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10 de febrero de 2016

Everest



La película "Everest" pasó por las carteleras sin mucho más escándalo que el que lleva normalmente cualquier otra producción, y como obra de calidad regular, desapareció pronto. Una pena porque la historia que narra "Everest" es una terrible historia real que podía haber dado mucho jugo en la gran pantalla, y más con ayuda de una buena fotografía.
Pero en lugar de éso, la película resulta un caos de seguir incluso para los que ya conocíamos la historia: demasiados personajes que no son presentados adecuadamente, demasiadas pocas explicaciones sobre la ascensión.. todo hace que la peli se quede en justita incluso contando con escenas (que fueron verídicas) tan potentes como alguna de las que aparecen al final. 

En una palabra; no vale  para nada. Pero lo que sí vale de Everest es que os acerquéis al libro de Jonh Krakauer, "Mal de altura"


 Jon Krakauer  partió hacia el Nepal en 1996 con la intención de escribir un reportaje sobre las creciente explotación comercial del Everest. (Muchos ricos pagan grandes cantidades de dinero para que les lleven a pisar "el lugar más alto del Mundo") Para ello se unió a una de dos expediciones comerciales y el resultado fue una tragedia. El libro es apasionante aunque uno no tenga ni la más idea de montaña ni de alpinismo, se lee hasta el final y no deja a nadie indiferente. (No es en vano un Best-Seller mundial y va por la 82º edición)

Aunque la intención original de Jon fuese denunciar la masificación del Everest, todavía a día de hoy ésta continúa incluso a mayor escala. Los intereses comerciales de India, Nepal y China son muy fuertes y éstos países así como la población local (los conocidos sherpas) sacan muchísimo dinero de las expediciones. Una plaza en una de ellas puede llegar a costar hasta 80000 euros. La afluencia de gente en el Everest es tal que en muchos puntos hay cola para cruzar ciertos pasos, y las bombonas de oxígeno (y también los cadáveres) se acumulan en los puntos más altos e inaccesibles. 




16 de agosto de 2012

De reyes, princesas y osos






Se cuenta que sucesor del rey Pelayo, Favila fue abatido por un oso durante una de sus  muchas cacerías. De esta leyenda nació hasta una celebración en honor al "oso republicano"  que acabó con el monarca. Por lo visto, Favila estaba más pendiente de sus cacerías que de los asuntos del Reino...
Recientemente se ha comparado este oso con cierto elefante. Ciertas  costumbres humanas son tristemente inmemoriales.

A mí Brave me trajo el recuerdo de la leyenda de Favila, porque uno de los protagonistas de la peli es un enorme oso enfrentado de por vida con un rey. Pero leyendas astures aparte, la última pelo del binomio Disney-Pixar es un producto que tiene demasiado del primero y sólo leves rasgos del último.

La irreverencia de Pixar es prácticamente inexistente, como no contemos como rasgo diferenciador una pretensión de hacer una película "feminista" por éso de que la protagonista va por ahí melena al viento  a hacer cosas de hombres… pero que nadie espere mucho más.  Todo termina resumido en una acaramelada historia de amor familiar, canciones-disney incluídas y un final que deja entrever que bueno, de momento no hay príncipe azul, pero "ya lo habrá" así que dejemos a la niña jugar y hacer el cabra hasta que aparezca Romeo.

Lo mejor de la película, los momentos de humor y la música estilo celta. Como divertimento, no está mal, eso sí, que nadie espere acordarse de ella al día siguiente.

Titulo en español: Brave (Indomable)
Título original: Brave (The Bear and the Bow)
Año: 2012
País: EEUU
Director: Mark Andrews, Brenda Chapman, Steve Purcell
Guión: Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman, Irene Mecchi (Historia: Brenda Chapman)
Música Patrick Doyle
Fotografía: Animation
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures
Duración: 100 mín.

28 de mayo de 2012

Refúgiate



¿Será que el desquicie colectivo de los tiempos en los que vivimos afecta también al cine? Si en Melancolía el mundo interior de los personajes se externalizaba en el Apocalipsis y la depresión era la raíz de semejante destrozo, en Take shelter parece ocurrir algo parecido, pero esta vez es la esquizofrenia la que se materializa con idéntica fuerza destructora.
El miedo  (ese primordial sentimiento humano) se dirige hacia dos fuerzas de destrucción, la locura y una terrible tormenta, ambos elementos devastadores de la seguridad mental y material.

Tomando elementos del terror y  el suspense, la cinta supone una mezcla de géneros desconcertante. Lejos de ser superficial, las múltiples lecturas que se pueden extraer de ella la convierten en una interesante opción: para mí, la mejor que película que he visto en lo que va de año.



Titulo en español: Take Shelter
Título original: Take Shelter
Año: 2011
País: EEUU
Director: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Fotografía: Adam Stone
Productora: Sony Pictures Classics
Duración: 123 mín.

8 de abril de 2012

La ola



Puede resurgir en nuestros días el fascismo o cualquier régimen totalitario? ¿O ya hemos aprendido la lección? Un profesor estadounidense llamado Ron Jones realizó un curioso experimento para responder a una pregunta similar formulado por un alumno. Los resultados fueron sorprendentes y dieron lugar a un relato corto, un libro, un musical, un documental y una película.

 En su experimento, Ron Jones creó "la Tercera Ola" un movimiento con todas las características del fascismo:  un líder, disciplina, un sentimiento de grupo, rasgos identificativos como un logo y un uniforme… sorprendentemente, el experimento fue todo un éxito, más allá incluso de lo que el profesor y nadie hubiera deseado.
La fuerza del movimiento rebasó los límites del aula para afectar incluso a la forma de actuar de todos los alumnos e incluido del profesor.

¿Dónde reside el poder de atracción de un movimiento así? una vez iniciado, el movimiento "la ola" se fue expandiendo mediante los alumnos. Lo que el profesor había puesto en marcha era sencillamente el peligroso mecanismo psicológico con el que se mantienen y alzan las dictaduras: en realidad se usa también a menor rango en otros campos como el ejército o la formación de equipos. El mecanismo anula la individualidad para igualar todos los individuos como pertenecientes a un Grupo grande y diferenciado de los demás. Se suprimen todo tipo de diferencias sociales, de clase, raciales, incluso las de personalidad… El grupo actúa unido frente a todo lo demás, que se considera extraño o enemigo.

