EL ÚLTIMO METRO

 

En 1942, durante la ocupación de París por las tropas alemanas, un grupo de actores trata de sacar adelante una obra de teatro. Nadie sospecha que, en el sótano del edificio, se oculta el director del grupo, un hombre de origen judío que desde su escondrijo dirige la obra a través de las indicaciones que da a su mujer, que es la protagonista.

Como no podía ser menos, el asunto de la ocupación alemana está presente a lo largo de toda la película: La censura, el control sobre la población, el racionamiento, los bombardeos, el colaboracionismo y las delaciones, la persecución a los judíos... Sin embargo, François Truffaut no hace una película política, se limita a retratar la situación, a ponernos en contexto para aventurarse por otros caminos además de los de la miseria y la opresión que sufrió la población en los dos últimos años de la ocupación nazi. Así tenemos ante nosotros, repito que además de esos temas, aquellos otros que son casi una constante en el cine del maestro francés: las relaciones interpersonales y sus dificultades, con el típico triángulo amoroso; el respeto por la homosexualidad; el amor a la infancia o esos toques de humor tan típicos de sus obras.

Truffaut rinde su particular homenaje al mundo del teatro, su diaria lucha de titanes para que las salas continúen abiertas, situación agravada aquí por las concretas circunstancias. Vemos los entresijos del mundillo, desde el trabajo de los subalternos, hasta los problemas, casi siempre financieros, de los promotores, pasando por las peculiaridades de los artistas, sus pequeñas manías o los nervios del estreno. 

Una especie de cántico a la libertad, el mundo de la escena se convierte en una forma de expresión de la voluntad de los oprimidos para enfrentar la represión. 

Con una evocadora fotografía de Néstor Almendros, la narración nos conduce hacia un admirable final muy ingenioso, que nos va a provocar una amplia sonrisa que no podremos reprimir.

DOMICILIO CONYUGAL

 

Antoine (Jean-Pierre Léaud) y Christine (Claude Jade) son una pareja de recién casados. Mientras él se gana la vida coloreando flores para una floristería, su mujer forma parte de una orquesta e imparte clases de violín. Cuando un experimento para conseguir un rojo intenso en la flores sale mal y estas se queman, Antoine busca un trabajo mejor pagado y más estable y, en parte gracias a un malentendido, puede conseguir un puesto en una empresa hidráulica estadounidense. A través de ese trabajo Antoine conoce y comienza una aventura con Kyoko (Hiroko Berghauer), la hija de un cliente japonés. El romance puede poner en peligro la vida que tiene con Christine que está embarazada.

Antoine, sigue siendo emocionalmente inestable e inmaduro y su relación con la joven japonesa, para él no deja de ser una aventura, pero para Kyoko es amor.

Con fotografía de Néstor Almendros y muchos homenajes cinéfilos, François Truffaut dirige esta nueva entrega con el personaje de Antoine Doinel como protagonista. Un retrato realista de la vida matrimonial, alejado tanto de tragedias como de situaciones edulcoradas y cargado de un gran sentido del humor, con muchas escenas y situaciones graciosas. 

Un guion ingenioso para una película que nos acerca a la vida matrimonial con sus virtudes y sus defectos.

LA MUJER DE AL LADO

 

En una pequeña población, cerca de Grenoble, Mathilde Bauchard (Fanny Ardant) se encuentra a Bernard Coudray (Gérard Depardieu), un hombre con el que mantuvo una relación años atrás. El matrimonio Bauchard se ha mudado a la casa de al lado de la familia Coudray y a pesar de que ambos protagonistas están casados, no pueden evitar volver a vivir un romance.

Uno de los temas recurrentes de François Truffaut es la fragilidad de los sentimientos de los hombres y las dificultades que con ello se producen en las relaciones sentimentales, más si, como aquí, aparecen los instintos que dan lugar a comportamientos irracionales.

Una historia de amour fou entre una pareja que no es capaz de desprenderse de su pasado en común.

