Fort Apache / Mejores pelis de John Ford

El tiempo puede pasar pero cumplo mis propósitos. Tengo una deuda con el maestro Ford ya que no repaso sus películas desde hace más de 20 años, el otro día le tocó el turno a Fort Apache y he de decir que uno se pregunta que cojones hace que tarda tanto en revisar según que cintas. Solo tengo que explicaros que al día siguiente volví a repasar varias escenas incluída esa épica batalla final, uno de los momentos más tristes y bellos de las batallas mililtares del oeste americano en el cine, con esos personajes absolutamente coherentes y comprometidos con sus principios. Por lo demás la cinta es puro Ford con sus bailes, tradiciones, humor, secundarios imprescindibles y una fotografía absolutamente increíble, uno no para de ver escenas cuyos fotogramas merecen por si solos el título de obras de arte.

Por cierto que aquí están los resultados de la encuesta que puse hace éones, nada menos que vuestros votos sobre las mejores películas del maestro de los maestros:

1. Centauros del desierto (1956): 14

2. El hombre tranquilo (1952): 11

3. La diligencia (1939): 10

4. Qué verde era mi valle: 9

5. Las uvas de la ira (1940): 9

6. El hombre que mató a Liberty Valance (1962): 9

7. Fort Apache (1948): 7

8. Río Grande (1950): 6

9. Dos cabalgan juntos (1961): 6

10. La legión invencible (1949): 4

11. Pasión de los fuertes (1946): 3

12. Misión de audaces (1959) : 2

13. El último hurra (1958): 2

14. El sargento negro (1960): 2

15. El joven Lincoln (1939): 2

16. El delator (1935): 2

17. Cuatro hijos (1928): 1

Drive

Nicholas Windingn Refn, 2011
Que gustazo esta "Drive", impecable cinta de cine negro clásico basada en las adanzas de un conductor especialista de cine que también realiza trabajos más truculentos. Lo tiene todo: personajes inolvidables y carismáticos, una puesta en escena deslumbrante, un guión simple pero efectivo... apenas un puñado de secuencias de acción, pero con algunas set-pieces llenas de "preciosa" violencia. Definitivamente una película que intenta demostrar que un cine de autor para multicines puede ser posible. Gran y elegante banda sonora lo-fi de techno ochentero que le sienta como un guante. Su director (que dará que hablar) mide el tempo con maestría y permite desarrollarse a esos dos grandes personajes interpretados por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Lo de Gosling es de quitarse el sombrero, tremenda creación la suya de un personaje complicado, uno tiene la sensación de haber descubierto "Taxi Driver" y al nuevo Robert de Niro (¿y al nuevo Scorssese? ....ya puestos).

Y Recordar:

"I give you five minutes when you get there. Anything happens in that five minutes and I'm yours, no matter what. Anything a minute either side of that and you're on your own....."

Valoración: 9/10

¡No séais diabólicos!

Con estos créditos tan curiosos finaliza "Las diabólicas" (Les Diaboliques), el gran clásico de 1955 dirigido por H.G. Clouzot. Dicen algo así como : "¡No seáis diabólicos!, no destruyáis el interés de vuestros amigos hacia el film. No les expliquéis lo que acabáis de ver.".

Y es cierto, ver esta peli sabiendo de antemano el giro que toma la trama es perderse gran parte de la experiencia que proporciona, yo he conseguido mantenerme "vírgen" con algún esfuerzo que otro desde que esta  película entró en mi lista de clásicos pendientes, y en este caso de verdad que no se a que estaba esperando porque la película es maravillosa. La manera más rápida de describirla sería algo así como una versión francesa de lo que hacía Hitchcock (cosa curiosa porque al parecer el mismo Hitch estuvo a punto de realizar él mismo esta historia), con una intriga que va in crescendo desde lo que parece una convencional historia de cine negro hacia unos magistrales minutos finales de los que mejor no explico nada a riesgo de reventarle a alguien la experiencia. Así que a no leer nada sobre ella y a verla de cabeza.

Redescubriendo "La comunidad del anillo"

Peter Jackson, 2001
Tranquilos que no voy a hacer una crítica al uso, solo os voy a explicar una serie de experiencias sobre esta película. Es curioso que no me tenga por un friki de "El señor de los anillos" en su versión literaria, vale sí, lo he leído tres veces (aproximadamente con 15, 25 y 35 años) pero no me se memoria la lista de los reyes de Gondor ni se hablar en lengua élfica... bueno vale, supongo que tres lecturas me ponen en el filo de lo que se podría considerar geek, pero la cuestión es que tampoco creo que se trate del mejor libro de la historia ni nada parecido, es simplemente una de aquellas cosas que merece mucho la pena leer al menos una vez en la vida.

Pero la cuestión es que hay mucha gente (había mucha gente) en 2001, que realmente esperaba esta película como si fuera la última. Habían pasado décadas sin que nadie se atreviera a coger el complicado toro por los cuernos de una adaptación cinematográfica que muchos estudios habían dado por imposible, y cuando por fin llegó el momento tan grande era la expectación como la desconfianza, ya sabemos la de batacazos que nos hemos pegado todos con muchas esperadas adaptaciones. Lo que sigue es historia: una de las sagas más taquilleras de la historia, críticos y público con una sonrisa de oreja a oreja, y un negocio inacabable con las múltiples ediciones en DVD, Blue Ray y lo que se ponga por delante.

¡Ah!... que cosa más potita

El asunto que nos traemos entre manos hoy, es que por fin, después de estar en letargo durante unos añitos, me he decidido a ver las versiones extendidas de tan magnas obras a ver si resistían el ser alargadas con material descartado (que ya sabéis lo que se dice, si se descartó en su momento por algo sería). Y la cuestión es que se me volvieron a caer los huevecillos al suelo. No podía dejar de pensar "joder no recordaba que fuera tan buena". Y la cuestión es que lo es. Algunas claves:

- Guión: la clave del asunto. Dada la imposibilidad de que hubiera funcionado con una estructura idéntica a los libros, se retoca aquí y allá, se cambian de orden unas cosillas, se alarga tal episodio, se acorta tal otro, se eliminan algunos personajes, se da más peso a algunos otros..... y lo que se consigue es que manteniendo la base narrativa literaria se consiga algo que como película, es casi perfecta.

- Banda sonora: La banda sonora de Howard Shore es a falta de mejor adjetivo: ACOJONANTE. Años de tradición en cine de aventuras culminan con la banda sonora épica por excelencia, con unos leit-motivs que no te puedes quitar de la cabeza y que realzan en todo momento lo que vemos.

- Efectos especiales: Diez años después (que hablando de tecnología son muchos), no puedo recordar una película con mejores efectos, todos los monstruos son impecables, su integración con el escenario es brutal, las maquetas funcionan a la perfección y en general, todo en este apartado es no notable sino sobresaliente.

