Katharine Hepburn / La Gran Dama del cine

12-5-1907+29-6-2003

Se cumple un lustro de la desaparición de Katharine Hepburn la gran dama del teatro estadounidense y una genuina estrella de cine. La única en ganar 4 Oscars y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 14 nominaciones, pero mientras que Streep tiene candidaturas como mejor Actriz Secundaria, Hepburn consiguió todas como mejor Actriz Principal.

Una de las mujeres que con su personalidad y sus logros en la pantalla y los escenarios teatrales marcaron el perfil del siglo XX.

La única actriz de su generación que consiguió mantenerse en activo durante más de cinco décadas.

La actriz de la sonrisa con las comisuras hacia abajo, que lejos de expresar tristeza era intensa y hermosa.

Scott Berg dijo que lo que mas le impacto de ella durante los veinte años de amistad que compartieron, fueron las lecciones de vida que Kate impartía con generosidad y gran sentido del humor.

AL PACINO/ AFI Tribute

En las noches como la de ahora, en que después de intentar conciliar el sueño sin conseguirlo, me dedico a bucear en la red buscando cosas de mi actor fetiche, así consigo que el insomnio sea más llevadero. Siempre hay cientos de citas y artículos sobre este excepcional actor. Esta noche me he dado de bruces con el vídeo donde otro magnifico actor Robin Williams hace una extraordinaria parodia de los personajes que interpreto Al Pacino en su día, durante el Tributo de AFI el año pasado.Al Pacino que pronunció grandes discursos en los papeles de Michael Corleone, Tony Montana, Arthur Kirkland, Frank Serpico, Frank Slade y un largo etcétera. Cuando el actor fue homenajeado por el Instituto Estadounidense del Cine con el premio a los logros de una vida, se quedó prácticamente sin palabras.
"Necesito un personaje" dijo el actor abrumado por la emoción."No me creo capaz de hacer nada"
Con el sentido de humor típicamente neoyorquino dijo:
"Al ver mi vida en las películas, tengo una pregunta" dijo: ¿ Por qué no estoy en rehabilitación? .

Dejo el vídeo de Robin Williams, es divertido, y memorable ver la cara de Pacino.

Y como yo siempre digo:¡¡ DIOS LE DIO EL DON DE LA INTERPRETACIÓN Y EL INTERPRETO AL DON, A IMAGEN Y SEMEJANZA DE SI MISMO !! .

http://www.alpacino.net/

Las mejores peliculas de la historia...

HOLLYWOOD ELIGE SUS CIEN JOYAS

El instituto de Cine Americano AFI ha clasificado por género sus mejores películas

En el género de gangsters clasifico a EL PADRINO, UNO DE LOS NUESTROS, Y EL PADRINO II, como las indiscutibles ganadoras.

Le ha ganado Coppola la partida a Scorsese.

En el apartado de género epico la absoluta ganadora fue LAWRENCE DE ARABIA, pasando por delante de BEN HUR

La vencedora absoluta del genero de ciencia ficción fue para 2001:Una odisea en el espacio

El wenster más memorable según AFI es Centauros del desierto de J Ford .

CYD CHARISSE...

Una gran estrella del mundo de la danza y del cine, ha fallecido el miercoles 18 de Junio a los 86 años de edad.
La estrella de los musicales de Hollywood ; protagonizó la película "Cantando bajo la lluvia" junto a Gene Kelly, entre otras. La bailarina de Hollywood Cyd Charisse, famosa por su participación en dicha pelicula,murió ayer a causa de un ataque cardiaco , informó su portavoz.
Nacida en el estado norteamericano de Texas en Amarillo,el 8 de Marzo de 1921 con el nombre de Tula Ellice Finklea.

Charisse bailó con el famoso Ballet Russe , hasta ser descubierta y contratada a mediados de los años 40 por los estudios cinematográficos MGM.
En 1946 conoció a Fred Astaire con el que bailó en la película del director Vincent Minnelli "Zigfield Follies".
Al año siguiente obtuvo el rol protagonista en una película con Fred Astaire y, desde entonces, formó parte de casi todas las películas que moldearon la historia de los grandes musicales norteamericanos.

Pero la fama llegó en 1952 cuando bailó con Gene Kelly en "Cantando bajo la lluvia".