BESOS ROBADOS

 

Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), tras ser expulsado del ejército, visita a su antigua novia, Christine (Claude Jade), cuyo padre le encuentra un trabajo temporal como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, por culpa de un detective privado, pierde el empleo el primer día. Para compensarlo, el detective le ofrece trabajo en la agencia en la que está empleado. Después de encargarse de asuntos menores, recibe la misión de averiguar por qué todas las empleadas de una zapatería odian a su jefe. En la tienda, Antoine conoce a Fabienne (Delphine Seyrig), la esposa del propietario.

François Truffaut recupera a Antoine Doinel tras Los cuatrocientos golpes y un corto ("Antoine et Colette") que forma parte de El amor a los veinte años, un personaje que está considerado como una especie de alter ego del maestro francés a través del cual, no solo plasma sus propias vivencias y recuerdos, sino también la evolución de la sociedad francesa.

En clave de comedia ligera, seguimos a este joven tímido, inseguro y algo romántico con dificultades para adaptarse a los varios trabajos que va teniendo y también en las relaciones sentimentales que se le ofrecen. Las mujeres ejercen en el protagonista una especie de mágica fascinación aunque siempre parece preocupado porque no acaba de comprenderlas. 

Son películas en las que Truffaut pone mucho de sus propias experiencias, en esta en concreto, parece como si la narración estuviera descuidada, algo que le proporciona realismo, porque nos plantea unos personajes cercanos, gente a la que podemos encontrar en nuestras propias vidas. 

Con momentos de fantasía, incluso surrealistas, el humor está presente a través de personajes y situaciones pintorescos, como el propio protagonista con su contradictorio comportamiento. Con todo ello, se mantiene la atención del espectador, con momentos de cierta brillantez y otros quizá no tan conseguidos.

TIRAD SOBRE EL PIANISTA

 

Charlie Kohler (Charles Aznavour), antiguamente un gran concertista de piano, trabaja ahora como pianista en un cabaret parisino. Charlie se las ha arreglado para ocultar a todos y mantener en secreto su misterioso pasado, pero, inesperadamente, aparece su hermano mayor pidiéndole ayuda para eludir a dos delincuentes con los que había llevado a cabo un trabajo y a los que estafó.

El guion adapta la novela "Down There", del norteamericano David Goodis, algunas de cuyas novelas han sido llevadas al cine con más o menos éxito (La senda tenebrosa; Al caer la noche, de Jacques Tourneur; Calle sin retorno, dirigida por Samuel Fuller, etc.).

La película, de producción humilde, es una especie de homenaje un tanto extravagante de François Truffaut al cine negro norteamericano, con algunos ingeniosos toques de humor visual.

UN HOMBRE (HOMBRE)

 

John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apaches cuando era niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Viaja a la ciudad para ver una casa de huéspedes que ha recibido como herencia por la que le han ofrecido, a cambio, una manada de caballos. En la única diligencia que encuentra para llegar a Bisbee, donde cerrará el trato, viajará en compañía de siete personas muy diferentes. Durante el viaje son asaltados y abandonados a su suerte por los bandidos, viéndose obligados a luchar por su supervivencia.

Dirigida por Martin Ritt (una de las víctimas de la ominosa caza de brujas), está basada en una magnífica novela de Elmore Leonard, la película reivindica la figura y la cultura de los nativos estadounidense frente a la sociedad creada por los emigrantes europeos caracterizada por la avaricia, el racismo y la hipocresía, cuyo exponente es el doctor Favor (Fredrich March) el corrupto agente de la reserva de San Carlos.