- Dirección: Sombrerazo para Jackson, porque pese a todo lo comentado above, sin una buena dirección todo se podía haber ido al garete. Las panorámicas aéreas de los viajes (que han sentado cátedra y podemos ver hasta en la sopa en subproductos que intentan jugar la misma liga -tipo Furia de Titanes-), la planificación de las escenas de acción, los brillantísimos flashbacks, o las escenas menos aparatosas como las de la primera parte de la cinta demuestran un gran saber hacer, y un gran cariño por sus personajes y el material literario.

Una de las grandes secuencias, si no fuera tan perro pondría el vídeo...

Pero me he enrollado como una persiana y yo solo quería destacar algunos momentos que me produjeron ganas de ponerme de pie en la butaca de casa y aplaudir. Grandes momentos de la historia del cine podría decir tranquilamente:

- El prólogo. En apenas tres minutos se nos pone en situación: Gollum, Isildur, Sauron, nombres que nos acompañarán durante tres películas se introducen... una narración nos introduce en un universo complejo como si fuera la cosa más ligera del mundo acompañado de una música impecable para terminar con un fundido hacia un plano de la bucólica comarca Hobbit.....

- La persecución de los jinetes negros en el camino hacia Rivendell, Arwen lleva a caballo a un Frodo herido y los jinetes rozan en varias ocasiones al protagonista, hasta que Arwen atraviesa el río e invoca un hechizo que arrastra a los enemigos en una increíble crecida del río con forma de estampida equina.

- El viaje tras el concilio, esas secuencias aéreas con de nuevo la música suponen algo para lo que el calificativo épico se queda corto, brutal.

- Toda la escena en las minas de Moria. La calma tensa hasta que se averigua que allí pasa algo, el combate con los trolls y ogro, la huida a través de los impresionantes decorados -¿había mencionado el diseño de producción?, y claro el Balrog, la impresionate criatura que combate Gandalf.

- La batalla final con los Uruk-hai y la muerte de Boromir, una de las muertes más épicas que servidor ha contemplado en el cine.

Que la mala leche de Sauron os provoque gases y caspa si no reverenciáis esta OBRA de arte

¡Ah! ¿que era la versión extendida?, joer por mi como si dura una hora más, se me pasó como un suspiro.

Dicho lo cual, no puedo sino valorar esta película como algo grandioso y único.... si no fuera porque hay dos más!

Valoración: 9/10

Lon Chaney "El hombre de las mil caras" (¡cuadruple post!)

Como cualquier aficionado al cine siempre he disfrutado de "The Hunchback of Notre-Dame" y "The Phantom of the Opera" en sus versiones mudas protagonizadas por Lon Chaney, pero nada me hizo interesarme en profundizar en su figura como ver "Garras Humanas" (The Unknown), producción de 1927 protagonizada por Chaney y una jovencísima Joan Crawford. La película, dirigida por Todd Browning, uno de los autores más extremos y retorcidos de los inicios del cine con obras en su bagaje del calibre de "Freaks", "Dracula" o "Muñecos infernales", es una historia increíble de pasión y venganza: Un feriante que realiza números lanzando cuchillos con los pies, simula no tener brazos para ganar el amor de una compañera de feria con una extraña fobia a ser tocada. Cuando accidentalmente es descubierto, decide chantajear a un cirujano para que le ampute realmente los brazos y así ganar el amor de su amada, pero ésta ha perdido su fobia y rechaza a nuestro amigo por el fortachón de turno. Vean la venganza que planea, véanla, una de las escenas más poderosas que recuerdo (ni que decir que es un spoiler, pero véanlo, total dudo que vean la peli):

La interpretación de Chaney en esa película es completamente inolvidable, no se trata solo de como realiza todos sus gestos cotidianos con los pies (comer, vestirse, etc.), el patetismo de su interpretación (por ejemplo en la escena en la que se da cuenta de se ha amputado los brazos para nada) es difícilmente olvidable. Browning y Chaney realizaron algunas otras películas juntos y ambos son dos figuras cinematográficas fascinantes. Otro día hablamos de Browning, vamos hoy con Chaney, para lo cual podemos seguir el guión del excelente documental "Lon Chaney: A Thousand Faces", del cual tuve conocimiento gracias al excelente blog (no como éste) La cinta de Möbius. El documental es un festival que además de explicar la vida y milagros de tan interesante personaje, permite ver las escenas cumbre de la mayoría de sus películas y los maquillajes y creaciones que le hicieron famoso: Todo tipo de personajes tullidos y deformes a los que Chaney siempre otorgaba una sincera humanidad. Sus padres eran sordomudos y eso tuvo una gran influencia en su dominio del gesto y en su voluntad de normalizar y mostrar la humanidad de lo marginal. Pero lo que lo hizo único es que nunca tuvo un maquillador, guardaba todos sus trucos en un maletín cuyos contenidos ocultaba una vez que se creó una imagen de misterio tras la pantalla. De su propio ingenio salían todos esos personajes y creacioes que han admirado e influído a generaciones de maquilladores.

Os recomiendo el documental íntegro que se puede ver completo en youtube en 9 partes : 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, o encontrar con subtítulos en P2P. Pero echarle solo una ojeada al montaje musical de la intro -los dos primeros minutos- para cualquier cinéfago será un placer:

Pero ya puestos a completar el perfil del personaje, existe una película de 1957 titulada precisamente "El hombre de las mil caras" donde James Cagney da vida a Lon chaney en un biopic realizado con motivo del 50 aniversario de la creación de Hollywood. La vida de Chaney no fue fácil, motivo de mofa durante su infancia por su familia sordomuda, casado con una cantante desequilibrada que abandonó la familia tras un intento de suicidio, y luchando durante toda su vida por sacar adelante a su hijo manteniéndolo apartado de sus fantasmas familiares (sí, el algo menos célebre Lon chaney Jr., pero recordado igualmente con cariño por los aficionados al terror de la Universal gracias a la serie de "El hombre lobo").

Lamentablemente la película (como suele ser habitual en los biopics de la época) se centra más en la dramatización de los intríngulis familiares que en aportar una visión interna del mundo del cine de la época, sin embargo la puesta en escena de la creación de algunos de sus más célebres maquillajes mostrando su habilidad con el mítico maletín, presenciar el rodaje de algunas de sus escenas más celebradas, o recrear personajes clave de ese período como el productor Irving Thalberg hacen que la película merezca un visionado para cualquier aficionado al cine silente. Porque efectivamente, Chaney apenas tuvo oportunidades con el cine sonoro: Un cáncer de pulmón se lo llevó por delante tras su única película sonora cuando todo parecía indicar que Todd Browning pretendía contar con él para "Drácula", solo podemos imaginarnos como hubiera sido esa película.