Tras el colapso del estudio, que vinculaba a las estrellas de forma permanente a la firma, Charisse actuó escasas veces en el cine durante los años 60. Ocasionalmente actuó en clubes nocturnos junto a su marido, el cantante Tony Martin, hoy de 95 años. En su primer matrimonio (desde 1939 hasta 1947) estuvo casada con el bailarín Nico Charisse. En 2001 entro en el mundo del Record Guinnes en el apartado de las piernas más valiosas, tenia aseguradas sus magnificas piernas en cinco millones de dolares, para protegerlas desde el año 1952, siendo las más largas de la meca del cine.

CHE / BENICIO DEL TORO

BENICIO DEL TORO

Es el último tipo duro de Hollywood, un indómito tras los pasos de Brando, Pacino o De Niro. Sin City, fue el penúltimo eslabón de una carrera perfecta. Un actor hecho a sí mismo con dos grandes pasiones: el arte y la literatura.
Benicio del Toro nació en San Germán y creció en Santurce (Puerto Rico) en 1967, su madre murió de hepatitis crónica cuando él tenía nueve años y su niñez fue dura en un pueblecito de Pensilvania. Solitario, transformó su introspección en creatividad hasta convertirse en uno de los grandes actores de su generación y ganar un Oscar por Traffic en el apartado de mejor actor de reparto (2001).

Ganador del premio al mejor actor en Cannes 2008 por su interpretación magistral del mitico revolucionario argentino Ernesto "Che" Guevara

The Argentine

CHE GUEVARA / BENICIO DEL TORO

Ahora podemos verlo en la personificación del popular héroe en esta ambiciosa producción de Steven Soderbergh en la que también actúan la alemana Franka Potente, el actor de ascendencia peruana Benjamin Bratt, la inglesa Julia Ormond, el español Jordi Mollà, la colombiana Catalina Sandino Moreno, el portugués Joaquim De Almeida y el mexicano Demián Bichir como Fidel Castro. Toda una olimpiada interpretativa con representantes de las más diversas nacionalidades.

Estas fotos fueron tomadas en el Upper East Side de New York durante el rodaje en el edificio de las Naciones Unidas. Cosa curiosa: este edificio será remodelado por lo que se adelantó la filmación de algunas escenas para aprovechar la fachada original. La secuencia en cuestión es el momento de la visita del Che a New York en 1964, para dar un discurso ante la ONU.

Pese a sus ojos hinchados, una de sus miradas cuenta mucho más que mil palabras de su hablar somnoliento.

http://es.wikipedia.org/wiki/Benicio_del_Toro

Recordando a Kate...

KATHARINE HEPBURN

Ella más que nadie se merece ser recordada. Por que marcó una diferencia en la época que vivió.

Hay dos actores que han marcado mi vida y a ellos les debo mi afición al cine:

Katharine Hepburn y Al Pacino
Su carrera como actriz es la mejor del siglo XX, o incluso de todos los tiempos. (A.Scott Berg)
Scott Berg es un ensayista de reconocido prestigio, autor de cuatro libros y colaborador habitual de las revistas más prestigiosas de Estados Unidos. Su biografía de Max Perkins le valió el National Book Award y fue galardonado con el premio Pulitzer por su trabajo sobre Lindbergh

Los cineastas de la era Youtube...

John Cassavetes

La influencia de un director de cine "magistral"

John Cassavetes

Los cineastas de la era YouTube
Un grupo de directores intimistas revoluciona la industria 'indie' en EE UU - La crítica los etiqueta como la "generación háztelo tú mismo"

Mutual Appreciation - Andrew Bujalski
Todo empezó como una broma. En un bar de Austin (Tejas), coincidiendo con la celebración del festival de cine independiente South by Southwest, un técnico de sonido bautizó al grupo como movimiento mumblecore (estilo farfullante). Han pasado más de tres años, y el término no sólo ha perdurado como etiqueta para este conjunto de realizadores estadounidenses en torno a la treintena, sino que se ha impuesto a otros calificativos acuñados por la crítica como "cineastas de cabecera", "slackavettes" (que sería algo así como "John Cassavetes en clave ligera" o "generación haztelo tu mismo" En cualquier caso, este puñado de jóvenes cineastas que rueda con escuálidos presupuestos y que apenas cuenta con distribución comercial ha logrado atraer la atención de los medios estadounidenses.