Inevitablemente le viene a uno a la cabeza La diligencia de Ford, cuando repasamos a este variopinto grupo de personajes que representan estereotipos sociales: el sheriff, que se alía con los bandidos porque entiende el asalto a la diligencia como una justa recompensa a su vida de miseria; la racista y estirada mujer de Favor que permanece junto a él por conveniencia; el bravucón y violento jefe de la banda; la insatisfecha y provocadora joven; el bienintencionado pero excesivamente sumiso mejicano Méndez (Martin Balsam); Jessie (Diane Cilento), una viuda que regentaba la casa de huéspedes y a quien la vida ha hecho fuerte y, por supuesto, John Russell (extraordinario Paul Newman) un blanco criado por los indios que ha decidido vivir con estos y simboliza el orgullo, la dignidad, el honor y la libertad, cualidades incompatibles con la sociedad del hombre blanco. Un tipo que muestra cierta dureza para con los otros, como si considerara que sus problemas son un asunto que no le concierne, hasta su conversación con Jessie que le lleva a comportarse, entonces sí, como un héroe clásico en un memorable final pleno de tensión. 

Con excelentes diálogos, el film se enmarca en esa corriente que empezó a cambiar y revitalizar un género considerado agonizante allá por los sesenta del pasado siglo.

CIMARRÓN

 

En 1889, millares de pioneros ansiosos de colonizar nuevas tierras se dirigen hacia el punto de partida de la gran carrera que ha de abrir el territorio de Oklahoma a la civilización. Entre ellos se encuentran Yancey Cravat (Glenn Ford) y su mujer Sabra (Maria Schell), que ha decidido dejar la ciudad y acompañar a su marido en esta aventura.

Adaptación de la novela de Edna Ferber, que ya había sido llevada a la pantalla en 1931 por Wesley Ruggles, con Richard Dix e Irene Dunne como protagonistas. 

Si se quiere ver así, la película es un western, por cierto, el último de Anthony Mann, de hecho, la ambientación y todo eso, responden al género.

Pero hay muchos más asuntos que se contienen en la narración: el racismo para con los indios, reflejado en varias escenas, quizá de manera más cruel cuando la pequeña niña india es expulsada de la escuela, incluso más impactante que cuando linchan a su padre por la manera en que está rodada; los conflictos intergeneracionales; las diferencias en el matrimonio por las distintas concepciones sobre la vida y el futuro entre los miembros de la pareja; la solidaridad; el arribismo y algún otro. 

Tiene escenas espectaculares, dignas de su realizador, la más llamativa quizá sea la carrera por conseguir las tierras (land rush), aunque hay otras cuantas que llaman la atención más por el arte con que están concebidas y realizadas que por su grandiosidad: la ya mencionada de la niña india o la forma en que Yancey se presenta en casa tras una ausencia de años, por ejemplo. 

El papel y la historia misma de Sabra Cravat, no resulta para nada anecdótico, al punto de que durante muchos pasajes del film parece ella la protagonista más que su propio esposo, sumergiéndonos en su complicada situación, una chica del este, de familia acomodada, que viaja hacia el salvaje oeste con su apuesto marido. De espíritu más pragmático que su esposo, a quien pueden, por una lado, su integridad moral y, por otro, su ferviente afán de aventuras. 

Con algunos momentos muy emotivos, es también una crónica sobre los pioneros que colonizaron los territorios libres del oeste americano y sobre la evolución de una sociedad nueva que va pasando de ser un grupo de personas con cierto afán de aventura y de buscar un futuro mas prometedor para sus familias, a grupos de ciudadanos que van asentado la ley y el orden en aquellos territorios en que no existía, al tiempo que vemos peculiaridades propias de ellos, como el descubrimiento de petróleo en sus tierras y lo que ello significó y otras situaciones más universales, como la corrupción y los manejos de los políticos o las ventajas que obtienen los ricos y poderosos gracias a la influencia que les proporciona su dinero y su estatus social. 

La película supuso un pequeño fiasco en taquilla, pero creo que es de esos films que merece la pena ver, magníficamente interpretado, secundarios incluídos y dirigida de manera eficaz.