Y para cerrar el círculo de lo comentado, otra película con Chaney de 1924: "He, who gets slapped" (casi me da verguenza el título español de "El que recibe el bofetón"). La verdad es que siempre ando intentando localizar películas de Chaney (especialmente las que hizo junto a Todd Browning) pero es como buscar el santo grial, se encuentran pero en unas calidades paupérrimas. Afortunadamente encontré "He, who gets slapped" en una magnífica calidad de imagen y con una banda sonora demoledora, toda una experiencia que me hizo disfrutar como un enano. En este caso en el cartel era más grande el nombre del director Victor Sjöström ("El Viento") que el de un Chaney que empezaba a tener papeles de protagonista pero que aún no tenía el status del que gozó tras "The Phanton of the opera", pero la película parece realizada a su medida: El personaje de Chaney es un científico traicionado por su mecenas que se establece como un payaso cuya función de bofetones masivos lo convierte en una celebridad. Cuando el antiguo mecenas aparece un día por el circo y compite por una pretendiente la venganza está servida. De nuevo la interpretación de Chaney en la escena donde se declara a la muchacha y éste lo rechaza con un bofetón creyendo que está de broma es increíble, en unos segundos su cara pasa de la tragedia al patetismo para estallar en unas carcajadas que acaban por dar la razón (falsamente) a la muchacha. En el fondo todas las películas de Chaney seguían el mismo patrón: traición, ofensa, rechazo, caída en la misera absoluta, y venganza, pero cada una de ellas tenía su magia especial (o como mínimo las cuatro que he visto)... Si alguien sabe como puedo conseguir en buena calidad "The unholy Three" o "The penalty" que me avise.

Por cierto, como notas para frikis, esta película se trata de una de las primeras producciones de la Metro Goldwyn Mayer y la primera donde aparece el famoso león (que tiene un protagonismo en la trama, jeje) y también hay un debate tremebundo sobre si en esta película aparece el mismísimo Bela Lugosi de extra como uno de los 60 payasos "abofeteadores" que atizan al protagonista en el circo en lo que sería su debut en el cine. Parece que no está demostrado, juzgar vosotros mismos (el payaso de la izquierda), y para echaros unas risas leeros el "sesudo" estudio sobre el asunto en este enlace.

Valoraciones:
"Garras Humanas" (The Unknown) (1927)  8.5/10
"He, who gets slapped" (1924)  7.5/10
"El hombre de las mil caras" (1957)  6/10
"Lon Chaney: A Thousand Faces" Documental (2001)   8/10

El Fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise) ....Rock Movies by TQX....

Brian de Palma, 1974 
De entrada diré que esta película es una de mis favoritas tanto dentro del mundo de las óperas-rock como dentro del fantástico contemporáneo (llamar contemporáneo a algo de 1974 seguro que denota lo viejo que soy, pero es que la película realmente se adelanta a su tiempo). Brian de Palma haría cosas muy interesantes a partir de esta película y también algunos bodrios, pero este "Phantom of the paradise" es para mi una maravilla que nunca me canso de revisar por múltiples motivos.

Veamos, Brian de Palma sentía como su creatividad se veía limitada por las cortapisas que los estudios le imponían, y observó el mismo efecto agravado si cabe entre sus amigos músicos, así que le vino a la mente realizar una película fantaseando con un productor de rock a quien los artistas venden su alma a cambio de su relevancia artística en el mejor estilo del mito de Fausto. Al mismo tiempo, la idea de realizar una nueva versión de "El fantasma de la ópera" en clave ópera-rock llevaba algún tiempo revoloteando por los estudio, así que De Palma cogió el toro por los cuernos e hizo realidad para nuestro regocijo esta ópera-rock de horror gótico sobre Swan (Paul Williams), un retorcido productor musical que compra el alma de Winston (William Finley), un brillante pero incomprendido escritor de canciones tras sufrir esté un accidente que le deja desfigurado y mudo. Y no podía faltar claro, la fémina que completa el triangulo amoroso que articule la venganza de Winston, encarnada en la aspirante a cantante Phoenix (Jessica Harper).

-Swan maquinando su proximo contrato, digo....¡compra!-

Un hecho sorprendente es que la magnífica banda sonora es completamente original, uno pensaría al verla que se trata de una adaptación de un musical, pero no, Paul Williams (sí, sí, el mismo que encarna a Swan) escribió las memorables canciones que acompañan la historia y se trata de un trabajo completamente original para la película, y ese puñado de canciones que recorre casi todos los estilos del rock hasta la época es para quitarse el sombrero.

De Palma realizó una película con un estilo voluntariamente efectista, con una original manera de montar sus escenas que le daban una apariencia próxima al cómic. Otra gran contribución a la grandeza de la película la tenemos en un acertadísimo y colorista diseño de producción que consigue recrear un mundo gótico dentro de estudios de grabación, oficinas de corporaciones del mundo del rock o "The Paradise", el teatro que Swan pretende inaugurar para que sirva de escenario a sus artistas. Y ya puestos a enunciar méritos de la cinta, que decir de esa increíble creación de Swan a cargo de Paul Williams, dando como nadie el papel de ese productor musical satánico con esa voz penetrante y tenebrosa.

-Winston Leach conectado a sus cacharros tras haber pasado por el estilista-

Podría recordar sin parar escenas memorables como ese maravilloso momento cuando Swan va manipulando poco a poco los controles de su estudio para restaurar la voz de un Winston conectado a un monstruoso sintetizador después del accidente donde éste la pierde (otro momento por cierto, plasmado de forma majestuosa). Y que decir de ese gran final donde en plena función se desencadena la tragedia, un final poderoso donde los haya que culmina cualquier expectativa que el desarrollo de la trama nos hubiera creado.

-¡Un poco de acción para terminar!-  

En fin, no se cuan compartido será mi entusiasmo hacia esta obra de arte pero personalmente este cruce de Lerroux y Goethe pasado por el filtro de las vicisitudes de la industria del rock me hace disfrutar como un enano en cualquier revisión (y llevo unas cuantas). Me parece una gran puesta al corriente del horror gótico de la Universal dentro de un ingenioso contexto, con el riesgo añadido de una versión opera-rock que en lugar de lastrarla acaba por encumbrarla gracias a su memorable banda sonora.

Imprescindible es poco y no se cuanto le faltaría para obra maestra.
Valoración: 9/10 .

Trilogía de Apu: La Canción del Camino (Pather Panchali)

Satyajit Ray, 1955
Si Akira Kurosawa dice que: “No haber visto el cine de Ray es como existir en este mundo sin haber visto el Sol o la luna“, pues no soy yo nadie para contradecirle, de hecho al cruzarme el otro día con este DVD y recordar la aparición de esta película en muchas de las listas de mejores películas de la historia, me auto-impuse la tarea de validar tales merecimientos, que este Magno Reducto de Sapiencia Popular y Frikismos Varios (MRdSPyFV) no solo va a dedicarse a reseñar bizarrismos y hacer posts en 20 minutos….

“Pather Panchali” es el debut como cineasta de Satyajit Ray, cineasta indio que consiguió sacar adelante esta película con un presupuesto ridículo, teniendo que suspender el rodaje durante meses en diversas ocasiones por problemas presupuestarios y pudiendo terminarla solo gracias al apoyo de diversos cineastas extranjeros que visitaban India como Jean Renoir o John Huston y a la financiación en última instancia del MOMA de New York. Termino aquí con los datos wikipédicos, que os los podéis leer vosotros solitos, y así Mónica no se queja de que hago textos enciclopédicos.

