Danzig "Skeletons (2015)".

Es totalmente decepcionante como un personaje de carácter “legendario” como es Glenn Danzig, al cual se le presupone que tiene un conocimiento musical brutal de unas influencias totalmente recomendables y con mucha calidad, no sepa retroalimentarse de las mismas para editar un álbum donde recreé las mismas. Si bien Glenn no esta a la altura en sus interpretaciones, ya desde el dudoso gusto en la portada donde rinde homenaje al disco de versiones de Bowie “Pin Ups”, pasando por la horrible producción en los temas y la manera de estar interpretados por la banda en un tono claramente metálico sobre todo en la figura de Tommy Victor, que para Prong es un fuera de serie pero su estilo no acaba de encajar en el tono más clásicos de Glenn, cuesta buscar algo de inspiración en “Skeletons (2015)”. 

A lo largo de su carrera musical Danzig ya han dado muestras de sus influencias versionando a artistas de un amplio abanico musical, como muestras "The Hunter" de Booker T. Jones, "Trouble" de Jerry Leiber and Mike Stoller, "Hand of Doom" de Black Sabbath, "Buick McKane" de T. Rex, "Caught in My Eye" de The Germs o bien "Cat People" de David Bowie, que aunque no en todos los casos se muestra inspirado, hacen un conjunto más completo que el que presenta ahora. No se que producto hubiera salido con la idea inicial de sacar un disco de versiones de Elvis ya que "Let Yourself Go" carece del feeling necesario sobre todo a nivel instrumental y donde mejor funciona la banda es en la interpretación de clásicos más rockeros como el “Lord Of The Things” de Aerosmith, que solo por escoger ese tema ya merece un respeto, pero en otro como “NIB” de Black Sabbath donde podríamos pensar que Glenn se sentiría como pez en el agua también falla. Mientras tanto por el disco aparecen temas como el "Devil's Angels" de Davie Allan, “Rouge Boy” de ZZ Top o “Cryng In The Rain” de The Everly Brothers dando forma aun producto carente de alma y que caerá en el olvido de todo el mundo, creo que hasta del propio Danzig.

My Morning Jacket "The Waterfall (2015)".

En un primer momento puede parecer que la nueva obra de My Morning Jacket se ciñe a criterios de sonido más básicos, pudiendo generar al fan del punto mas “Freak” de la banda (entre los que me incluyo) un sensación con las primeras escuchas de algo muy básico y lineal. Pero nada más lejos de la realidad, “The Waterfall (2015)”salvo en temas que entran rápidamente y se convertirán en clásicos de la banda, necesita de recorrido y degustación, da igual si es por la mañana con el primer café, conduciendo o en una tarde de verano, es un trabajo redondo.

La apertura con "Believe (Nobody Knows)” es de aire cinematográfico o de arranque de orquesta, dan ganas de ponerse un traje elegante para escuchar lo que viene después, "Compound Fracture" vacilona y con un punto de baile de esos marcando un paso suave, no me digas porque  pero si le meten un ritmo a lo funk se comería las pistas de baile, "Like a River" esta cargada de ambientes con aroma a raíces, de porche en un día soleado, de trozito de caña en la boca y con unas voces bajo un ambiente orquestado. "In Its Infancy (The Waterfall)" representa ese lado progresivo, con temas construidos con muchas capas y diferentes sonoridades, desde pianos, acústicas a cambios de ritmo de corte clásico donde entran los sintetizadores vintage y "Get the Point" se muestra como pasaje acústico cargado de belleza, preparando la segunda parte del disco.

Para mi la pieza del álbum que destacaría sobre el resto es "Spring (Among the Living)", con ese ritmo de menos a más que aunque no acaba de explotar mantiene la tensión durante toda la escucha, se ha convertido en un perfecto arranque de show, "Thin Line" con esas guitarras luminosas y la voz en un primer plano sobre Slides dulces, agradable seria la descripción exacta y "Big Decisions" fue lo primero que escuchamos del disco y ya parece un viejo conocido, entre nostálgico y romántico, los juegos vocales sobre las guitarras “Neil Youngnianas” encajan muy bien. "Only Memories Remain" marca el punto hacia la pausa final cuando acabe el tema, es un poco como un previo para que cuando acabe el disco mantengas por un momento allá donde hayas estado escuchando el disco, trasmite sensación de bienestar.

