El grupo Octubre regresa con un nuevo disco, “Mouseland” previsto para este próximo otoño

Octubre. Foto de su Facebook  

El grupo murciano de pop, Octubre, vuelve a la actualidad discográfica con un nuevo álbum, el cuarto de su carrera, que esperan sacar este próximo mes de octubre de 2015 bajo, el más que probable título, de “Mouseland”, tal y como nos ha avanzado la propia banda en este final de julio. Contará con diez canciones, entre originales y alguna que otra versión, que han sido ya grabadas en los últimos meses en los MIA estudios de Murcia con Antonio Illán y masterizadas en los estudios Cadizfornia de Cádiz.  El nombre genérico escogido hace referencia a la famosa fábula política pronunciada a principios de los años sesenta por políticos canadienses dejando entredicho la conveniencia de que los ratones elijan a gatos para ser sus representantes legítimos. Por el momento están barajando varias posibilidades de edición con diversas discográficas. Como bien sabes, su anterior álbum lleva por título “Todo se lo lleva el viento” , fue editado por Rock Indiana en 2010 y es uno de los mejores discos de pop de toda la historia de nuestra escena estatal.

Foto: Rocío Saavedra

Magic Pop ha tenido el gran placer de escuchar dos de los temas nuevos que se incluirán en su nuevo trabajo y os podemos asegurar que su regreso a los estudios no podía ser más fascinante.  En concreto,  hemos podido oír una canción original llamada “San Martín” en la  que se pone de manifiesto, por una parte, su elevada carga reivindicativa y por otra, esa natural como fabulosa maestría para conjugar melodía y ritmo con una habilidad encomiable no exenta de una profunda emoción, cualidades ambas que ponen los pelos de punta. El tema es una llamada a la acción frente a la situación política actual, cansados de mentiras y jugarretas varias, con frases sin equívoco alguno como  “…no voy a decir lo siento, porque al fin va a llegar vuestro final, y así volver a empezar”.  El otro tema que hemos podido disfrutar es una versión, en concreto del “Nos falta fe” de Juan y Junior, en la que sobresale una sección de metal de auténtico lujo. Los Octubre consiguen reinventar este conocida canción con una excelente voz principal a la altura de los mencionados componentes de los Brincos, respaldada por una sección rítmica impecable  y unas poderosas guitarras descargando acordes de enorme alcance.  

Sección metales. Extraída del facebook. de Octubre

Por último, apuntar que el título genérico, más que probable, del disco se refiere, tal y como te apuntamos en el inicio de esta tan esperada noticia, a un discurso que pronunciaron unos políticos socialdemócratas canadienses a principios de los sesenta, llamados Clarence Gillis y Tommy Douglas. La fábula cuenta la historia de un país de ratones que escogen a gatos para que les dirijan y éstos se aprovechan de la situación para dictar leyes que les facilitan cazar ratones. Descontentos con los resultados, los ratones prueban con elegir primeros gatos negros, luego blancos, después a topos… hasta que un pequeño ratón intenta hacerles comprender que el problema no es el color sino que deberían escoger a otros ratones para ser sus representantes administrativos. El pobre ratoncito acaba encarcelado por “comunista” y la fábula termina con la advertencia: aunque puedan encerrarle, no podrán impedir la libertad de sus ideas.

Trayectoria 

Octubre, inicios

La banda Octubre está formada actualmente por José Esteban Martínez-Iglesias, voz, guitarra; Ángel Perni, guitarra, teclado; Juan Manuel De León “Dele”, bajo, coros; y José Ángel Gómez, batería, más la incorporación a la guitarra, teclado y coros de Leandro Martínez-Romero, guitarrista y organista de El Bueno, el Feo y el Mena.  Se formaron en Caravaca de la Cruz, Murcia en 1994. Graban su primera maqueta con canciones como ‘Una vez más’ o ‘You´ll never again’, que les consiguen un puesto destacado en la llamada  Nueva Ola Murciana. Consiguen los primeros premios a nivel autonómico y van ganando prestigio en el resto del Estado. Esas dos canciones aparecen en 1997 en el disco “New Wave for your pretty face”, editado por el sello murciano In the city records (Jorge-Art School).

Tras algunos cambios en la formación, en 1999 graban tres maquetas seguidas con cinco temas  cada una. Nacen nuevas canciones como ‘Sólo para nosotros dos’, ‘Cerca de ti’, ‘Mejor’ y ‘Fácil, dices que es fácil’. Otra de sus creaciones, ‘Todo ha cambiado’, se incluye en un doble recopilatorio editado por Planet Music, con lo mejor del pop rock murciano de los ochenta y noventa. En el 2000, graban ‘Lágrimas Negras’ para “Tu voz en color” un disco homenaje a Los Flechazos. Bip Bip records se fija en ellos y en 2001 sacan su Lp “Mi última y mejor oportunidad” (2001) al que siguen un Ep también para Bip Bip Records, “Todo pasa y no volverá” (2002).

Su presencia en los medios de comunicación especializados ya es bien notoria y participan en otros homenajes a 091 versionando ‘El sur’, y a la nueva ola, con una versión de un tema de Mamá, ‘Chica cruel’.  En 2006 sacan un nuevo álbum titulado “Cuando todo parecía perdido” (2006. Rock Indiana), con 10 temas entre los que destaca ‘Ludivine’, más la que da título al álbum, entre otras, producidas por Juan Antonio Ross y grabadas en Pig Studios de Granada y masterizado en Madrid por José María Rosillo.

Octubre sacaron en 2010 uno de los mejores discos de pop de ese año y, sin duda, uno de los más grandes e intensos de la historia de la música española. Se trata del álbum titulado “Todo se lo lleva el viento” (Rock Indiana) en el que melodía, ritmo, power pop de los setenta, referencias “sixties”, originalidad y contemporaneidad se dan la mano para aferrarse a la realidad para que no les importunen las ráfagas de ese pesimismo acuciante del mercado discográfico. El disco fue  aclamado tanto por la crítica como por el público. Contiene 11 temas, sin desperdicio alguno, como el que le da título, más ‘Expreso de medianoche’, ‘Nada que perder’, o ‘No sé que hacer’, versión de los Ángeles, entre otras. Producido de nuevo por Ross, que también colabora, fue grabado en Rocksound estudios.  A destacar que participaron en dos ediciones,  2011 y 2014, en el International Pop Overthrow  celebrado en el mítico The Cavern en Liverpool. Finalmente, este 2015 han aportado una versión que grabaron hace seis años del tema "Lazy" para el homenaje al grupo PPM con el título de "Regreso al punk".

Nota: Puedes escuchar los dos temas nuevos, "San Martín" y "Nos falta fe" en su bandcamp.  

Fallece Buddy Emmons, maestro de la guitarra pedal steel

Buddy Emmons

Buddie Gene Emmons nació el 27 de enero de 1937 en Mishawaka, Indiana y falleció el 29 de julio de 2015 en su casa de Hermitage (Tennessee).  Fue uno de los más grandes maestros y precursor del uso de la guitarra pedal steel en múltiples géneros como el country, el bluegrass, el blues, el folk, el jazz o el rock a partir de los años cincuenta hasta la actualidad.  Formó parte de grandes bandas como los Texas Troubadours de Ernest Tubb, así como la Ray Price & The Cherokee Cowboys, tocando con George Jones, Melba Montgomery o Roger Miller, entre otros. Grabó con Gram Parsons, Ray Charles, The Everly Brothers, Willie Nelson, The Carpenters, Bob Wills, Nancy Sinatra, John Sebastian, Henry Mancini, Danny Gatton, Ray Price, Mel Tillis, Donna Fargo, Duane Eddy y  Charlie Walker, John Hartford, George Strait o Gene Watson and Ricky Skaggs entre muchos otros.