Una de las reacciones más sorprendentes de la película es la que tiene uno de los alumnos, totalmente ignorado en su casa, acaba siendo el mayor fanático del movimiento.  Las inseguridades personales son cubiertas por la fuerza del Grupo. Todos los individuos experimentan esta fuerza, dando lugar a acciones que nunca podrían haber tenido lugar de pensar de forma individual. El sentimiento de pertenencia del grupo es contagioso, los que no están dentro empiezan a ser excluidos por "extraños". Y los que piensan de forma diferente, o no siguen las premisas del movimiento, son criticados y excluidos.

La fuerza del movimiento es impresionante, la gente lo necesita ya que aporta una seguridad a su vida que no existiría de poder actuar y pensar libremente. Se convierte así en una especie de droga, alucinación colectiva de la masa, de la que pocos escapan. En la película, sólo dos personas (dos alumnas) se dan cuenta de lo que está ocurriendo se les va de las manos, e intentan pararlo. Son las únicas que pueden mantener la mente clara en la oleada de fanatismo que las rodea.

La película invita a reflexionar sobre el fenómeno, aunque posiblemente esté algo novelada, si alguien quiere conocer lo que ocurrió en el experimento real, existe una página dedicada a él además de la web del profesor en cuestión.


Titulo en español: La ola
Título original: Die Welle
Año: 2008
País: Alemania
Director: Denis Gansel
Guión: Dennis Gansel, Peter Thorwarth (Historia: Johnny Dawkins, Ron Birnbach. Idea: William Ron Jones. Novela: Todd Strasser)
Fotografía: Torsten Breuer
Productora: Constantin Film Produktion / Rat Pack Filmproduktion / Medienfonds GFP
Duración: 110 mín.




9 de diciembre de 2011

Attack The Block: Llueven Golums!


Los aliens aterrizan en un suburbio de Londres y nos la policía ni el ejército quien defiende la tierra de la invasión, sino una banda de delincuentes juveniles menores de edad.
Éste es el descabellado argumento de Attack the Block, película que se estrena esta semana en cines, y que pode ver porque pasó antes por el Festival de Cine de Gijón. Forma parte de ese género combo aventuras/horror, con el corte de esas pelis de casi serie B tan populares en los 8, y el aire de las pelis fantásticas de la factoría Spielberg/Lucas. Digamos que es todo lo que no pudo ser esa fallida Súper 8, pero con un toque macarra y ácido de ironía británica. Y desde luego, mucho más divertida que la última producción de Spielberg, y tan llena de acción durante su escasa hora y media, que se sale del cine con una verdadera inyección de adrenalina.

Cuando llegó a Gijón, ya nos la presentaron diciendo que estaba levantando pasiones allá por donde iba, y la sala entera aplaudió con ganas al salir los títulos de crédito. Si continúa teniendo éxito, huelo un remake yanki (que por supuesto tendría lugar en NY).


Titulo en español: Attack the Block
Título original: Attack the Block
Año: 2011
País: Reino Unido
Director: Joe Cornish
Guión: Joe CornishFranz Drameh, Leeon Jones, Simon Howard, Luke Treadaway, Jumayn Hunter, Danielle Vitalis, Paige Meade, Sammy Williams, Michael Ajao, Nick Frost
Fotografía: Thomas Townend
Productora: Studio Canal / Film4 / UK Film Counc
Duración: 80 min.
Premios:2011 Festival de Sitges: Premio del público y Mejor BSO

2 de diciembre de 2011

Choque de planetas



Y si el mundo se acabase… mañana? Un gigantesco planeta azul se dirige hacia la tierra  y dos hermanas,  Justine y Claire se enfrentan solas  al fin del mundo.

-las personas melancólicas aceptan con más calma y serenidad una situación catastrófica que las personas consideradas "sanas". - comenta Von Trier, Así es como Justine ( Kirsten Dust), acepta las malas noticias con una serenidad envidiable, mientras que todo el mundo enloquece a su alrededor.

Lars Von Trier plasma en esta película una hermosa visión e íntima del apocalipsis físico y emocional. Por un lado la profunda depresión de Justine( Kirsten Dunst), incapaz de ser feliz en su propia boda, por otro, la posibilidad de la aniquilación total de la vida terrestre  del planeta Melancholia.

Apoyada en la grandilocuente música del Tristán e Isolda de Wagner, el relato abre con un prólogo de imágenes congeladas donde el director hace gala de esa recién adquirida capacidad pictórica que le aleja a zancadas del estilo Dogma, (ya se vió algo parecido en Antichrist). Imágenes hiperreales y esta música de tensión interminable de Wagner surmegen al espectador en una atmósfera de tintes tan fantásticos como siniestros.
Abundan guiños a obras de arte (el más evidente es el del cuadro de Ofelia, de Millais), y es evidente que hay un interés real por recrearse en la inquietante fotografía, que congela secuencias para formar verdaderos cuadros salidos de la imaginación más romántica.

El relato se divide en dos capítulos, uno para cada hermana, y el mayor peso dramático recae en el segundo. La dos actrices (Charlotte Gainsbourg y Kirsten Dunst) están sencillamente impresionantes, y francamente me alegro de que el papel principal fuese para Kirsten Dunst y no para Penélope Cruz, como estaba previsto.

Tras más de 120 minutos de película que fluyen sin atisbo de pesadez, el final es tan sobrecogedor y contudente que deja sin habla durante varios segundos. Y es un verdadero clímax romántico, una colisión de planetas, música y emociones que redondean la película y asemejan a un drama wagneriano, hermoso, colosal y terrible.

Titulo en español: Melancholia
Título original: Melancholia
Año: 2011
País: Dinamarca
Director: Lars von Trier
Guión: Lars von Trier
Fotografía:  Manuel Alberto Claro
Productora: Coproducción Dinamarca-Alemania-Suecia; Zentropa Entertainments / Memfis Film / Slot Machine / Zentropa International Köln / BIM Distribuzione / Eurimages / Trollhättan Film AB / arte France Cinéma
Reparto: Kirsten Dunst,Charlotte Gainsbourg,Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier,John Hurt, Brady Corbet, Cameron Spurr, Jesper Christensen
Duración: 136 min.
Premios: 2011: Premios del Cine Europeo: Mejor película, fotografía y diseño de producción. 8 nom.
2011: Festival de Cannes: Mejor actriz (Kirsten Dunst)
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a mejor actriz (Dunst)

6 de noviembre de 2011

Déjame entrar



Cuando el género está tan degradado entre flipadas como Blade, Underworld,  y éso por no hablar de la nueva moda  ñoña de la saga CrepúsculoDéjame entrar ( 'Låt den rätte komma in', en sueco, el original) demuestra que es posible meter vampiros en una película sin que por ello ésta sea una anodina peli palomitera de sábado por la tarde.