Todo desde que Andrew Bujalski, el más laureado de todos ellos, mencionase el término mumblecore en una entrevista. Poco importó que tanto él como el resto de directores estuvieran en desacuerdo con el término; la etiqueta enmarcó a la primera generación independiente surgida en las dos últimas décadas al margen del festival de Sundance.
Y pese a que efectivamente el mumblecore puede calificarse más como una actitud que como un movimiento estético, es innegable que las películas de Andrew Bujalski, Joe Swanberg, Aaron Katz o los hermanos Duplass comparten algunos elementos: los ínfimos presupuestos (la mayoría rueda en vídeo digital), economía narrativa y argumentos centrados en protagonistas veinteañeros enfrentados a los dilemas que plantea la madurez. El otro vaso comunicante es su gusto por los diálogos naturalistas, cargados de muletillas y declamados de forma atropellada (de ahí lo de mumble, farfullar en inglés). "Prácticamente todo lo que dicen los actores se improvisa al momento. Nunca escribo los diálogos, aunque tenga pensado el desarrollo de las secuencias y de la trama", explica el prolífico Joe Swanberg, que desde su llamativa y sexualmente explícita ópera prima Kissing on the mouth (2005) ha dirigido otros tres largometrajes.ligera") o "generación háztelo tú mismo".
Puffy Chair (boring Death Cab replaced with sweet Journey)
Por su parte, el proceso de Jay y Mark Duplass a la hora de dirigir parece ser el mismo que cuando empezaron a rodar películas caseras con la videocámara que su padre les regaló en 1982. "Aunque trabajamos con un guión y una estructura cerrada, dejamos que los actores improvisen cuanto quieran, que jueguen dentro del marco de su personaje lo que les apetezca", asegura Mark, el mayor de los Duplass. "En realidad, es difícil establecer qué porcentaje del texto viene de la pura intuición de mis actores. Lo que sé es que si me interesara tener un control total sobre el guión y la película, me haría novelista", aclara Andrew Bujalski, cuyo filme Mutual appreciation (como el resto, aún sin distribución en España) fue calificado por The New York Times como uno de los títulos imprescindibles de 2006.

A este grupo tan heterogéneo le cohesiona Internet.

No sólo porque MySpace les sirva para promocionarse o como herramienta para mantener el contacto y compartir experiencias profesionales. Su estilo amateur converge con el voyeurismo propio de la era YouTube y muchos de ellos se sirven además de la Red para distribuir sus obras, como es el caso de Joe Swanberg o Michael Tully, que han firmado series como Young american bodies o Butterknife para su visionado exclusivo en el ordenador. "El mercado audiovisual ha sufrido una profunda transformación por Internet. Es al espectador al que le está llevando más tiempo adaptarse a las nuevas maneras", dice Swanberg, quien, al igual que sus compañeros de generación, no descarta dirigir películas en Hollywood. "Aun así, pienso seguir haciendo cosas para Internet, y quizá acabe siendo mi único terreno".

AL PACINO

...And Justice For All /... Justicia para todos
Justicia para todos es una película de 1979 que cuenta la historia de un abogado de Baltimore (Al Pacino) que intenta defender la causa de un juez presunto culpable en un juzgado corrupto.
La película está dirigida por Norman Jewison y sobre el guión escrito de Valerie Curtin y Barry Levinson. Justicia para todos estuvo nominada a los Oscars en la categoría de mejor actor principal (Pacino) y mejor guión original (Curtin and Levinson).
Un sensacional AL PACINO. Su monologo final está considerado uno de los mejores del cine. Una película que no ha perdido un solo ápice de frescura, como casi todos los film de los años 70. Poder escuchar su "voz única" en versión original es un deleite para los oídos...sin obviar su magistral interpretación.
"Unos crean arte y los demás nacemos para disfrutarlo" (Eurice)

Marlene Dietrich

se conservará bella para siempre gracias a la cera de Berlín
El museo de cera Madame Tussauds tiene nueva sede en Berlín.
Marlene Dietrich y Romy Schneider, 'anfitrionas' de lujo.
Abrirá en julio; cada figura ha costado unos 200.000 euros.
El museo de cera de Madame Tussauds abrirá este verano su nueva sede de Berlín con una muestra de 75 figuras de famosos como Einstein, Freud y Bertolt Brecht, así como una espectacular anfitriona: Marlene Dietrich, quien por fin cumplirá su sueño de conservarse bella para siempre.
El museo de cera de Berlín abrirá sus puertas en julio.