Jesse Malin "New York Before The War (2015)".

Podríamos decir que el nuevo álbum de Jesse Malin supone un bajón de intensidad en relación a su anterior obra acompañado de The St. Marks Social, o bien que retoma el sonido de sus primeros discos, pero dándole mas matices a ciertos temas abrazándose a los ochenta o mirando hacia el Indie Rock e incluso sonando rockero en momentos puntuales. Por otro lado, cabe pensar que la garra se la ha reservado para el álbum de vuelta de D Generation y los correspondientes shows. 

Así mismo, como es inevitable el aroma a New York City es el que abunda en todo el disco, ya desde el titulo a ciertos temas, en los que no cuesta mucha imaginarse a uno mismo paseando en la noche por Brooklyn. Si tomamos como referencia la postura más rockista de Malin, éste se acerca a los Rolling Stones de "Steel Wheels" en la redonda "Turn Up The Mains" con Solo de Saxofón incluido encajando entre guitarras crujientes. Una pena que salvo en otros chispazos como "Boots of Inmigration" o "Freeway" pero éstas en clave indie no se asome más al rock básico.

El aroma de taberna o pub de Brooklyn se plasman en "Addicted", el romanticismo de visita al parque de "Oh Sheena" es algo endeble y contiene demasiado azúcar y los The Cars de americanas de colores están en "Death Star" en para mi otro de los mejores momentos del disco. El Malin mas intimo es el que se presenta en el inicio del álbum con "The Dreamers" y en el que cierra con "Bar Life" otro puñado de temas con un resultado de cierta irregularidad bajo el nombre de "New York Before The War", teniendo en cuenta el tiempo que llevaba sin editar un disco bajo su propio nombre.

Jon Spencer Blues Explosion "Freedom Tower (2015)".

Si por norma sabemos que la JSBX respira al 100% la ciudad de New York, en su nuevo disco ésto se amplifica todavía más y su influencia esta más presente que nunca. Desde la cultura y el ruido de la calle influyen el disco y éste presenta lo bueno y lo malo de la gran manzana, desde el terror, el amor, la gente, el baile, etc... todo esta en la nueva propuesta de la JSBX que retoman ese aire más chulesco y sucio de sus obras de los noventa, dejando de momento aparcado el lado más visceral de su vuelta, evidenciando que ya no están tan enfadados y que solo tiene que empezar la fiesta! 

Curiosamente el titulo que abre el álbum "Funeral" no parece incitar a la fiesta, pero es algo así como un rock garage sobre una tumba, que da inicio a la fiesta, "Wax Dummy" es puro vacíleo con el punteo de guitarra marca de la casa y cargado de cambios de ritmo que enganchan unos con otros en forma de corta y pega, "Do The Get Down" te devuelve a los tiempos de "ACME(1997)" de un plumazo, un tema con todo el Funky de las calles de NY, basta con pegar un vistazo al vídeo de adelanto, con ese aire a lo "Paul's Boutique". "Betty vs. the NYPD" ejerce de fuerza bruta con una potente base rítmica, sucia e inmediata y con esas guitarras que crujen, "White Jesus" aporta poco a los que ya hemos escuchado, pero tiene el sello marca de la casa para dar paso a "Born Bad" compleja y rápida que aplica unas revoluciones Funk a medida que avanza.

"Down and Out" se me antoja excesivamente básica dentro de los parámetros de la banda, "Crossroad Hop" efectos y aire de Hip Hop de vieja escuela sobre las bases del Blues e incluso guitarras stonianas, "The Ballad Of Joe Buck" fugaz y con un Jon en clave MC aporreando su teremin sobre el ritmo de batería, "Dial Up Doll" se nutre de formas básicas rockeras en un tema clásico de la banda. En la recta final "Bellevue Baby" un blues marca de la casa, con guitarras juguetonas y dinámica base rítmica, "Tales of Old New York: The Rock Box" retrata de forma directo el vejo NY y "Cooking for Televisión" cierra el disco como si nos encontráramos veinte años atrás en un ejercicio de Blues atípico, sin duda la JSBX is Number One!

The Throbs "Second (2015)".

