únicas, pero llegó el momento donde más o menos se quedó estancado el género “dance” en general. Asi que, como dije, es un reto ser creativo dentro de la limitación del “pum, pum, pum” de un “kick drum”.

Recientemente Gloria anunció que se encuentra preparando un disco dance en la línea del álbum gloria! Siendo tú el creador de sus mejores remixes bailables a lo largo de toda su carrera ¿colaborarás con ella en ese proyecto discográfico?
Claro que me encantaría colaborar, aunque no he concretado nada con Emilio. Gloria graba con menos frecuencia que antes, y hace un tiempo que no trabajo con ellos, pero la química entre la música de Gloria y mi estilo siempre ha funcionado y sigue viva.

Para terminar, ¿qué proyectos profesionales tiene Pablo Flores para el futuro?
Me encuentro preparándome para un regreso como DJ. Yo decidí hace mucho tiempo dedicarme de lleno a los remixes y producciones pero la faceta de DJ es en realidad mi base y la he extrañado mucho. Será una carrera más al estilo Tiesto o Paul Van Dyk, que DJ de discotecas. Tengo mucho que dar como DJ y muchos conceptos e ideas nuevas. Y hace falta mas representación latina en el ámbito del DJ Internacional. Y por supuesto, con la carrera de DJ viene la creación de mi propia música. Estoy muy entusiasmado con esto. Mi primer evento será a principios de 2011 en Puerto Rico, donde todo empezó para mí, y luego Latinoamérica y Europa.



*Todas las imágenes han sido cedidas por Pablo Flores.

El baúl: Óliver y Benji (Campeones)

Hoy recupero otra serie de mi infancia, Oliver y Benji, míticos dibujos animados japoneses que llegaron a España con la televisión privada y que hicieron vivir a toda una generación de niños el sueño de llegar a convertirse en campeones de fútbol. Recuerdo especialmente como la calle quedaba desierta por la tarde, cuando comenzaba el capítulo diario de Campeones, nombre con el que también era conocida la serie.

El nombre original japonés era Capitán Tsubasa y estaban basados en un manga escrito por Yōichi Takahashi que se publicó entre 1981 y 1988. Debido al gran éxito del cómic se creó la serie de televisión, que comenzó a emitirse en TV Tokyo en 1983. La historia original constaba de 128 episodios que culminaban con el Mundial de Fútbol Infantil en Europa en 1986 , aunque durante los años 90 y la última década se hicieron diferentes continuaciones que han alargado su vida hasta bien entrado 2009.

El protagonista era el joven Oliver Atom, gran amante del fútbol desde que a la edad de 5 años salvó la vida en un grave accidente gracias la inverosímil presencia de un balón de fútbol que se interponía entre él y el coche que lo atropelló. Siendo niño deja su Tokyo natal y se muda con su madre a Shizuoka, donde empieza a jugar como delantero del equipo de fútbol de la Escuela Nankatsu, el Newteam.

Precisamente jugando en el Newteam conoce a sus mejores amigos y a sus rivales en los campos de fútbol: Benji Price, considerado el mejor portero infantil de Japón; Tom Baker, mediocampista del Newteam que abandona Japón para viajar con su padre pintor a Francia; Mark Lenders, álter ego de Oliver y agresivo delantero del equipo Meiwa; Bruce Harper, defensa del Newteam o Julian Ross, capitán del Musahi.



En la memoria de aquellos niños de finales de los 80 y principios de los 90 han quedado jugadas fantásticas –e imposibles- de la serie como “la catapulta infernal”, “el tiro con efecto”, los saltos que duraban minutos, los campos de fútbol de distancias kilométricas o las inoportunas lesiones de Oliver que solucionaban con aparatosos vendajes. Pero éramos niños, y no nos dábamos cuenta de esos pequeños detalles, simplemente queríamos ser Campeones.

Ana Torroja, la voz del pop español

Ana Torroja Fungairiño nació en Madrid el 28 de diciembre de 1959. De niña estudió en el liceo bilingüe del madrileño barrio del Viso, mientras vivía con sus padres y hermanos -es la mayor de seis- en la calle Raimundo Fernández Villaverde. De ellos recibió precisamente sus primeras influencias musicales.

Dicen que cuando era pequeña se divertía jugando a ser cantante mientras se miraba en los espejos de su casa. Coincidencia o premonición de lo que el destino le deparaba, Ana Torroja se convirtió en los 80 -junto a los hermanos José María y Nacho Cano- en la figura más representativa del pop español con su grupo Mecano.