Envejecer fue el gran miedo de Marlene Dietrich, icono de la elegancia en el cine de la década de los treinta del siglo XX, quien se recluyó los últimos años de su vida en su apartamento de París para que el gran público la recordara joven y divina.
Ahora, y gracias al "milagro" de la cera, su perfecta figura será expuesta a partir de julio en la nueva sede del museo Madame Tussauds, situada en la mítica avenida berlinesa Unter den Linden, con lo que la diva ofrecerá siempre su mejor aspecto con maquillaje, peluquería y vestuario incluidos. Junto a ella, compartirá protagonismo en el museo otra célebre del cine de habla alemana como la austríaca Romy Schneider, quien una vez más se viste de emperatriz "Sisí".
Lujos aparte, el Madame Tussauds de Berlín ofrecerá la posibilidad de que el visitante se tumbe en un diván para que una réplica de Sigmund Freud lo psicoanalice y será sometido a un test de coeficiente intelectual de un encerado Albert Einstein.
La nueva atracción turística de la capital alemana será inaugurada a comienzos del próximo mes de julio, según indicó en una rueda de prensa la responsable del museo, Susanne Keller, quien señaló que unos 10,5 millones de euros se han invertido en la nueva sede de 2.500 metros cuadrados de superficie.Keller indicó que cada figura de cera está valorada en 200.000 euros y que la institución no ha pagado a estos personajes para inmortalizarlos en cera

EFE. 29.05.2008 - 08:31h

Sydney Pollack fallece a los 73 años
Pollack, en una fotografía de archivo, a su llegada al Palais des Festivals en Cannes, Francia. (EFE)
Murió el lunes en su casa víctima de un cáncer.
Ganó dos Oscar por 'Memorias de África'.
FOTOGALERÍA: Filmografía de Sydney Pollack.
PERFIL: Sydney Pollack, el cineasta polifacético.
El actor y director estadounidense Sydney Pollack ha fallecido a los 73 años, según The New York Times. Director, productor y, en ocasiones, actor, ha firmado películas que ya forman parte de la historia del cine como Tootsie, Memorias de África y recientemente La intérprete.

Murió el lunes en su casa a causa de un cáncer según ha informado un portavoz de la familia. Pollack ganó dos Oscar, al mejor director y mejor película por Memorias de África en 1985. Fue también conocido por su faceta de actor en películas como Michael Clayton y Eyes Wide Shut.
Tras unos años alejado de la gran pantalla reapareció en 1995 con Sabrina y sus amores', adaptación de la célebre película que Billy Wilder rodó en la década de los 50, y cuatro años después Caprichos del destino.
Primeros reconocimientos
Después de un irregular comienzo como director de cine, fue nominado al Oscar en 1969 por Danzad, danzad malditos, también premiada en los festivales de Cannes, Bruselas, y Belgrado. Realizó varias películas protagonizadas por Robert Redford, entre ellas Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972), con la que obtuvo un gran éxito de crítica que se repetiría en el filme Tal como éramos (1973).
Sus últimos proyectos fueron 'The Reader' y 'Margaret', películas que está previsto que se estrenen este año .
En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman, y Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, película que obtuvo 10 nominaciones al Oscar. Otras películas de su filmografía son Yakuza (1974), El jinete eléctrico (1979), La tapadera (1993) y Caprichos del destino (1999). Como actor ha intervenido en un gran número de producciones, como la propia Tootsie, Maridos y mujeres (1992, de Woody Allen) o Eyes Wide Shut (1999, de Stanley Kubrick).
Pollack, distinguido en 2002 por el Festival de Cine de Locarno (Suiza) con un Leopardo de Oro Honorífico a su trayectoria, combinó la realización con la labor de producción para otros directores, sobre todo en los últimos tiempos.
Últimos proyectos
Sus últimos proyectos fueron The Reader y Margaret, películas que está previsto que se estrenen este año, en el que optó a una estatuilla por su participación en la producción de Michael Clayton (2007) -en la que también actuó-, nominada a mejor película en la pasada gala de los Oscar. Made of Honor, filme que está actualmente en la cartelera de EE UU, pasará a la historia como su última aparición en la pantalla por su papel de Thomas Bailey. Este cineasta y productor estadounidense nació en la localidad de Lafayette el 1 de julio de 1935, en el Estado de Indiana, estaba casado y tuvo tres hijos, uno de ellos falleció en 1993 en un accidente aéreo.
20MINUTOS.ES. 27.05.2008 - 04:31h

Descanse en paz un hombre que nos ha regalado momentos cinematográficos únicos...