Ver esta película es como asomarse a otra realidad mirando por un agujerito en la pared de la destartalada casa de la familia de Apu porque nada especial pasa en esta película. Ray pone su cámara y somos testigos de la cotidianeidad de una familia miserable hasta que casi podemos sentarnos con ellos a comer arroz hinchado. Las mejores escenas retratan momentos tan cotidianos como la ilusión de los niños (Apu y su hermana mayor Durga) ante la llegada de un vendedor de golosinas, el torpe vagar por la casa de la anciana de la familia, o las discusiones domésticas de los progenitores sobre como conseguir salir de la pobreza.

-Apu y sus enormes ojos acaban siendo los nuestros-

Se trata también de cine de valores familiares con singulares aproximaciones al sentimiento paternal: Tan intenso es el amor y protección que Sarbajaya profesa por sus hijos como el desprecio que siente por su nuera, a quien no siente el deber de cuidar. En ese sentido una escena absolutamente inolvidable por su patetismo es su fallecimiento olvidada en medio del bosque ante la mirada inocente de los dos niños. El papel de la anciana es en todo momento inolvidable y Ray consigue cada vez que aparece en pantalla reivindicar sus objetivos de hacer cine realista: No estamos acostumbrados a contemplar personajes de apariencia tan descuidada, esquelética, apenas sin cabello, con facciones seniles, y caminando completamente encorvada, cada aparición suya en pantalla nos impacta. De hecho la salud de esta actriz era tan frágil que en cada parada del rodaje por problemas presupuestarios, Ray temía que falleciera.

Además en cuanto a aspectos técnicos resulta complicado imaginar cómo se pudo conseguir ese resultado con tan poco presupuesto, la fotografía en B/N esculpe el relieve de esos rostros áridos y bellos al mismo tiempo, y lo mismo puede decirse de la textura de las selvas. Y la banda sonora de Ravi Shankar (el músico hindú reivindicado años más tarde por la psicodelia británica) aporta todo lo necesario con su instrumentación tradicional para ilustrar la historia.

-La expresividad de la cara de la anciana al recibir los regalos de Durga vale por media película-

Cine de ese que se aprecia en toda su magnitud habiendo dejado reposar lo visto un par de días. Al finalizar la película uno no puede dejar de tener la sensación de: “pues está bien pero no hay para tanto”, pero solo recordar escenas como aquella donde los niños protagonistas recorren un largo camino para conseguir ver el tren y no conseguirlo al taparles la visión unas gigantescas hojas de palma, nos pone en su lugar a este “Pather Panchali”, la primera de las tres películas que conforman la llamada “Trilogía de Apu” que sigue a este personaje durante su adolescencia y juventud.

“Pather Panchali” consiguió todos los premios habidos y por haber en festivales europeos a mediados de los 50 y está considerada con todo merecimiento uno de los mejores films salidos de la cinematografía india. Quizá Kurosawa exageraba un poco pero incluir esta película en una lista de las mejores de la historia me parece del todo merecido.
Valoración: 9/10 .

¡Vive Como Quieras! o la película-chapista que repara el alma

En estos tiempos que corren, ¿quien no necesita de tanto en tanto meterse un chute de Capra?. "¡Vive Como Quieras! (You Can't Take It With You!)" es una apuesta segura para pasar el rato más divertido posible mientras uno recupera el espíritu humano que todos vamos perdiendo poco a poco sin darnos cuenta.

Los amigos de CINEUÁ me propusieron elegir una película de entre toda la lista de ganadoras al Oscar a la mejor película y cuando ví ésta en la lista los ojos me hicieron chiribitas. No se si es la mejor película de Capra, pero si es la que a mi más me gusta.

-La maravillosa 'troupe' del hogar Sycamore en plena acción-

Así que os invito a leer mi artículo sobre ella y dado que en CINEUÁ no se pueden poner comentarios, pues os invito a dejarlos aquí con lo que os haya parecido el escrito. Por cierto ya que allí tampoco se pueden poner notas, pues... ¡toma nota!: 
Valoración : 10/10

Malas Tierras (Badlands)

Terrence Malick, 1973
Los retratos de psicópatas o personajes sórdidos puestos en el mismo contexto que mentalidades infantiles o inocentes nos han dejado siempre grandes películas, con frecuencia perturbadoras. Solo tenemos que recordar la famosa escena de Frankenstein y la niña a orillas del lago, pero desde a “M” hasta “Tideland”, pasando por “Taxi driver” o “La noche del cazador”, el tema siempre ha resultado de lo más eficaz para los cineastas que le han sabido sacar partido.

"Malas Tierras" fue el debut de Terrence Malick, el poco prolífico autor de la brilante  "La delgada línea roja". Malick consiguió el dinero para rodarla de un productor independiente y en un pase para críticos los dejó a todos con la boca abierta consiguiendo así que un gran estudio apostara por distribuirla. Sin embargo fue un rotundo fracaso en su estreno ya que el público no podía asimilar una historia de moral tan ambigua. Desde entonces el film ha cargado con un aura de film de culto completamente merecida.

-Kit vagando por los badlands-

La historia es simple: Kit es un chico solitario interpretado por Martin Sheen (que ya pasaba de la treintena pero interpretaba un personaje de 19 años) que se enamora de Holly (Sissy Spacek), una chica de 15 sometida por su padre a una férrea disciplina moral. Éste se opone a la relación con lo que los jóvenes planean fugarse, pero el padre los sorprende y Kit en plena refriega lo acaba asesinando, suceso que de forma turbadora deja a la niña indiferente. Nada impide pues que se fugue con su novio a vivir al bosque fuera de cualquier regla moral y donde la violencia y la muerte se practicarán como si de un intranscendente juego de niños se tratara. El gran acierto de "Malas Tierras", es que en su mayoría está narrada por la voz en off de Holly que aporta una inocente e irreal punto de vista sobre las monstruosidades que va cometiendo su compañero, inspirado por cierto en el psicópata real Charles Starkweather que dejó un reguero de muertes tras de sí en 1957 acompañado de su novia de trece años.

-Kit y Holly en plena huída-

Todo funciona en esta película como un mecanismo de relojería: La interpretación de Sissy Spacek como Holly desprende todo el candor y la inocencia que el personaje requiere y transforma la visión de los hechos al ponerlos bajo su punto de vista. La banda sonora confeccionada con el uso recurrente de melodías de Carl Orff y Erik Satie siempre resulta brillante y dota al conjunto de un gran acabado formal, y que decir de la fotografía de los bellos parajes naturales por donde transcurre buena parte de la escapada de los protagonistas (los áridos paisajes de los badlands americanos). También podríamos hablar de los personajes secundarios, todos ellos acertados y muy cuidados.