Cuando tenía once años, su padre le compró una guitarra Lap steel de seis cuerdas y le apuntó al conservatorio de  South Bend, Indiana, al que asistió durante un año. Se interesó por el country oyendo la radio. Practicando, progresó y a los 15 años sus padres le compraron una   Fender "Stringmaster" steel guitar de triple barra y empezó a tocar con bandas de Sout Bend como The Choctaw Cowboys. Dejó la escuela a los 16 años y se fue a vivir con un amigo a  Calumet City, Illinois, donde Stony Calhoun le contrató para tocar en su banda. Al año siguiente se trasladó a Detroit donde tocó con Casey Clark. Fue entonces cuando compró una Bigsby steel guitar, con pedales similar a la pedal Steel.

Buddy Emmons

En 1955 le oyó tocar Little Jimmy Dickens y le ofreció unirse a su banda con lo que se trasladó a Nashville.  Por entonces era una de las bandas de country con más prestigio. Dickens creó  The Country Boys, para grabar instrumentales con Columbia. Dos de esos temas, originales de Emmons,  se convertirían en clásicos de la Steel guitar: “Raising the Dickens” y “Buddie's Boogie”. 

Conjuntamente con otro grande como Jimmy Day desarrollaron las posibilidades del Pedal Steel que utiliza una barra de tonos para pisar las cuerdas, conocida como “steel” (acero). El instrumento se coloca horizontalmente y se suele tocar con una cuña metálica que pinza las cuerdas, una especie de plectro-dedal o en un estilo similar al fingerpicking. Los pedales del instrumento cambian la afinación de las cuerdas mientras se toca.  Emmons y Day ampliaron a dos el número de pedales y añadieron dos nuevas cuerdas a las ocho de la table steel guitar.  Buddy Emmons incorporaría más tarde un tercer pedal, basado en un cambio que Ralph Mooney había materializado anteriormente. Emmons y otro intérprete constructor de guitaras steel, Harold “Shot” Jackson, crearon en 1957 la “Sho-Bud company”,  primera marca que fabricó pedal steel guitars, creando y comercializando el modelo de un  mástil, con tres pedales y cuatro palancas. En 1956 la banda de Dickens se disolvió y Emmons trabajó como músico de sesión grabando temas de éxito con Faron Young y su versión de “Sweet Dreams”.

Ya en 1957 Emmons también conocido por Big-E se unió a la banda de Ernest Tubb, los Texas Troubadours. Grabó con ellos “Half A Mind (to Leave You)” . En 1958 dejó la banda y se mudó a California. Volvería a Nashville donde volvería a tocar con los Texas Troubadours, primero como guitarrista y después de nuevo al pedal steel.

Buddy Emmons 

En 1962, dejó la banda de  Tubb y se unió al combo de Ray Price y the Cherokee Cowboys, reemplazado al guitarrista Jimmy Day. Grabó con ellos “You Took Her Off My Hands”.  Durante esa época tocó en numerosas grabaciones, cambió la afinación del instrumento, revolucionó con sus intepretaciones en canciones como "Touch My Heart" o "Night Life",  y en 1963 creó una nueva empresa llamada  Emmons Guitar Company y grabó el primer album de jazz con pedal steel.

A finales de los sesenta tuvo problemas con el alcohol. Su amigo Roger Miller le ofreció un puesto en su banda, en California, donde tocó el bajo al tiempo que hizo varias grabaciones de estudio para  The Carpenters, Nancy Sinatra, Gram Parsons, John Sebastian, y  Ray Charles, entre jingles comerciales, y bandas sonoras para Henry Mancini. 

Buddy Emmons 

Con su tercera esposa, Peggy, volvió en 1974 a Nashville donde trabajó con Mel Tillis, Donna Fargo, Duane Eddy y Charlie Walker. A partir de ese año tocó en varias ocasiones en la fiesta anual de la International Steel Guitar Convention en St. Louis. Más tarde, en 1981, entró a formar parte del Steel Guitar Hall of Fame. En 1976 grabó un trabajo de tributa a Bob Wills, y durante los ochenta y noventa fue músico de sesión de John Hartford, George Strait, Gene Watson o Ricky Skaggs. En 1977 se asoció con  Danny Gatton y en 1978 giró con la banda Redneck Jazz Explosion con la que grabó el disco "Redneck Jazz" en directo en el Cellar Door en Washington, D.C.

Ya en 1990, Emmons y Ray Pennington formaron la Swing Shift Band, con la que grabó varios discos.  Al año siguiente tocó en directo con los Everly Brothers hasta 2001. Problemas con el pulgar y la muñeca derecha le obligaron a dejar de tocar durante un año. Volvería a sonar con Ray Price, Johnny Bush, o Willie Nelson al tiempo que realizó varias giras. Su esposa, quien le acompañaba en los conciertos, falleció el 19 de diciembre de 2007.  Emmons moría de forma repentina en su casa de Hermitage (Tennessee). 

Documentos sonoros: 

Buddy Emmons tocando en 1961 en la televisión con la banda Texas Troubadours acompañando a Ernest Tubb.

 Bobby Emmons tocando con la banda de otro grande del country and western, Ray Price & The Cherokee Cowboys. 

Emmons y su pedal steel en una big band de jazz, curiosa combinación. 

Los Granadians expanden su sonido con una Onda Cósmica (Liquidator 2015) para la juventud audaz

Portada Lp

Más allá de la posible procedencia extraterrestre de los Granadians del Espacio Exterior, no hay duda de que su peculiar sonido rocksteady, entre instrumentales de lujo y canciones cantadas con emocionantes versos, combinadas con otros detalles sonoros procedentes del beat, el R&B, la psicodelia y la música latina, les ha convertido en uno de los grupos estrella de la música jamaicana a nivel internacional con acérrimos seguidores desde México al Japón pasando por gran parte de los países de Europa, incluido por supuesto España donde son venerados en varias escenas. Con doce discos grabados en su haber, entre los que se incluyen sus cinco álbumes hasta el momento, han logrado algo que vas más allá de esa irrenunciable fiesta colectiva que envuelve sus aclamados directos y sus relatos interestelares. Durante estos quince años de trayectoria, han conseguido, con arduo trabajo, una inteligente capacidad de priorizar intereses y un evidente poder de convicción, dar forma a una identidad propia que no solo les reafirma como un combo altamente divertido sino que además les distingue y les sitúa en lo más alto de los altares del reggae con raíces en los años sesenta.  Con unos cimientos sólidos, y un ingenio único, ciertamente desbordante, acaban de sacar el quinto de esos discos imprescindibles, una “Onda Cósmica” con 13 fantásticas  canciones propias,  editado de nuevo por Liquidator Music, su mejor aliado para que sus fascinantes obras vean la luz en las mejores condiciones posibles, englobadas en una etiqueta ex profeso para la banda llamada Reggae Sideral. 

Trayectoria

Granadians. 2015. Foto de su Facebook

Los Granadians del Espacio Exterior son Doctor Tema y Peter “Boogie” Parker a las guitarras, Vintage Paul a la batería, The Great Sebastian al saxo y percusión, Zortom al órgano, y Mac Manus al bajo eléctrico. Hasta el momento han grabado 5 álbumes, 2 Eps de 7”, y 4 singles de 7”. Empezaron con la pasada década de 2000 entusiasmados por la música reggae jamaicana de la época 1968 a 1973 y poco a poco se fueron convirtiendo en una banda pop con el reggae como principal fundamento rítmico. Consideran a Lee 'Scratch' Perry y Joe Meek como unos de sus principales guías, y sus referentes los encontramos en las grabaciones de mitos como Robert “Dandy” Livingstone Thompson y la cultura skinhead. Antes de llamarse los Granadians, la banda grabó en 2001 con el nombre de Psico Rude Boys del Espacio Exterior un Ep titulado “Número 2 en Inglaterra” con los temas ‘Granadian reggae’, ‘Labios de miel’, 'Shuriken boogalo’ y ‘Lady Jane Silver’.

