Seeing with Photography Collective

Seeing with Photography es un colectivo de fotógrafos con un interés común por el uso de la fotografía como medio de expresión y recurso para la creación de imágenes y tener una discapacidad visual. Existen diferentes tipos de deficiencia visual desde aquellos que tienen cierto resto visual hasta aquellos que son completamente ciegos. En el colectivo también participan otros fotógrafos sin discapacidad visual durante los procesos de trabajo. 

Este grupo se creó en el año 1988 cuando Mark Andres, miembro del colectivo impartió un taller que inspiró la creación de un grupo para trabajar la fotografía.Desde aquel momento el grupo ha ido creciendo, juntos entienden que la fotografía es una forma de ver y percibir independientemente de su discapacidad visual. El nombre del colectivo Mirar con la fotografía(Seeing with Photography) es casi el lema del grupo quien apuesta por la creación de imágenes como medio que posibilita esa capacidad para mirar lo que la vista les impide.

El colectivo cuenta con una extensa trayectoria artística con exposiciones por los diferentes Estados Unidos, Holanda y países de Latinoamérica como México y Venezuela. Además en su página web podemos ver no sólo su trabajo sino también documentos audiovisuales que nos permiten entender cómo se desarrollan las sesiones fotográficas. El laboratorio fotográfico es un espacio donde se comparten ideas, acciones que involucran a todos sus miembros para experimentar en todo el proceso fotográfico.

La fotografía de este colectivo se basa en el uso y experimentación de la luz en la oscuridad y en como la luz va dibujando líneas y formas que descubren figuras ocultas. 

Los espacios del taller se convierten en improvisados escenarios donde fotografiar. El tipo de iluminación utilizada obliga a realizar tomas con largas exposiciones para que los dibujos de luz capten el registro completo de su movimiento así como de los objetos que son iluminados. La luz y la oscuridad se complementan  y caracterizan ese trabajo. 

Una de las series fotográficas que incluyo como ejemplo de su trabajo corresponden a The box portraits series donde Mark Andres elabora un artilugio, una especie de camera obscura con una caja de cartón a la que añade una lupa a modo de lente de una cámara fotográfica. Se trata de utilizar una técnica completamente analógica en el que la cámara fotográfica, el proceso de revelado y el positivado de la imagen se realizan de forma completamente manual. Para las personas con deficiencia visual y personas ciegas la lente de la cámara de cartón lleva una cuerda que les permite colocar al sujeto para la fotografía teniendo en cuenta el enfoque y el encuadre. La exposición fotográfica se trabaja iluminando aquellas partes del sujeto que interesan para la fotografía final. En el siguiente vídeo podéis ver parte del proceso en el diferentes miembros del colectivo posan, iluminan y fotografían.

Portrait from The box portrait series. Fuente:SWPC

Portrait from The box portrait series. Fuente:SWPC

Portrait from The box portrait series. Fuente:SWPC

Más información:

Ver grupo SWPC en Flickr

SWPC (2005):Shooting Blind.Phtographs by the visually impaired.Aperture:New York

Fantasmagorías de la identidad

Este trabajo es una de las imágenes que tengo guardadas en mi memoria durante el tiempo que estuve viviendo en Atenas. Pasaba casi a diario delante de esta imagen y siempre tenía ganas de pararme a mirarla, pero nunca me detuve. Puede ser que el llegar a verla tan frecuentemente hiciera que no necesitara detenerme ya que formaba parte de esa colección de imágenes cotidianas con las que se conviven y el hecho de que en cualquier momento me podía detener a mirarla. Después de los años y de vez en cuando me venía de nuevo a la cabeza, hasta que paso a ser una visita pendiente cuando volviera a pisar Atenas.

Este verano tuve la oportunidad de hacerlo y saldar esta cuenta pendiente con mis recuerdos. Así que cámara en mano y con la intención expresa de observarla de cerca me dirigí al metro de Omonia.

Este trabajo forma parte de obras de artistas griegos contemporáneos que se pueden visitar en diferentes estaciones del metro de Atenas y que recomiendo estar atentos cuando visitéis en metro la ciudad. La siguiente obra está en los pasillos de la estación de Omonia bajando las escaleras en dirección a la línea roja de metro.