Siendo adolescente conoció a José María Cano en una fiesta, y congeniaron rápidamente. Poco después iniciaron una relación que duraría tres años. Mientras, Ana comenzó a hacer coros en las canciones que José María componía con su guitarra. Más tarde se les unió Nacho y surgió la idea de crear un grupo con Ana como vocalista: nacía Mecano, el grupo español más importante de todos los tiempos.

Juntos escribieron algunas de las páginas más relevantes del pop nacional con discos como Mecano (1982), ¿Dónde está el país de las hadas? (1983), Ya viene el sol (1984), Entre el cielo y el suelo (1986) y Descanso dominical (1988). Los éxitos en las listas de ventas y en la radio se sucedían mientras el grupo realizaba extenuantes presentaciones en España y Latinoamérica.

Fue precisamente tras la gira de conciertos del disco Aidalai (1991-92) cuando Mecano decide tomarse un respiro por problemas en la voz de Ana y supuestas rivalidades de los hermanos Cano. Nadie habría dicho en aquel momento que los tres integrantes de Mecano nunca más volverían a realizar un concierto juntos.



Ana se mudó a Nueva York y viajó por el mundo mientras los hermanos Cano se embarcaban en diferentes proyectos discográficos y musicales. Con Mecano en punto muerto y Nacho y José María en otros menesteres, Ana publicó Puntos cardinales -su primer álbum en solitario- en 1997. El disco tuvo una buena acogida en el mercado español, consiguiendo en poco tiempo el estatus de triple platino.



Sin embargo, Ana tuvo que interrumpir su promoción para un eventual regreso de Mecano con el recopilatorio Ana / Jose / Nacho (1998) que incluyó 7 temas nuevos. Todo parecía ser como antes y los fans esperaron ansiosos una nueva gira pero el retorno del grupo se convirtió en un canto de cisne cuando José María Cano anunció poco después en una entrega de premios que Mecano se separaba, con la sorpresa de Ana y Nacho retransmitida en directo por televisión.

Ana retomó su carrera en solitario y publicó Pasajes de un sueño (1999), Girados (2000) -que recoge la gira que realizó con Miguel Bosé-, Ana Torroja (2001) –su primer disco completo en francés- y Frágil (2003). En 2004 colaboró con el cantautor mexicano Aleks Syntek en el exitoso dueto Duele el amor y en 2005 publicó el recopilatorio Esencial.

En 2006 reapareció con una imagen renovada, cercana a la del comienzo de su carrera, con el disco Me cuesta tanto olvidarte. El álbum versionaba 13 temas de Mecano con novedosos arreglos e influencias tan dispares como la rumba y la música mariachi. Ana se lanzó de nuevo a la carretera para promocionar el disco con con la gira La fuerza del destino (2007), que recorrió con gran éxito toda España y algunas ciudades latinoamericanas.



Un año después viviría uno de los momentos más trágicos de su vida al sufrir un accidente de tráfico en Vejer de la Frontera (Cádiz) cuando viajaba con la popular modelo y actriz española Esther Arroyo, las parejas de ambas y unos amigos. Una furgoneta invadió su carril e impactó contra ellos, provocando la muerte de uno de los amigos de Ana y heridas importantes a todos los ocupantes del vehículo.

Hoy ha salido a la venta su último álbum de estudio, Sonrisa. Un disco cargado de optimismo que cuenta con grandes colaboraciones como Miguel Bosé, Nena Daconte o Les Lubians y que ha sido producido por Andrés Levin. El videoclip del tema homónimo y primer single del álbum, ha sido grabado en Madrid y parcialmente en Mali, durante un viaje de Ana con la ONG Voces.

Gloria Estefan: Gloria! (1998)

Gloria Estefan conquistó las listas musicales de todo el mundo en los 80 al frente del grupo Miami Sound Machine con temas como Dr Beat, Conga o Rhythm is gonna get you, que fusionaban el pop con ritmos típicamente latinos y música de baile en una mezcla inédita hasta entonces. Sin embargo la influencia de Gloria era más evidente en baladas como Anything for you, Words get in the way o Can't stay away from you, convertidas igualmente en grandes éxitos.

Ya como solista en la década de los 90, Gloria comenzó a dirigirse a un público más adulto aunque nunca abandonó del todo la música dance gracias a los recurrentes remixes que seguía lanzando de sus singles, fuese cual fuese el estilo del disco. Muchas de estas remezclas realizadas por Tommy Musto, David Morales, Junior Vasquez, Tony Moran, Love To Infinity o Rosabel llegaron a lo más alto de la lista Dance de Billboard, proporcionándole a Gloria una carrera paralela a la pop en los clubes. Este logro fue reconocido por Billboard, que la nombró Artista Dance del año en 1996.