Granadians 2003. Foto de su Facebook

Su primer trabajo ya como Granadians bajo la etiqueta "Reggae Sideral" es un single con toda una leyenda, Derrick Morgan, y los temas ‘What it take to love white me’ más una versión instrumental en la cara B.  Se grabó en el "Laboratorio del Reggae" en un lugar desconocido en el año 2003. Le siguen cuatro versiones de villancicos populares bajo el título de “Feliz Navidad con...”. Al año siguiente, 2004, sacan también con Liquidator un álbum "El Temperamental sonido de..." con once canciones, diez de ellas inéditas en disco, como son "Reggae Clam Clam","Yo No Miento","Todo Lo Que Quiero Eres Tu","Teddy Dos Dedos García", entre otras. Ese disco les hace famosos en México desde donde se extiende su éxito por el resto de países de América Central y del Sur. Ese mismo año graban un single con otro mito, Dave Barker, el llamado “James Brown de Jamaica", y los temas ‘Peach Green Reggae’ más otro instrumental en la cara B llamado ‘Monster’.

Granadians en 2009. Foto de su Facebook

En 2008 sacan un 10” bajo el título de “Space is Different” con el éxito ‘Una chica me dijo una vez’ entre otros temas como ‘Hanna’ y ‘Te puedes marchar’. Ese mismo año, editan su primer disco para el mercado japonés publicado por Ska In The World Records, bajo el título de "Los Granadians. Del Espacio Exterior". Se trata de una antología de 15 temas en formato Cd.  "Donde Ningún Hombre Ha Llegado Jamás", es el tercer disco de larga duración que publican bajo el sello Liquidator Music en 2009. Grabado en "Circo Perrotti" de Gijón, con Jorge Explosion y Mike Mariconda, productor y guitarrista de los Raunch Hands, contiene 11 nuevas canciones como “El Humanoide’, ‘La chica más dulce’ o ‘Sonda Phoneix’.

Después editaron un Ep en 2010 como complemento a su anterior álbum y preludio del próximo, con cuatro canciones versiones de algunos de sus temas como ‘New York City’, ‘Mercurio On The Rocks’, (inédita) ‘Dimensión-G’ y recuperaron su gran éxito ‘Sonda Phoenix’. Su single de 2011: "Por Mucho Que Pasen Los Años / A 6.000.000 de Años Luz" se agotó a los pocos días de su lanzamiento. Este 2012 presentaban su nuevo álbum "Reggaláctico"  también con Liquidator  con 10 canciones emocionantes, ideales para el baile, la reflexión amorosa, el misterio, o el goce auditivo de cualquier persona sensible a dejarse llevar y sorprender por un trabajo sonoro deslumbrante e hipnótico. Puedes leer una amplia reseña de ese disco en el Magic Pop entrando aquí.

Granadians 2014. Foto: Didier Vallès

“La Onda Cósmica” fue grabado en los estudios Greenville Records de Madrid en 2015, bajo la producción de Oscar Martos y los Granadians. Cabe destacar que registraron las canciones en un magnetófono grabador de cuatro pistas con el que consiguen una calidad musical especial en monoaural. Todas las canciones son originales de la banda. Envuelto en un sensacional diseño psicotropical, destacan las fotos en portada y encarte de Jaime Pantoja (Dodo Estudio) así como las imágenes en contraportada de Didier Vallès  tomadas en el festival Rock’n’Stock de Preignan (Francia) en 2013. En el encarte también se pueden leer las letras de las canciones y un texto de la banda en el que nos dicen, entre otras cosas, que nos dejemos “secudir por la Onda Cósmica”, una obra inspirada en su propio legado, más recientes aventuras, en la que plasman sus increíbles experiencias personales dando un homenaje a sus ritmos favoritos, el rocksteady y el reggae.  El disco se edita en vinilo con Cd incluido por Liquidator Music que, previamente a su lanzamiento, ya había puesto en órbita un single de los Granadians con dos caras A: los temas “Ídolos De La Juventud Audaz” más “El Reggae A Go – Go”, no incluidos en este disco que te presentamos. 

Las canciones

Portada del 7"

Empecemos pues hablando de las canciones de ese fantástico single que fue editado en 2014 antes del álbum. Se trata de “Ídolos de la juventud Audaz”,  un rocksteady que avanza con una excelente base rítmica de marcada batería y un imaginativo bajo conjugando notas graves con una seguridad pasmosa, más las síncopas reglamentarias de las guitarras. Un sensacional órgano atmosférico nos ofrece una solemne melodía que redondea esta pieza de orfebrería reggae.  Y en la otra cara A, “Reggae a Go Go”, otra memorable composición, en este caso con voces incluidas, de inconfundible sabor caribeño, “así lo bailan allá en la luna, para gozarlo en las alturas, haciendo la conga…”.   

Por lo que respecte al Lp, se abre precisamente con los “Crateres y Polvo”, un instrumental que me ha parecido tremendamente curioso, con unos arreglos procedentes de varios estilos musicales con esa batería tan marcada y ese riff de guitarra tan glam rock medidos con el contratiempo de un órgano que aporta el sabor jamaicano hasta llegar a una parte central muy psicodélica en la que se suceden las entradas lisérgicas hasta dejar a la batería sola en los último compases.  Le sigue un “Rocksteady Birthday” para un día especial, para festejar un aniversario, el de un amigo nacido en 1966, que pronto cumplirá el medio siglo, como el mencionado estilo jamaicano que tuvo su principal apogeo entre ese año y 1968.  Mezclando el inglés con el español, el valor festivo del tema es enorme al tiempo que aportan detalles instrumentales muy sensuales, por ejemplo ese acompañamiento de saxo, o los pequeños pero selectos momentos solistas de piano, que se complementan a la perfección con la extraordinaria cadencia de la voz principal, coros incluidos. Sobre este tema hay grabado un divertido video, con amigos y músicos de otros bandas, que puedes ver aquí. Le sigue  “Pica Hielo” donde hace acto de presencia un interés especial por los placeres del amor sin olvidar  el insidioso desamor, con sus desengaños y sus sueños frustrados. En este caso, la banda se muestra especialmente inspirada para conjugar arreglos de R&B con el ritmo sincopado y una fantástica melodía que presenta unas, más que considerables gotas de calidad, de “corrido”  mejicano.     

A continuación nos ofrecen “Festival”, momento para “pasarlo bien juntos”. “Tengo algo que vas a querer, no hay tiempo que perder, soy un festival, oh girl, cómo he de hacerte comprender”.  Un rocksteady medido como el bombeo relajado de la sangre propulsada desde el corazón hacia la cintura para que ésta se mueva ondulante entre aportaciones de soul lisérgico. De nuevo, saxo, piano, coros, guitarras, y la voz principal crean un ambiente envolvente en el que el amor se expande con ondulaciones cósmicas. Le sucede “Camino A La Villaverde”, un magnífico instrumental  que podría figurar en cualquiera de las mejores antologías del género en el que sobresale el papel protagonista del saxo y los teclados fomentado esos momentos oscuros y envolventes acompañados por una sección rítmica, de nuevo, impecable.    