Este trabajo fue realizado por el artista Nikos Kessanlis entre los años 1963 y 1965 y posteriormente fue expuesto en Berlín,Paris,Milán hasta que finalmente encontrará su ubicación en el metro de Atenas el año 2000, donde en mi opinión se encaja perfectamente en este entorno de tránsito de gente.

Kessanlis muestra un juego de sombras ,podríamos decir que se trata de una especie de sombras chinescas o recuerde a los griegos las historias de Karagiozis y sus marionetas. A diferencia de éstos, la obra del artista es una sucesión de escenas diferentes que muestran un juego de sombras de personas reales y vivas en lugar de marionetas. En cada una de estas escenas de juego hay personas de diferentes edades que juegan y se descubren tras la tela como un momento para ser ellos mismos y descubri lo que hay detrás de la tela y de la sombra . Hay que decir que la sombra, compañera de la luz tiene un significado añadido para la antigua Grecia. La sombra también conecta con la muerte y esa ausencia de luz que genera la sombra se proyecta simbólicamente en el mundo de las sombras en que habitamos según contaba Platón.

El hecho de situar esta obra en el metro sirve también de espejo e invitación a la reflexión para las personas que por allí transitan. El metro es un lugar público por el que siempre estamos de paso, como en la vida y no se necesitan rostros para esa obra aunque sí rastros, huellas de que esas personas son reales como nosotros mismos que paseamos y nos movemos por esos pasillos.

Hay un detalle irónico que me gustaría destacar y es cómo el artista está presente en esa obra aunque fuera de ese juego de sombras que ocupa gran parte de la obra. En la esquina inferior derecha Kessanlis aparece tumbado en el suelo con un brazo levantado aunque no podemos ver su rostro ni el de su perro que permanece sentado junto a él observando lo que sucede detrás de esa tela. Hay una firma de Nikos bajo su imagen que revela al espectador la identidad de que el artista también está dentro de esa obra.

La cámara está también presente como la encargada de registrar esa imagen que vemos cuando en realidad se trata de una tela emulsionada que por la acción de la luz de diferentes proyectores se ha convertido en fotografía (en relación con este tipo de procedimientos fotográficos sin cámara podéis ver el post de Shadow Catchers)

Considero que su presencia es la de creador de una imagen que nos ofrece como un fotógrafo que construye la imagen de una determinada realidad y que convierte en fotografía. Sin duda su presencia es indicio de que hay algo más de lo que aparentemente vemos y que nos trata así de contar.

No quería terminar sin dejaros unas fotografías que tomé mientras andaba por el metro de Nueva York donde en los transitados pasillos se escriben mensajes que se leen o se miran de reojo aunque no nos detengamos y pensemos que en cualquier otro momento también podremos hacerlo.

Para más información de Fantasmagorías de la identidad ver enlace.Otras obras de Nikos Kessanlis.

Fotografías de ayer y luces de hoy

El pasado 30 de septiembre el Cultural publicó un artículo sobre la exposición de Lisa Oppenheim en la Galería Marta Cervera de Madrid. Hablar de su trabajo es una forma de rescatar procedimientos analógicos algunos arcaicos y otros que se van dejando de lado para disfrutar de las comodidades difícilmente resistibles que la fotografía digital nos ofrece.

Sin duda a Oppenheim le interesa mantener vivos estos procedimientos porque son el medio idóneo para contar sus historias y que además resultan esenciales para potenciar esa idea del paso del tiempo.

La exposición “Fuegos grandes y pequeños” cuenta con tres trabajos de la artista: la filmación en 16mm “Yule Log”, fotogramas “Cuando el rio suena agua lleva” y los “Heliogramas”. El fuego, el humo y el sol son motivos de cada una de las obras y que además se interrelacionan.

Me gustaría detenerme en una de las obras, “Heliogramas 1876/2011”. Se compone de series de fotografías que repiten aparentemente la misma imagen del sol, sin embargo, todas son distintas por la exposición que se ha realizado en cada una de ellas. Las fotografías tienen algo de 1876 y algo de 2011.