El nombramiento fue la excusa perfecta para que la Estefan se decidiera a publicar un disco de remixes con varios temas nuevos. Algo parecido al formato utilizado por Michael Jackson en su álbum Blood on the dancefloor. Sin embargo, a medida que los colaboradores se iban sumando al proyecto, Gloria se entusiasmó con la idea de publicar un disco bailable pero con temas completamente originales. Este fue el nacimiento de Gloria!, un álbum de impecable factura repleto del buen hacer que la Estefan le imprime a todas sus producciones.



Gloria! sintetizó el pop latino bailable que había lanzado a la fama a Miami Sound Machine en los 80 con un sonido dance contemporáneo y a la vez una fuerte carga nostálgica de música disco inspirada en la de los 70. Se editó en formato disco suite -con los temas encadenados sin pausa- haciendo aún más patente la gran influencia de la música disco, que popularizó ese formato.



El álbum fue producido por Emilio Estefan y contó con colaboradores habituales de la familia como Larry Dermer, Pablo Flores y Kike Santander. Los Estefan se rodearon además de nuevas figuras como Tony Moran, François K, Soul Solution, Hex Hector o Victor Calderone, traídas directamente desde los clubes para lograr un sonido más auténtico en las mezclas y posteriores remixes. Como invitado de lujo Gloria contó con el rapero Wyclef Jean (The Fugees) en el tema Don't release me, adelantándose casi una década a la colaboración con Shakira en Hips Don't Lie que llevaría al músico haitiano a ser número 1 en todo el mundo.

El primer single fue Heaven's what I feel, tema compuesto por Kike Santander para Celine Dion pero que la canadiense rechazó. Fue presentado por Gloria con muy buena acogida en la primera edición del especial Divas Live en Nueva York, convirtiéndose además en su mejor debut en el Hot 100 norteamericano. Corazón prohibido -la versión en español- fue un éxito aún mayor en España, llegando al número 1 en ventas y de la emisora 40 Principales. El tema y sus remezclas recibieron una nominación al Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance en 1999.



Pero el bombazo llegó con Oye, segundo single en España, que se convirtió en la canción del verano. El tema fue #1 en ventas, #1 en 40 Principales y #1 en las listas Dance y Latina de Billboard en Estados Unidos. Gloria recibió además el premio Latin Billboard en la categoría Tema Dance del Año por este sencillo.

En el mercado norteamericano se lanzó Don't Let This Moment End, que incluía como bonus track The 70's "Moment" Medley, un extraordinario popurrí de 16 minutos de versiones de temas disco legendarios: Never can say goodbye (Jackson 5, 1971 - Gloria Gaynor, 1974), I Thought It Took A Little Time (Diana Ross, 1976), If I Can’t Have You (Yvonne Elliman, The Bee Gees, 1977), This Time Baby (The O’Jays, 1978) y Don’t Leave Me This Way (Harold Melvin & The Blue Notes, Thelma Houston, 1976). Gloria recibió otra nominación al Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance por este single y sus remezclas en 2000. En 2009 Don't let this moment end fue versionado por Rebeka Brown, convirtiéndose nuevamente en un éxito en las discotecas españolas.



Otros temas destacados del álbum fueron Cuba libre, un canto a la libertad de su tierra natal; Don't stop, que sirvió también como título al posterior vhs que recogía los videoclips dance más destacados de Gloria y Feelin', cuya remezcla sampleaba un diálogo de la película Animal house (1978), de John Landis.



Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 3 millones de copias, siendo certificado 5x Platino en España, Platino en Argentina y Uruguay y Oro en Estados Unidos, Brasil, Chile y Australia. Gloria! -que hasta la fecha se consideraba una rareza dentro de la discografía de Estefan- tendrá continuidad, pues la cantante cubanoamericana anunció hace unos meses que prepara un nuevo disco en la misma línea que podría ver la luz en 2011.

El baúl: La vuelta al mundo de Willy Fog

Hoy recupero una serie de dibujos animados inolvidable para muchos de nosotros: La vuelta al mundo de Willy Fog. ¿Quién no recuerda las aventuras de este aristocrático león viajando alrededor del globo? ¿O a sus inseparables compañeros Rigodón y Tico? Creo que, por la repercusión que tuvo y la calidad de la historia, estos son probablemente unos de los dibujos más representativos de principios de los 80.

La serie está basada en el libro de Julio Verne La vuelta al mundo en ochenta días. Fue una coproducción de la compañía española de animación BRB Internacional -fundada por Claudio Biern Boyd- con TV Asahi y Nippon Animation en asociación con Televisión Española. Comenzó a emitirse en 1983, convirtiéndose en un éxito rotundo.