John Cassavetes

John Cassavettes
John Nicholas Cassavetes (Nueva York, Nueva York, Estados Unidos, 9 de diciembre de 1929 – Los Ángeles, California, Estados Unidos, 3 de febrero de 1989) fue un actor, guionista y director norteamericano. Se le considera un pionero del cine independiente americano.
Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989, a los 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Angeles, California.Casado con Gena Rowlands (1954-1989)
Su hijo, Nick Cassavetes continuó sus pasos como actor ("Face/Off") y director ("John Q").

Rostro habitual del cine de los sesenta y setenta, la filmografía como director del neoyorquino John Cassavetes puede considerarse la demostración palpable de que el cine independiente, fuera de las directrices y limitaciones de los grandes estudios, con historias alejadas de tópicos y de géneros, era posible en una época donde el Hollywood clásico empezaba lentamente el proceso de disolución que hace tiempo que culminó.


Llama la atención la diferencia de intereses entre el Cassavetes actor (Código del hampa, Doce del patíbulo, La semilla del diablo, La furia o Mi vida es mía) y el director, alejado de los grandes presupuestos destinados al espectáculo y más pendiente de temas humanos y sociales, como en su sorprendente debut, Shadows (1960), que trata del drama de una chica de color que se hace pasar por blanca, rodada con actores desconocidos, al margen de estudios, y que, sin embargo, gozó de excelente aceptación.
Desgraciadamente, el éxito de esta película llevó de nuevo al Cassavetes director al gran Hollywood, donde las promesas de libertad y de no injerencia por parte de los estudios sólo su cumplieron a medias, habiendo de combinar su original visión con los esquemas comerciales de los grandes productores. Allí dirigió una cinta sobre un grupo de jazz (Too late blues, 1961) y otra acerca de un centro de educación para disminuidos psíquicos (Ángeles sin paraíso, 1963). Cassavetes se ha alejado de sus propios objetivos aceptando colaborar con los grandes estudios y, además de sentir que se ha traicionado a sí mismo, es evidente que el resultado final de las películas se resiente. Tras cinco años sin dirigir, vuelve la mirada a sus orígenes como director y a su gusto por los rodajes directos y desnudos que propugna la Escuela de Nueva York (dentro del New American Cinema), y que consiste en una forma realista de rodar (el movimiento Dogma asimila en parte esta visión del cine) fundamentada en que el espectador no puede discernir si lo que ve es fruto de la improvisación, de la cuidadosa preparación, o de ambas cosas a la vez, siendo imposible separar una de otra.
En este retorno a la esencia Cassavetes rueda Faces, Husbands y la estupenda A woman under the influence.

Donde da rienda suelta a su particular estética repleta de situaciones políticamente incorrectas, de moral laxa y en el filo de los límites. Sin embargo, su particular estilo de arte y ensayo perdió el favor del público (Así habla el amor) y Cassavetes pasaría varios años sin rodar concentrado en su carrera de actor en mediocres películas bélicas o de espionaje. Con todo, vuelve a dirigir en 1980 y triunfa en el Festival de Venecia con el thriller Gloria, protagonizado por Gena Rowlands, esposa del director. Vuelve a combinar el gusto propio con los esquemas tradicionales del cine comercial de los grandes estudios, pero esta vez la mezcla es propia y voluntaria, y el resultado es magnífico.