 Ambientada en Blackeberg, un suburbio de Estocolmo en los años 80, el relato avanza lento y con naturalidad mientras se abre paso una atmósfera gélida y terrorífica, para contar una historia que sí: se ha contado mil veces ya ( el amor entre un humano y un vampiro) y que sin embargo esta vez no resulta pesada ni sensiblera.

Incluso recogiendo varios de los clichés más clásicos de los no-muertos (el momento del corte, las habilidades sobrehumanas, incluso la creencia de que un vampiro no puede traspasar el umbral de una casa si no se le invita a entrar, etc…)  , el relato no pierde un ápice de credibilidad, más bien al contrario, todos estos tópicos se  integran sin disonar como pequeños guiños  a los aficionados al género.

Visualmente, la película se mantiene sobria; los efectos visuales , aunque existentes ( se nota bastante el uso del ordenador en la escena de los gatos) son apenas subrayados mediante una realización que  nunca se recrea en la violencia ni la sangre,  para jugar más con lo que ocurre fuera de plano y las elipsis.
Son especialmente destacables la secuencia del Hospital y la magistral secuencia final de la piscina. El alejamiento de la cámara tan característico del cine europeo potencia la  crudeza de las escenas más espantosas del relato de forma magistral.

Economía de medios al servicio del género, en definitiva un soplo de aire fresco para el cine de terror actual, y una película que debería marcar las pautas de qué tipo de cine de terror debería hacerse de ahora en adelante.

4 de marzo de 2011

Los Óscars




Aprovechando la coyuntura de la entrega de los Óscars 2011, me dedicaré a comentar qué opino de algunas de las películas (y de los premios).

Primero, coincido plenamente con la opinión general de haber sido una entrega de premios "conservadora". Sobre todo porque El Discurso del Rey  se llevó más premios de los que merecía. No es que sea una película mala, pero sí claramente una película "políticamente correcta", que empatiza con todo el mundo porque trata de una historia de autorealización personal, algo ya muy visto pero que siempre llega a la gente. Creo que lo más destacado de la película es la actuación de los dos protagonistas (Colin Firth y el logopeda)XD, y sobre todo, el aire de humor inglés que le da su especial toque de producto alternativo a lo que estamos acostumbrados a ver. Pero quitando estos rasgos, lo que queda es una película que no aporta nada nuevo sino que hace uso de una fórmula ya sabida para conseguir un producto complaciente.

Mucho más arriesgada, "la red social", también nominada a mejor película y dirección,  se quedó sin ambos y en cambio ganó el premio a mejor guión adaptado, en reconocimiento al buen trabajo de Aaron Sorkin. También obtuvo  el óscar a mejor banda sonora. Y en este aspecto me es difícil decidir si se lo merecía más o menos Reznor que Hans Zimmer por la BSO de Origen.


Y por supuesto,  Origen de Christopher Nolan, mi favorita, fue una vez más víctima  de la antipatía que siente la academia por el cine de género fantástico: no sólo no llegó ni a la nominación de mejor dirección ni montaje, si no que todos los óscars que recibió fueron en categorías técnicas: mejor fotografía, sonido,  montaje de sonido y efectos especiales.
Estando nominada a mejor guión original, una historia tan atrayente,  compleja y bien realizada como ésta debería de haber tenido muchas oportunidades de ganar, pero fue El Discurso del Rey la que le arrebató injustamente el premio. Por no decir que no nominar siquiera a Nolan por mejor dirección ya es de por sí algo escandaloso.

En cuanto a Valor de Ley, tenía muchos enteros para ganar el premio a mejor dirección con el lírico aunque no pretencioso trabajo de los hermanos Coen. Resulta impensable una vez más que El Discurso del Rey, donde ninguna secuencia llama visualmente la atención, se  llevase tal premio. La película de los Coen, resulta una revisión del cine western apostando por un estilo clásico renovado, donde tal vez lo  único que sobra de la película son los últimos minutos de epílogo final.

En definitiva, ya se sabe que los premios de la academia no se da a los mejores, y  sólo el tiempo acaba poniendo las cosas en su sitio. Y vosotros...¿qué opináis de los óscars?

1 de febrero de 2011

Valdemar, valdemar...




Tengo un peluche de Cthulhu, una monada de color verde con tentáculos, que parece una tierna lechuguita con alas. Con el tiempo, me he acostumbrado tanto a él, que releer los relatos de Lovecraft donde se hacía alusión al antediluviano monstruo empezaba a darme más risa que otra cosa. Hay más versiones de Cthulhu de guasa que en serio, miles de peluches disfrazado de papá noel, de Men in Black, con lacitos... de todo. Tantas versiones del monstruo de nombre impronunciable, y homenajes (hasta en South Park) han terminado por conseguir que haya perdido todo su terror. Lovecraft debe estar revolviéndose en su tumba, o de risa o de rabia.

Por fortuna los carteles que ahora pueblan Madrid anunciando la Herencia de Valdemar II, sí parecen hacer justicia a la criatura original. De pronto, el monstruo con tentáculos vuelve a dar miedo, y ya no pienso en la adorable lechuguita.

Intrigada por la secuela de Valdemar, me atreví a ver la primera película: la Herencia de Valdemar I. Supuestamente inspirada en los relatos de Lovecraft, hay que avanzar bastante en el relato para empezar a ver la relación, que es delicada. Tan delicada que no se sostiene decir que está "basada en " si no que coge conceptos que él creó, Pero si se espera ver una película lovecraftiana, no se acerca ni de lejos. No lo es la atmósfera, ni los personajes ni la propia historia, y dicho sea de paso, no lo son tampoco los monstruos. Pero posiblemente no se pretendiese éso, y sí hacer una película de género.

Bueno, en ése caso, podría abordar Valdemar I inicialmente como lo que parece desde el primer minuto: típica película de casa encantada. Pero al poco tiempo esa apreciación se desmorona. ¿por qué? Bien, no está explotada la atmósfera, no quedamos en clichés resabidos que no funcionan ya a estas alturas de siglo. Además el momento más tenso de la película se produce erróneamente a los 20 minutos de empezar y no consigue acelerar el pulso en lo más mínimo... ¿qué desastre es éste?

