La mejor escuela infantil

Merece mucho la pena esta charla de Takaharu Tezuka, el arquitecto que ha diseñado esta escuela infantil de Tokio. En ella nos explica el maravilloso diseño de este espacio y todo lo que representa como concepto educativo. Las ideas no son nuevas: los niños y las niñas tienen que correr, jugar, explorar, tienen que tener un espacio seguro para ello pero también deben poder afrontar pequeños riesgos. Todo esto es necesario para crecer sanos y felices. Pero la sociedad actual en su obsesión por el control y la seguridad hace cada vez más difícil estos logros y lo que es peor aún, cada vez más colegios se olvidan de lo que es un niño y de sus necesidades. Espacios abiertos, sin paredes, flexibles, cambiantes, orgánicos...la escuela circular, como un nido paro también como un ágora en la que participar y compartir, en la que educarse como ciudadanos para el espacio público. No podemos tener un diseño como éste en cada barrio, pero, desde luego, nos puede/debe inspirar, maravillar, y recordar qué es lo importante en la educación en la infancia.

Arno R. Minkkinen: el cuerpo como paisaje

Hace unos meses conocí la obra del fotógrafo finlandés Arno Rafael Minkkinen. Me habló de él una amiga y colega finlandesa, de la Universidad de Laponia, con la que he trabajado recientemente y tras esto he utilizado la obra de este artista en algunas de mis clases.

Minkkinen nace en 1945 en Helsinki, Finlandia y emigra con su familia a Estados Unidos en 1951. No volvería a Finlandia hasta el año 1967. Aunque seguiría residiendo en Estados Unidos el paisaje Finlandés se convierte en una referencia de su trabajo, un paisaje de la infancia al que vuelve periódicamente y en el que lleva a cabo muchas de sus fotografías.

En sus imágenes impresiona la belleza y la perfección, pero también el reto físico implícito en cada una de ellas. La confrontación de su cuerpo con el paisaje, en el que se integra de formas a veces imposibles, resulta casi siempre estremecedora a la vez que llena de poesía. El tema de sus fotos es su propio cuerpo en relación con el paisaje, en sus textos habla de una relación muy profunda con la naturaleza, en la que se integra, siempre desnudo, siempre solo. En parte esa idea de la desnudez en el paisaje enlaza de forma clara con la cultura finesa, en la que el cuerpo desnudo, a través de rituales sociales como el de la sauna o la vivencia de la naturaleza, es el protagonista. En sus propias palabras:

"My first photographs in Finland, taken in Nauvo, confirmed for me the sanctity of nudity. The essential bareness that surrounds everything in nature surrounds us as well. In Finland, where nature can be at its most glorious, to be nude and alone in the forest or on some shoreline vista may be the closest one will ever get to the experience of creation."*

Mis primeras fotografías en Finlandia, tomadas en Nauvo, confirmaron para mi la santidad de la desnudez. La desnudez esencial que rodea todo en la naturaleza nos rodea también a nosotros. En Finlandia, donde la naturaleza puede alcanzar su expresión más gloriosa, estar desnudo y solo en el bosque o en alguna vista desde la orilla, puede ser lo más cerca que uno podrá estar nunca de la experiencia de la creación.

Es impresionante saber que la fotos las toma sin ayuda, y que nunca hay ningún tipo de retoque. Lo que hay es lo que se ve. No hay secretos, solo un control extremo de la técnica fotográfica y de su propio cuerpo. Muchas de estas fotos implican un alto riesgo físico a veces rayando en lo imposible.