Como ocurre tantas veces, será en Europa donde gane el reconocimiento que se le niega en su propio país, y el Festival de Berlín volvería a premiarle con Corrientes de amor, cinta inferior a Gloria y que deja clara la frescura y poco convencionalismo de Cassavetes como cineasta pero también muestra cierta confusión y pérdida de ritmo y de pulso.
“Lo que cuenta es la intensidad de las emociones. Quiero que nadie se sienta culpable por tener algo que comunicar. Lo revolucionario es la libertad de expresar sus propias profundidades”, dijo Cassavetes en una entrevista. Esta postura creativa se compatibilizaba perfectamente con el Manifiesto (de nuevo vemos de dónde ha extraído muchas de sus ideas el movimiento Dogma) de la nueva ola cinematográfica americana, y que resulta extrañamente (o no tanto) aplicable en la actualidad, y si no, veamos un fragmento del manifiesto:
“El cine oficial a través del mundo está a punto de acabar. Su moral está corrompida, su estética es caduca, sus temas son superficiales, sus intrigas fastidiosas… Creemos que el cine es la expresión de una personalidad indivisa. En consecuencia, rechazamos la intervención de los productores, distribuidores y financieros hasta el momento en que nuestra obra está presta para ser proyectada sobre la pantalla… Estamos por el arte, pero no a expensas de la vida. Nuestra convicción es que no se pueden fijar principios clásicos, tanto en el arte como en la vida” (28 de septiembre de 1960).

Podemos comprobar fácilmente cómo los problemas y defectos del cine de entonces se han amplificado hasta la náusea en nuestro tiempo, al igual que el número de cineastas que pretende salir del circuito tal y como se ha conocido hasta ahora. Pero también sabemos que las grandes compañías de cine independiente son ya filiales de los grandes estudios, y la autenticidad, la visión personal, la originalidad, el desmarcarse de los grandes presupuestos y de la superficialidad (cuando no directamente imbecilidad) del cine mayoritario, queda en manos de los mismos productores que financian la basura al por mayor que rebosa en los cines. Se puede decir que el movimiento iniciado por Cassavetes murió de éxito, pero que periódicamente, como ha ocurrido con el movimiento Dogma, resurge de sus cenizas para recordarnos por qué el cine ha sido considerado el séptimo arte, incluso a pesar de la bazofia con la que insisten en condenarnos desde Hollywood durante los últimos treinta años.

http://es.wikipedia.org/wiki/John_Cassavetes

KATHERINE HEPBURN

KATHERINE HEPBURN

Kath, una mujer moderna
"Hepburn es la persona que les puso pantalones a las mujeres, literal y figurativamente", asegura su biógrafo, Christopher Andersen. La actriz, además de por su profesión, destacó por su mentalidad liberal. Estos rasgos se reflejan en la exposición Katherine Hepburn y la mujer moderna, que se exhibe en el Museo del Cine de Gerona hasta el 8 de Junio. Donde podras asistir a charls, y disfrutar de algunas de sus emblematicas películas y ver fotos de la mitica actriz estadounidense.

Jorge Drexler
Jorge Drexler el cantaautor uruguayo, estara presentando el 8 de mayo en el Palau de la musica de Valencia su disco en acustico Cara B.
Reflejo sonoro de la actual gira de Jorge Drexler y grabado durante una semana de actuaciones en Cataluña, 'Cara B' es lo mejor del repertorio propio y ajeno de Drexler con la única compañía de su guitarra y el público que asistió a los teatros. Sus propias canciones conviven con versiones de Caetano Veloso, Leonard Cohen, Marlango, Javier Ruibal o Kiko Veneno. La edición es una caja de lujo con 2 cds (Cara B y Cara C) y un DVD con el videoclip de la nueva versión de 'Todo se transforma' y un extracto de la película que está realizando Manuel Huerga sobre toda esta grabación. Aparte, y como siempre, el diseño minimalista y elegante propio de los discos de Drexler alcanza esta vez en conjunto con el formato libro, una belleza a la altura de la música de Jorge Drexler.

"El primer amor solo muere con el último".

EL GRAN DICTADOR( CHARLES CHAPLIN) DISCURSO FINAL.

Un extraordinario alegato en contra de la guerra.

El mejor discurso antibelicista.

¡Una oda a la Democracia!

¡Se anticipó a su tiempo!
Un extraordinario actor y un maestro.


CHARLES CHAPLIN

EL GRAN DICTADOR

(Traducido a español en subtitulos)

Mientras otros lanzan discursitos justificando la guerra de Irak, donde la gente cada día muere por las bombas de un ejercito de ocupación amparado por Naciones Unidas.
Si el Sr AZNAR justifica la invasión de Irak en la BBC
Yo me uno a Charles Chaplin en su discurso.

