OSCARS COMPROMETIDOS

MEJOR PELÍCULA:
“Brokeback Mountain”
“Crash”
“Good Night and Good Luck”
“Munich”
“Capote”

MEJOR DIRECTOR:
Ang Lee. “Brokeback Mountain”.
Paul Haggis. “Crash”.
George Clooney. “Good Night and Good Luck”.
Steven Spielberg. “Munich”.
Bennett Miller. “Capote”.

MEJOR GUION ORIGINAL:
“Crash”.
“Good Night and Good Luck”.
“Mach point”.
“Syriana”.
"The Squid and the Whale".

MEJOR GUION ADAPTADO:
“Brokeback Mountain”.
“Capote”.
“El jardinero fiel”.
“Munich”.
“Una historia de violencia”.

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA:
"Don't Tell. Italia.
"Joyeux Noël". Francia.
"Paradise Now". Palestina.
"Sophie Scholl. The Final Days". Alemania.
"Tsotsi". Suráfrica.

MEJOR DOCUMENTAL:
"Darwin's nightmare".
"Enron: the smartest guys in the room".
"March of the penguins".
"Murderball".
"Street fight".

El resto de los Oscar, vía Informativos Telecinco.

Una historia de violencia se ha quedado lamentablemente fuera de las candidaturas de mejor film, y mejor dirección (la academia sigue sin reconocer al demasiado "radical" David Cronenberg, aunque ha logrado las de mejor actor secundario y mejor guión adaptado) pero aún así se auguran unos Oscar 2006, marcados por cintas muy comprometidas.: en mejor película desfilan Brokeback Mountain, Munich, Crash y Buenas Noches y buena suerte que viene acompañada de Capote uno de los dos biopics, que éste año son de vidas muy interesantes (Cash & Capote) que esperemos que no se conviertan (ojalá) en clásicas visiones hollywoodienses.

El cine independiente tiene The Squid and the Whale debut del guionista de Wes Anderson, Noah Baumbach, en la dirección y Transamerica de Duncan Tucker como representantes del cine "indie" que éste año ha adquirido poca importancia en la gala.

La presencia de Syriana en el guión (y en el mejor actor de reparto) vuelve a situar dos constantes de la gala de éste año. George Clooney como el más hábil de las estrellas (capaz de combinar divertimentos con films algo más comprometidos, y de rodearse con talentos como ser dirigido por los Coen, o dirigir un guión de Charlie Kaufmann) que puede salir vencedor teniendo todo un récord de nominaciones como mejor actor de reparto, mejor guión original, y mejor director. Aunque en el apartado de guión original el debut de Stephen Gaghan (guionista de Traffic) tiene una rival muy importante, como es el guión de Woody Allen para Match Point.

El Jardinero Fiel otra cinta muy comprometida de Fernando Meirelles (en breve haré la reseña) ha logrado nominaciones nada despreciables (mejor guión adaptado y mejor actriz de reparto) además de una para la excelente banda sonora del español Alberto Iglesias. El fracaso de King Kong en nominaciones importantes, es, una inusual muestra de buen gusto para la academia que no obstante no obvia las clásicas nominaciones por biopics.

En el apartado de film extranjero como era previsible no hay presencia española, y Feliz navidad, No me digas o Paradise Now (cinta palestina sobre el conflicto) se presentan como las más destacadas a la hora de ganar, acompañadas de una cinta surafricana desconocida y el film alemán Sophie Scholl. Para el mejor documental, se ha tenido en cuenta el tan alabado La pesadilla de Darwin.

NAM JUNE PAIK (1936-2006)

José Luis de Vicente

" [...] Ha muerto Nam June Paik. La mayoría de las crónicas se limitarán a soltar una nota sobre la desaparición de "el padre del videoarte", pero era muchísimo más que eso (cómo si fuese poco). Paik fue el primer hacker que operó subvirtiendo la tecnología mediática desde el arte; en sus distintas etapas y desde diferentes formatos se adentró en la robótica o en la estética del error y el glitch; desdibujó los límites entre imagen en movimiento y luz; construyó nuevas herramientas lúdicas interactivas que relacionaban imagen y sonido de maneras hasta entonces inéditas, como en sus famosos videochelos, y fue de los primeros en trabajar sobre el espectro electromagnético; (su Magnet TV casi parece un ejercicio de Critical Design de la escuela de Anthony Dunne y Fiona Raby). Fue un peremne optimista al que entusiasmaban los hallazgos deslumbrantes que surgían al explorar un medio sobre el que nadie sabía todavía demasiada cosa. "