Bien, realmente tampoco se trata de una película de casa encantada: posteriormente la narración salta del presente para perderse en un flashback que acaba canibalizando todo el relato. Es un recurso arriesgado, pero se puede entender su uso, en algunas ocasiones. Aquí está claro que sobra material, sobra historia y detalles por todos lados que no hacen sino enmarañar aún más la historia.

Acaba la película y volvemos al tiempo real donde se nos cierra con un "continuará". No hay nada explicado, pero están dadas las pistas. A estas alturas hay por lo menos 8 personajes en acción, y el espectador se ha pasado la última hora y pico con la historia de dos que llevan varios años muertos...

Sí, desde luego la estructura es singular, y es comprensible si se trata más bien de una película de 3 horas partida en dos. Pero existen muchas película de ese estilo que logran acabar con mejor fortuna su primera secuela.
La atmósfera no convence, no causa la más mínima inquietud en ningún tramo, ni terror ni miedo. Tan sólo la elección de Paco Mestre (Aleister Crowley) parece acertadamente sacado de uno de los relatos de Lovecraft, pero es la única expeción. En general, recuerda más a una película de zombies que a una película de terror, por su excesiva exhibición de los monstruos y absoluta nulidad en la articulación del suspense.
Otros detalles de la película, terminan por echarla por tierra: unos diálogos que chirrían de forma continua, unas caracterizaciones que no terminan por convencer, detalles superfluos que son recordados inútilmente y unos títulos de crédito en 3D muy bonitos pero que no encajan con el relato...
En general, creo que está bastante claro que me decepcionó. Por supuesto, no creo que vaya al cine a ver la segunda parte. Me quedaré con el cartel, donde Cthulhu sí que hace justicia al terror que imaginó Lovecraft.

31 de diciembre de 2010

El problema de Mr. Meebles




Mr Meebles un hombre bueno que conoce todo acerca de todas las cosas, pero que tiene un problema.... si no piensas en él, deja de existir.


Esta alegoría sobre la existencia de Dios, es uno de los pilares ideológicos de Camino, la polémica película de Javier Fesser.

El director se basó en un hecho real, la historia de la niña Alexia González-Barrós, enferma de un tumor cervical que falleció a las 14 años de edad, en una familia creyente.
La adaptación provocó muchas críticas que denunciaban que el relato se alejaba mucho de la historia real, a pesar de que resulta bastante claro a la hora de ver la película que no era ni mucho menos la idea de Fesser la de plasmar una historia fidedigna.

Respecto a la historia real de Alexia, no he podido sacar nada en claro buscando por internet, para empezar, por la existencia de numerosas páginas de dudosa neutralidad que atacan impunemente la obra de Fesser y dan su propia versión del asunto.

De lo que sí puedo hablar es de la película, como película en sí misma,
Camino es la historia de una niña de 12 años que encontrándose en las puertas de la adolescencia, se enamora y enferma gravemente al mismo tiempo.
La historia es una crítica feroz y contundente al fanatismo religioso, y por supuesto, de forma abierta, al Opus Dei.
Fesser dispone todos los elementos de la película (desde la elección de los nombres de los personajes, hasta el propio guión) para que le ayuden a conseguir claramente su objetivo, construir una historia rigurosamente ensamblada que dilapida, que no critica, toda una forma de entender la vida y la religión: una actitud medievalesca donde se ensalza el sufrimiento como camino espiritual que conduce a la liberación, donde el ser humano se deshumaniza para transformarse en un simple objeto que a vista de Dios no es digno hasta que no se ha redimido del pecado de su mera existencia.
En medio de este severo clima , Fesser contrapone los pensamientos y vivencias de Camino, cuyo positivo talante a la hora de afrontar la enfermedad (único punto donde se ponen de acuerdo tanto Fesser como sus más duros críticos), favorece que sea usada como una marioneta más al servicio de los fanáticos.

La crudeza de la historia está suavizada con la poesía que le aporta la banda sonora, la estética de la película y el cuidadoso montaje. Dicho contraste configura una espléndido relato donde las impecables actuaciones de todos los personajes, y en especial de la protagonista, Nerea Camacho, concurren contribuyen a darle una favorable verosimilitud.

En definitiva, una hermosa historia que está claro que despierta muchísimas ampollas, lo cual es algo inquietante para tratarse de una obra que ante todo reivindica la vida y la libertad.




Titulo en español: Camino
Título original: Camino
Año: 2008
País: España
Director: Javier Fesser
Guión: Javier Fesser
Reparto: : Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés, Ana Gracia, Lola Casamayor, Lucas Manzano,Pepe Ocio, Claudia Otero, Jordi Dauder, Emilio Gavira, Miriam Raya
Productora:
Mediapro,Películas Pendelton
Música: Rafa Arnau y Mario Gosálvez
Director de fotografía: Alex Catalán A.E.C
Duración: 143 min.

5 de noviembre de 2010

la red social



Tras haber abandonado el blog durante varios meses (no me ha sido fácil sacar tiempo para escribir), creo que no está mal retomar las críticas con la última película que he visto, "la red social".

Descrita por algunos críticos como no la película del año si no de la década y también como "la clave para entender nuestro tiempo", comentarios que no resultan muy exagerados si tenemos en cuenta que Facebook, no sólo ha marcado las relaciones sociales de la última generación, sino que debido a su enorme crecimiento algunos ven en él una nueva plataforma de intercambio de datos que puede llegar a competir hasta con el propio Google.

Dejando las elucubraciones atrás, hablaré de la película en sí. Inspirada en el libro "multimillonarios por accidente" de Ben Mezrich, y narra la ideación y creación de Facebook por parte de Mark Zuckerberg un superdotado estudiante de Harvard, y de la evolución de sus relaciones personales conforme su invento va tomando cada vez más importancia y valor. Aunque la plataforma Facebook es completamente novedosa, los temas de fondo de la historia son antiquísimos: la amistad, la lealtad, la traición, ...

La película sigue una narración que resulta en parte compleja al principio, para luego ir serenándose. Se la ha comparado con la japonesa "Rashomon" por pretender contar la misma historia desde diferentes puntos de vista. Aunque no veo un paralelismo tan claro, si es cierto que la narración pretende ser imparcial para ofrecer así una visión más documental de los acontecimientos. Se ofrece así un relato más preciso que ni quiere ni pretende profundizar en el complejo carácter del inventor del Facebook ni en el de ninguno de sus compañeros.

La película resulta así ciertamente fría, y con ayuda de la banda sonora compuesta por Trent Reznor, bastante oscura, pero aún sin lograr ningún personaje una empatía clara con el espectador, sí abre las puerta a la reflexión sobre el comportamiento humano ante el poder, el dinero y la ambición, lo que hace de ella una película, buena e interesante y ante todo, sí es cierto, verdaderamente comtemporánea.