AFI TRIBUTE TO AL PACINO...

Nama : Al Pacino
Birth Name : Alfredo James Pacino
Birth Date : 04/25/1940
Birth Place : East Harlem, New York, USA
Height : 5' 7"
Sex : M
Nationality : American
Occupation : Actor
Father : Salvatore Pacino
Mother : Rose Pacino
Relation : Jill Clayburgh (1970-1975), Diane Keaton, Kathleen Quinlan (1979-1981), Jan Tarrant( una hija, Julia), Beverly D'Angelo (1997-2001) ( dos hijos gemelos, niña y niño)
Claim Fame : As Michael Corleone in "The Godfather" (1972); As Tony Montana in "Scarface"(1983).
http://es.wikipedia.org/wiki/Al_Pacino

Inside The Actors Studio:Al Pacino

Mi admiración por el, roza la paranoia ...

Del libro de "Conversaciones con AL PACINO."

Marilyn Monroe...

Nombre real Norma Jeane Mortenson
Nacimiento 1 de junio de 1926
Los Ángeles, California, Estados Unidos
Defunción 5 de agosto de 1962 (36 años)
Los Ángeles, California
Cónyuge/s James Dougherty (1942-1946)
Joe DiMaggio (1954)
Arthur Miller (1956-1961)

Aunque Marilyn nunca mencionó el nombre de su padre, se sabe que su madre, Gladys Monroe, tuvo varias parejas mientras trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO. Entre ellos, el más conocido es Martin E. Mortenson, un inmigrante noruego de quien Marilyn recibió apellido, lo que lleva a deducir que él era su padre.
Marilyn fue dada en adopción desde las seis semanas de nacer y hasta los siete años de edad, cuando su madre se la llevó a una pequeña casa que había comprado; pero un año más tarde Gladys era internada en un psiquiátrico por un problema derivado por la obsesión de lo que se creía un trastorno psicológico que podía acabar con su propia vida, lo cual heredó de su padre, que falleció en circunstancias similares. Monroe vivió obsesionada con la idea de haber heredado esta enfermedad, especialmente tras ser internada en varias ocasiones debido a sus crisis de pareja. Durante las crisis psíquiátricas de su madre, Monroe vivía con el matrimonio Bolender, con vecinos de su abuela, en un orfanato o con alguna familia adoptiva.

Filmografia

Something's Got to Give, (inacabada, 1962)
Vidas Rebeldes (The Misfits) (1961)
El multimillonario, Let's Make Love (1960)
Con faldas y a lo loco o Una Eva y dos Adanes (Some Like It Hot) (1959)
El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl) (1957)
Bus Stop (1956)
La tentación vive arriba (The Seven Year Itch) (1955)
Río Sin Retorno (River of no Return) (1954)
Luces de candilejas (There's No Business Like Show Business) (1954)
Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes) (1953)
Filmografia
Marilyn Monroe by Bottelho.Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire (1953) Niágara (Niágara) (1953)
Niebla en el alma (Don't Bother to Knock) (1952)
Cuatro páginas de la vida (O. Henry's Full House) (1952)
Encuentro en la noche (1952)
Me siento rejuvenecer (Monkey Business) (1952)
No estamos casados (We're Not Married) (1952)
Home Town Story (1951)
Love Nest (1951)
As Young As You Feel (1951)
Let's Make It Legal (1951)
Right Cross (1950)Sin acreditar.
The Fireball (Fama sin gloria) (1950)
La jungla de asfalto (The Asfalt Jungle (1950)
Eva al desnudo (All About Eve) (1950)
A Ticket To Tomahawk (1950) Sin acreditar).
Ladies of the Chorus (Las Chicas del Coro) (1949)
Amor en conserva (Love Happy) (1949)
Scudda-Hoo! Scudda-Hay! (1948)
Dangerous Years (1947)
The Shocking Miss Pilgrim (1947) Sin acreditar.

Marlene Dietrich...

Nacida en el barrio berlinés de Schöneberg, Alemania, fue hija de Louis Erich Otto Dietrich y Wilhelmina Elisabeth Josephine Felsing.