El resto cortesía de Elastico.net

La nueva guerra busca un nombre

Gregorio Morán

La diferencia capital entre una dictadura y una democracia se reduce a algo tan simple y tan íntimo como que nosotros, los que votamos o nos abstenemos, pero que podemos optar sin el peso del castigo, nosotros, digo, somos responsables de los crímenes que cometen nuestros líderes. En las dictaduras, los súbditos no son corresponsables de las barrabasadas de sus dirigentes; en las democracias, sí. El drama alemán a partir de 1933 fue que Hitler no tomó el poder, sino que se lo regalaron en las urnas. Y hete aquí que ahora nos encontramos ante un dilema imposible. Somos cómplices de la ruptura de una tradición de la cultura occidental, la inquietud sobre los derechos humanos, incluidos los del enemigo. Al carajo se han ido la convención de Ginebra y los juicios de Nuremberg. Como los enemigos son implacables en su papel destructor, nosotros nos comportamos como depredadores para contener la avalancha. La cuestión hoy día no está en el miedo occidental ante el islamista radical, el nudo gordiano no se centra en el miedo, sino en lo mucho que hemos de proteger. La amplitud de nuestros intereses nos hace débiles, exponemos demasiadas cosas y somos pocos para defenderlas.

Más en esta columna vía La Vanguardia Digital (gracias a la Petite Claudine).

GORILAS EN LA BLOGOSFERA

Todos los blogs van al zoo, para nutrirse de la subcultura variante simpáticos gorilones.

Véanlo en La Feliz Semana Internacional del Traje del Gorila.
El video imprescindible, es The Bride Of the Gorilla tráiler de un clásico, servido por el Hijo Tonto. Lo que ha hecho el habitual Blog Ausente es una labor como todo el blog en sí, admirable, pero de toda su aportación no se pierdan su entrañable revival de gorilas de la editorial de tebeos de Bruguera.
El compañero Eki, otro activista de la causa gorilera, nos deleita además con una muy nostálgica selección de Gorilas de Bolsillo.
Sí, tambien está la peculiar aportación del mostrenco maese Jordi Costa, con una invitación a engorilarse.
John Tones, mi onanista favorito, deja las geniales viñetas de Don Martin, que complementan los textos de Costa.
También tienen mas noticias subculturales sobre el evento en Bizácoras y no se pierdan este Top 10 de Gorilas cortesía del Emperador de los Helados.

MUNICH: "Los justos y los vengadores"

Munich.
(Munich, 2005).
D.: Steven Spielberg.
G.: Tony Kohner y Eric Roth sobre la novela de George Jonas.
I.: Eric Bana, Geoffrey Rush, Daniel Craig, Ciaran Hinds, Matthieu Kassovitz, Hans Zischler, Ayelet Zurer.
Duración.: 164 minutos. Color.


- CON SPOILERS-
En A.I. ya fue bastante sorprendente que muchos sectores de la crítica afirmaran rotundamente que estaban ante un Spielberg que no renegaba de su temática propia, pero que ofrecía una visión muchisimo mas triste, desgarrada y radical. Aunque sea La Terminal el único film que "desentona", tenemos ejemplos en estos últimos cinco años, de que el cine de Spielberg ha madurado y se ha radicalizado cada vez más. Desde ese androide de perdida familiar irreparable, pasando por un policia drogadicto (Minority Report), un padre que necesita la desgracia para ser responsable (La guerra de los mundos), o un aventurero que es un estafador de ausencia familiar (Atrapame si puedes).

Aunque muchos afirmen que Munich entre en su vena mas "seria", estamos ante un film como El Imperio del Sol (serio, pero no complaciente), pero que supone el máximo esplendor de su cine, y de ésta época donde se ha radicalizado mas y mas. Tanto que aquí está completamente lúcido. Ya no estan las banderas ondeantes de patrioterismo que yacían al inicio y al fin de Salvar al soldado Ryan ni siquiera el falseo histórico de La lista de Schindler ni el tufillo sionista que ambas desprendían. El Spielberg de ahora, es sin duda el más maduro, y ha realizado lo que para mí es su mejor película, y sino, la más compacta y comprometida, que no hace ningún tipo de concesión a su ñoñería, y no se priva de mostrar violencia y sexo con total naturalidad (otro punto a su favor).