REVOLUTIONARY ROAD

 

Es el año 1955. Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet) están en el séptimo aniversario de su matrimonio del que tienen dos hijos, pero no son felices. April ha renunciado a su sueño de ser actriz y Frank odia su trabajo. Un día, April propone mudarse a París como una forma de rejuvenecer su vida.

Basada en la novela del mismo nombre del norteamericano Richard Yates. Fue su primera novela, publicada en 1961.

La intrahistoria del llamado sueño americano, lo que ocultan las fachadas de esas maravillosas casas del extrarradio urbano tras las cortinas de sus ventanas, la infelicidad, la insatisfacción por no haber logrado aquello que se les ha vendido y ver pasar tu vida en medio de un trabajo rutinario, sea en el hogar o en una gran empresa, en la que no eres mas que un número. Un estilo de vida que no llena las aspiraciones de quienes creyeron que el paraíso estaba aquí en la tierra y a cambio se encuentran con un modo de vida presidido por la hipocresía en el que el único que canta las verdades en voz alta es aquel que tienen por loco que resulta ser el único cuerdo. 

El sueño americano es tener una casa, un marido (o una esposa) y criar a tu parejita de herederos, pero quien se había forjado otro tipo de ambiciones, se hallará despojado. 

Sam Mendes hace un retrato de los males de las sociedades llamadas avanzadas, desde luego, estas frustraciones, no son tales para quien cada día sale de casa a buscarse la vida y no sabe si va comer o no y no digamos para quien está en medio de un conflicto mayor y su única aspiración es salvar el pellejo suyo y el de su familia. 

Magnífica interpretación de Kate Winslet en su papel de mujer frustrada al ver rotos todos sus sueños.

LA LEY DEL SILENCIO

 

Johnny Friendly (Lee J. Cobb), el jefe del sindicato portuario, utiliza métodos mafiosos para controlar y explotar a los estibadores de los muelles neoyorquinos. Terry Malloy (Marlon Brando), un boxeador fracasado que trabaja para él, se ha visto involuntariamente implicado en uno de sus crímenes. Cuando Malloy conoce a Edie Doyle (Eva Marie Saint), la hermana de la víctima, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie (Karl Malden), que trata de animarlo para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe.

El guion se basa en una serie de 24 artículos del periodista de investigación Malcolm Johnson que, bajo el título de Crime on the Waterfront, fueron publicados en el New York Sun. Por este trabajo fue galardonado con el Premio Pulitzer de Periodismo Local en 1949. 

Poco después del estreno de la película, la Federación Estadounidense del Trabajo (AFL-CIO), expulsó al sindicato de estibadores de la Costa Este por estar dirigido por la Mafia.

El film obtuvo 8 Oscar, incluídos los de Mejor película, director (Elia Kazan), guion (Budd Schulberg), actor (Brando) y actriz secundaria (Saint).

Para su desgracia, esta película siempre llevará el sambenito de que su realizador y su guionista la utilizaron como una especie de justificación a sus declaraciones ante el Comité de Actividades Antiamericanas señalando a algunos de sus compañeros, aunque Kazan siempre mantuvo que la idea del proyecto era anterior a su citación ante el mencionado Comité, lo cierto es que lo que algunos consideraron una felonía, le costó que su hasta entonces amigo Arthur Miller se negara rotundamente a escribir el guion de la película. 

Cuestiones ideológicas aparte, lo cierto es que Kazan nos ofrece un film de gran nivel, un enfrentamiento entre halcones y palomas, cuya metáfora queda sugerida durante la película que es, a su vez, una justificación de la delación como medio de corregir abusos e injusticias. El tono violento de algunos tramos de la narración, queda compensado por el lirismo en que lo envuelve la manera de contar la historia, en la que descuella la aplaudida interpretación de Brando, secundado por un llamativo plantel, tres de cuyos integrantes (Coob, Maldem y Rod Steiger), estuvieron nominados al Oscar por este film, eso por no mencionar a Martin Balsam, que tiene un pequeño papel. 