Marlene Dietrich tocaba el violín antes de entrar en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921. Hizo su debut en el cine dos años después (aunque los historiadores insisten en que Dietrich apareció como extra en un filme alemán de 1919). Tras empezar su carrera en películas alemanas (mientras bailaba además en coros de cabaret y en algunas obras menores), obtuvo un papel en la primera película europea sonora, El ángel azul (1930), dirigida por Josef Von Sternberg.
Josef von Sternberg construyó en torno a Marlene Dietrich el mito de la diva, ya que le rindió pública devoción.
Dietrich cantó en varios de sus filmes (muy señaladamente en "El ángel azul", de von Sternberg, en el cual canta "Enamorándome otra vez" ("Ich bin von Kopf bis Fuss auf Liebe eingestellt"), grabada en Alemania en los 1920s. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI, y Columbia. Su característica voz fue luego satirizada en algunas canciones. Además, en "Vencedores o vencidos" tiene una hermosa escena en la que pasea por la calle con el actor Spencer Tracy y escuchan como música de fondo de una taberna alemana la famosa canción "Lili Marlene" que ella popularizó y que ella misma traduce al inglés en la película.
En 1937, a la vez que su carrera cinematográfica se detenía, Dietrich se nacionalizó norteamericana. En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Dietrich fue una de las primeras estrellas en recaudar bonos de guerra estadounidenses, además de entretener a las tropas en el frente, y fue muy conocida por sus fuertes convicciones políticas. Fue una firme anti-nazi que despreció las políticas antisemitas de su tiempo. Incluso grabó varios discos antinazis en alemán, incluyendo Lili Marlene, un ejemplo curioso de una canción transcendiendo los odios de la guerra. Además tocaba la sierra musical para entretener a las tropas y cantó para los aliados en Argelia, Francia y en Alemania con los generales James M. Gavin y George S. Patton. Cuando le preguntaron por qué lo había hecho a pesar del evidente peligro, contestó su ya famosa frase "aus Anstand" ("por decencia").
A diferencia de su vida profesional, cuidadosamente manejada, mantuvo su vida personal alejada del público. Marlene era famosa por su pulcra apariencia, su buen vestir (impuso la moda del pantalón femenino) y su imagen de femme fatale, fue icono de la elegancia y el glamour, siempre apareció como parte del jet set hollywodense.

Se casó con el asistente de director Rudolf Sieber, un católico que más tarde se convirtió en director de Paramount Pictures en Francia.

Su única hija, Maria Elisabeth Sieber (nombre de casada, Maria Riva), nació el 13 de diciembre, de 1924. Cuando Maria Riva dio a luz a un hijo en 1948, Dietrich recibió el apodo de "la abuela más glamourosa del mundo". El gran amor de la actriz, sin embargo, fue el actor y héroe militar francés Jean Gabin.

Maria Sieber (Riva, cuando casada), dio a conocer una controvertida e impactante biografía de su madre "Marlene Dietrich por su hija, Maria Riva", donde destaca varias intimidades sexuales de la actriz, facetas desconocidas de ella y del ambiente hollywoodiense de la época.

Adicionalmente, Dietrich demostró ser bisexual y tuvo romances con mujeres: Mercedes de Acosta, Claudette Colbert y, supuestamente, la mítica Greta Garbo y María Félix, además de muchos hombres, como Yul Brynner. Incluso se dijo de ella que nunca le gustó el sexo realmente, lo que quedó confirmado cuando se publicó el libro de su hija, María Sieber en el cual habla de los gustos sexuales de su famosa madre. A pesar de tener numerosos amantes, la práctica del acto sexual nunca gustó del todo a Dietrich.

Dietrich murió tranquilamente el 6 de mayo de 1992, a los 90 años, en París. Su cortejo fúnebre fue realizado en la iglesia de La Madeleine de París ante 3.500 dolientes y una multitud fuera del templo. Su cuerpo, cubierto con una bandera norteamericana, fue enviado a Berlín donde fue enterrada en el cementerio municipal de Berlin-Schöneberg, su lugar de nacimiento. Marlene Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en París, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?»
En 1994, su memorabilia fue vendida a la Cineteca de la Fundación Alemana (después de que instituciones norteamericanas no mostraron interés en ella) donde fueron el centro de atención de la exhibición del Centro Sony de Potsdamer Platz, Berlín.

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