Claudio Biern Boyd, que no sólo se encargó de la coproducción sino también del guión, es además creador de otras series míticas como David El Gnomo, Dartacán y los Tres Mosqueperros o La llamada de los gnomos. Asimismo, representaba los derechos de productoras como Warner Bros. y Hannah-Barbera y series como La pantera rosa, Los Teleñecos, Tom & Jerry, La abeja Maya, Vickie el vikingo o Marco. ¡Cuántas horas de entretenimiento le debemos los niños de los 80!

El protagonista de la serie es un elegante caballero inglés, el león Willy Fog, adaptado del Phileas Fogg original. La historia comienza cuando el señor Fog decide apostar la mitad de su fortuna contra los socios del Reform Club de Londres y el director del banco de Inglaterra a que es capaz de dar la vuelta al mundo en tan solo 80 días. Le acompañarán en sus aventuras el bonachón Rigodón -su mayordomo francés- y el antiguo compañero de este en el circo, el simpático ratón español Tico.



Para ponérselo difícil el director del banco contrata a Transfer, un malvado lobo con una espectacular capacidad para disfrazarse e intentar desbaratar los planes de Willy Fog. Este villano incansable es reconocible por tener un ojo que brilla. Otros personajes que intentan detenerle son los policías de Scotland Yard Dix y Bully, que confunden a Willy Fog con un ladrón de bancos y lo persiguen por todo el mundo. El contrapunto femenino lo aporta la pantera Romy, una princesa india rescatada por los protagonistas en una violenta escena en la que iba a ser quemada viva.

Si la obra original en la que estaba basada era genial y la adaptación magistral, la banda sonora no podía ser menos por lo que las composiciones musicales corrieron a cargo de Guido y Maurizio de Angelis y fueron cantadas por uno de los mejores grupos españoles de todos los tiempos: Mocedades. La agrupación vasca, que estaba en la cima de su carrera, nos regaló interpretaciones inolvidables como América, América o Sílbame.

Más de una década después apareció una secuela de la serie, Willy Fog 2, que agrupaba otras dos novelas de Julio Verne: 20.000 leguas de viaje submarino y Viaje al centro de la Tierra. Tuvo un éxito mucho menor, probablemente por su calidad inferior y los cambios de gusto del público infantil.

Aún hoy recuerdo con cariño cómo vivimos mi hermana y yo el increíble final cuando el grupo formado por Willy Fog, Rigodón, Tico y la princesa Romy comienza a quemar los muebles, puertas y maderas del barco que los lleva de vuelta a Londres porque se quedan sin combustible y necesitan ganar velocidad para completar la hazaña dentro del periodo previsto. Y cuántas veces cantamos aquello de "Si te encuentras en peligro, sílbame... tú sílbame, y ya voy". Una serie irrepetible, ¿verdad?

El baúl: Fraggel Rock

Hace pocos días os hablaba de un programa mítico de la infancia de los que nacimos a finales de los 70 o principios de los 80, Barrio Sésamo. Hoy os traigo otro programa infantil igual de legendario y con personajes aún más entrañables y graciosos si cabe. Se trata de Fraggel Rock. ¿Quién no recuerda las divertidas aventuras de estos simpáticos muñequitos de colores?

Fraggel Rock o Los Fraguel -como los llamábamos en España- fue también una creación del marionetista Jim Henson, al igual que los personajes de Sesame Street o los archiconocidos Teleñecos. Se emitieron por primera vez en la televisión norteamericana en enero de 1983 y su emisión se prolongó hasta 1987. En España la encargada fue TVE, dado que no existían aún las cadenas privadas. Muy pronto además podremos cantar aquello de "Vamos a jugar, tus problemas déjalos, para disfrutar… ¡ven a Fraggel Rock!” en las salas de cine, porque se espera el estreno de la primera película de los Fraguel en 2012.

Los Fraguel eran unas criaturas humanoides de aproximadamente 30 cm de altura, de vivos colores y con una característica cola rematada con un penacho de pelo. Vivían en Fraggel Rock, una serie de cuevas aparentemente naturales que conectaban por un extremo con el mundo de los humanos y por otro con el de los Goris. Como en todas las creaciones de Henson, los Fraguel también promulgaban valores como la diversidad racial, el respeto al medio ambiente, la espiritualidad y la eliminación de los prejuicios.



Los principales personajes Fraguel eran Gobo -el líder-, la alocada Rosi, la espiritual Musi, el indeciso Dudo o el siempre triste y deseoso de lavar calcetines Bombo. Convivían “en armonía” en Fraggel Rock con otros humanoides mucho más pequeños, los Curris, que trabajaban incansablemente en la construcción de estructuras aparentemente inútiles que servían de alimento a los Fraguel.