"Malas tierras" es una de aquellas cintas moralmente ambiguas que son un triunfo artístico y un fracaso comercial. Desde luego que esta película es cualquier cosa menos convencional y es poco menos que una obra maestra.
Valoración: 9/10
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Sagas Simias : El Planeta de los Simios (Planet of the Apes) -1968-

Franklin J. Schaffner, 1968
“El planeta de lo simios” es una adaptación modélica al medio cinematográfico en cuanto toma la esencia del referente literario, y la transforma en una historia que pueda funcionar bien en la pantalla teniendo siempre en cuenta de las diferencias entre la literatura y el cine. El argumento de la novela es significativamente distinto del de la película, pero todos los cambios tienen un sentido y consiguen maximizar la experiencia cinematográfica. Ahí está el gran trabajo de guión que comentábamos en la introducción a esta serie de artículos: Un guión perfectamente estructurado donde ni una sola escena es gratuita. Por cierto que asumiré que no queda ser humano (o simio) en el mundo que no haya visto la película, así que la destripo de cabo a rabo (de todas maneras sería imposible hablar de las secuelas sin hacerlo).

La película arranca con el aterrizaje forzoso de la nave en que viajan los cuatro astronautas. A diferencia de la novela, donde la nave queda en órbita (permitiendo así el regreso), en este caso queda inoperativa. Los astronautas supervivientes comienzan la exploración del planeta en unas brillantes escenas rodadas en impresionantes escenarios naturales, de cuya grandeza nos hace testigo Schaffner con el generoso uso de la panorámica y el gran angular, así como dejando de entrada claras las reglas que regirán el ritmo de la narración. También empieza a brillar la partitura de Jerry Goldsmith, basada en sonidos étnicos y minimalistas que nos ponen en alerta de que pese a que lo que vemos parecen escenarios terrestres, cosas marcianas están por pasar.

Nuestros amigos se ven envueltos en una cacería, otros humanos huyen de alguna amenaza para verse capturados por redes, hasta que vemos por fin a simios a caballo armados con armas de fuego al mando de la cacería. Los humanos no hablan, están en un estado salvaje y visten taparrabos. Los simios por el contrario hablan en un perfecto inglés (o castellano en versión doblada), diferencia importante con la novela donde hablan un idioma propio que a Ulises (el protagonista de la novela) le cuesta meses aprender. Sin embargo, esto se soluciona de forma ingeniosa a nivel de guión: Durante la cacería, Taylor (Charlton Heston) recibe un disparo en la garganta con lo que se pasa semanas sin poder hablar. Así el guión consigue no hacer evidente para los simios que están ante un ser especial, nos guardamos el cartucho en la recámara para cuando toque, otro ejemplo de progresión dramática ejemplar.

 -Exploración del planeta: Naturaleza salvaje como genial aperitivo-

Zira (Kim Hunter) es una científica que experimenta con humanos mientras que su pareja Cornelius -Aurelio en versión doblada- (Roddy McDowall) es un arqueólogo interesado en el estudio de la evolución simia. Ambos comienzan a apreciar en Taylor –recluido en una celda junto a Nova (Linda Harrison)- comportamientos que les hacen sospechar que no es como el resto de humanos del planeta. Aquí vemos la estricta división de clases, los orangutanes son los administradores, los chimpancés los científicos, y los gorilas las fuerzas de orden. Un orangután, el Dr. Zaius, jefe de Cornelius y Zira también observa en Taylor comportamientos inteligentes, por lo que de inmediato se pone en alerta y destruye pruebas al respecto.

En este punto comenzamos a darnos cuenta de uno de los aspectos más alabados de esta película, que no es otro que el maquillaje de los simios, algo que llevó a la academia de Hollywood a otorgar un Oscar a John Chambers antes incluso de que se empezara a premiar la categoría de maquillaje. Los simios son en todo momento creíbles y su rostro mantiene una gran expresividad en sus ojos, boca, o el movimiento del hocico. De hecho la 20th Century Fox obligó a demostrar que era posible crear simios realistas antes de financiar el proyecto y fue uno de los aspectos en los que querían estar seguros del resultado.

 -Cornelius, Zira, Taylor en plena disquisición-

Cuando finalmente Taylor recobra el habla, se hace público que es inteligente y se le somete a un tribunal donde se pretende descubrir cual es su origen real. Taylor da explicaciones y rebate todos los argumentos, pero los simios se niegan a creerle, de hecho el Dr. Zaius, le incita a mentir sobre su origen amenazándolo con trepanarle el cerebro (como ha sido el caso de su compañero de expedición). El guión en este punto es explícito en lo que ya se podía comenzar a intuir: Zaius posee la llave a un conocimiento que está vedado a sus congéneres. Un secreto sobre el origen de su especie que no desea que sea divulgado y que la presencia de Taylor amenaza. Estamos ante el elemento argumental que mejor ha movido siempre la ciencia-ficción: civilizaciones con sólidas bases establecidas que viven según unos principios que una revelación inesperada pondrá en cuestión. La lista de ejemplos sería larga…

Finalmente Zira y Cornelius ayudan a Taylor y Nova -que se ha convertido en su pareja- a huir cuando las cosas se empiezan a poner feas para ellos. Les llevan a “La zona prohibida”, un área de excavaciones arqueológicas que ha sido clausurada por Zaius sin haber dado explicaciones. Allí realizan en una cueva el descubrimiento clave de una muñeca humana capaz de hablar: La especie humana en un periodo pretérito ha tenido una inteligencia muy superior a la actual. La revelación se manifiesta, y este sería un final que cerraría una película brillante pero faltaba la vuelta de tuerca sin la cual esta película no se nos habría quedado grabada a todos en el cerebro cuando la vimos de pequeños. Os pongo un vídeo de la famosa escena final (si no habéis visto la película no os preocupéis, en cuanto vayáis a comprar el DVD os lo ponen en la carátula para fastidiar –que hayan hecho eso si que es un misterio existencial de la humanidad-).

Rod Serling en su serie “The Twilight Zone” ya tenía como marca de la casa finales que cuestionaban todo lo que habías visto, pero en el caso que nos ocupa, se superó como nunca, ya que para nada es forzado y encaja perfectamente con todo el argumento desarrollado. Además el efecto inmediato es ponerte a analizar todas las implicaciones de la gran revelación, es un final que te deja desarmado, rodado además con maestría en un juego de zooms, planos y contraplanos en el que solo en el último momento somos testigos de lo que ha visto Taylor: Él ve primero la gran revelación, nosotros aún vamos a tener que esperar un momento para quedarnos con la boca abierta, sin duda uno de los mejores finales de la historia del cine.

-Con la misma cara que el amigo Heston te quedas la primera vez que ves esta película....-

Con un presupuesto de 6 millones recaudó más de 32 y se convirtió en todo un fenómeno, desatando una fiebre de secuelas, series de TV, cómics, etc. Eran tiempos en que el público aún apoyaba la calidad. “El planeta de los simios” es una de aquellas ocasiones en que a lo largo de la historia del cine se han mezclado los ingredientes necesarios para conseguir el máximo: Una gran historia de partida (Boulle), traducida a un guión increíble (Serling por más que Michael Wilson básicamente lo hiciera más barato de rodar), y con un productor que sabía lo que se traía entre manos (Jacobs). Ellos pusieron los mimbres para hacer posible que Schaffner, Chambers (maquillaje), Heston, etc. remataran la faena y nos dejaran como legado esta obra maestra que ha conseguido calar en la cultura popular como pocas obras de ciencia-ficción han hecho.
Valoración: 10/10




Bonus Track para listillos: Diferencias novela-película

• La civilización plasmada es notablemente más atrasada que en la novela, donde los simios viven en ciudades adelantadas y han lanzado al espacio satélites (tripulados por humanos, jeje)

• La misma nave del viaje interestelar queda destruida en la llegada a diferencia de la novela donde dejan la nave en orbita y descienden con una lanzadera, esto le permite al protagonista regresar a la tierra y ver con sus propios ojos la regresión de la civilización humana a favor de la simia que habían escuchado en experimentos. El final de la película ya sabemos que es completamente diferente.