Titulo en español: La red social
Título original: The Social Network
Año: 2010
País: EE.UU
Director: David Fincher
Guión: Aaron Sorkin (Novela: Ben Mezrich)
Reparto: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Joseph Mazzello, Max Minghella, Rashida Jones, Brenda Song, Rooney Mara, Malese Jow, Trevor Wright, Dakota Johnson, Aaron Sorkin Fotografía: Jeff Cronenweth
Productora: Sony Pictures / Michael De Luca Productions / Scott Rudin Productions / Trigger Street Productions
Duración: 120 min.

10 de junio de 2010

Soy un cyborg


Young-goon es una chica que tras una crisis mental decide que es un cyborg de combate y deja de comer para dedicarse a cargar sus baterías a base pilas y cortocircuitos. Es internada en un hospital mental, donde después de intentar comunicarse con lámparas y máquinas expendedoras, conoce a otro paciente, con el que entablará una extraña relación.

Soy un cyborg es una película con un argumento que claramente recuerda a alguien voló sobre el nido del cuco, aunque en este caso, la locura colectiva es aún más patente: todos los personajes están absolutamente como cencerros, sin que se salve casi nadie (creo que como mucho la doctora de la clínica).

Con dos protagonistas como regaderas, no se puede esperar un guión muy convencional, y el resultado es una delirante trama, que se torna en una historia de amor, eso sí, siguiendo el ritmo de la locura de los protagonistas. Drama y comedia están tan juntos, que es casi imposible distinguir uno de otro.
La fantasía y las ensoñaciones de los personajes añaden a la película una atmósfera propia, como una auténtica poética visual de la locura donde los efectos especiales, a pesar de no ser pocos, contribuyen de forma adecuada, a lograr una atmósfera de poética esquizofrenia. Tampoco faltan momentos donde Park no puede evitar volver a plasmar la violencia brutal que le dio a conocer en Old Boy.

Puedo concluir con que es una película que muchos tacharían de "rarita", puede generar al mismo tiempo pasiones y odios, dependiendo de cómo se tome cualquier espectador esta propuesta tan peculiar.




Titulo en español: Soy un Cyborg
Título original: Saibogujiman kwenchana (I'm A Cyborg, But That's Ok)
Año: 2006
País: Corea del Sur
Director: Park Chan Wook
Guión: Park Chan-wook, Chung Seo-Kyung
Reparto: Lim Soo-jung, Jung Ji-hoon, Choi Hee-jin, Lee Young-nyeo, Yoo Ho-jung, Shon Young-soon, Lee Kyung-eun, Joo Hee, Lee Young-mi, Chun Choon-gi
Música: Hong Dae-sung, Hong Yoo-jin
Fotografía: Chung Chung-hoon
Productora: Moho Film
Duración: 106 min.

24 de mayo de 2010

Fantastic Mr. Fox



Para corregir un poco el tono excesivamente reaccionario del anterior post, y que ésto no acabe pareciendo un blog de reaccionarios cabreados, vamos con otra película. En este caso, yo diría que es la mejor de animación ( de entre lo que he visto) del año pasado. Se trata de Fantastic Mr Fox estrenada en España este año (creo que aún está en las salas) pero que estuvo nominada a mejor película de animación junto con Up de Pixar.


Fantastic Mr fox adapta El Superzorro un relato de Roald Dahl, famoso escritor inglés para niños que marcó la infancia de muchos ( la mía incluida) y es también el autor de Charlie y la Fábrica de Chocolate, James y el melocotón gigante y Matilda, todas ellas pasadas a películas. La historia está protagonizada por animales personificados como humanos, y su enemistad con los humanos reales.
Realizada en animación tradicional, stop motion, que hoy tan poco se ve, es una pequeña joya que resulta tan amena para público infantil como adulto, ya que es graciosa y entretenida sin dejar de ser suficientemente profunda para tratar temas claramente "humanos". Por otro lado, he de reconocer que para mí la stop motion tiene un encanto especial, ya sea porque es una técnica casi en desuso hoy en día. La estética de la película también es destacable, los muñecos están realizados con pelo real y la fotografía, ligeramente amarillenta, es muy interesante. Lo dicho, para mí la mejor película de animación del año pasado, por encima del (no lo ocultemos) trasfondo edulcorado de Up.






Titulo en español: Fantástico Mr. Fox
Título original: Fantastic Mr. Fox
Año: 2009
País: EE.UU
Director: Wes Anderson
Guión:Wes Anderson, Noah Baumbach (Novela: Roald Dahl)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Tristan Oliver
Productora: American Empirical Pictures / Blue Sky Studios / Indian Paintbrush / Twentieth Century Fox Animation / Twentieth Century-Fox Film Corporation
Duración: 87 min.

20 de mayo de 2010

Molestar



Hay una actitud común a los gobiernos totalitarios y el pensamiento más conservador que consiste en hacer callar como sea a aquel que no sólo les critica, sino que induce a la gente a pensar. Tal está siendo el caso en nuestro esplendoroso país del juez Garzón (y perdón porque nunca pretendí llevar un tema político a este blog, pero no hay mejor ejemplo ).


Si la persona en cuestión dice o hace cosas que "molestan enormemente a un sector político, hay que actuar desprestigiándolo, sacar sus trapos sucios, invalidarlo como sea. Y si la cosa aún así no funciona, siempre puede recurrir a meter al personal entre rejas. No importa el método, lo importante es acallar para siempre el foco del problema y conseguir el tan ansiado silencio que sumerge a la masa en la borreguería ignorante que permite continuar con su reinado a este tipo de dirigentes.



Todo este despotrique esto me vino a la mente a la raíz de la película de Lenny, que repasa la biografía de Lenny Bruce, un cómico estadounidense en los años 50-60. Los monólogos de Lenny tenían una gran carga política y de crítica social que indudablemente "molestaba" enormemente. Así que indudablemente había que hacerlo callar, y encerrarlo, si era necesario.

Si alguien empieza a molestar, pues ya se sabe, todos acaban molestos y al final las cosas se revuelven y puede que hasta se cuestione que hace quién sentado en el poder. Y eso sí que no.
Es una historia que se ha repetido de forma continua durante toda la historia, pero que una película relatando algo acaecido en EEUU en los años 60 me recuerde a cierta situación actual, me da una idea de cómo hemos avanzado en estos términos.