Para hablarnos de uno de los conflictos que parecen infinitos, como es el de Israel y Palestina, Spielberg escoge un hecho que se podría haber convertido en maniqueo enseguida, y mas si regresaba ese Spielberg sionista que y aha desaparecido. El hecho en cuestión es el asesinato de once atletas israelíes por parte de miembros del grupo terrorista Septiembre Negro durante las Olimpiadas de Munich en 1972. En este marco, el héroe spielbergiano del film, Avner, un hombre de (como es obvio tratandose de Spielberg) familia disfuncional, que cree que su hogar y patria al que se debe es su país, Israel, y en Golda Meir la primera ministra israelí de entonces una especie de figura maternal, estando su padre, un héroe nacional encarcelado o enfermo, siempre enternamente ausente. Este personaje es el eje para narrar los hechos que sucedieron a este brutal atentado en Munich, que fue la creación por parte de Israel de un comando encargado de eliminar a los "objetivos" encargados por Israel y claro está sin hacerse preguntas de si realmente tienen algo que ver.

Un acto de venganza, de terrorismo de estado, va a ser llevado a cabo por Avner y sus hombres, que creen que hacne justicia a su patria. Pero Spielberg lo sabe, y es que en este film, no hay buenos ni malos, todos tienen sus razones. En un montón de excelentes secuencias podemos observar gracias al ojo lúcido de Spielberg, como los terroristas no son simplemente los malos y es que la reflexión política que se extrae de este film es jugosísima y muy profunda, como para dejarla escapar.


En una secuencia en que el comando de Avner y otro árabe comparten lecho, y como desconocen la procedencia israelí de Avner, éste charla con el líder de los árabes, sobre el conflicto entre palestinos y judíos. La explicación de esta exaltación de la patria, se reduce en que todos necesitan un hogar donde volver, sentirse seguros, y ajenos de toda soledad.

Además de este excelente valor ético del film, Spielberg nos muestra uno de sus mejores trabajos narrativos y espectáculos que he visto en mucho tiempo. Aunque ya es sabido el dominio del cineasta para crear espectáculos y climas de suspense, en Munich alcanza su punto. Evocando precisamente a éstos thrillers setenteros como 21 horas en Munich o Domingo Negro Spielberg teje este thriller político de ambientes internacionales a través de secuencias de suspense que impactan por su excelente planificación, y por además, contener un guiño a Hitchock una de ellas, para los más cinéfilos.

Además esta el talento narrativo de Spielberg, que demuestra lo muy mediocres que son Michael Bay, Emmerich, o Sommers, y lo muy falto de contención que esta Peter Jackson como tan temparanamente se ose destronar a este Rey Midas que alcanzado una madurez como cineasta inmejorable. El arranque de la película es impresionante. La narración contada entrelazando la reacción mediática ante el atentado, y combinando varios puntos de vista, demuestra hacia que cauces va a transcurrir el film, y como Spielberg va a evitar caer en el maniqueísmo fácil, y va a demostrar que no todo es tan sencillo.

Con la complicidad habitual de Janus Kaminski, excelente director de fotografía, que de nuevo proporciona unos acres grises en la imagen y unos estupendos contrastes, creando un cromatismo grisáceo y semi-documental muy agradecido, creando así la atmosfera oscura que planea sobre todo el film. También ayuda y mucho, la nuevamente sobrecogedora banda sonora de John Williams que hace una partitura harmónica, y realmente conmovedora.

Además esta el plantel de actores que está muy bien coordinado por Spielberg. Por un lado está Eric Bana tan impresionante como nos tiene acostumbrados encarnando a un héroe honesto que inicia una misión que se revela en una dolorosa toma de conciencia, y Daniel Craig, Ciaran Hinds, Matthieu Kassovitz o Geoffrey Rush bordando con total credibilidad y sin ningun exceso de sobreactuación o carictaturización cada uno de sus personajes.

Éstos personajes y su reacción entorno a la misión es un elemento que Spielberg no deja escapar. Mientras que todo el film es toda la toma de conciencia de Avner, las posiciones son dispares. Mientras que Robert, y los demás se cuestionan el verdadero valor moral de ésta misión, Steven es el único que se mantiene duro, y que es capaz de llevarla a cabo sin ningún tipo de escrúpulos, creyendo que su causa lo merece.