• En la novela el final se ve precipitado por el hijo que Ulises tiene con Nova y que Zaius teme posea su inteligencia y precipite un resurgir humano, hecho este suprimido en la película.

• La película centra toda la intriga en el hecho de la evolución simia, y la realidad que Taylor descubre, todo esto está presente en la novela también, pero no es el eje central.

• En la novela tenemos somos testigos privilegiados de cómo se dio la inversión de roles entre humanos y simios a través de un experimento, no queda esto sino insinuado en el film.

• En lugar de un juicio, Ulises (en la novela) tiene la ocasión de exponer su caso ante un completo congreso científico atendido por centenares de simios en un enorme anfiteatro.

• Luego está el asunto de la lengua, en el libro los simios hablan otro idioma y Ulises tarda un tiempo en aprenderlo. En la película hablan el mismo idioma y se salva la intriga por una herida en la garganta que impide hablar a Taylor por unos días.

• El detalle con el que son descritos los experimentos a los que es sometido Ulises son prácticamente un manual de psicología, lógicamente en la película apenas hay tiempo para un par de pinceladas.

Próximos posts (aproximadamente de manera semanal en sus pantallas)

1- El Planeta de los Simios (Pierre Boulle, novela), 1963

2- El Planeta de los simios (Planet of the Apes), 1968

3- Regreso al Planeta de los Simios (Beneath the Planet of the Apes), 1970

4- Huida del Planeta de los Simios (Escape from the Planet of the Apes), 1971

5- La Rebelión de los Simios (Conquest of the Planet of the Apes), 1972

6- Batalla por el Planeta de los Simios (Battle for the Planet of the Apes), 1973

7- Series de Televisión : Planet of the Apes (1974), Return to the Planet of the Apes (animada) (1975)

8- El Planeta de los simios (Planet of the Apes), 2001 –Tim Burton-

9- Legado, Curiosidades y Rumorología sobre nuevas versiones

Mega-Spoiler post sobre "La Cinta Blanca"

Por una vez vamos a hacer algo diferente. Imaginaros que me casco una crítica tal que asín:

Michael Haneke, 2010
Esta película está de putísima madre y no tengo nada más que añadir a lo que tan brillantemente han expuesto los compañeros Crowley o Santi.
Valoración: 9/10


 -fin del post-



 

Pues es que así me siento compañeros, y es que con tanto blog cinéfilo... ¿para que vas a escribir lo mismo que ya se ha escrito?. Otra cosa es si vas a dar una opinión diferente o hablas de películas poco trilladas (actividad que habíamos dejado un poco de lado pero no os preocupéis que la ciencia ficción bizarra o el erotismo metafísico contraatacarán). No cabe decir que quien viendo el título de lo que viene a continuación decida leerlo sin haber visto la película o bien es que pasa por completo de verla o bien está un poco "empanao", porque aviso que vamos a reventarla (entre todos) de verdad. Así que aquí llega el....

Post Mega-Spoilerizante sobre "La Cinta Blanca"

Veamos, la película expone brillantemente una historia y plantea unos acontecimientos terribles, pero en ningún momento vemos quien los comete, Haneke te da las pistas (según él todas las necesarias) para que tu armes el puzzle, convirtiendo su película en algo más que una denuncia. Es por decirlo de alguna manera un "Whodonit" de autor donde intentar poner el hilo en la aguja de la historia puede ser más un ejercicio de tirarse a la piscina que de analizar lo que se ha expuesto (que somos todos muy listos y luego vamos al foro de IMDB.com a que nos lo expliquen). Así que me voy a tirar yo a la piscina el primero y a ver si entre todos conseguimos "desenfacer el entuerto". Pero dejarme deciros que una de las cosas que me parecen más brillantes de ese final abierto que se plantea es que cualquiera de sus posibles resoluciones es igual de estremecedora.

El final de la película es algo parecido a esto:

La comadrona le pide insistentemente al profesor la bicicleta para ir a la ciudad a denunciar a la policía la autoría de los crímenes ya que al parecer su hijo disminuido (brutalmente agredido) se lo ha revelado. Pero cuando finalmente tras mucho dudar le deja la bicicleta y ella se va, el profesor se dirige a la casa a ver como está el niño y encuentra asombrado a los jovencitos del pueblo merodeando por allí, para finalmente darse cuenta de que la casa está cerrada a cal y canto y de que no hay rastro del niño.

¿Los niños lo han asesinado y han amenazado a la comadrona para huir y no volver nunca más como castigo a su concupiscencia con el doctor?

Igualmente el doctor y su familia desaparecen.

¿Los niños han amenazado igualmente al doctor?, parece como mínimo dudoso que le permitiera que se llevara a su hija que estaba siendo abusada por su padre.

Y ya puestos... ¿quien se carga al padre del campesino que había arruinado el cultivo de repollos?, ¿también los angelotes?, ¿con que motivación?.

Venga campeones, a piscinar... y de paso si a alguien le quedó en nebulosa algún otro aspecto argumentil, pues no se corten.

El Manantial (The Fountainhead)

King Vidor, 1949
Primero de todo dar las gracias al ilustre autor de novela histórica Mr.Lombreeze, quien en su post de hace unos meses me recordó la existencia de esta película, que por otra parte ya había visto de muy jovencito sin que me impactara demasiado, y es que hay películas que requieren haber vivido unos años para poder asimilar todo lo que llevan dentro. En estos días vacacionales he encontrado el tiempo de ponerme manos a la obra, aquí vamos con “El manantial” aunque esta vez creo que vamos a hablar más de filosofía que de cine. Los que tengan poco tiempo pueden ir directamente al final del post a ver la nota que le he puesto a la película y comentar directamente. Para los cuatro que se lean lo que viene a continuación, creo que nos divertiremos….

En primer lugar hay que hablar de Ayn Rand, filósofa estadounidense de origen soviético, quien creó la corriente filosófica conocida como “Objetivismo”, consistente (entre otras cosas) en una apasionada defensa del egoísmo y el individualismo. Según Rand, los grandes logros de la humanidad han venido de la mano de personas que buscando su propio beneficio han alcanzado logros para la civilización que de ningún modo se hubieran alcanzado actuado de forma altruista. Es un concepto que queda acuñado en la célebre frase de Rand: “El ego del hombre es el manantial del progreso humano”.