Bien cerca de esta actitud está algo que se le llama censura en los países más civilizados. Pero cuando en España nos creemos superiores o al menos equiparados con el resto de Europa, considerar que pueda existir tal concepto en nuestra explendoroso país, suena a chorrada.

Mientras tanto, aunque cambien los métodos y las formas, en el fondo el objetivo sigue siendo el mismo. Y a la gente "molesta" como yo, no nos queda más que patalear y seguir pataleando por lo que sea. Porque quizá a pesar del pataleo las cosas no van en camino de cambiar, pero si ni siquiera pataleamos quedaremos reducidos a la masa aletargada e insulsa que ellos quieren que seamos. Entonces sí que será muy fácil hacernos pensar y actuar como ellos quieren. Que es lo que en el fondo desean. Y eso sí que no.




Titulo en español: Lenny
Título original: Lenny
Año: 1974
País: EE.UU
Director: Bob Fosse
Guión: Julian Barry (Teatro: Julian Barry)
Música: Ralph Burns
Fotografía: Bruce Surtees (B&W)
Reparto:
Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner, Stanley Beck, Gary Morton
Productora: United Artists
Duración: 112 min.


27 de abril de 2010

Revolutionary Road


Sam Mendes parece tener un don especial para retratar el sinsentido de la vida cotidiana, la apatía que la sociedad actual causa en el individuo, ese sentimiento de "vacío", que tan bien expresa Kevin Spacey en American Beauty. En Revolutionary Road, el protagonista no es ya un hombre si no una mujer, April Wheeler (Kate Winslet), quien para salvar su relación con su marido, y huir de una vida monótona y triste, propone ir a París, con la idea de empezar desde cero, y conseguir todo aquello que por su condición estancada no puede alcanzar.
Todo un alegato en favor del desarrollo personal, más allá de los convencionalismos sobre la vida fácil y cómoda, Revolutionary Road es una película inteligente que retrata, con sobriedad una pareja infeliz condenada a destruírse mutuamente. Cabe decir que las actuaciones de ambos ( Leonardo DiCaprio y Kate Winslet) son impecables, y no en vano Kate fue galardonada con un globo de oro y un óscar por su trabajo.


Titulo en español: Revolutionary Road
Título original: Revolutionary Road
Año: 2008
País: EE.UU
Director: Sam Mendes
Guión: Justin Haythe (Novela: Richard Yates)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Reparto:
Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour, Dylan Baker, Richard Easton, Zoe Kazan, Jay O. Sanders, Max Casella
Productora: Coproducción USA-GB; DreamWorks / Paramount Vantage / BBC Films
Duración: 119 min.

7 de abril de 2010

el secreto tras la puerta



En numerosas películas se trata la importancia del inconsciente. Desde Recuerda (Spellbound) de Hitchcock, hasta sin ir más lejos, la película del último post, Shutter Island. En El secreto tras la puerta, de Frizt Lang, se vuelve a utilizar la misma idea. Lang toma además algunas otras referencias de la obra de Hitchcock (concretamente, de Rebecca), en lo relativo a la situación de la protagonista, y a algunos de sus personajes principales.
La trama presenta a Celia (Joann Bennet), una rica heredera recién casada con un misterioso hombre al que ha conocido sólo unos pocos días antes en México.
A pesar de estar locamente enamorada de él, al poco su extraño comportamiento, abandonándola a la mínima ocasión, con excusas que más tarde se descubren falsas, estará a punto de acabar con el matrimonio. Pese a su actuación, Celia decide darle otra oportunidad, y cuando llega a la casa donde ambos van a vivir, descubre que su marido tiene una morbosa hoby: colecciona habitaciones donde se han cometido asesinatos.

Sin estar a la altura de otras de las mejores obras obras de Lang, se trata de una interesante película de suspense donde el cineasta hace un uso somero y adecuado de los elementos visuales que son cruciales para la trama ( las velas, la llave, la habitación..) completando un relato sencillo pero potente. El estilo expresionista de la puesta en escena y la música de Miklos Rozsa, van a al par dosificando una tensión creciente que se resuelve de manera satisfactoria, y menos destructiva de lo que habría cabido esperar. Una película para disfrutar una vez más de la particular forma de dirección de Lang.


Titulo en español: El secreto tras la puerta
Título original: The secret beyond the door
Año: 1948
País: EE.UU
Director: Frizt Lang
Guión: Rufus King & Silvia Richards (Historia: Rufus King)
Música: Miklós Rózsa
Fotografía: Stanley Cortez (B&W)
Reparto: Joan Bennett, Michael Redgrave, Barbara O'Neil, Anne Revere, Natalie Schafer, Anabel Shaw, Rosa Rey, James Seay,Paul Cavanagh, Mark Dennis
Productora: Diana Production Company
Duración: 99 min.

25 de marzo de 2010

Shutter island


Martin Scorsese hace una incursión en el género de terror-suspense con su último trabajo, Shutter Island. Los agentes Terry Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) acuden a una remota isla donde se alberga un hospital psiquiátrico para los pacientes más peligrosos. Tienen como misión investigar la misteriosa desaparición de uno de sus reclusos. Sin embargo, nada más comenzar su tarea descubren que allí sucede algo extraño y que los propios médicos les están ocultando información...

Scorsese demuestra que maneja perfectamente las convecciones del género, realizando un ajustado trabajo de realización. Utiliza algunos elementos clásicos del terror, como los interiores pobremente iluminados, el cementerio o la descomunal tormenta que asola la isla. A pesar de jugar los elementos más populares del terror, también realiza interesantes aportaciones como la escena de la ascensión al acantilado o los pasajes oníricos, especialmente destacables por su potencia emocional.


Como punto flojo de la película, es de destacar la trama, que precipitadamente da un descomunal giro antes de la mitad de la película. Es en éste momento donde la película puede perder valor para muchos, pues tal giro resulta algo trillado, especialmente para el espectador que ya se haya visto sorprendido anteriormente por este recurso. Resulta difícil precisar más sin revelar más, sin embargo, hay que destacar, que pese a este cambio de argumento tan radical hacia el final el propio Scorsese juega sutilmente al despite con el espectador más avispado, quedando como resultado un final abierto del que se podria haber esperado.

Titulo en español: Shutter Island
Título original: Shutter Island
Año: 2010
País: EE.UU
Director: Martin Scorsese
Guión: Laeta Kalogridis (Novela: Dennis Lehane)
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Levine, Christopher Denham
Productora: Paramount Pictures / Phoenix Pictures / Sikelia Productions / Appian Way
Duración: 138min.