En el Fuengirola Pop Weekend. (2015). Foto de su Fb.

Con “Una buena costumbre”  regresan a los temas cantados. Otro tema de amor, y bajo las estrellas. Nos dicen: “Solo abre tu mente y tu corazón, no tengas miedo a soñar”. Una voz principal ciertamente cariñosa, jugando con notas agudas, nos cuenta su historia sentimental con el acompañamiento de esa “música celestial” interpretada por “seis extraños  seres” dentro de un Ovni que el protagonista oyó siendo muy joven cuando fue abducido. Cierra la cara A otro instrumental de lujo bajo el título de “Saturno Primitivo”. Una canción en la que estos grandes músicos conjugan la habilidad con sus respectivos instrumentos y  la destreza para sonar de forma conjuntada.  Combinan esquemas clásicos con detalles sorprendentes que favorecen la interpretación psicodélica, entre voces y efectos interestelares.   

En el Fuengirola Pop Weekend. (2015). Foto de su Fb

La cara B arranca con “A tu lado”, un tema con preciosa melodía construido sobre una sólida base rítmica, entre coros embriagadores y la voz principal apelando a los recuerdos para mantenerse con la amada “aunque el destino nos separe este vez”.  La sencillez de un piano solista contribuye a magnificar la sencillez cariñosa de esta canción que nos lleva a “Rumbo A Lo Desconocido”, título del siguiente corte en el que los Granadians nos ofrecen una mezcla cautivadora de teclados y guitarra trenzando motivos de western con alcance  espacial. Otra maravilla sonora que se suma a las ya disfrutadas hasta el momento con sucesión de arreglos rítmicos mediante los que crean cambios atmosféricos sensacionales. Llegados a este punto, el atento oyente andará ya colmado probablemente de excelencias musicales y recibirá con gusto canciones como “Chocolate & Coco” que destacan por su elevado componente de relajación transmitido gracias a varios recorridos musicales con diferentes tipos de teclados envolviéndonos el alma e invitándonos a soñar en otros mundos posibles.

En el Fuengirola Pop Weekend. (2015). Foto de su Fb

Cambia la dinámica instrumental ese “Dónde Está” con el que regresan las voces de los Granadians que aprovechan para recordar a los materialistas que la felicidad no está en el dinero sino en el amor. Con detalles de ritmos latinos, nos invitan a buscar en el corazón y nos trasladan al siguiente corte que con el título de “No Supe Que La Amaba (Hasta Que La Vi Bailar Israelites)”, nos relatan otra historia de amor a ritmo de offbeat. En este caso, vuelve a hacer acto de presencia temática, como en su anterior disco, el gran Desmond Dekker, cuyo tema “Israelites” baila la chica por la que el protagonista pierde el control al verla danzar.  No es la única referencia del tema ya que también citan el “Retrun of Djando” de The Upsetters, “Mama Look Deh” de los Pioneers, y “Brixton Cat” de Dice the Boss, así como a las grandes sesiones del DJ Roberto Delas Torres del segoviano King Crab Soundsystem o de los madrileños Oldies But Rudies.  Finaliza el disco con “El Sonido De Las Estrellas”, un tema con el que ponen en funcionamiento todos sus magníficos recursos rítmicos para dar cobertura a otra de las secuencias habilidosas de ese órgano capaz de extraer ese sonido tan peculiar cuya procedencia bien podría hallarse en ese más allá de los confines de la galaxia. Desde luego de la mediática no hay duda alguna que sí, pocos organistas son capaces de sacar ese sonido tan espectacular.       

Reflexión final

Cuentan los Granadians en la penúltima canción de este álbum que “la vida puede ser algo dura pero hay noches en las que suena la canción perfecta, estás en buena compañía y todo marcha bien”.  Para facilitarte esa feliz conjunción de factores, ellos aportan su música, este sensacional disco llamado “La Onda Cósmica”, un álbum que fascinará a los y las amantes del rocksteady pero también a todas aquellas personas que saben apreciar las canciones sensuales  con ritmo envolvente y sienten curiosidad por los detalles lisérgicos que procuran esa sensación indescriptible de paz universal.  Con sus canciones, tenemos asegurada, al menos, esa complermentaria  percepción sonora que procura la perfección galáctica, aquella en la que todo está en el sitio que debe de estar.  Otra cosa es la compañía, aunque todos confiamos en tu evidente poder de seducción. Porque, amigas y amigos, algo cayó del espacio exterior en 2015 -parafraseando sus propias palabras-, y al igual que en 1968 nos golpeó bien la cabeza. Desde entonces nada volvió a ser igual, lo sabes bien. Lo llamamos Reggae y lo interpretan de forma ejemplar los Granadians con su quinto Lp: esa “Onda cósmica” puesta en órbita con la ayuda indispensable de la factoría de sueños con raíces jamaicanas que es Liquidator Music.     

Nota: Puedes consultar las fechas de sus proximos conciertos en su facebook, escuchar el disco en el bandcamp y comprar una copia del álbum (vinilo más Cd) o solo Cd en la web de Liquidator Music. A continuación te invitamos a ver el videoclip con el tema "Rocksteady Birthday”.

   

Fallece Vic Firth, el creador de la famosa marca de baquetas

Everett "Vic" Firth nació en Winchester, Massachusetts,  el 2 de junio de 1930 y falleció el 26 de julio de 2015) a consecuencia del cáncer que padecía. Músico, principalmente percusionista, fue el creador de una marca muy conocida de baquetas con su empresa Vic Firth Company (anteriormente Vic Firth, Inc.). Se fundó en el año 1963 en Boston, Massachusetts, y es el mayor fabricante del mundo de baquetas que se fabrican en Newport (Maine).  En 2010, la compañía se fusionó con la marca de platos Zildjian.

Vic Firth se crió en Sanford, Maine, donde se graduó en la escuela secundaria. Hijo de un trompetista, empezó a aprender a tocar la corneta a los cuatro años, tras la que estudió  percusión, trombón, clarinete, piano, entre otros estudios musicales. En la escuela secundaria ya era percusionista a tiempo completo y creó una banda donde tocó varios instrumentos de percusión como el vibráfono, los timbales y la batería. Más tarde se licenció y obtuvo un doctorado en música de en el New England Conservatory de Boston.

La compañía empezó cuando Firth, que estuvo tocando como percusionista timbalero con la Orquesta Sinfónica de Boston durante doce años (1956-2002), decidió diseñar sus propios palos para que fueran mejores que los que se estaban haciendo hasta el momento. "No fue sólo la calidad de baquetas, fue la falta de variedad de baquetas que se ofrecían", dijo en una entrevista. Construyó un par de prototipos y los mandó a un tornero de madera en Montreal. Los dos prototipos que envió se convertirían en los SD1 y SD2, los dos primeros modelos fabricados por Vic Firth. En un principio fueron para su disfrute personal pero ganaron popularidad entre los percusionistas y empezaron a producirse por la empresa que creó.

La empresa también fabricaría molinillos de madera para pimienta y sal en la gama Gourmet, que luego vendió a una empresa de Maine. Desde 2012 ofrece gran variedad de productos entre baquetas para batería, timbales, tambores…, y fabrica 12 millones de unidades en un año. Vic Firth utiliza dos tipos de madera, nogal (gran dureza y resistencia); y arce, (más blanda y flexible), y produce un tipo de baquetas llamadas Titan compuestas por fibra de carbono aeroespacial. Han tocado con sus baquetas numerosos bateristas de prestigio como Charlie Watts, Steve Gadd, Jack Dejonhette,  Billy Cobham, entre muchos otros.