Lo complejo de ponerse a pensar en esto es que resulta complicado no estar parcialmente de acuerdo con ese punto de vista, y que eso te lleva a darte cuenta de que si el egoísmo es una virtud, por oposición, la humildad es un defecto, y que de ahí a conceptos defendidos por Rand como “el sacrificio personal siempre es inmoral” o “el extremismo es bueno” hay un solo paso, ya que según las tesis objetivistas, alguien humilde que se sacrifique por la comunidad no está dedicando sus esfuerzos a satisfacer su ego, que es lo único que permite alcanzar logros realmente notables…. ¿A que acojona?

Investigando un poco uno puede llegar a una página web de esta corriente filosófica donde curiosos artículos sobre temas tan bizarros como que la Navidad debería ser más comercial y egoísta, que es de indeseables dar gracias a Dios en la mesa en lugar de dárselas a los empresarios que les dan de comer, o la tontería de instaurar un seguro sanitario público USA cuando éste nunca puede ser un “derecho” si proporcionarlo implica un “deber” para otros. Y es que las ideas de Rand rechazan vehementemente la religión y el socialismo, pero uno se da cuenta de que todos esos razonamientos están construidos sobre brillantes argumentaciones en base a las tesis principales de la corriente filosófica. Así que doble acojone amigos, ponerse a pensar en según que cosas te puede llevar a peligrosas conclusiones.

Viendo estas películas o leyendo sobre estos temas te das cuenta de hasta que punto “el sistema” nos tiene aborregados con los cerebros funcionando al mínimo. El opio de los pueblos (ya no religión sino fútbol, televisión, política, videojuegos, según que cine, etc.) hará que no nos preocupemos lo más mínimo por estos temas y pongamos en peligro las débiles bases sobre las que tenemos montada nuestra civilización.

-El amigo arquitecto prefiere darle a la broca que vender sus principios-

 

Vamos con la obra maestra dirigida por King Vidor en 1949. Se trata del magistral retrato de Howard Roark (Gary Cooper), un arquitecto de principios inquebrantables sobre el concepto de sus obras, que solo permite construir si consigue que éstas se realicen exactamente de acuerdo a su diseño, y si a algún constructor se le ocurre modificar mínimamente su concepto es capaz de….. (Os ahorro el spoiler). Además Howard cuando dice no (que son muchas veces), no pierde el tiempo en dar explicaciones, adoptando siempre una postura indiferente y segura de si mismo que le lleva como si tal cosa a tener que trabajar de obrero en una cantera ante la solidez de sus principios. Pero es que el antagonista de Howard, el magnate de la prensa Raymond Massey (Gail Wynand) es otro personaje igual de fascinante que evoluciona desde actitudes completamente opuestas a la visión de Howard, a perder toda su fortuna en una causa perdida en su defensa. Y no alargo comentando los otros personajes secundarios, igual de interesantes y apasionados.

“El manantial” es una obra maestra porque consigue que veas completamente razonable el comportamiento de ese personaje aferrado a ideales de dudosa moralidad (como creo que ha quedado claro en los párrafos anteriores), porque te hace mover las neuronas y plantearte cosas, y porque es sencillamente perfecta en cualquier aspecto puramente cinematográfico imaginable (ritmo, estructura, banda sonora, interpretación, etc.).

-El plano final de la cinta nos vende que el señor Roark ha llegado a lo más alto gracias a su inquebrantable voluntad... y suerte que se acaba la película o entrariamos en el proselitismo-

Daría para largos escritos, el porque esta novela/película gusta apasionadamente a los americanos y encaja tan bien con sus ideales de el “El sueño americano” y todas esas cosas, pero no deja de ser una paradoja que les recuerde que solo un completo individualismo les llevó donde están (y por extensión a toda la civilización occidental). Por tercera vez nos acojonamos y nos planteamos si no debemos dar gracias en la mesa a nuestro jefe en la próxima comida familiar…. ¡Felices navidades comerciales y egoístas a todos!
Valoración: 10/10
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Mary & Max

Adam Elliot, 2009
"Mary & Max" es una película australiana de animación rodada con la técnica stop-motion, que supone el debut en largo de Adam Elliot, un animador que ganó el Oscar al mejor corto animado en 2003 por "Harvie Krumpet" (podéis ver el corto en ese enlace). "Mary & Max" ha sido un gran éxito allá donde se ha estrenado (aún sin fecha de estreno conocida en España) y cosecha maravillosas críticas por doquier. ¿Hay para tanto?: Pues sí, no me cabe duda de que en el momento de su estreno esta cinta va a captar las mayores atenciones.

"Mary & Max" es una historia aparentemente simple pero que encierra una gran profundidad y contiene un extraordinario retrato de sus dos maravillosos personajes principales. Mary es una niña australiana con problemas de convivencia, no tiene amigos y sufre burlas de sus compañeros de colegio. Un día se le ocurre intentar conseguir un amigo por correspondencia y escribe a Max, un hombre maduro que vive en Nueva York. Pero Max es un hombre con muchos problemas: Obeso, sufre frecuentes ataques de ansiedad, depresiones, está completamente solo, ..... La película es una hermosa historia acerca de la amistad entre estos dos improbables personajes que no se conocen, únicamente sabemos de ellos a través de las cartas que se van enviando donde relatan sus experiencias vitales.

-Mary ante su vía de escape-

En los aspectos técnicos, la cinta es impecable. La animación está cuidadísima y lo mismo podemos decir de los maravillosos escenarios y maquetas, a la altura de cualquier cinta puntera del stop-motion (pueden venir a la mente los estudios Aardman por ejemplo). Además se hace un particular uso del color: El mundo de Max es en un blanco y negro que resalta lo miserable de su existencia, aunque algunos elementos que le aportan esperanza (como los regalos de Mary) podemos verlos en color, mientras que el mundo de Mary lo vemos en una tonalidad marrón (acaso ante la mayor esperanza de su vida). En general el diseño de los personajes y el look visual es fabuloso. Y puestos a resaltar aspectos formales, la banda sonora es imprescindible realce para la fuerza de la historia narrada.

-Max: Solo hay que verle la cara para entender-

Pero el auténtico poder de esta maravilla, es transmitir tanta amargura y a la vez tanta esperanza en la historia de estos dos perdedores, auténticos outsiders sociales apartados de la sociedad por ser diferentes. Cada carta que se envían, supone para el otro casi el único motivo vital, y el vehículo a través del cual su director nos hace llegar a querer a estos dos personajes, muñecos de plastilina con más personalidad que el 90% de personajes de carne y hueso. La película es dura, no apta para niños desde luego, temas como el suicidio, el alcoholismo o la diferencia sexual, están muy presentes.

Así que una gran sorpresa, y una sincera recomendación. Una cinta que nos hará reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo y nos asustará un poco mostrándonos realidades que tenemos ante nuestras narices y que frecuentemente negamos.
Valoración: 9/10
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El Gran Lebowski (The Big Lebowski)

Joel Coen, 1998
"El Gran Lebowski" pasa por ser junto con "Fargo" una de las más perdurables producciones de los hermanos Coen, como mínimo se ha convertido en eso que llamamos película de culto. Cuenta con un personaje tan carismático como el holgazán y pasota "nota" ("dude" en VO), magistralmente interpretado por Jeff Bridges, y con un complejo pero preciso guión que desde las tradiciones del cine negro lleva la historia al terreno propio de los Coen de malhechores torpes e incompetentes. Como vemos, una esencia parecida a su obra anterior, "Fargo", pero si aquella era principalmente una cinta policíaca con un humor negro implícito, "Lebowski" es una comedia de forma mucho más explícita.