Otros personajes eran la familia de los Goris, formada por Papá, Mamá y Junior. También tenían rasgos humanoides pero una apariencia gigantesca debido a sus 7 metros de altura. Vivían en una granja a la que se podía acceder desde Fraggel Rock y se consideraban los emperadores del Universo. En sus tierras se encontraba una montaña de desperdicios conocida como La Señora Basura, que era adorada por los Fraguel como una especie de diosa por su gran sabiduría.

Y por último el único personaje humano de la serie, el inventor Doc, a cuyo taller accedían los Fraguel por un hueco en una pared que conectaba directamente con Fraggel Rock. Doc tenía un perro que no sólo sabía de la existencia de los Fraguel, sino que intentaba alertar a su dueño cuando alguno se colaba en el taller, aunque lo máximo que conseguía era una reprimenda por armar tanto escándalo.

Tengo que reconocer que me daba auténtico pánico cuando los Fraguel salían de sus cuevas para visitar el taller de Doc y aún más cuando querían consejo de la Señora Basura y se adentraban en el mundo de los Goris ja, ja. ¿A vosotros no os pasaba?

Roxette: A Collection Of Roxette Hits (2006)

¡Menuda sorpresa me habéis dado en este primer día de votaciones de los premios 20 Blogs! GRACIAS a todos los que han hecho que de momento -faltan 2 meses para el final del concurso- vaya en cabeza en Personal, la categoría en la que participo. Ojalá continúe así la cosa y la gente siga votándome.

Hoy sigo ampliando la sección de Música del blog con un recopilatorio imprescindible para todo amante del pop-rock, sobre todo de los 80 y 90. Se trata del disco A Collection Of Roxette Hits, Their 20 Greatest Songs del grupo sueco Roxette, publicado por EMI en 2006.

Roxette es un dúo formado por la cantante Marie Fredriksson y el cantautor y productor Per Gessle. Con más de 75 millones de discos y singles vendidos se les considera el grupo sueco más importante de la historia tras ABBA. Cuando decidieron unir fuerzas él era ya conocido como uno de los mejores compositores de los países escandinavos y ella era la solista más popular de Suecia. Publicaron un primer disco, Pearls of Passion que no obtuvo fama más allá del país nórdico.

En 1988 volvieron a la carga con el álbum Look Sharp! que vendió más de 300.000 copias en su país aunque no les hizo despegar internacionalmente en un primer momento. Pero en 1989 todo cambiaría gracias a un estudiante norteamericano que estando de intercambio en Suecia se hizo con una copia del álbum. Al regresar a Estados Unidos lo envió a varias emisoras de radio y la canción The Look se convirtió en un bombazo, consiguiendo su primer #1 en el país y en otra treintena de naciones.



Del álbum se extrajeron otros éxitos como Listen To Your Heart -su segundo #1 de Billboard-, Dressed For Success y Dangerous, todos con gran acogida en las listas norteamericanas y británicas. El disco sigue siendo, 22 años después, el álbum de un artista sueco con mejor posición de singles en Estados Unidos.



En 1990 volvieron al #1 norteamericano con el que sería su tema estrella: la balada It Must Have Been Love, tema principal de la película Pretty Woman protagonizada por Julia Roberts y Richard Gere. En 1991 apareció el disco Joyride, con los conocidos éxitos Joyride, Fading Like A Flower, Spending My Time y The Big L. Durante la gira mundial de este álbum grabaron el disco Tourism, publicado en 1992 con gran éxito del primer single, How Do You Do. En 1994 publicaron el disco Crash! Boom! Bang! con el exitazo Sleeping In My Car, tema que presentaba un sonido rock algo más duro del habitual de la banda.

En 1995 lanzaron Don't Bore Us - Get To The Chorus!, su primer grandes éxitos, que contenía además temas inéditos. En 1996 publicaron un tributo a sus fans hispanos, el disco Baladas En Español, con gran aceptación del tema Un Día Sin Ti en el mercado español. En 1999 vió la luz el álbum Have A Nice Day, del que destacaron los singles Wish I Could Fly y Stars, este último con una clara línea dance que se intuía en algunos otros temas y que supuso una ruptura con el estilo anterior del grupo.



En 2001 apareció su último disco de estudio, Room Service -en la misma línea de su anterior álbum- en el que destacaron los temas The Centre Of The Heart y la dulce balada Milk And Toast And Honey. En 2002 lanzan el recopilatorio de baladas The Ballad Hits, en el que incluyeron entre otros el nuevo tema A Thing About You. Durante la promoción de este disco Marie sufrió un desmayo y tras varios estudios médicos se le descubrió un tumor cerebral del que tuvo que ser operada. Posteriormente, lanzaron The Pop Hits en 2003, con sus mejores uptempos y dos temas nuevos.