Si bandas como Rock City Angels, Johnny Crash o Blackeyed Susan tenian segundos discos que no llegaron a ver la luz por cosas del destino, The Throbs no son menos y parece que un buen puñado de canciones estaban criando polvo hasta ahora, ya que bajo el original titulo de "Second (2015)" han visto la luz. En la reedicion del clásico "The Language Of Thieves & Vagabonds" ya pudimos degustar dos de las piezas aquí presentes, la cargada de influencia blues y de final espectacular "The Queen of Borrowed Light" y "Rainbow" bien cargada de guitarras Slide como bonus. 

Posiblemente la banda grabaría estos temas cuando estaban inmersos en su propia autodestrucción, pero sin llegar a la altura de su debut nos encontramos con una colección de temas muy interesantes y a la altura de la leyenda, desde los aires Zeppelianos de "The Hill", el Sleazy influenciado por el blues de "Let me Come Inside" o el vacileo de "Mudslide". La balada con suaves slides "I Think Were Running Out Of Time" o bien dentro de los mismos parámetros suaves "Walk With Me", aunque ésta última menos inspirada y más básica contra resta con los aires del Sunset de "Driftin" y las guitarras en primer plano.

"Just A Shade Off" me recuerda a Britny Fox en clave Rock and Roll a ritmo de Piano y "I'm Coming For You" remata de forma gamberra durante sus casi ocho minutos, donde se pasa del Sleazy Canalla al blues en forma de Jam y retomar el Hard Rock. Así mismo, se incluyen dos temas en formato demo, "You're So Sick" suena fresca e inocente, básica pero chillona, así como "Burnt Roses" con cierto regusto Punk en voz y coros. Este álbum demuestra la importancia de las bandas de hard Rock o Sleazy que salieron a finales de los 80's, tenían influencias y muchas ganas de parir mucha música, es un lujo disfrutar de "nuevos" temas de The Throbs en 2015.

The Picturebooks "Imaginary Horse (2014)".

Bajo el denominador común del Skate, las motocicletas customizadas, la influencia de bandas como The Cure, The Smiths o Minor Threat (según su Bio, pero que poco asoman en su música) y el blues de corte profundo, ahogado, percusivo y de juegos vocales se presenta el dúo alemán The Picturebooks. Tras un reciente pasado en Europa, publicando dos discos en sellos independientes, tocando en escenarios secundarios en festivales, girando con International Noise Conspiracy, Spinertte, etc.... alejados del sonido actual cruzan el charco en 2013 a la soleada California, para  empaparse de la cultura real de sus pasiones.

En Hollywood se codean sobre las tablas con Eagles Of Death Metal y dan forma a "Imaginary Horse (2014)", un álbum publicado por Riding Easy Records y que navega entre las influencias de los dúos habituales, véase The Black Keys en el lado más conocido o Black Diamond Heavies, The Naked Heroes en el más Underground. Eso sí, el poso de Black Rebel Motorcycle también esta presente, y eso es bueno.

La música que contiene su trabajo danza sobre una base de percusión profunda y saturada, a la para de las guitarras de otra época, agudas, slides, etc....todo bajo los juegos vocales de aires sudoroso como pueden ser en "Fever", blues alegre en su mejor tema "The Rabbit And The Wolf" o "These Bridges I Must Burn" o directamente rockeros en "Your Kisses Burns Like Free". Sin duda, solo es necesario quitarnos de la cabeza el concepto de "otro dúo más" y disfrutar del álbum, así como de su directo, ya que estarán abriendo para sus compatriotas Kadavar por el viejo continente.

The Black Keys “Turn Blue (2014)”.

Teniendo en cuenta muchos de los comentarios vertidos sobre el nuevo álbum de los de Akron a nivel de sonido, perdida de sus referencias básicas, etc…posiblemente sea ir a contra corriente defender un álbum, que para mi y tomándolo como un giro en su sonido habitual hacia otros terrenos, si me ha gustado, es más creo que a cada escucha se disfruta más. Eso si, como contrapunto destacar que la practica totalidad de la prensa musical salvo excepciones (NME, Pitchfork Media, etc…) lo ha situado en muy buen lugar, y parece que el cambio de sonido ha sido asimilado sin problemas por buena parte de “digamos” su publico mainstream. 