Documentos sonoros: 

En este video, diferentes bateristas nos cuentan las excelencias de las baquetas irrompibles de fibra de carbono aerospacial de la marca "Vic Firth".

Fallece William Brown de los Mad Lads

William Brown falleció el 24 de Julio de 2015 en Memphis, ciudad donde había nacido hace 69 años. Formó parte del grupo vocal de Stax, los Mad Lads, una banda de doo wop y R&B que consiguió algunos éxitos a mediados de los sesenta. Tras su disolución a principios de los setenta, trabajó de ingeniero de sonido para Stax, sello donde grabó numerosos coros para su catálogo de grupos y solistas. Brown se estaba recuperando de un derrame cerebral que había padecido hace un tiempo.

En 1964 creó los Emeralds con los amigos de la escuela Booker T. Washington High School  de Memphis: John Gary Williams, Julius Green y Robert Philips. También trabajó en la tienda de discos Satellite Record propiedad de la cofundadora de Stax, Estelle Axton, a la que convenció para que oyera a su banda. Acabaron firmando con su subsello, Volt.  Axton buscaba un grupo vocal para rivalizar con las discográficas de la costa este. Como ya existía un grupo llamado Emeralds, un empleado de Stax, Deanie Parker, les sugirió Mad Lads haciendo honor a su comportamiento y en homenaje al pseudónimo del Dj Reuben "Mad Lad" Washington. Grabaron "The Sidewalk Surf", co-escrito por Isaac Hayes con el pseudónimo de Ed Lee.

The Mad Lads

Tuvieron éxito en 1965 con el tema 'Don't Have To Shop Around' grabado con el órgano a cargo de Hayes y el piano tocado por Booker T. Jones. Le siguieron otros temas como  "I Want Someone" "I Want A Girl" y  "Patch My Heart",  hits de R&B de 1966. Ese año, Brown y Williams fueron reclutados por el ejército y mandados al Vietnam. Cuando regresaron dos años después, el resto de componentes ya los había substituido por Quincy Blips y Sam Nelson, quienes más tarde formarían los Nightingales. Los de Stax insistieron en reunirles pero la tensión entre la banda fue creciendo. Williams fue arrestado por atacar a un policía en 1969 y Green encarcelado por fraude en 1970.  Aún tuvieron otro éxito con la versión "By The Time I Get To Phoenix"  de Jimmy Webb grabada por Johnny Rivers en 1965, pero se separaron en 1972.

The Mad Lads

Tras disolverse la banda, Brown trabajó de ingeniero de sonido en discos como “Shaft” de Isaac Hayes en 1971 y en las sesiones de Elvis Presley para Stax en 1973. También colaboró con los estudios Ardent y Royal, y compuso algunos temas con Willie Mitchell así como aportó coros en numerosas grabaciones de Stax. Williams grabó un álbum en solitario “The Whole Damn World Is Going Crazy” (Stax 1973). Los Mad Lads regresarían en 1984 y grabaron el disco “Madder Than Ever” (1990) entrando a formar parte del circuito de “oldies”.  Solo queda con vida uno de sus miembros originales, Williams.  Julius E. Green falleció el 14 de enero de 2013.

Documentos sonoros:

Uno de los primeros temas grabados por los Mad Lads: "The Sidewalk Surf", co-escrito por Isaac Hayes con el pseudónimo de Ed Lee.

Los Mad Lads en 1968 cantando "So Nice", tema compuesto por Bettye Crutcher y Marvell Thomas.

“Vuelta y Vuelta” de suculentos sonidos jamaicanos gentileza de Akatz para Liquidator Music

Portada de Ribo

Ese vuelta y vuelta imprescindible para que algunos alimentos selectos no pierdan su genuino sabor a raíz de una excesiva cocción sirve de inmejorable título para el nuevo disco de los Akatz, un álbum con divertidas referencias culinarias y musicales que precisan de un trato no menos preciso como exquisito para que lleguen a nuestros oídos con su auténtica esencia. Editado este 2015, se trata del cuarto álbum de estos vizcaínos, el primero en el que colaboran con una de las más grandes discográficas especialistas en sonidos jamaicanos a nivel internacional como es Liquidator Music, creada como bien sabes en el año 1997 en Madrid. Cinco años antes, los Akatz iniciaban su larga como fructífera carrera musical. Durante estas más de dos décadas de trayectoria nos han ofrecido, con extraordinaria vitalidad creativa, un buen repertorio de ritmos y melodías cuya naturaleza procede de la isla caribeña, fusionados con detalles de música latina, el swing, el R&B y el jazz. Con estos referentes han dado vida a un espacio  musical propio consecuente con una imaginación desbordante y una no menos considerable destreza instrumental. Ambas características conforman su seña identidad que alcanza con este nuevo disco unas cotas verdaderamente fascinantes.
      
Trayectoria 

Akatz. Foto: Gorka Mirantes 

Akatz son Josu Santamaría, guitarra; Iñigo Elexpuru, voces y batería; Unai “Bita” Quecedo, voces; Aratz Díez, trombón; Andres Navascuez, piano; Oliver Munilla, trompeta; Jorge Alvaro, bajo; y Oskar Redondo, saxos y flauta.  El nombre de la banda procede del vocablo en euskera “akats” que significa error aunque también  del islote de Aketxe o Akatz, cercano a Bakio, municipio costero de Bizkaia donde se  formaron a finales de 1992 ofreciendo su primer concierto en el municipio también vizcaíno de Dima. La primera formación se consolidó en 1996 y en estos momentos solo quedan tres de los miembros originales, que son Iñigo, Oliver y Bita. Son los únicos que estuvieron en ese primer directo. Al año siguiente entrarían Aratz y Óscar.

En sus inicios. Foto extraída de su facebook

Desde un principio han defendido un repertorio propio con un sonido particular mediante una nutrida banda de entre 8 y 12 instrumentistas con los que han ofrecido ya más de 250 conciertos y han editado varios trabajos discográficos como son, los autoproducidos: “Ez zaitez gera dantza gabe" (1994) Mc con ocho temas en euskera y castellano, grabada en  los Estudios Belan de Barakaldo;  "One car" (1996) Mc grabada con 7 nuevas canciones en euskera, castellano e inglés, en el Estudio Big Bass de Bilbao; "Akatz" (1998), mini cd grabado con 4 temas nuevos en los estudios Entzun de Bilbao; y  "Particular Costa" (2000), Cd-promocional grabado  con 7 nuevos temas en el Estudio Euridia de Bilbao.  Por otra parte, Brixton Records les editó los Cd’s  “12 años de Éxitos” (2004) con 14 canciones, su primer álbum  grabado en Euridia con invitados como  Freddie Reiter de la New York Ska Jaz Ensemble, Roberto Sanchez de Lone Ark, Myriam Quiñones, y Alain Michel de King Mafrundi;  “Días mejores” con 5 temas, tras la grabación del videoclip “Better days” (2006); y “Rudo Bilbao” (2009) con 10 canciones grabadas en los A-Lone de Cueto (Santander) con el productor Roberto Sánchez. Ya en 2010 presentan en DVD  el concierto dado en el Kafe Antzokia de Bilbao el 18 de marzo de 2009 durante la gira de su  tercer disco "Rudo Bilbao". También en 2010 ve la luz un 10” con el título A Go Go”, con 6 temas, editado por Rude con versiones de  Willie Nelson, Millie, Nat Adderley/Rafael, Alton Ellis y Ken Boothe. Su música también ha aparecido en múltiples recopilatorios.  Como backing band han tocado con Mr T Bone  en 2011 y algunos de sus componentes acompañaron a los Heptones en una gira de 2008.