Con unas cuantas escenas memorables, el film recrea a la perfección el ambiente portuario y los personajes que lo pueblan, quizá con exceso de moralina representado por el personaje del sacerdote, el film pasa por ser un clásico del cine de todos los tiempos.

LA SENDA TENTADORA (PITFALL)

 

John Forbes (Dick Powell) vive en Los Ángeles con su esposa y su hijo y trabaja para una compañía de seguros. Mientras tanto, un ex policía convertido en detective privado se dedica a investigar los métodos de un estafador al que hace poco la compañía de Forbes pagó una indemnización. El detective descubre que le hizo diversos regalos a Mona Stevens (Lizabeth Scott), una atractiva modelo.

El guion, del propio realizador, André de Toth, se basa en la novela "The Pitfall", del guionista y escritor norteamericano Jay Dratler.

Un veterano de guerra que vive el sueño americano con una hermosa casa, una esposa amorosa, un niño maravilloso y un gran trabajo como ejecutivo de seguros, pero hastiado de su vida rutinaria, no quiere ser uno de los cincuenta millones de conciudadanos militantes de la clase media que forman la columna vertebral del país, pues se siente como parte del engranaje de seres anónimos con una existencia mediocre y aburrida. 

Así que cuando conoce a Mona Steven, se deja llevar por el ansia de aventura y cae en la tentación de vivir una con esta bomba sexy que casi suplica su comprensión y ayuda. Ella no sabe que está casado y cuando lo descubre le recrimina que quiera abandonar los verdes y tranquilos pastos en los que transcurre su vida y le dice que no está dispuesta a competir con una esposa y un hijo, recomendándole que vuelva al redil que nunca debió abandonar. Pero aquí entra en juego el detective de comportamiento psicópata, obsesionado con la chica. Es un tipo al que la compañía de seguros acude de forma circunstancial para que realice algunos trabajos para ellos y amenaza a Forbes con contarlo todo y arruinar su reputación, creyendo que sigue viéndose con Mona, por lo que visita al prometido de ésta en la cárcel, de la que está a punto de salir, para provocar un enfrentamiento entre sus dos competidores y quedarse él con la muchacha. 

Una red de asesinatos, intriga y celos, son los ingredientes de este film que contiene también diálogos ingeniosos, pese a su modestia, es considerado por algunos como una de las mejores películas del género.

ACOSADOS

 

Chuck Scoutt (Robert Cummings) es un veterano de guerra sin empleo. Un día encuentra un billetero perdido y decide ir a buscar a su propietario, quien resulta ser un gángster llamado Eddie Roman (Steve Cochran). Eddie, agradecido, decide contratar a Chuck como chófer, quien se adentra en el peligroso mundo del hampa. Chuck conocerá poco a poco a Lorna (Michèle Morgan), la mujer de Eddie, hasta llegar a enamorarse. Al descubrir que Lorna es una prisionera de Eddie y que este le ha privado de libertad decide ayudarla, buscando en vano una salida y poniendo en peligro su propia vida.

Película de serie B, cuyo guion adapta la novela The Black Path of Fear (publicada en castellano como El largo sendero del miedo), de Cornell Woolrich, autor, entre otros, de relatos como La ventana indiscreta o La dama desconocida, que darían lugar a grandes películas.

Arthur Ripley juega con la realidad y lo onírico en este film que ofrece un giro de guion a media película que te deja descolocado, en el buen sentido de la palabra, algo que imagino ya estaba en la novela, pero que está muy logrado a la hora de trasladar las palabras al lenguaje del cine. 

Película modesta pero bien realizada, con nombres conocidos en el reparto, que logra mantener el interés del espectador que no es poco para este tipo de films que tampoco pretenden ser obras maestras, sino films de entretenimiento, aunque, como digo, no exento de calidad.