Por otra parte, Dan Auerbach se ha convertido en todo un referente para cualquier artista y su figura como productor y colaborador es muy requerida. Lana del rey o Ray Lamontagne han requerido de su toque personal en sus composiciones o bandas furiosas como Reigning Sound también se han visto beneficiados de su sonido, aunque para mi es en el álbum “Head in The Dirt (2013)” de Hanni El Khatib donde Dan compone a medias todos los temas y toca en todos, convirtiendo ese disco en algo grande, o bien en el “Locked Down (2012” de Dr. John colaborando activamente tanto en el disco como en shows en directo. 

Ciñéndonos ha “Turn Blue (2014)”, no considero una bajada de nivel en la propuesta de la banda, si con sus obras anteriores ya dejaron claro que dejaban atrás las sonoridades de dúo de blues polvoriento a una banda llena de matices, en este nuevo trabajo su sonido se acentúa todavía más en formato de banda. Han bajado revoluciones a favor de matices, solo hace falta pegar un vistazo a los créditos de cada uno de los temas, a las habituales guitarra y batería, debemos aplicarles bajos y percusiones, así como una base de piano que arropa todos los temas, imponiéndose como el hilo conductor del disco. Así mismo, las voces femeninas también asoman por el disco en varios temas, un acierto teniendo en cuenta el conjunto del álbum.

 

No hay que tomarse con prisas el disco para degustar temas como la inicial “Weight of Love” con un poso a lo Neil Young y que en cualquier otra banda sería un tema para cerrar el álbum, pero que aquí se sitúa en primer lugar como contrapunto a la final y rockanrollera “Gotta Get Away”. Mientras tanto creo que el sonido negroide es el que manda, sin ir más lejos el adelanto “Fever” ya lo dejo claro, aunque para mi temas como “10 Lovers” me recuerdan al Rod Stewart más “Cool” de los 80’s. Para mi, el disco supone abrir más el abanico de posibilidades de la banda y que creo que junto a su repertorio anterior formaran un buen conjunto en sus shows en directo.

Steve Conte “NYC Álbum (2013)”.

El nuevo álbum de Steve Conte, tira por el lado del sonido clásico, de ese que un músico con su trayectoria ha ido empapándose en sus diferentes aventuras musicales (Company Of Wolves, Crown Jewels, NY Dolls, Michael Monroe, etc…). Si con sus The Crazy Truth sonido era puramente festivo desde el lado Glam Rocker, en este “NYC Album” los aires clásicos son los que predominan. Las referencias a Georgia Satellites, Jason & The Scorchers, los Aerosmith Rock & Rolleros de “Permanent Vacation”, John Mellencamp y porque no Dogs D’Amour o Izzy Stradlin, y claro, Michael Monroe, son las que asoman por el álbum. 

En los diez temas que conforman el disco, se aplica como hemos comentado todo el ideario del Rock más genuino, desde el inicio de “Dark In The Spootlight” aplicando un estilo puramente Satellites, hasta el final a modo de interludio de “Happy Hour” precediendo al HonKy Blues de “Tax Free” que cierra el álbum. Entre medias temas festivos como “OK DJ”, que seria el single ideal, Rock And Roll heredero de los Aerosmith de finales de los 80’s. o bien “She Blinds”, “What Would I Do If I Were Me”, “Anytime At All Times”, “Lady Luck”, “Rock & Rye Queen” o “Broken Spoke Saloon”, todas ellas forman parte de un conjunto muy compacto.

 

La lista de colaboraciones del disco tira de espaldas, viejos amigos en la mayoría de casos, Sylvain Sylvain (NY Dolls), Dennis Dunaway (Alice Cooper Band), Michael Monroe, Ginger (The Wildhearts), Dregen (Backyard Babies), Keith Christopher (Georgia Satellites), Sammy Yaffa (Hanoi Rocks, Jetboy), Kyf Brewer (Company of Wolves) y un largo etcétera. Pero, se bastan un formato trío, completado por su hermano John al bajo y Rich Pagano en la batería para interpretar los temas.Si esta claro que gracias a el “Horns & Halos (2013)” es un disco redondo, este “NYC Álbum (2013)” es el complemento perfecto para el mismo. Conte debería recibir un mayor reconocimiento, aunque ese “Halo” de músico de culto de la escena Rockera de NY nos encanta.

Lincoln Durham “Exodus Of The Deemed Unrighteous (2013)”.

Lincoln Durham es un One Man Band en toda regla, en su música refleja los paisajes infernales de esas carreteras perdidas, donde más de uno ha visto al diablo en alguno de sus cruces. Voces rasposas al estilo Tom Waits en clave predicador, Slides salvajes, bombos de orquesta de feria y crudeza es lo que forma parte de su receta. 