La imagen del sol pertenece en realidad a John William Draper y fue tomada por este científico el 8 de julio de 1876. Posiblemente la artista haya utilizado esta imagen como negativo para realizar las fotografías. La fecha en que fue tomada en 1876 nos revela que el científico había fotografiado el sol durante el equinoccio de primavera y la artista pretende rescatar esa misma imagen y mostrarla también con la luz del equinoccio de 2011. Me parece inteligente la forma en que la artista ha querido retratar la luz del sol de hoy con la imagen del sol del ayer.

El estudio que realiza Oppenheim es poético, artístico y hasta científico ya que la imagen del sol no es una, sino varias realizadas en distintos días y en horas concretas. Resulta curioso el modo como organiza estas fotografías, como si se tratase de una tabla en que las filas son los días y las columnas las horas, dejando algunos espacios vacíos como ausencias.

En las siguientes fotografías podemos ver por orden cronológico las fotografías en el que se aprecian los cambios de luz solar en el equinoccio.La última imagen corresponde con la serie expuesta en la galería Marta Cervera.

Un detalle que podemos apreciar al observar fotografías es el acabado dorado que las cubre y que la artista lo utiliza para justificar esa relación íntima que ha creado con la luz y el tiempo, el sol y el oro. Según nos relata “El sol es aquello que nos produce poder y el oro es su símbolo. La relación entre la fotografía y el oro la podemos encontrar en las huellas del origen de la fotografía, cuando en 1840 se utilizaba el oro en lugar de la plata como sustancia sensible de ahí el nombre de Heliogramas.

Me parece que esta obra no sólo busca una relación en sí misma sino que además cobra sentido junto con las otras obras. Toda un rescate contemporáneo por la fotografía analógica y sus procedimientos originales.

Para terminar os dejo también algunas imágenes de un trabajo realizado con fotografías de la luna en diferentes periodos lunares tomadas también por Draper. Esta vez realizó una serie de fotogramas de la luna de 1851 bajo la luz de la luna correspondiente de 2010.

Puedes visitar la exposición "Fuegos grandes y pequeños" en la Galería Marta Cervera hasta el 12 de noviembre.

Pincha aquí ver más trabajos de Lisa Oppenheim.

Fotografiar sin cámara. Atrapa SOMBRAS

S h a d o w Catchers

Os presento una estupenda exposición de fotografía en la que no se utiliza una cámara fotográfica. Y entonces alguien podría pensar. Pero… si la fotografía necesita una cámara ¿Quién ó qué se convierte en cámara?

Todo tiene una simple explicación y precisamente todos aquellos que hayan pasado por un laboratorio de blanco y negro recordarán los primeros fotogramas con los que se nos revelaba el misterio de la fotografía y descubríamos asombrados como un papel blanco puede transformarse en fotografía. En entradas anteriores ya hablamos precisamente de procedimientos similares a través de Man Ray, Moholy-Nagy o las cianotipias de Ana Atkins.

En la exposición “Shadow Catchers: camera-less photography” se recoge la muestra de cinco artistas contemporáneos Floris Neusüss, Susan Derges, Adam Fuss, Pierre Cordier y Garry Fabian Millar que trabajan la fotografía sin utilizar cámara fotográfica. Sus obras son creaciones fotográficas que juegan con la luz, la sombra y con emulsiones preparadas que hacen visible aquello que quieren atrapar en una fotografía.

La exposición tiene un recorrido marcado en el que se introduce al espectador en la variedad de procesos fotográficos que existen sobre fotografía sin cámara y continúa por un espacio dedicado a obras de cada artista, así como un vídeo de cada uno de ellos.

FLORIS NEÜSUSS (Born, 1937)

Son las primeras fotografías que encontramos. Floris Neussüs ha dedicado toda su vida a investigar y enseñar las posibilidades que ofrece el fotograma. Además es un defensor de la fotografía sin cámara, es conocido por sus fotogramas de cuerpo entero (körperfotogramms). Sus fotografías son imágenes de gran tamaño que utilizan la sombra o huella del cuerpo femenino como motivo principal.

Una de las fotografías que llama la atención es “El homenaje a Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey” con las dimensiones originales de la ventana que fue el motivo del primer negativo fotográfico realizado por Henry Fox Talbot en 1835. Neusüss cubrió todo el interior de la ventana con papel fotográfico utilizando la luz de la luna. La luz exterior dejo su dibujo en el papel que cubría las ventanas inmortalizando el mismo motivo que Talbot plasmó y que Neussüs realizó a tamaño natural.