El artista ha combinado su trabajo creativo con una importante trayectoria docente en varias universidades de Estados Unidos y Finlandia. Hay un documental sobre su obra, llamado "Still not there", que no está disponible on line, aunque he encontrado un vídeo corto con su testimonio (en inglés):



*Tomada del libro:
Arno Rafael Minkkinen. Suomen Kuvat (Homework). The finnish Photographs 1973 to 2008. Helsinki. Like

Cartografías

Michael Drucks. Druksland Physical and Social, 15 January 1974, 11.30am, 1974. Tomado de:http://mapof.tumblr.com/archive

Caixafroum Madrid presenta hasta el 24 de febrero una interesante exposición llamada: Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento, en la que se recogen un gran número de propuestas artísticas que exploran el concepto de mapa desde muy diversos enfoques.

El mapa ha sido desde los inicios de la civilización humana, un compañero de viaje inseparable (hoy quizás, más que nunca) que ha reflejado nuestro inacabable intento de comprender el mundo y por lo tanto, de representarlo.

En esta exposición se da cuenta de las múltiples perspectivas con las que los artistas modernos y contemporáneos han pensado sobre los mapas y la representación del espacio o los territorios físicos, emocionales, biográficos, sociales, mágicos o políticos. La exposición invita a repensar esas múltiples formas de cartografiar la realidad, interior o exterior, mediante el recurso simbólico del mapa mostrado en diferentes soportes, materiales y conceptos.

Gayson Perry. Map of Nowhere, 2008. Tomado de:http://mapof.tumblr.com/archive

Jane Hammond, Sore Models #2, 1994. Tomado de:http://mapof.tumblr.com/archive

Aram Bartholl. Map 2006-2009. web: http://datenform.de/. Tomado de: Tomado de:http://mapof.tumblr.com/archive

Creo que el mapa puede ser un recurso creativo y educativo excelente y con muchas posibilidades de aplicación que van desde la representación de un espacio real o imaginario, hasta las más artísticas y creativas en las que la elaboración de un mapa puede ser un medio para trabajar la representación simbólica de un trayecto autobiográfico, un concepto o un problema que necesite ser explorado de forma visual y metafórica.

En este blog, hay un gran número de mapas de artistas:

http://mapof.tumblr.com/

Añado este enlace sobre una exposición celebrada en la British Library sobre mapas, en el que se puede acceder a  podcasts e información detallada sobre algunos mapas representativos:

http://www.bl.uk/magnificentmaps/

Este otro es sobre una exposición realizada en el MOMA

http://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/maps-borders-and-networks


Y finalmente este enlace al programa de la BBC, The beauty of Maps:

http://www.bbc.co.uk/programmes/b00s2w83
 

Mi encuentro con David Harding: conversaciones sobre arte, espacio público y cambio social

Con David Harding en su escultura: Heritage (1976). Fotos: Alfredo Palacios

Tenía pendiente un post sobre mi encuentro este verano en Glasgow con el artista David Harding. Después de varios intentos e intercambios de correos, finalmente en agosto pude reunirme con él. Tras años en los que he estado investigando sobre las relaciones entre el arte y las ciudades, ha sido una inmensa suerte poder hablar en persona con David Harding y más aún tenerlo como guía de excepción en una visita a Glenrothes, la ciudad en la que desarrolló su trabajo como artista en los años 70. Quiero plasmar aquí, aunque sea de forma resumida algunas de las ideas sobre las que conversamos y que definen su trayectoria como artista y como persona.

David Harding nació en año 1937, estudió arte en Edimburgo y tras graduarse y ejercer un par de años como profesor decidió marcharse a Nigeria en el año 1963. Allí estuvo 4 años dando clase a los que serían futuros maestros. La experiencia en África fue crucial en él para el desarrollo de una visión del arte con un fuerte compromiso social y en la idea del respeto por las manifestaciones culturales locales, en Nigeria se encontró con un departamento de arte en el que se copiaban a modo de cliché, obras de la tradición moderna occidental a lo cual él respondió con la idea del arte como expresión personal y con la recuperación de la cultura autóctona. A la vuelta a Escocia buscó trabajo como escultor en Glenrothes, una de las "new towns" que habían surgido en el Reino Unido tras la segunda Guerra Mundial.