Contraportada de Ribo

“Vuelta y vuelta” fue registrado en 2014 en los estudios Euridia por Ibon Larrucea, quien fuera miembro fundador de la banda, y mezclado por el cántabro Roberto Sánchez en el A-Lone Ark Muzzik Studio. La edición es de Liquidator con la colaboración del sello Rudo Records. Colaboraron, en la grabación de los temas “Más Ruido” y “Fiesta del 73”,  Nerea Alberdi al violín y Ariadna Villate a la viola. Roberto Sánchez aportó coros. Agradecimientos también para A Dubby Ambassah por su percusión e inspiración, entre otros. Por lo que respecta al artwork, de sugestión culinaria con esas divertidas adaptaciones musicales de condimentos y salsas, incluido un huevo frito en la galleta, más esa cocina familiar con serios problemas, es obra del diseñador y dibujante de origen burgalés, Ribo.  Se incluyen también las letras de las canciones distribuidas en hojas de pedidos de restaurantes y fotos a cargo de Ana Peser y Gorka Mirantes.  

Anteriormente a este Lp, Liquidator publicaba un single en una única tirada especial para DJs, restringida a 500 copias, con las canciones “Fiesta Del 73”, todo un hit para la pista de baile, más “10 Especial”, no incluido en este disco, un sensacional reggae instrumental protagonizado por un dulce y sensual trombón. Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Liguidator y adquirir una copia del single en la web del sello.

Las canciones

Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia 

El disco empieza mediante “Skarmentu Handiko Andra”, con el llanto de un bebe entre los ecos de la tormenta. Una exposición extraordinaria de ritmo caribeño en la que sobresalen  metales, guitarras más piano dando forma a ese efecto misterioso introductorio en el que destacan detalles solistas a cargo del magnífico trombón y la habilidosa trompeta. Con “Fiesta Del 73” se pone en funcionamiento toda la banda, con esa gran voz principal incluida, consiguiendo, mediante la maestría que les caracteriza, otro tema para engrosas su repertorio de “hits” para la pista de baile.  Una fiesta de alumnos de 1973 en la que ella estará allí. “No nos vemos desde los 16… No pretendes explicar lo que tiempo ya explicó… haga lo que haga estará bien”. De nuevo vuelve a impresionarnos ese inspirado  trombón que completa perfectamente a esa voz solista que nos explica la historia con indisoluble apoyo de metal para dar forma a este reggae bailable de bonita melodía.  Le sigue “Hijoputa con swing”, tema en el que ponen de manifiesto su convincente capacidad de big band jamaicana con saxofones como principales solistas, entre ese ritmo contagioso con el  que nos subrayan que con su música “ya estás maldito, vas a enloquecer”. Benny Goodman nos hechiza con sus canciones y nos recuerda: “siempre serás un hijoputa con swing”.

Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia

Con “Vacío de ti”, los Akatz nos agasajan con un tierno rocksteady, en el que emergen los deseos del amado por “tenerte cerca de mí, para acariciar tu piel”. Una maravilla melódica que nos anega el alma y los ojos a la espera de que regrese la amada “para estar a mi lado, yo prefiero morir a alejarme de ti… nunca más dejaría que dudaras de mí”.  Cierra la cara A una curiosa como sensacional adaptación a los sonidos jamaicanos de “Salda beroa”, canción original de Takolo, Pirritx Eta Porrotx, incluido en un disco de música infantil titulado “Beti Martxan” (1999). El tema en euskera nos habla de un “caldo calentito” en el que meter la cuchara para empezar a bailar.  Incluso en la información del álbum, los Akatz nos detallan los ingredientes imprescindibles, (saxofones de piquillo picantes, voces de Bruselas, coros de Tudela, trompetas a la bizkaina, batería de cocina de calidad, bajos tiernos, órganos viscerales, medio trombón de chocolate…) y la receta para preparar este extraordinario plato que pasa de ser una canción popular a un bien medido y apasionante early reggae con metales generosos, destacando los solos de trombón y saxo, acompañados por una sección rítmica tremendamente conjuntada con breves apariciones de órgano y piano. Toda esta conjunción instrumental envuelve a la voz principal recitando los preceptos culinarios para empezar a bailar.  

Akatz en directo. Foto: Fernando Hevia 

Ya en la cara B nos ofrecen “Skandalo”, tema en el que critican el consumismo, las contrariedades de la ciudad, entre los bancos que roban, los ruidos y la contaminación. “Quién te dijo que es fácil vivir en la ciudad”, nos advierten a ritmo de ska danzarín, con buen solo de trompeta, y arreglos elegantes con los que completan esta reivindicativa letra.   A continuación, otro buen tema llamado “De cine”, ideal para alegrar ese “bajón” que experimentamos tras salir del cine y volver a la cruda realidad.  Con un sabor latino, nos cuentan “tú y yo, todo de cine, sin sabernos el guión”. Momentos de piano con mucho swing y aires de vodevil a ritmo de ska que nos colman de felicidad y nos predisponen para seguir oyendo “Comida casera”, un divertido reggae de pulsación rítmica extremadamente precisa, entre aportaciones de órgano interestelar. Tras esa extraordinaria presentación instrumental, entran las voces con aires latinos defendiendo la comida casera “pídelo, lo cocino para ti, pruébalo, y dime si repites conmigo esta noche”. Pero no voy a pedirte más “comido basura”. A estacar esa aportación de teclados atmosféricos sobre los que van enumerando platos suculentos como migas con chocolate, sopas de ajo con almejas, y una de tejas, con vino del país.  

Akatz. Foto: Gorka Mirantes 

“Ansiedad” se construye con los parámetros de una big band de R&B a ritmo sincopado. Otro extraordinario tema en el que describen a esos individuos que siempre necesitan ponerse al límite  con drogas, aventuras o deportes. Nada puede calmar esa angustia, así que mejor “quieto, no sigas por ahí”. Intervenciones de metales y movimientos sinuosos de toda la banda, a muy buen ritmo, se completan con riffs de guitarra blues con teclados envolventes. Con el tema Joakin Murrieta, se refieren al héroe mexicano  considerado el Robin Hood del Dorado ( nacido en 1829-1853 año en que se presupone su muerte), con cuya banda se dedicaba a robar y a vengarse de los “gringos” que previamente les habían arrebatado sus propiedades en la guerra con México en 1848. Toda una figura legendaria  que inspiró las leyendas del Zorro y el Coyote.  En manos de los Akatz, su historia se convierte en un reggae de inspiración western cuya temática, como bien sabes, siempre fue muy apreciada en la Jamaica de los cincuenta y sesenta.  “Más ruido” pone punto y final a este disco con otra exhibición de pulsión y pulsación jamaiquina orquestada con fascinantes detalles de cuerdas combinadas con vientos, dándole un toque de producción pensada para ser un éxito con reminiscencias del sonido Filadelfia de los setenta. Un tema ideal para las discotecas, con "toasting"de deejay incluido que amplifica esta maravilla sonora que, sin lugar a dudas, invita a pedir más con más ruido para bailar, afrontando los problemas con serenidad y atentos para tomar decisiones cuando llegue el momento oportuno.      

Reflexión final  

Akatz, Foto: Gorka Mirantes 

Los Akatz han contado, en alguna ocasión, que meditan y discuten  sus decisiones con el propósito de llegar, cueste lo que cueste, a ese consenso que beneficie al grupo. Es así como han logrado dar cada uno de los múltiples y originales pasos durante todos estos últimos  veinte años hasta conseguir este magnífico trabajo llamado genéricamente “Vuelta y Vuelta”.  Realmente, impresiona y emociona que una banda pueda presumir de una carrera tan larga como la suya, con tantos conciertos y con cuatro discos memorables, queridos por la escena y por su entorno, evolucionando con increíbles resultados al margen de la ignorancia de los mass media incapaces de apreciar su magnífica aportación a la música de referencias jamaicanas. Y eso que su amplia obra discográfica va mucho más allá del uso con buen criterio de los ritmos sincopados.