La película, como suele ser habitual en los Coen se construye desde unos personajes muy carismáticos, tan genialmente escritos como interpretados. Ya hemos hablado de "el nota", un personaje que ha calado tan hondo que anualmente se celebran convenciones donde los asistentes se disfrazan como el personaje, pero es que además tenemos a Walter Sobchak, ese compañero de fatigas genialmente interpretado por John Goodman, brillantemente retratado en su explosiva calma (por poner dos adjetivos antagónicos que le definen). Y lo mismo podemos decir de los secundarios como ese otro Lebowski "senior" que genera toda la trama (directamente sacado de alguna cinta de Frank Capra o Preston Sturges), la marciana artista interpretada por Julian Moore, y como no, seguramente el personaje más recordado: Jesús, ese pederasta hispano interpretado por John Turturro, al que una escena a ritmo de Gipsy Kings de apenas un par de minutos de duración le ha bastado para pasar a la historia del cine.

-Con todos ustedes "the dude" con su habitual atuendo-

Aparte del momento de gloria de John Turturro, muchas escenas para el recuerdo nos ha dejado esta cinta. Personalmente un momento que no puedo olvidar porque cada vez que lo veo me hace retorcer buscando una mejor protección de mis partes nobles, es ese asalto a la casa de "el nota", donde un tejón mordisquea la entrepierna de nuestro amigo que se está dando un baño en ese momento. También son antológicas esas explosiones de rabia de Walter en la majestuosa interpretación de John Godman, seguramente la mejor de toda su carrera. Pero la culminación de la cinta y seguramente uno de los mejores gags del cine de los Coen es esa escena donde Walter y "el nota" van a un acantilado para lanzar al mar las cenizas de su amigo Donny, para verse sorprendidos por un giro de viento y comérselas literalmente.

-Walter en uno de sus cabreos repentinos por algún punto de más sumado en una partida de bowling-

Pero dejando de lado la trama negra, "El gran Lebowski" es una reflexión sobre una manera de entender la vida, donde los amigos y las actividades de ocio (en este caso el Bowling, del cual se da una imagen completamente idealizada) resultan ser el único motivo vital para unos personajes que han perdido cualquier otra forma de realización personal ("el nota" no parece tener trabajo ni familia). También, la cinta cuenta con momentos bizarros como delirantes ensoñaciones, el personaje de Julian Moore y sus insólitos comportamientos reproductorios, o como no, la presencia de ese narrador desconocido durante buena parte del metraje que da a la cinta una personalidad propia. Así, la principal virtud de la cinta es conseguir engarzar todos estos elementos personales con la compleja trama, sin que la exposición narrativa flojee en ningún momento, creando así algo único, recordado y celebrado de manera entusiasta.

-"The Jesus" en pleno show-

Así pues "The Big Lebowsky" pasa por ser otra maravillosa cinta en el universo Coen, que de momento no daba ningún signo de flaqueza en un a década para ellos absolutamente gloriosa.
Valoración: 9/10



Seguimos con la filmografía completa de los Coen de forma cronológica. Próximamente "O Brother!" (2000), donde los hermanos dan un giro a su carrera con el inicio de la nueva década. Espero publicarlo en pocos días, que este serial va más lento que los trenes de cercanías de RENFE.
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Bienvenido Mr. Chance (Being There)

Hal Ashby, 1979
Peter Sellers es recordado por sus papeles en las sagas de “La Pantera Rosa”, aunque se ganó la gloria con los increíbles cuatro papeles que interpretó en la obra maestra “Dr. Strangelove, or….” (“Teléfono Rojo….”) donde consiguió su primera nominación al Oscar, por no mencionar otras geniales creaciones como el protagonista de “El guateque” (“The Party”) o las olvidadas comedias de la Ealing donde por supuesto brilla con luz propia “The Ladykillers”. Pero por algún motivo, Peter era un actor encasillado por más que había dado muestras más que suficientes de su talento para crear personajes extravagantes, por ello luchó lo indecible para comprar los derechos de la novela “Being There” hasta que consiguió protagonizar esta increíble cinta, su testamento cinematográfico ya que murió prematuramente de un ataque al corazón al poco tiempo del estreno, por más que después de su muerte se estrenaron otras cintas con materiales grabados anteriormente. Con “Bienvenido Mr. Chance” consiguió su segunda nominación al Oscar, que lamentablemente se le volvió a negar.

Mr. Chance es una persona en edad madura que siempre ha vivido con un anciano trabajando de jardinero y que nunca ha salido a la calle. Cuando el anciano muere, se ve obligado a dejar la casa y vagar por las calles perdido completamente (preciosas las escenas de Chance recorriendo la ciudad al ritmo de la versión de “Así habla Zarathustra” de Deodato en clave jazz-rock.). Sufre un atropello y es adoptado por una influyente familia, lo que dará origen a su increíble aventura mediática. Nos podemos imaginar parcialmente la historia de Chance (escondido durante toda una vida y con una deficiencia mental), pero nunca se nos explican los detalles, lo que sin duda hace más fascinante al personaje.

-Chance aún ejerciendo de jardinero en su pequeño mundo-

La película consigue por un lado un retrato humano insuperable de esa persona de la que apenas conocemos unas pinceladas de lo que ha podido ser su vida y que con una filosofía vital sincera e increíblemente honesta va abriéndose camino casi sin querer en los círculos de poder del gobierno americano. Por supuesto que no es ajena al retrato la maravillosa interpretación de Sellers, en una de aquellas creaciones de las que sientan cátedra. Por otro lado la cinta es una crítica feroz, sutil pero mordaz, a la banalidad de la alta sociedad, las esferas de poder y los medios de comunicación. Alguien incapaz de leer y escribir, que reconoce abiertamente cuando le preguntan que solo ve la televisión, es capaz de llegar a lo más alto solo hablando de jardinería. Y el mérito de la cinta es hacer creíble esta maravillosa fábula, siempre anteponiendo el retrato de los personajes, todos ellos fantásticos desde el guión a la interpretación final. Y claro, ese plano final donde vemos a Chance ocupado en sus cosas, replantando un árbol, y finalmente perdiendo la noción entre realidad y ficción mientras entierran a su amigo Ben y los círculos de poder otorgan a Chance el cetro del poder. Maravilloso final para una cinta redonda.

-Peter Sellers / Mr.Chance-

Quizá no era necesario algo tan aparatoso con presidentes de gobierno, el FBI buscando antecedentes, medios de comunicación, etc. El retrato humano de un personaje tan maravilloso daba para llenar toda la cinta, pero no importa, “Being There” supone el broche de oro a la carrera de un gran actor, y por encima de eso, uno de los mejores personajes que hemos podido ver retratados en una pantalla de cine.
Valoración: 9/10
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