Las "nuevas ciudades" son una experiencia urbanística singular. Fueron ciudades diseñadas de la nada, siguiendo el modelo de la ciudad jardín, para dar cabida a las necesidades del sector industrial  de acoger a grandes masas de trabajadores que se despazaban para trabajar en zonas mineras o de nueva creación de industrias. En este caso, Glenrothes fue la segunda "new town" en Escocia y se diseñó para los trabajadores de una gran mina de carbón que se inauguró oficialmente en el año 1958. Sin embargo en el año 1962 la mina cerró y fueron industrias eléctricas las que ocuparon su lugar.

Uno de los problemas de estas nuevas ciudades era su falta de referencias simbólicas, de elementos arquitectónicos o artísticos significativos que pudieran proporcionar a sus habitantes una conexión con el lugar, que pudieran suplir su falta de historia. Para solventar en parte esta situación las autoridades decidieron que en los equipos de arquitectos y urbanistas hubiese un artista que se encargaría de trabajar en coordinación con estos aportando su visión estética de la ciudad y dotando a las mismas de un patrimonio de arte público que pudiera facilitar esos mecanismos de identificación y que hiciese más amable en entorno. Uno de los artistas más conocidos que trabajó en las "new towns" fue el pintor Victor Pasmore, uno de los pintores abstractos más importantes de Inglaterra y que desarrolló su trabajo en la new town de Peterlee.

Apollo Pavilion, diseñado por Victor Pasmore en Peterlee en 1970. Foto: http://www.victorpasmore.com/html/peterlee.htm

A diferencia del trabajo de Pasmore, más influenciado por la claves estéticas e ideales del modernismo, Harding dió a su obra en Glenrothes un enfoque más centrado en las personas y por ello se convirtió en una referencia posterior en el arte público y comunitario. David Harding se planteó sus obras a partir de las necesidades de los habitantes de Glenrothes. En este sentido Harding ha definido siempre su trabajo como una "práctica contextual"y sus ideas conectaron con las de artistas como el Artists Placement Group, los grupos activistas de los 70 y los trabajos "site-specific". Según sus propias palabras, en aquellos años: " individualismo, autoexpresión y arte por el arte, comienzan a ser reemplazados por colaboraición, relevancias social y proceso."

Su posición para poder desarrollar ese trabajo fue privilegiada, ya que entró a formar parte del departamento de urbanismo de la ciudad y no solo eso, si no que a los dos años de estar allí, se dispuso como normativa que el artista debía ser consultado en todo momento del proceso de planificación. Esto le permitió trabajar mano a mano, no solo con los arquitectos sino con los ingenieros y paisajistas. Una relación que el define como fluida, sobre todo con los ingenieros, a pesar de las dificultades que implicaba.

Resulta difícil de creer desde un tiempo como el nuestro, de voracidad especulativa y teniendo en el beneficio económico casi el único criterio para los nuevos desarrollos urbanos, que en esos años se hubiese desarrollado esa sensibilidad por la integración del arte en la ciudad para la mejora de la calidad de vida de las personas. No solo eso, Glenrothes se convirtió en una especie de ciudad de las artes, en la había estudiantes de arte en prácticas trabajando con Harding y estudios y viviendas que el ayuntamiento ponía a disposición de escritores, músicos y otros artistas interesados en vivir en la ciudad.

Creando murales cerámicos con los niños de Glenrothes, año 1970. Foto, tomada de: http://www.davidharding.net/?page_id=37

Destaca su trabajo como muralista en las calles de Glenrothes, para el que contaba normalmente con la participación de diversos grupos de población, desde niños y adolescentes hasta adultos. Harding siempre ha defendido el muralismo como una forma artística ideal para el trabajo colaborativo y su trayectoria en Glenrothes y posterior recoge un gran número de experiencias asociadas al trabajo con adolescentes en riesgo de exclusión.*

Su interés por el muralismo le llevó a viajar a finales de los setenta a EEUU y a contactar con los representantes de ese movimiento en ciudades como Los Ángeles, San Francisco o Chicago. De esos años también deriva su gran interés por la cultura latina y su expresión en el muralismo y su significado político y social, interés que ha seguido manteniendo hasta la actualidad y que le ha llevado a mantener durante años colaboraciones con grupos activistas como The Border Art Workshop, en Tijuana.