Su último gran lanzamiento discográfico es este recopilatorio que os presento, que es algo así como la versión 2.0 del de 1995. Se han suprimido los temas inéditos de aquella recopilación, se han añadido los éxitos de la década pasada y un par de temas grabados para la ocasión: One Wish y Reveal.

Tras varios años en los que se han dedicado a proyectos musicales en solitario de gran repercusión en Suecia pero con gran incertidumbre por saber si la salud de Marie soportaría volver a las intensas grabaciones y conciertos, Roxette reapareció en varios recitales europeos bajo el marco Night Of The Proms el año pasado. Actualmente preparan un nuevo álbum que verá la luz en febrero de 2011.

*Todo los temas mencionados en este artículo así como los del vídeo The Rox Medley están incluidos en el recopilatorio A Collection Of Roxette Hits - Their 20 Greatest Songs.

El baúl: Barrio Sésamo y Espinete

Sesame Street es un programa de televisón dirigido al público infantil que se emite en la televisión norteamericana desde 1969. Fue ideado y producido por Jin Hensom, creador de marionetas norteamericano que es también el padre de los famosos Muppets o Teleñecos.

El programa tiene un alto nivel educativo, enseñando a los más pequeños conceptos básicos de matemáticas, aritmética, lengua, seguridad vial e higiene, muchas veces en clave de humor. También se ha querido ver siempre un intento por apostar por la diversidad racial en la gran variedad de colores de las marionetas.

El formato llegó a España en 1976 con el nombre Hola Barrio Sésamo. Al principio simplemente se tradujo el original al español y fue un sonado fracaso que hubo que cancelar. Tuvieron que pasar 3 años para que bajo el nuevo nombre de Barrio Sésamo fuera modificado, con la inclusión de personajes adaptados al público español: la gallina Caponata (interpretada por Emma Cohen) y el caracol Perez Gil (Jesús Alcaide). Esta nueva edición tan sólo se mantuvo un año en emisión.

En 1983 Televisión Española volvió a apostar por el programa renovando a los personajes y consiguiendo esta vez un éxito rotundo. Ahora Barrio Sésamo estaba centrado en Espinete (interpretado por Chelo Vivares), un carismático erizo rosa que compartía sus peripecias con Don Pimpón y los vecinos de una calle típicamente de pueblo o barrio obrero español.



Espinete y su inseparable amigo Don Pimpón -que nunca supimos que animal representaba-, formaban una gran familia con los demás residentes de Barrio Sésamo: Chema el panadero, Julián el quiosquero, Antonio y Matilde de la horchatería, sus hijos Ruth y Antonio y la estudiante Ana. Era muy común verlos interpretar canciones de temáticas diferentes según la trama del episodio.



El programa incluía también segmentos de marionetas del Sesame Street original con personajes tan entrañables como Coco -y su alter ego Super Coco- que nos enseñó entre otras cosas la diferencia entre cerca y lejos, la rana Gustavo -el reportero más dicharachero de Barrio Sésamo-, la graciosa pareja de amigos Epi y Blas y Triki el monstruo de las galletas.



Recuerdo con especial cariño esperar con ilusión la emisión del programa todos los días. Lo veía por las tardes en casa de mi abuela, sentado con mi hermana en el suelo o en unos sillones de sky marrón incomodísimos que había en la salita. También tuve la suerte de disfrazarme de Espinete durante unos Carnavales en Badajoz, allá por 1986. ¡Qué tiempos aquellos de inocencia, alegría y despreocupación!



Cómo han cambiado los niños en los últimos 20 años. La generación nacida a finales de los 70 y comienzo de los 80 parece que crecimos en otra galaxia. Éramos felices jugando en la calle con los niños del barrio al escondite, las canicas, la peonza, la goma, la comba... Merendando con nuestro bocadillo de Nocilla o Bollycao y viendo programas como éste o Fraggel Rock y dibujos como Heidi o Marco.

Hoy los niños ya no juegan en la calle. Prefieren las videoconsolas, ordenadores e internet. Nosotros no tuvimos nada de eso y éramos más felices ¿verdad?

Cher: Believe (1998)

Cher nació en El Centro (California) el 20 de mayo de 1946. Su padre era un camionero de origen armenio y su madre una aspirante a actriz y modelo que se casó ocho veces y le dio a Cher y a su hermanastra un estilo de vida inestable que probablemente la marcó de por vida.

Con tan sólo 16 años se marchó a Los Ángeles para estudiar interpretación pero tuvo que desistir debido a sus problemas de dislexia. En 1963 conoció al entonces joven productor musical Sonny Bono, con el que terminaría casándose y formando uno de los dúos musicales más famosos de todos los tiempos: Sonny y Cher.