21 de marzo de 2010

pozos de ambición



California finales del siglo XIX, en plena fiebre del petróleo. El oro negro enriquece a quien lo encuentra, transforma la región y da prosperidad a sus habitantes, en lo que antes era una tierra inhóspita y estéril. Rondan por todo el país hombres sedientos de fortuna, tratando de hacerse con aquellos terrenos que contengan el ansiado recurso.
Daniel Plainview es uno de ellos. Un antiguo minero retirado, abriéndose camino en el floreciente mundo del negocio petrolífero. Le acompaña un niño, al que presenta como su hijo. Juntos recorren desoladas regiones de EEUU buscando terrenos que explotar. Pero convencer a los habitantes para que les vendan a bajo coste sus valiosas tierras no siempre les será fácil.


There will be blood es una película basada en el libro Oil, de Upton Sinclair, sobre fiebre del petróleo en EEUU, la transformación y consolidación de la sociedad americana y sus valores.

Y este retrato se forja a través de la historia de tres personajes (un petrolero, su hijo y un predicador), cuyas vidas se ven seriamente transformadas por el petróleo mismo que les enriquece.

Estas dos lecturas hacen de pozos una gran película, no sólo por su fiel representación del la América del siglo XIX, sino también por sus protagonistas.
Daniel Plainview, el petrolero en busca de fortuna, es el hilo conductor de toda la película, un personaje hosco y críptico, consumido por sus propias ansias, que es interpretado de forma excelente por Daniel Day-Lewis.
Como contrapunto, Eli Sunday, es un joven predicador que hace gala de grandes dotes dramáticas en sus sermones. Compartirá con Daniels un marcado interés por prosperar, sólo que la fortuna que busca atesorar, en lugar de petróleo, son más fieles para su propia iglesia.
El fanatismo religioso de Eli chocará de forma brusca con el profundo escepticismo de Daniel, formándose así las bases de una relación profundamente interesada entre ambos, que traerá funestas consecuencias.

Con una atmósfera tan opaca como la propia trama, la fotografía de la película es más que reseñable, cuadros de amarillentos paisajes desérticos donde se alzan los quebradizos pozos que pueden saltar en cualquier momento en llamas. La lobreguez del paisaje enmarca a la perfección una historia donde la corrupción va atacando paulatinamente a sus personajes.

En definitiva, una recomendable obra, tanto técnica como artísticamente, que podría ayudar a comprender muchos de los males actuales de nuestra propia sociedad.



Titulo en español: Pozos de ambición
Título original: There will be blood
Año: 2007
País: EE.UU
Director: Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson (Novela: Upton Sinclair)
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds, Russell Harvard
Productora: Miramax Films / Paramount Pictures
Duración: 158min.
Premios: 2 Óscars, mejor actor principal Daniel Day-Lewis, mejor fotografía.

24 de enero de 2010

Borrachera de neones


No podía ser ignorada la última película de James Cameron, Avatar, que tras una apabullante campaña de marketing, lleva recaudados ya 200 millones de dólares y todavía la cifra sigue creciendo. Parece tratarse ya de una película de obligada visión, hasta para aquellos que no van al cine en años, un impacto social pocas veces superado.

¿Pero qué tiene Avatar? A primera vista, es una película indudablemente revolucionaria desde el punto de vista técnico. La imagen real y la digital se confunden y se usan indistintamente. El planeta Pandora, fue enteramente creado por ordenador, algo nunca realizado antes. Como resultado, la tecnología cinematográfica de los efectos especiales ha dado un paso de gigante gracias a Avatar.

El nuevo proyecto de Cameron es aclamado por una (casi) unanimidad de público fervorosamente entusiasmado. Por otro lado, no parece haber muchas opiniones negativas en el sector de la crítica, como si hubiese un misterioso pacto para no arruinar la taquilla...

Dejando de lado especulaciones, mi opinión sobre la película es de profunda decepción. Creo que Avatar sólo vale lo que pueda aportar con sus novedades técnicas. Desde el punto de vista narrativo, no es difícil encontrar cierto consenso en que la historia es excesivamente simple y facilona. Como tampoco lo es descubrir que casi todo el mundo está de acuerdo en que los personajes que se presentan no sólo son absolutamente planos y maniqueos (algo que no tiene por qué constituir un obstáculo grande si por lo demás funcionan) sino que además, carecen por completo de carisma, con lo que no consiguen "conectar" con el espectador.
Si esto es así, reconocido hasta para los críticos más benévolos ¿porqué aún así Avatar sigue entusiasmando a la gente?

Puede que la clave del éxito del proyecto sea precisamente Pandora, el nuevo planeta creado. El cine permite viajar a mundos imposibles, y no hay duda de que Pandora es, hasta el momento, el más radical de estos lugares, porque su misma génesis es completamente digital. El atractivo del hermoso mundo, combinado con La Maravillosa Experiencia 3D puede hipnotizar más de uno y conseguir que el argumento y los personajes pasen a un segundo plano. Tal, vez sea éso lo que ha hecho a Avatar tan atractiva para el público. Sumirse en la experiencia puramente visual que propone Cameron, y aceptar la historia a un nivel menor... casi decorativo.

Tristemente, yo no fui capaz de realizar este proceso, si es que realmente se trataba de éso. Principalmente porque Pandora no parece tanto un verdadero planeta extraterrestre como el indiscriminado desfile de criaturas y plantas que exhiben todo el tuneo de alerones y luces que permitió realizar la técnica. Lo cual, lógicamente, acaba con cualquier impresión de mundo real o siquiera posible. Todo lo que sale en pantalla se asemeja más bien a el continuo pavoneo de un diseñador de imagen obsesionado con el color azul y clara inspiración Tuning.

No me es difícil imaginarme que Cameron buscase plasmar la belleza de Pandora, el encanto de ese mundo natural extraterrestre, pero está claro que la entiende como una suma de lucecitas, neones, colores y efectos indiscriminada, hasta que la vista no puede más. El resultado: Avatar está tan saturada visualmente como simples son sus personajes y el argumento, como si lo uno compensase lo otro. El bombardeo continuo de efectos, sumado a el hecho de aguantar las casi tres horitas que dura la película el efecto 3D con las malditas gafas, aturde a cualquiera. En ese aspecto, sí, hay que darle la razón a Cameron: se trata de una experiencia completamente nueva; la borrachera con la que sale uno del cine, es única.