Diversas imágenes de la obra: Industria, pasado y presente, del año 1971. Fotos: Alfredo Palacios

Otras ideas sobre las que trabajó fueron las esculturas para el juego, con las que los niños podían interactuar libremente y estaban concebidas como pequeños "playgrounds" o la consulta a las personas de Glenrothes ante pequeñas intervenciones arquitectónicas o urbanísticas. Me contó por ejemplo que ante la idea del ayuntamiento de pintar todas las puertas de un barrio de un determinado color, él recorrió todas las casas de la zona con una carta de colores, preguntando a los vecinos qué color preferían para sus ventanas y puertas y que cada uno tuvo finalmente el color que quiso.

Igualmemente a la hora de realizar caminos pavimentados por las zonas verdes se ocupaba de estudiar primero aquellas líneas creadas espontáneamente por las personas cuando atraviesan los parques y que el llama "desire lines" para que la intervención se ajustase a las necesidades reales de las personas. Uno de estos proyectos es el llamado Path Poem, ilustrado debajo y realizado en colaboración con el poeta Alan Bold. Pequeños detalles que contribuían a humanizar la arquitectura y la ciudad. Durante esos años, además de gran cantidad de esculturas y murales, diseñó espacios como parques de juegos, colaboró con los ingenieros y arquitectos en multitud de intervenciones y trabajó con los obreros sugiriendo ideas para mejorar creativamente su trabajo en un hecho tan simple como levantar un muro de ladrillo.

Las dos imágenes de arriba corresponden a la obra Path Poem, realizada con el poeta escocés Alan Bold en 1976. Foto: David Harding, tomada de: http://www.davidharding.net/?page_id=37

Con David Harding en su obra The Henge. Una escultura plagada de simbolismo, citas y referencias culturales a los 70, en la que David plasmó gran parte de sus inquietudes. Fotos: Alfredo Palacios

Tras el trabajo en Glenrothes, David Harding fue profesor en el Dartintong College of Art, una escuela de arte que llevó como máxima la idea de enlazar el arte con el contexto social y emplazaba a sus estudiantes a hacer prácticas en todo tipo de lugares, desde colegios hasta empresas e instituciones de todo tipo convencida del poder del pensamiento del artista para poder transformar creativamente la sociedad. De aquí saldría la idea posteriormente muy extendida del "artist in residence". Más tarde trabajó en la prestigiosa Glasgow School of Art, en la que fue durante muchos años director del Departamento de Escultura Medioambiental y donde la fuerza de sus ideas sobre un arte que tiene en cuenta y actúa sobre su contexto, tuvieron una gran influencia en toda una generación de artistas que fueron sus alumnos y que pusieron a Glasgow en la primera página del arte contemporáneo europeo y mundial en los 90, ganando varios de ellos el prestigioso Premio Turner.

Su preocupación en aquellos años setenta fue la de dotar a Glenrothes de elementos simbólicos, de hitos significativos a la vez que hacer la ciudad un lugar mejor para sus habitantes. Tras él otros artistas ocuparon su puesto. Recientemente se ha creado una web por la entidad Historic Scotland, que reivindica el patrimonio artístico de Glenrothes y donde existe una interesante información sobre la historia de su arte público.