En diez temas y en una duración adecuada, se despacha un álbum que se abre con “Ballad of a Prodigal Son” a modo de captación de fieles a su causa. La inmediatez se muestra en un primer plano con “Rise in The River” o “Stupid Man”, junto a una buena dosis de hermandad o temas más ceremoniales, como los que dan por finiquitado el disco “Exodus Waltz” o “Mama”. Con todos estos ingredientes, “Exodus Of The Deemed Unrighteous (2013)” se antoja como un disco importante dentro de la “Americana” pero que se aleja de la pureza y formalidad de dicho genero.

The Jim Jones Revue "Collision Boogie (Single, 2013)".

Que la Jim Jones Revue es una banda con clase esta fuera de toda duda, es más añadiría que son de lo mas "Cool" y autentico que puedes encontrarte sobre la faz de la tierra. Bueno, si su dieta se basa en las guitarras aceleradas, Little Richard por un tubo, brillantina y suciedad, para su nuevo single nos dejan de piedra, no suela ni un solo punteado, pero tranquilos, eso no quita que la clase se desborde en cada segundo de su nuevo single, "Collision Boogie".

Con ritmos a golpe de palmas, percusiones, un toque de piano y unas voces profundas y embriagadoras, se bastan para dejarnos con la boca abierta, y pegarnos en toda la cara. Se recomiendo la escucha aun volumen alto y cerca de la barra de un bar. Pero tranquilos, la Revue no ha perdido fuelle ni mucho menos, la cara B de este nuevo single es un trallazo de Rock and Roll marca de la casa, sucio, áspero y con distorsión. "Mind Field" destaca por su velocidad y los coros de la banda, un toque Punk a su estilo, dejando una cosa clara, que esperamos impacientes el álbum completo.

Por cierto, la Jim Jones Revue se encargan de meter una inyección de Rock a Depeche Mode...... Ya os decía es una banda "Cool" y "High Class".

AFI “Burials (2013)”.

Definitivamente AFI ya han abandonado los sonidos más duros de sus primeros tiempos y evolucionado hacia un Rock de clara influencia melódica con ciertos componentes que le dan un toque personal, sobre todo en la voz de Davey Havok que ya no grita hace mucho tiempo. Para mi su gran obra es la que mostraba sus dos caras “Sing The Sorrow (2003)”, la evolución lógica de la banda y que los mantuvo en un mundo oscuro y brillante a la misma vez, puede verlos en esa gira y realmente estaban en forma. A posterior y después del éxito de “December Underground (2006)”, todo ha girado hacia la actual brillantez y limpieza que invade su propuesta, cosa que implica que se hayan quedado fans por el camino y ganado otros.

Han pasado cuatro años desde “Crash Love (2009)” (proyectos electrónicos a parte), este periodo de tiempo, quizás ha servido para aplicar un giro más épico al sonido de la banda, aunque su reciente álbum sería una continuación de su anterior obra. Si bien, singles como “17 Crimes” serian claras continuaciones de otros como “Medicate”, en ciertos aspectos se aplica una base excesivamente plana a ciertos temas, “A Deep Slow Panic” se me antoja un tema con el piloto automático puesto que no le hace ningún favor a la banda. El Halo que desprende el disco a nivel general, vendría asociado a las palabras de Davey, donde hacia referencia a silencios, oscuridad, entierros, etc… para describirlo, aunque eso si, siempre con un rayo de luz entre medias.

Esta claro, que el Punk hace tiempo que desapareció de la dieta de la banda, sin ir más lejos el productor elegido, Gil Norton, muestra un curriculum al puro estilo British, eso sí dio forma a las obras cumbre de Pixies y ha dejado su marca en Foo Fighters, aunque se me antoja que la banda se ha fijado en el trabajo con Pure Love, el nuevo combo de Frank Carter de Gallows y producidos por Gil Norton.



Así mismo, en la segunda parte del disco, se detecta una clara evidencia de parámetros y arreglos electrónicos, las canciones se podrían emparentar con ciertos momentos de la reciente propuesta de Trent Reznor, “The Embrace” seria un claro ejemplo. Finiquitando estas líneas y dejando claro que han cambiado de piel definitivamente, no seria descabellado emparentarlos con bandas como Glasvegas o White Lies, donde la frialdad y purismo en su sonido son una de sus cualidades.