Floris Neusüss (made in collaboration with Renate Heyne)

'Homage to Talbot: The Latticed Window, Lacock Abbey, 2010'

2010 (first made in 1978; new version commissioned for this exhibition)
Dye destruction print photograms
Width 315 cm x height 265 cm
Collection of the artist
© Courtesy of Floris Neusüss

A continuación podéis ver un vídeo en el que el mismo Neusüss explica el proceso de elaboración

de esta fotografía:

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Floris Neusüss from Victoria and Albert Museum.

SUSAN DERGES (Londres, 1955)

Durante los años 90 Susan Derges fue bastante conocida por sus fotogramas de agua, realizados bajo la luz de la luna y en un espacio natural. Como si se tratara de un laboratorio fotográfico, Susan sumergía papeles emulsionados dentro del agua atrapando todos los movimientos del agua en sus fotografías. El agua como motivo clave de su obra guarda una significación especial para la artista como metáfora de la transformación.

El vídeo que vemos a continuación muestra todo el trabajo previo antes de salir por la noche al laboratorio fotográfico de la naturaleza.

Susan Derges from Victoria and Albert Museum.

ADAM FUSS (Londres, 1961)

Fue de forma casi accidental como Adam Fuss descubrió los fotogramas y a partir de aquel momento se interesó por experimentar y buscar otros procesos o formas de fotografiar sin la ayuda de la cámara.

El artista define su trabajo no como una forma de reproducir lo que aparece de forma obvia ante nuestros ojos, sino de mostrar y descubrir aquello que nos vemos y que permanece invisible a nuestros ojos.

Uno de sus primero fotogramas realizados en el laboratorio dibuja sobre el papel fotográfico diferentes círculos concéntricos. Esta obra Ark, fue creada de una forma similar a como ha trabajado Susan Derges pero dentro del laboratorio fotográfico. Adam colocó un papel fotográfico dentro de una bandeja cubierta con agua y dejó caer dentro una gota de agua. En ese momento la luz comenzaba a grabar aquel acontecimiento, haciendo visibles las sutiles ondas creadas por el movimiento de una simple gota de agua.

Para Adam, esta gota de agua contiene una significación añadida, más relacionada con lo metafísico. Como una sola gota de agua es capaz de generar un movimiento infinito a través de ondas. Es como la primera gota de lluvia que anuncia el diluvio. Este tipo de ondas concéntricas pueden encontrarse también en las pinturas de Hilma af Klint, un místico sueco con el que Adam Fuss se siente bastante identificado.

En general, todo guarda cierta vinculación con los recuerdos de su infancia y sus experiencias vividas. Su trabajo se concibe como elegías visuales centradas en temas universales como es la vida y la muerte y que en sus fotografías aparecen representadas con diferentes elementos y formas.

Adam Fuss from Victoria and Albert Museum

PIERRE CORDIER (Bruselas, 1933)

Descubrió uno de los procesos fotográficos denominado “quemigrama” en 1956. Durante muchos años se ha dedicado a explorar las posibilidades de esta técnica más dentro del campo experimental que artístico.

Los trabajos se acercan más al grabado o a la pintura que a la fotografía. Cordier sustituye el lienzo por el papel fotográfico. Como si se tratara de una plancha de grabado utiliza barnices, cera, pegamento, aceite o yema de huevo para reservar zonas y dejar visibles aquellas por donde la luz pasa. La superficie del papel después es trabajada, bien creando dibujos o realizando incisiones o incluso escribiendo texto sobre la superficie emulsionada. Una vez terminado se revela y fija en el laboratorio para obtener la imagen final.

Pierre Cordier from Victoria and Albert Museum .

GARRY FABIAN MILLER (Bristol, 1957)

Su preocupación principal es la luz, el tiempo y como combinar ambas en lo fotográfico. Muchas de sus obras exploran el paso del tiempo a través del ciclo de un día, de un mes o incluso de un año, pero además sugieren el paso del tiempo a través de la historia, el espacio y lo desconocido.