WINTER'S BONE

 

Ree Dolly (Jennifer Lawrence) vive en una zona rural de los montes de Missouri. Es una chica de 17 años que tiene que hacerse cargo de su familia en una situación de extrema precariedad. Su padre, tras salir de la cárcel en libertad condicional, ha desaparecido misteriosamente y, si no aparece para presentarse al juicio al que está citado, en pocos días perderán la casa donde Ree vive con su madre enferma y sus dos hermanos pequeños. Encontrar a su padre se convierte entonces para la joven en una cuestión vital.

El guion adapta la novela del mismo título del norteamericano Daniel Woodrell, publicada en 2006, cuatro años antes del estreno de la película.

A algunos, al ver esta película, lo que más les llama la atención es la ambientación y empiezan a especular, porque, lógicamente, ya que así es, ven muchos rastros de cine negro, pero quedan despistados, porque todo transcurre en un entorno que no es el clásico del género. Hay que aclarar que esto ya está en la novela de Daniel Woodrell, que podemos encuadrar en un subgénero, típicamente norteamericano y más concretamente sureño, conocido como Country noir, con escenarios como la Meseta de Ozark, los Apalaches, el medio oeste (Michigan) o el sur (Texas), con características bastante concretas: espacio apartado, agreste, comunidades pobres, rurales y con marcados rasgos culturales muy diferentes de lo típicamente estadounidense. Comunidades que acostumbran a estar al margen de la ley y sobreviven con plantaciones de marihuana o cocinando metanfetaminas, igual que sus antepasados lo hacían con la destilación de moonshine ("luz de luna", porque este whisky, con graduaciones que alcanzaban los 95°, destilado ilegalmente, se distribuía de noche) o el contrabando. La verdad es que novelas y películas que podrían encuadrarse en este subgénero, ya existían (El cartero siempre llama dos veces o Fargo, por ejemplo, cabrían perfectamente aquí). La mayoría de la producción cinematográfica y televisiva en torno al Country noir ha sido estadounidense, aunque hay ejemplos en otros países como 1280 almas (producción francesa dirigida por Bertrand Tavernier, basada en la novela homónima de Jim Thompson). Así que estamos ante un film en el que vemos lo que podríamos llamar el patio trasero de los Estados Unidos, lejos del ambiente de las zonas típicas en que se desarrolla el noir clásico, con las grandes urbes (Nueva York, Chicago, etc.), aquí nos vamos a la conocida como América profunda y las peculiaridades que la diferencian del resto del país. Este llevar los códigos del género a otro entorno bien diferente, en el que nada es lo que parece, resulta, quizá, lo más llamativo del film en el que destaca la gran interpretación de Jennifer Lawrence.

ROCKNROLLA

 

Uri Omovich (Karel Roden), un rico mafioso ruso, está montando un negocio multimillonario de compraventa ilegal de terrenos en Londres, para lo que se pone en contacto con Lenny Cole (Tom Wilkinson), un jefe de la mafia londinense que controla todas las transacciones inmobiliarias locales. Por su parte, la contable de Uri, Stella (Thandie Newton), decide llevarse parte del botín; para ello, contrata a dos pequeños delincuentes que tienen cuentas pendientes con Lenny.

Tras unos años embarcado en otros proyectos, el británico Guy Ritchie retorna a los derroteros que le dieron fama allá a finales del pasado siglo y regresa a la senda en que parece que mejor desenvuelve con este film de 2008.

Quizá sin la brillantez en los diálogos de otros trabajos, tal vez porque se pierde la capacidad de sorprender y con él la frescura de su particular manera de entender el tipo de cine que maneja, sí que mantiene la forma ágil y vertiginosa en la acción y también, de manera algo menos firme, la capacidad para conjuntar las historias paralelas que van convergiendo hasta unirse en el final, resolviendo el asunto con la brillantez que se espera. 

Retorno a los barrios londinenses y un tipo de fauna que los habita, el terreno que mejor domina el bueno de Ritchie y en el que más satisfacción encuentran sus seguidores.