Dejando de lado el aspecto estético, el argumento de Avatar no resiste prácticamente ninguna crítica. Se lo ha comparado con Pocahontas, Bailando con Lobos, la historia del pueblo indio americano, etc etc etc. Desde luego, la falta de originalidad sería algo perdonable si la historia estuviese al menos bien contada. Pero no resulta ser así, como comentaba más arriba.
Y aparte, algo que desde mi punto de vista hace tambalear todo el mensaje de fondo de la película es el hecho de que, pregonando la vuelta del ser humano a la naturaleza, la vida sencilla y la comunión con la tierra, criticando la codicia y avaricia humanas, se trate de una película que ha contado con el presupuesto más alto ( hasta el momento ) de la historia del cine, venga acompañada de una campaña de marketing nada desdeñable precisamente, y haga uso y abuso como ninguna de los últimos avances en tecnología, como el 3D o la imagen digital. No sé, tal vez sea demasiado sensible a ese tipo de actuaciones, pero percibo cierta contradicción en todo el conjunto...

En resumen, es triste ver que una película tan esperada sea tan increíblemente pobre. Pues las únicas novedades que puede proporcionar Avatar al mundo del cine son en el aspecto técnico. En los demás aspectos, la película no supone siquiera una continuidad con los demás trabajos cinematográficos realizados hasta ahora, sino, incluso, una regresión desde el punto de vista narrativo. Como si todos nos hubiésemos vuelto tontos de repente.

Espero que con el paso de los años, ocupe el lugar que realmente le corresponde en la historia del cine, y pase esta fiebre. Hasta entonces, tengo que confesar que empiezo a tenerle cierta manía al color azul....



Titulo en español: Avatar
Título original: Avatar
Año: 2009
País: EE.UU
Director: James Cameron
Guión: James Cameron
Música: James Horner
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel Moore, Wes Studi, CCH Pounder, Laz Alonso
Productora: Universal Pictures / Tribeca Productions / Forward Pass / Misher Films
Duración: 161 min.

26 de agosto de 2009

Enemigos Públicos



Voy al cine a ver la última película de Michael Mann, después de haber oído buenos comentarios sobre ella, e intrigada por ver a Johnny Depp trabajar como gángster... y nada más empezar la película me topo con un grano o mejor dicho ruido digital de tamaño descomunal. Algo que, quitando lo discutiblemente bien o no que pueda quedar en otro tipo de película, en ésta consiguió que mirase la pantalla sorprendida, tratando de entender la razón estilística que induce a escoger dicho formato para realizar una película de gánsters de los años 30.

Después del susto inicial del grano digital, y aceptando que hoy en día esta de moda rodar así ( al fin y al cabo es infinitamente más barato) y que Michael Mann también usó el digital cuando hizo Collateral ( y no le queda nada mal), uno intenta ver la película sin asustarse mucho más, pero resulta imposible: la realización es brusca, burda, totalmente ilógica y la elección de planos es completamente desafortunada en la mayor parte de los casos, careciendo de sentido alguno, para expresar nada de lo que supuestamente pretenda expresar la película.

Por si fuera poco, parece haber fallos de raccord de iluminación de los que fui consciente (y no es que sea una experta en fotografía) y en los momentos donde la película era mucho más oscura, el ruido digital hacía de las suyas y se podían apreciar en pantalla grande errores de fotografía como aberraciones cromáticas en plena cara de alguno de los personajes.

Me da vergüenza ajena que alguien exponga en el cine algo que técnicamente es tan inferior, pero realmente lo cierto es que todo ésto no sería de gran importancia si hubiese un buen guión detrás, una historia coherente y unos personajes creíbles, pero no es así en ningún caso.

El pobre Johnny Depp , intenta como puede meterse en la piel del tipo duro, y es absolutamente incapaz de conseguirlo en ningún momento. Posiblemente porque haga lo que haga, tiene que cargar con su físico aniñado, y ésto sumado a un guión que le obliga a cometer acciones inconexas, que le hacen virar de la caballerosidad galante hasta la mayor crueldad y chulería propia de un gánster, cayendo en todos los tópicos que pueda haber de dichos comportamientos, da como resultado un personaje del cual difícilmente puede saberse si tiene personalidad alguna o tiene varios millones de ellas.

Y lo que ocurre con Johnny Depp ocurre en menor o mayor medida con el resto de los personajes. El pobre ChrisrianBale también es usado por su cara bonita, y la chica de Johnny resulta un caso flagrante de buena interpretación malograda por un patético guión.
A ésto se le suman unos diálogos previsibles que parecen sacados de un telefilm, así que como resultado no se produce ningún tipo de empatía del espectador con ningún personaje ( si la hay, es exclusivamente para que se acabe de una vez la tortura fílmica)


Dejando los personajes de lado, la historia obviamente, avanza a duras penas gracias a ellos, y en consecuencia lo hace a golpe de metralleta, rifle y pistola, sobre un montaje completamente arrítmico. Los movimientos de cámara son totalmente televisivos, e incluyen una buena gama de barridos, desenfoques continuos y usos indiscriminados de todo tipo de objetivos sin coherencia estilística alguna.

Y a pesar de todas éstas meteduras de pata artísticas y técnicas, toda la película se presenta teñida en un aire grandilocuente desde el primer minuto, resultando pretenciosa, y hace uso de una música clásica altamente emotiva, que contrasta, de forma flagrante, con la fría e inconexa realización de cámara... Los únicos temas de música ligera parece llevar un poco mejor el ritmo de la película, pero aparecen sólo en dos momentos dados, y no tienen un tratamiento mayor posteriormente.

En resumen, que al menos para mí se trata de una película que me ha decepcionado profundamente, y es algo que duele tratándose de un género como es el cine negro, que resultaría maravilloso ver bien realizado con los medios técnicos de los que se dispone hoy en día. Por desgracia, muchas veces se queda todo en la intención. Espero no tener que tragar más bodrios así en el futuro.


Titulo en español: Enemigos Públicos
Título original: Public Enemies
Año: 2009
País: EE.UU
Director: Michael Mann
Guión: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman (Libro: Bryan Burrough)
Música: Elliot Goldenthal
Fotografía: Dante Spinotti
Reparto: ohnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, Stephen Lang, James Russo, David Wenham, Christian Stolte, Jason Clarke, Branka Katic, Wesley Walker, Stephen Graham, Giovanni Ribisi, Matt Craven, Channing Tatum
Productora: Universal Pictures / Tribeca Productions / Forward Pass / Misher Films
Duración: 140 min.