En las fotografías podemos ver series en las que una misma forma aparece repetida pero sensiblemente cambiada tras el paso del tiempo. Una hoja o un pétalo pueden ser motivos para mostrar esa transformación de su forma y de su color. Las series hacen visible a nuestros ojos ese cambio a través de sutiles transformaciones naturales.

Garry Fabian Miller from Victoria and Albert Museum.

La cianotipia

Uno de los procesos fotogáficos más antiguos que se conocen(1842) y que produce impresiones monócromas sobre un soporte previamente emulsionado. Este proceso no require de la utilización de una cámara fotográfica,ni tampoco de un laboratorio, por lo que resulta una práctica interesante para entender la formación de una imagen fotográfica.
Una forma de reflexionar y de sorprender al alumno en cómo se origina una imagen a través de una técnica que se puede trabajar en contacto con la naturaleza.
La utilización de materiales de reciclaje, objetos o cualquier elemento del entorno sirven para dejar huella sobre un soporte tratado por ellos mismos.

Encontré la cianotipia como un proceso de fácil realización y que sirve para entender el origen de la huella en la imagen fotográfica.

A continuación tienes una presentación para conocer más detalladamente como realizar una cianotipia.

La Cianotipia

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Aquí tienes unas cianotipias realizadas sobre diferentes tipos de papel.Convien utilizar un papel poroso y absorbente como el papel de acuarela y de grabado.Dan muy buen resultado los papeles coloreados.

Los fotogramas

LAsZLO MOHOLY- NAGY (1895-1947)

Natural de Hungría, a la edad de 23 años decidió convertirse en artista donde comenzó a realizar pinturas y dibujos con cierta influencia expresionista.Posteriormente aprendió fotografía,lenguaje con el que después trabajaría. En 1920 se fue a Berlín donde entró en contacto con grupos dadaístas.Es allí donde comenzó a trabajar con la fotografía y donde llegaron sus primeros exitos con los fotogramas.

La cámara era un instrumento que permitía ampliar la visión y abrir la mente a nuevas disposiciones o nuevas formas de mirar.

"En cierta ocasión, mirando una fotografía que había realizado años antes desde una torre de un puente en Marsella, su atención quedó concentrada como si se tratara de algo nuevo y ajeno."¡Qué hermosa forma!", dijo apuntando a una cuerda enrrollada."¡Nunca lo había visto antes!" No le importaba quién había hecho la fotografía, ni por qué."(Pág.206.Beaumont Newhall.Hº de la Fotografía")

Sin embargo, los fotogramas son ejercicios sobre la luz y la forma, diseños arquitectónicos en su composición: para él los objetos colocados sobre el papel sensible eran moduladores de la luz y dejaban de ser objetos identificables.
Aparentemente la luz y podría ser el elemento configurador de las imágenes, pero la forma y combinación de los pequeños objetos fascinaban al fotógrafo a la hora de componer sus arquitecturas fotográficas, tal y como hemos visto en la anécdota anterior.

Aquí tienes un vídeo en el que podrás ver las posibilidades que ofrecen los fotogramas y como jugar con diferentes objetos para la creación de extrañas composiciones.





El fenómeno de invertir los tonos, era conocido por lo hombres de la
ciencia como el efecto Sabatier, en castellano solarización. Esta técnica
y el trabajo de fotos en negativo fue utilizada también por Man Ray.
Los trabajos de Man Ray y más concretamente sus fotogramas eran
composiciones de objetos que evocaban significados.


Por ejemplo, los doce rayogramas que publicó en 1922 "Les Champs dèlicieux". Contienen objetos tales como una llave marcada con un número de cuarto de hotel, una pistola, un abanico, un giroscopio, un fragmento de película cinematofotográfica.Su amigo Tristan Tzara escribió en el ensayo de Introducción para esta colección:

"El fotógrafo encendió la energía de las mil bujías en su lámpara y, poco a poco, el papel sensible se empapó del negro que delineaban los objetos cotidianos.Había descubierto el poder de un tierno y fresco destello de luz, que va más allá de todas las constelaciones ideadas para el placer visual.La precisa, singular y exacta alteración mecánica de la forma queda fijada: tan nítida como un cabello filtrado por un haz de luz."