Durante los 60 y 70 Cher alcanzó la fama mundial como cantante con una interminable lista de éxitos: I Got You Babe, The Beat Goes On, All I Really Want To Do, Bang Bang, Gypsies Tramps & Thieves, Dark Lady, Half-Bread... y como presentadora con uno de los programas más vistos de América, The Sonny & Cher Comedy Hour.

Tras su divorcio de Sonny en 1975 su carrera se volvió muy irregular y comenzaron los altibajos personales y profesionales con la publicación de discos de perfil modesto. Sin embargo consiguió centrarse en el cine durante los 80 con gran éxito de crítica en películas como Silkwood, Máscara, Las brujas de Eastwick, Sospechoso o Hechizo de luna, con la que consiguió el ansiado Óscar a la mejor actriz.



En el terreno musical tan sólo el álbum Heart Of Stone de 1989 le había devuelto el prestigio como cantante con los éxitos If I Could Turn Back Time, After All o Just Like Jesse James pero para entonces se hablaba más de Cher por sus constantes operaciones de cirugía estética, sus sonados romances con actores y músicos mucho más jóvenes que ella y su aparición en anuncios de televisión promocionando los más variopintos productos. Tuvieron que pasar 9 años para que Cher se reinventara y volviera con más fuerza que nunca al panorama musical.



Su discográfica, Warner Bros., le pidió un disco completamente dance, debido al escaso éxito en Estados Unidos de sus últimos álbumes, que tenían una línea pop-rock. Cher comenzó a trabajar en el álbum Believe en el verano de 1998 con los productores Mark Taylor y Brian Rawling.

El demo del tema que daría título al disco, llevaba meses circulando por la discográfica pero nadie quería grabarlo. Mark Taylor decidió conservar el coro y rehacer el resto, por lo que el corte final está compuesto nada menos que por 6 autores diferentes: Brian Higgins, Matt Gray, Stuart McLennen, Tim Powell, Steve Torch y Paul Barry. Believe se caracterizaba por una distorsión en la voz de Cher que le daba un toque casi robótico. El sonido se hizo muy popular y numerosos artistas lo han imitado desde entonces, pasando a la historia musical como el efecto Cher.



El single llegó al #1 en 23 países, incluyendo Estados Unidos, Canadá, Australia, Reino Unido, Francia, Alemania, Holanda, Bélgica, Italia, Suecia, Dinamarca, Suiza y España; convirtiéndose en el mayor éxito de su carrera. También estableció nuevos récords en el mercado norteamericano: artista de más edad -52 años- en llegar a lo más alto de las listas de Billboard y solista con mayor lapso de tiempo entre dos números #1, pues el anterior databa de 1974.

El álbum incluyó también 3 canciones de la famosa compositora Diane Warren, Takin' Back My Heart, The Power y una versión de Love Is The Groove, grabado originalmente por la cantante británica Betsy Cook para su álbum The Girl Who Ate Herself (1991). Cher ya había interpretado temas de Warren en sus discos Heart Of Stone y Love Hurts.

El grueso del disco está compuesto sin embargo por el tándem formado por Mark Taylor y Paul Barry, y en él destacan también los temas Strong Enough, Dov'è L'Amore y All Or Nothing, todos ellos con gran repercusión en las listas dance de todo el mundo. El álbum cierra con un remix del tema We All Sleep Alone, coescrito por Jon Bon Jovi, Desmond Child y Richie Sambora para el disco Cher (1987).



Del álbum se han vendido hasta la fecha más de 20 millones de copias y está considerado uno de los 10 discos más vendidos por una solista femenina. Fue certificado 7x platino en Canadá, 5x platino en Europa, 4x platino en Estados Unidos, España y Dinamarca, 3x platino en Irlanda, Suecia e Italia, 2x platino en Austria, Nueva Zelanda, Suiza, Alemania, Reino Unido, Australia y Francia, Platino en Argentina, Noruega, México, Bélgica y Hungría.

Del single Believe se despacharon más de 10 millones, siendo uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos. Fue certificado Diamante en Francia, 7x platino en Reino Unido, 3x platino en Estados Unidos, Australia y Suecia, 2x platino en Noruega, Platino en Austria, Holanda y Suiza y 5xOro en Alemania. En 1999 recibió el premio Grammy en la categoría Mejor Grabación Dance.

Absolutamente Alaska

Hoy quiero dedicar esta entrada a una mujer vanguardista, rompedora y que ha creado escuela en el panorama musical español durante más de 30 años con su imagen y su personal estilo. De moderna punk en los 70, musa de la movida en los 80, reina del electrop en los 90 a icono gay en la actualidad… es todo eso y mucho más. ¡Felices 47 Alaska!