Eso si, en directo siguen siendo una maquina perfectamente engrasada, con un repertorio importante y muy completo.

Monster Magnet "Last Patrol (2013)".

Que "Last Patrol (2013)" muestra la recuperación de Monster Magnet es evidente, es un golpe de oxigeno para una banda que estaba tocada de muerte, para muestra el tema título, un desarrollo de casi diez minutos, donde Wyndorf se muestra en plena forma vocal, con guitarras marca de la casa que nos hacen olvidar a Mundell, transportándonos a su mundo, ese que parecía sin rumbo. Si bien los conceptos de banda de Rock básica eran los que se imponían en "Mastermind (2011)", en esta nueva obra y como si de un jugador que ya no tiene nada que perder, Monster Magnet retoman el vuelo.

Su alma mater parece en mejor forma física que años atrás, y superada la ruptura con el rubio guitarrista nos ofrece un disco que nos ha dejado a todos descolocados, sinceramente yo poco o nada esperaba de el. Un buen punto de referencia podrían ser las recientes giras tocando discos clásicos enteros (si, esas que no pasan por nuestro país), que hayan servido a Wyndorf para retro alimentarse de su propio sonido. Aunque si bien, no encuentro un riff que marque algún tema mas de la cuenta que a otro, el conjunto es efectivo y ampliamente satisfactorio a todos los niveles, pero donde para mi destaca "Hallelujah" con un aire Cow poco explorado hasta la fecha, y donde la esencia de predicador a lo Bon Scott más etílico se plasma durante el mismo.

Si bien el mensaje de hipnotismo con "I Live Behind The Clouds" o "Three Kingfishers", es "Midless Ones" el que los acerca más descaradamente a su cosecha en los 90's, incluso en su videoclip de bajo coste, con un punto más de potencia en su base rítmica y un ritmo menos monótono hubiera bastado para hablar de un nuevo clásico de la banda, que si bien mira descarado a su etapa redonda, es Monster Magnet en estado puro. "The Duke (Of Supernature)" en clave acústica y sin acabar de explotar, convirtiéndolo en un blues con aires de vuelta a una galaxia desértica que nos resulta familiar. Otra cosa es "End Of Time" rápida, pero lastrada por un golpe seco de ritmo que no le sienta muy bien a su largo minutaje, aunque no sería justo no reconocer el buen trabajo de guitarras, que cabalgan al galope y de forma desbocada durante todo el tema.

Para la parte final de álbum "Stay Tuned" retomo el ambiente del susurro y del arreglo por debajo de las formas acústicas, que junto a la excelente tarea vocal marca el final del álbum. En los dos cortes de su edición especial (que no acabo de entender, como una edición normal tiene solo nueve temas y se dejan dos para una especial de once ¿?), "Strobe Light Breakdown" y "One Dead Moon", aportan más sencillez, el primero tiene un riff muy Rock and Roll y unas formas básicas, y el segundo retoma la senda acústica con explosión a partir de la parte central del mismo. Sinceramente, en sus dos últimas visitas a nuestro país ni se me paso por la cabeza la intención de ver a la banda, pero ya cuento los días para presenciar el show de presentación de éste último trabajo.

Queens of the Stone Age - Like Clockwork at The Wiltern, 2013.

Josh Homme actualmente hace lo que le da la gana, o lo tomas o lo dejas, eso esta claro. Los fans más desérticos que lo siguen desde los tiempos de Kyuss se deben adaptar a sus nuevos discos o bien refugiarse en su pasado, por otra parte hay miles de nuevos seguidores que no dudan en abrazar su actual propuesta y disfrutarla, y por último están los que disfrutan en mayor o menor medida de ambas vertientes. "Like Clockwork (2013)" es complejo, cuesta de asimilar, es de estructura difícil y de menos pegada, pero de melancolía que te invita a que te dejes atrapar por el. Curiosamente, sus colaboraciones (Lanegan, Grohl, Reznor, etc...) no juegan un papel importante en el mismo, y es Homme junto a su equipo habitual y los recién llegados los que han parido estos temas, digamos más complicados.