Cada disco de estos portentosos vizcaínos es una amalgama fabulosa de ideas en las que confluyen los preceptos rítmicos del reggae, como concepto genérico que engloba el ska, el rocksteady y los sonidos early roots, con los valores melódicos del R&B, soul, la música latina y la experimentación instrumental del jazz con mucho swing.  Todo ello cocinado, para seguir con el símil temático de este álbum, sin extravagancias ni exhibicionismos que valgan, mediante ese “vuelta y vuelta” con el que los alimentos no pierdan ni un ápice de su sabor auténtico. Sin lugar a dudas, los ingredientes utilizados son de primera calidad, no hay más que oírlos, y los cocineros destacan tanto por su enorme experiencia como por esa empatía con la que  son capaces de proponernos platos exquisitos que dan a nuestra cocina casera, esa siempre prolífica escena jamaicana estatal, un toque particular que los hace ciertamente inolvidables. Disfruten de los manjares de estos Akatz y dense un merecido homenaje musical con un banquete sonoro de auténtico lujo servido en el famoso establecimiento, con prestigio internacional, que es  Liquidator Music.          

Nota: Puedes escuchar los temas en el bandcamp de Liquidator y comprar una copia del disco en vinilo en su web. Puedes leer aquí una entrevista que publicaron la web Reggae.es en 2013 con motido de su 20 aniversario. 

The Gundown vuelven a brillar con su nuevo Lp “Light Up in the Streets” para Fierro! records

Portada

The Gundown son, indiscutiblemente, una de las mejores bandas de punk hardcore a nivel internacional. No, no peco de exagerado, e incluso os diré más: la etiqueta resulta manifiestamente insuficiente para englobar todas sus excelencias musicales, que no son pocas, con las que nos sorprenden, una y otra vez, mediante cada uno de sus trabajos discográficos . Sus canciones no solo destacan por su fiereza rítmica sino también por una elevada persuasión melódica más una exquisita lírica en ingles en la que no faltan elevadas cargas existenciales de profundidad vital.  Con destreza y energía desbordante, mezclan recursos del punk’77, con detalles de hard rock o ese “powermod” hiriente, escogiendo los ingredientes precisos para formar una pared de cemento armado sin fisuras que delimita un estilo propio y brillante, fácilmente identificable. Acaban de editar este 2015 su segundo Lp con la no menos imprescindible discográfica Fierro! records, sello zaragozano que precisamente empezó editando un disco de los tarraconenses. “Light Up in the streets ” que así se titula este poderoso álbum de los Gundown, está pensado para iluminar nuestra calles, nuestras vidas, nuestras esperanzas, y lo hace con una fuerza descomunal, dosificada en doce tremendas descargas sonoras, absolutamente impecables, en las que no sobra ni falta nada, ni siquiera los guiños a grupos de cabecera de sobra conocidos.

Trayectoria 

The Gundown. Foto: Adrià Bertran

Los tarraconenses The Gundown son Quim Mas, guitarra y voz; Marc Anguela, batería y coros; y Sergi “Beni” Bertran al bajo y voz principal. Anteriormente llamados Isolation se forman con miembros de Caza de Brujas y otros grupos de punk hardcore. Han pasado por otras bandas insignes como VonDänikens,  Col·lapse, y Truckstop Maniacs.  Se crearon en 2007 y grabaron una demo anterior titulada “A tribute of Isolation”. Ese trabajo salió con una edición en Cd de 500 copias en 2008 y fue reeditado en 2011  con un 10" (Walk Alone records). Con Von Dänikens, otra de las mejores bandas tarraconenses de punk, compartieron un Lp, editado en 2009  por los valencianos Punk machine y los alemanes Subwix. Cinco magníficos temas de punk rock por grupo, cuatro propios y una versión, agrupados para regocijo de sus fans bajo el título de “Bomb this city”.

The Gundown. Foto de su fb.

En 2010, los Gundown sacaron un álbum editado en vinilo, con código de descarga y en color rojo o negro, titulado “Endless Loads Of Rage” (Sell Our Soul Records 2010) donde se incluyen 14 temas altamente creativos de punk rock como "From Death to Broken Nose", "Face the Lie", "Missing Parts" o "Requiem for the Mud Men". Le siguió "Pride" (Fierro!Records 2012) con cinco temas: “Need Our Pride Back”, “The Shining”, “Young Gun”, “Because Of You” y “Wartorn”.  Más información de ese disco en el Magic Pop aquí.  La banda también celebró su concierto número 100 el 30 de noviembre de 2013 en el Casal de Roquetes.  En 2014 sacaban un split con los suecos Smalltown editado por los californianos  Pirates Press Records, quien lo ha puesto en venta en los Estados Unidos, y por los aragoneses Fierro! Records quien lo distribuye aquí y resto de Europa. El split contiene cuatro temas, dos por banda. Uno original por grupo y el otro, una versión respectiva. Los Gundown aportan  “Count Me In” y la adaptación del “A Turn For The Worse” de los suecos. Los Smalltown han grabado su  “Spoiler Alert” y un cover del tema de los catalanes, “Pantomime”. Por último, en su bandcamp se puede oír y descargar un Ep con cuatro canciones en acústico y el título genérico de “Thunders”.   También en 2014 aportaban dos canciones al recopilatorio “Chaos in Catalonia”, (Common People Records) que son  “By The sea” y “Dead Plans”. Acaban también de grabar dos versiones de los Descendents (Hermosa Beach, California), concretamente "Clean Sheets" y "Cooffe Mug", para el recopilatorio de Rockzone Bipolar Sessions 2 (abril 2015).

Artwork

Por otra parte, cabe mencionar que Quim y Marc forman parte de los también tarraconenses Crim, otra excelente banda punk a tener muy en cuenta. Los tres Gundowns han creado recientemente los MastegoT, punk rock en catalán surgido de las cenizas de Truckstop Maniacs. Además Sergi está en los Bannerman!, rock alternativo con detalles de punk rock.  

El segundo disco de los Gundown fue grabado por Aleix Archs y Jordi Mas en el Bloq Estudi durante el mes de diciembre de 2013. Se mezcló en el mismo estudio en febrero de 2014 y en ese mismo mes se masterizó  por Gorka Dresbaj en The Room BCN Mastering Studio. El artwork, con ese barco en llamas luchando entre la tormenta, con las solemnes construcciones catedralicias de fondo, es obra de Sergi Bertran y la foto de la contraportada de Adrià Bertran. Isu, bajista de los Vondänikens canta en algunos coros y Matt Luzaich, segunda guitarra en los Appraise, se encargó de pulir el inglés de las profundas letras que vienen incluidas en la interior de la carpeta.  La extraordinaria edición de Fierro! Records permite escoger vinilo transparante, naranja o en negro. Finalmente, cabe mencionar que entre los agradecimientos de la banda se incluye a Toni Urbano "por su inspiración", músico tarraconense componente de los Leño quien fallecía en agosto de 2014.

Las canciones 

The Gundown. Foto de su Fb.