Olvido Gara nació en México el 13 de junio de 1963. Llegó a España a principios de la década de los 70 y por entonces ya se hacía llamar Alaska –nombre que tomó de una canción de Lou Reed-. Con tan sólo 15 años ya era integrante del mítico grupo Kaka Deluxe donde coincidió por primera vez con Nacho Canut y Carlos Berlanga. El grupo publicó un único disco que no obtuvo mucho éxito pero es considerado actualmente un álbum pionero del sonido punk en España.

Tras la disolución de Kaka Deluxe Alaska, Nacho y Carlos formaron en los 80 con 2 nuevos miembros -Ana Curra y Eduardo Benavente- Alaska y Los Pegamoides. Pronto se convirtieron en grupo de culto de la incipiente movida madrileña con temas como Horror en el hipermercado y Bailando.

Con la salida de Ana y Eduardo en 1982 el grupo pasó a denominarse Alaska y Dinarama consiguiendo un éxito aún mayor con temas míticos como El rey del glam, Cómo pudiste hacerme esto a mí, Ni tú ni nadie y A quién le importa.

Alaska fue el gran fenómeno de la época gracias al éxito de sus canciones, su sonada participación en la ópera prima de Almodóvar Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y sobre todo por su trabajo al frente del programa pseudoinfantil La bola de cristal.



En La bola de cristal participaron entre otros Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Santiago Auserón, Javier Gurruchaga… y grupos del momento como Loquillo y Los Trogloditas, Mecano, Objetivo Birmania, Gabinete Caligari, Los Rebeldes y Siniestro Total. La estética vanguardista del programa y sus contenidos irreverentes, y en muchos casos políticamente incorrectos, impactaron en la sociedad de aquel lejano 1984.



A pesar del éxito y los premios recibidos -un Ondas y varios TP- los sectores más conservadores no veían con buenos ojos el programa y consideraban a sus personajes una mala influencia para el público infantil. Lo cierto es que hoy en día casi todos los niños de aquellos años 80 recuerdan con cariño La bola y sus populares electroduendes, la Bruja Avería, la Familia Monster y los surrealistas sketches protagonizados por los colaboradores.

El programa también fue pionero en la introducción de un formato prácticamente inexistente en España: el videoclip. Bajo su producción muchos grupos tuvieron la oportunidad de grabar algunos de sus videos. El programa dejó de emitirse en 1988.

En el terreno musical se produjo una ruptura cuando Carlos Berlanga decidió dejar el grupo para iniciar carrera en solitario. Desde entonces Alaska y Nacho Canut pasaron a integrar la formación Fangoria, con un sonido más electropop, que perdura hasta la actualidad. Tras varios fracasos en los 90 la discográfica Hispavox los despide y comienzan a trabajar con el sello independiente Subterfuge en 1996. Alaska combinó también su participación en Fangoria con su faceta de DJ bajo el nombre Mexican Acid Queen en las mejores salas del país. Y participó como jurado en el conocido programa Lluvia de estrellas.

En 1999 comienza el renacer de Fangoria con su disco Una temporada en el infierno, que fue alabado por la crítica y obtuvo un relativo éxito comercial. Pero es en 2001 con Naturaleza muerta cuando el grupo vuelve de nuevo con fuerza a la listas con el single No sé qué me das, que se convirtió en número 1 en ventas.



En 2003 Alaska lanzó el libro Transgresoras. Las mujeres que cambiaron su mundo. Un año después apareció el álbum de Fangoria Arquitectura efímera que incluyó los números 1 Retorciendo palabras y Miro la vida pasar. El grupo realizó una gira por España, México, Estados Unidos y Japón interpretando temas de toda su discografía.

En 2006 Alaska y Fangoria volvieron a la carga con El extraño viaje, un disco repleto de influencias glam, rock y pop electrónico. Del álbum se despredieron dos grandes éxitos: Criticar por criticar y el tema que daba título al disco, El extraño viaje.

Tres años más tarde Alaska publicó la que es hasta ahora su última aventura discográfica con Fangoria, Absolutamente, donde confluyen estilos como el techno, rock, glam y pop. El álbum fue #1 de la lista Promusicae española así como de iTunes España. Posteriormente fue reeditado con el título Completamente y promocionado con un barroquísimo videoclip en el que aparecía la diva española Sara Montiel.

El pasado 10 y 11 de junio Fangoria actuó en Washington con motivo de la celabración de la semana del orgullo gay. El 12 viajaron a Miami para participar en el desfile de la misma temática. Actualmente ultiman detalles previos a la grabación de su próximo disco en Londres.

Fotografía: Joan Crisol