Si la campaña de Marketing en los medios ha sido brutal, ya sabéis vídeos y cortos de parte de sus temas, adelantos en festivales, programas de TV, etc.... no lo es menos la presentación en vivo de los temas del álbum en la ciudad de Los Angeles. Para la ocasión, se interpreto entero el nuevo disco, pero eso si, sin tocarlo en el orden en que se ha publicado, si no intercalandolo con sus temas de siempre, no se si por miedo a hacer un show demasiado "oscuro", o porque simplemente le dio la gana a Homme hacerlo de esa forma.

 

 

 

Lo cierto es que la cosa funciona, y el soporte en forma de imágenes de muchos temas también, son casi dos horas donde la banda despliega todas sus vertientes, incluso podemos ver a Homme al piano, el set list de dos horas es realmente completo y el show se hace muy dinámico. Keep Your Eyes Peeled / You Think I Ain't Worth a Dollar, but I Feel Like a Millionaire / Sick, Sick, Sick / First It Giveth / No One Knows / My God Is the Sun / I Sat by the Ocean / The Vampyre of Time and Memory / I Never Came / Kalopsia / If I Had a Tail / Turnin' on the Screw / Burn the Witch / Make It Wit Chu / Smooth Sailing / Little Sister / I Think I Lost My Headache / Go With the Flow / I Appear Missing / Encore: …Like Clockwork / Feel Good Hit of the Summer / A Song for the Dead.

Kadavar “Abra Kadavar (2013)”.

Para los Germanos la palabra personalidad no debe estar en su diccionario rockero, ya que su propuesta no tiene ni un ápice de originalidad. Me explico, toman prestado todo el repertorio rockero de corte más oscuro, Doom o como queráis llamarlo de épocas pasadas, en concreto la de finales de los sesenta y setentas. Pero bueno, esa falta de originalidad no implica que no se apliquen esos parámetros de forma efectiva, todo lo contrario suenan realmente bien y estoy seguro que si cogemos una maquina de retroceder en el tiempo y le ponemos el disco a alguien de otra época lo disfrutaría. Así mismo, por tomar prestado, hasta el Look barbudo y de ropas Vintage lo han clavado, en un giro más de su mirada al pasado.

 

Como dato personal, y totalmente irrelevante, descubrí su música en Florencia, en concreto en una tienda de discos de Vinilo (Marquee Records, totalmente recomendable), yo estaba comprando discos de Fuzztones y Howlin Rain, otro cliente me recomendó a la banda alemana, es más le hizo poner el disco al dependiente para que lo escuchará, sonaba bien si, y caí en la trampa, me pensaba que era un grupo de otra época. Le dí las gracias, pero olvide la banda, hasta que poco a poco se fueron haciendo un hueco en los medios y me volví a interesar por ellos. 

 

A nivel musical, su último album “Abra Kadavar (2013)” es muy disfrutable, sobre todo para mí en su segunda parte, cuando se me antojan menos Doom o menos Sabbath, meten guitarras al estilo de los Wolfmother más retro, “Fire” es un tema que me recuerda a los Australianos. “Liquid Dream” es mucho más dinámico, ayudan los teclados, también de otra época. Creo que el momento de la banda vendrá con próximos discos cuando adapten la propuesta retro a la suya propia, la base esta presente en este muy recomendable álbum. 

California X (2013).

No se que punto de credibilidad puede generar en la parroquia Sludge (no tengo muy claro el termino) la banda California X, emparentados directamente en propuesta con Turbowolf o Japandroids, o lo que podría ser Fucked Up para el Hardcore. Su sonido bebe directamente de la saturación guitarrera, amplificada de forma robusta, pero fresca, con mucho de los Dinosaur Jr más duros, o los Weezer de su segundo album, eso si, todo de forma rápida (solo ocho temas tiene su album) y con un aire de carretera secundaria americana, pero no encima de una Harley, si no de coche a toda velocidad.

“Sucker” se esconde bajo un falso metal en la apertura del album, alargando el tema con guitarras, en su propuesta más longeva en forma de canción. Otro cantar es “Spider X”, más directa, o bien High Energy, “Rot Pond” amplifica la influencia de J Mascis, todo esto hasta “Mummy” que finiquita el vendaval enérgico sin darnos cuenta. Leo en un magazine de la Red que califican a al banda como si Husker Du versionaran el "Cherub Rock” de Smashing Pumpkins, a partir de aquí, que cada uno le aplique el calificativo que quiera pero a disfrutar de California X.