El disco empieza con “Control”. Una tema que pone todas las cartas sobre la mesa aunque eso no quiera decir, en absoluto, que las manos vayan a repetirse. Los Gundown nos absorben con esas descargas de guitarras frenéticas sobre las que ruge la voz principal y ese conglomerado de ideas brillantes está acompañado por una sección rítmica galopante. A mi modo de ver, resultan especialmente fabulosos esos crescendos sonoros que nos envuelven como una llamarada. “Tras la mitad de la vida haciendo lo que me dijeron que hiciera –nos cuentan– vuelvo a tomar el control”. Le sigue el tema que le da título: esa maravilla llamada “Light up the streets”. “Con el mundo a nuestros pies, nos hacemos mayores, buscando un último intento para tener éxito”, nos explican los Gundown. El tema se articula con acordes y punteados precisos que van dando forma a volúmenes sonoros que se superponen como balas en el cargador para dispararse en modo metralleta con el propósito logrado de dar en el centro de la diana justo en el estribillo. A continuación nos ofrecen “Hang’em high”, que como en la película de western de 1968, protagonizada por Clint Eastwood, también se ponen de manifiesto  injusticias, para “luchar en la guerra que quisimos”, una batalla en la que están llamados los “Manpower”, título del siguiente corte. Esa mano de obra que libera los demonios cuando llega el fin de semana, pagando por sexo, con el orgullo, la fe, el amor y el odio en peligro. Ritmos fascinantes articulados a modo de un trenzado de acero entre la batería y el bajo para procurar una base sólida sobre la que destaca, de nuevo, esa grandiosa voz principal y esos momentos de guitarra descomunales.

The Gundown en directo.  Foto de su Fb.

El disco discurre con “Behind These Bars”, un tema dedicado a Pablo Ibar, de origen guipuzcoano, quien lleva 21 años preso en Florida, 15 de ellos en el corredor de la muerte, condenado por tres asesinatos. Está a la espera de que el Supremo decida sobre su petición de un nuevo juicio.  En la canción, los Gundown nos dicen: “Sin perder la esperanza, no voy a renunciar, por mis derechos, por la vida”.  Otra excelente combinado de melodía y ritmo al que sigue ese no menos emotivo, “Late Youth Anthem”, todo un himno de la juventud tardía, para los que “cansados y aburridos, la vida ha pasado” al tiempo que podemos llegar a preguntarnos “si somos unos cobardes o unos combatientes”. “¿Qué puedo hacer?”, remarca la banda en este tema que cierra gloriosamente la cara A de este disco mediante arpegios luminosos, guitarras afiladas, redobles que  consiguen hacer hervir la sangre, y golpes de bombo y bajo que laten como el corazón arropando apasionados esos estribillos colosales entre solos magistrales.    

La cara B arranca con “I’m sick”. Un tema en el que remarcan que el “mañana no importa una mierda, no hay tiempo para las lágrimas y la tristeza… No hay tiempo”.  Poderoso tempo que entusiasmará por su brillantez melódica y por esos guiños que entusiasmarán a la comunidad modernista. Increíble combinación de recursos que ayudaría a entender, si eso fuese necesario, la etiqueta de hard mod.  Enfermos de tanta maravilla, nos topamos con otra excelente perversión de powerpop acelerado y no menos salvaje llamado “Floors and Ceilings”, producto de ese choque generacional o de intereses que explica como la luz de otros, oscurece nuestra vida, cuando el suelo de aquellos que nos impiden prosperar acaba por ser nuestro techo.

The Gundown en vivo. Foto de su Fb

Continúan las canciones especialmente reflexivas como esta “Small”, en la que el ritmo desbocado sirve para acrecentar la profundidad de sus reflexiones: “Nuestra carne es el carbón que alimenta el fuego donde todos nuestros pecados arden… No hay respuesta para  saciar nuestra sed natural… Estamos hechos para que nos rompan, para llenar el pozo repleto ya de ignorancia y avaricia”. Francamente, tanto las letras como sus recorridos musicales me dejan absolutamente anonadado.  A continuación más guiños al punk mod con esos “Dead Plans”. En este caso nos relatan cómo: “cuando se olvidan los planes de esperanza por ser algo en la vida, es necesario seguir la luz, aunque el futuro se tiña de sangre y mierda. No se detiene el deseo de vivir”. Espeluznante ese corte instrumental con el bajo rugiendo entre el discurso impecable de la guitarra entrando y saliendo del arreglo con una habilidad ejemplar.

The Gundown. Foto de su Facebook. 

Llegamos ya a los últimos surcos de este espectacular disco mediante esa “Whrite in agony”. “Odio decirlo pero solo he perdido… retorciéndose en la agonía,  mejor hacer un cambio”. Más ejemplos sustanciales del impactante trabajo tanto musical como lírico realizado por los Gundown que se nos presentan como una mina rica en melodías absorbentes con las que logran entusiasmarnos mientras la sección rítmica nos invita al baile como si nos arrojáramos por el precipicio de la vida convencidos de que no caeremos sino de que volaremos ligeros de equipaje. Finaliza el álbum con la tremenda “Count me in”, una de mis favoritas, aunque son tantas… Más guitarras abriendo camino como si fueran un lanzallamas entre sentencias tan impactantes como “Hay un pedazo de nuestra última oportunidad en cada minuto que se pierde. Estoy seguro de que sabes dónde se puede encontrar. Cuenta conmigo”. Pues eso es, amigos, contad con su música, porque ellos lo han hecho con nosotros para dar vida a un álbum descomunal, rico en matices de principio a fin.

Reflexión final 

Dibujo inspirado en el artwork de los Descendents 

No nos engañemos: el rock and roll provoca indiferencia en gran parte de nuestros vecinos, conocidos y familiares, así como entre la mayoría de ciudadanos que no solo desconoce la actualidad discográfica sino que apenas puede citar a Elvis Presley y a los Beatles a modo de respuestas de Trivial. Por ello no debe de extrañarnos que los Gundown,  siendo como son una banda con repercusión internacional en el ámbito "underground", en cambio en su ciudad, Tarragona, sean casi unos perfectos desconocidos para la masa.  Por otra parte, me llama la atención que, a pesar de esa ignorancia supina sobre música, sorprende que a muchas personas les produzca un especial repelús el oír nombrar dos etiquetas que, si bien desconocen su auténtico significado, son repudiadas frontalmente sin atender a razones. Me refiero a la urticaria fomentada por los mass media ante el movimiento skinhead y hacia el estilo hardcore.  Un rechazo social al que se suman, inexplicablemente, los medios especializados quienes apenas prestan atención a los grupos que se engloban en uno de esos genéricos o en ambos a la vez.

La triple edición de Fierro! Records 

De los “rapados” ya hablaremos en otro momento, pero del hardcore, a ver si queda por fin claro que es mucho más que “punk a toda hostia tocado por salvajes descerebrados que vociferan letras sin apenas contenidos”.  Para contrarrestarlo, les recomiendo encarecidamente, especialmente a los más escépticos, que escuchen con atención, letras incluidas, el fantástico segundo álbum que acaban de editar estos Gundown con Fierro! Records.  Estoy convencido de que se les iluminará el cerebro y cambiarán esas anquilosadas ideas mal concebidas sobre un género tan variado como éste en el que son posibles grupos de todo tipo, algunos malos pero también muchos muy buenos como por ejemplo estos flamantes tarraconenses. “Light Up in the Streets” es, ante todo, el mejor disco de los publicados hasta el momento por este poderoso trío y, sin tapujos que valgan, creo que es uno de los mejores trabajos musicales editados este 2015.  La intensidad y la pasión que desprende es de tal magnitud que pone los pelos de punta mediante  auténticos himnos de puño en alto para esa juventud tardía que no renuncia, con esperanza, a seguir una luz, buscando respuestas, dispuestos a tomar el control de sus vidas conscientes de que esa última oportunidad está en cada minuto que se pierde.

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquirir una copia del disco en el facebook de Fierro! Records.