Conocer a David Harding ha sido una gran suerte, entiende el arte desde un fuerte compromiso social y habla de aquellas vivencias en Glenrothes con la misma pasión que debió sentir en esos años y que aún mantiene. Actualmente sigue, según sus propias palabras: "still working to make the arts available to more people, and making them part of the priorities of the new Scotland." (Sigo trabajando para hacer que las artes sean accesibles para más personas y hacer de ellas una parte de las prioridades de la nueva Escocia). En sus palabras y en sus textos hay una reivindicación del espíritu de los setenta, de aquella libertad y ambiente de experimentación y transgresión del que hoy día todavía podemos y debemos seguir aprendiendo. Dejo para el final una de sus frases favoritas, tomada del poeta escocés Alasdair Gray: Work as if you live in the early days of a better society! 
(¡Trabaja como si estuvieras en los primeros días de una sociedad mejor!)



* Existe un interesante libro sobre la colaboración entre artistas y niños, en el que se encuentra un capítulo escrito por D. Harding, el libro es: Harding, A (ed.) (2005). Magic Moments. Collaboration between artists and young people. Black Dog Publishing.
Los textos de D. Harding pueden ser consultados en su blog: www.davidharding.net

Hojas

Obras de Andy Goldsworhty, 1986


El otoño pone a nuestra disposición un material excepcional para la creatividad artística. Las hojas son un elemento plástico versátil y con multitud de matices en cuanto a color, forma, textura o tamaño. En los colegios es un recurso que suele emplearse con frecuencia en esta época del año para decorar las paredes del aula pero pocas veces se investiga sobre las verdaderas posibilidades creativas de este objeto tan especial. No hace falta una técnica compleja para trabajar con las hojas. Tan solo una observación atenta, sensibilidad y un cierto hábito para recolectar y clasificar. En el aula pueden servir como recurso de trabajo interdisciplinar y pueden generar ideas para poner en práctica procedimientos de observación, seriación, clasificación y creación artística. Para la creación artística es interesante explorar sus posibilidades para trabajarlas in situ, en el jardín o parque cercano, creando así trabajos en relación con el lugar.



Hay muchos artistas que han trabajado usando hojas y otros elementos naturales. Quizás el más conocido sea Andy Goldsworthy. Este escocés es quizás el máximo representante de lo que podríamos considerar una tendencia esteticista del Land Art. Sus obras ponen en juego una extraordinaria sensibilidad al usar los materiales naturales como elementos plásticos. Su lenguaje visual es reducido, básico: punto, línea y plano, pero consigue unos efectos visualmente muy potentes. Sus intervenciones en la naturaleza son absolutamente respetuosas y nunca utiliza ningún material ajeno al entorno. La mayoría son efímeras, y solo existen como tales durante unos minutos u horas, el tiempo suficiente para poder tomar algunas fotos. Existe un documental sobre su obra llamado Ríos y Mareas (Rivers and Tides), altamente recomendable y que está editado como DVD en España. En este extracto en You tube podéis ver un poquito de su trabajo:



En su catálogo digital podéis encontrar algunos de sus trabajos más tempranos con hojas con la explicación de cómo está hecho cada uno. En este vídeo explica cómo elabora una obra site-specific para un Museo de San Francisco.

Podéis encontrar más artistas en esta línea de trabajo, como Nils Udo, en la página de Greenmuseum.

Kingsmead eyes

Kingsmead eyes es un proyecto colaborativo entre el fotógrafo Gideon Mendel y 28 niños de la escuela Kingsmead en Hackney un multirracial barrio de Londres. Durante seis meses los niños, provistos de cámaras han tenido libertad para fotografiar su barrio, sus familias, amigos, su escuela... Al mismo tiempo el fotógrafo ha hecho retratos de los niños y de la escuela documentando el entorno y la comunidad. Un estupendo proyecto sobre el uso educativo de la fotografía.


Kingsmead Eyes from Kingsmead Eyes on Vimeo.

Engaging Places

Revista inglesa on line de experiencias y recursos didácticos para trabajar a partir del entorno. Multitud de ideas interdisciplinares para aprovechar la arquitectura y el patrimonio para mejorar el conocimiento y la experiencia de los lugares.