Porqué Avner descubrirá que esa patria a la que regresar no existe. No existe porque todo, como decía Groucho Marx, es cuestión de dinero y negocios. Y toda esa misión que parecía justa, termina siendo una masacre excesiva, en la que solo se derrama sangre, y se añaden más víctimas, que no salvan a las otras víctimas. Porque la venganza no es justicia, y la venganza nunca se termina, siempre hay alguien mas al que matar. El fin nunca va a justificar los medios, sea del bando que sea.


Y es que la imagen final del film es excelente y resume toda la peripecia existencial vivida por su protagonista. Avner es ahora un hombre sin patria. Porque su patria, para la que se ha convertido en un terrorista, en un vengador, en un asesino, niega "la misión" y su existencia. Porque todo es cuestión de dinero, y solo queda un hombre sólo. Porque Avner ha matado a la víctima más peligrosa. Su moral, y su conciencia le va a hacer llevar encima, el peso de la venganza y no habrá mas que sangre en sus manos. Y en sus ojos yace esa intrasigencia y ese odio que tanto daño han hecho y seguirán haciendo en otros ojos, de otras gentes. Avner una víctima más del hipócrita poder de la avaricia y el dinero, un hombre que ha aprendido con suma facilidad a odiar, a matar que a estar con su esposa y con su recien nacido hijo, y ahora jamás podrá enmendar esos errores, porque nada más arduo para el humano que aprender a amar.

Bravo Spielberg.

Puntuación.: 10.

LA VENGANZA DE MUNICH

Es uno de los estrenos que espero con más ansia. Si la nieve no lo impide, este sábado podré ver el último trabajo de Spielberg, que tiene una pinta inmejorable. Es realmente uno de los estrenos punteros del año. Munich ya a causado polémica en USA, país donde venganza es sinónimo de justicia. Y en Israel donde dicen que "no fue así" (como es obvio). Y en Palestina donde dice que se favorece a Israel. Vamos, que Spielberg ha dejado descontentos a todos, símbolo de objetividad, pero la crítica (el gran y muy influyente crítico norteamericano Roger Ebert) la ha puesto por las nubes. Léanlo aqui. Pero el tema tiene un fondo más complejo a simple vista.

Más en escolar.net.

Actualización 1
Viernes 27- 18:51

En el imprescindible blog de Ignacio Escolar, nos proporcionan más datos sobre la venganza del Munich 72, aquí lo tienen.
Si quieren echar un vistazo general al recibimiento crítico del film en ámbitos norteamericanos y españoles, lo tienen en FilmAffinity.
Tienen, pero con spoilers, una critica de Steven Isaac traducida por Rudy Kish, cortesía de Plugged In.

Actualización 2

Viernes 27 - 20:39

Ya tenemos disponible online la crítica del excelente Mirito Torreiro, crítico de Fotogramas. Disponible vía El País digital.

Y también tenemos la del no menos admirado Jordi Costa, disponible en El Mundo. Que viene complementada con las 6 claves de la película y una entrevista a Eric Bana.

Actualización 3

Sábado 28 - 15:04

Más críticas de Munich, ahora es el turno de Maria José S. Mayo desde El Confidencial.

Actualización 4

Domingo 29 -12:49

Ya tenemos la crítica de Lluís Bonet Mójica, otro de los referentes de la crítica cinematográfica española, disponible en La Vanguardia.

También la de Sergi Sánchez en Fotogramas.

THE DOORS: "Riders on the storm"

The Doors: La Leyenda.
(The Doors, 1991).
D.: Oliver Stone.
G.: Randall Johnson y Oliver Stone basado en el libro Riders on the storm de John Densmore.
I.: Val Kilmer, Meg Ryan, Kyle MacLachlan, Kathleen Quinlan, Kevin Dillon, Frank Whaley, Kristina Foulton, Billy Idol, Michael Wincott, Michael Madsen, John Evans, Dennis Burkley.
Duración.: 134 minutos. Color.


Riders on the storm
Into this house we’re born
Into this world we’re thrown
Like a dog without a bone

Con The Doors Oliver Stone inicia una senda estética que después hiperbolizó con Asesinos Natos y pulió con el neo noir, Giro al infierno, pero aunque entronca más en todos los sentidos con su trabajo posterior, sigue además su afán por reconstruir la historia moderna de su país. Aquí reconstruye uno de los mitos por excelencia de la historia del rock.: la vida de Jim Morrison, ligada a su grupo, The Doors, uno de los mayores revolucionarios, adelantados a su tiempo, y símbolos del movimiento hippie de finales de los sesenta. Además su aportación musical fue grandiosa, siendo el único grupo que en 1970 era capaz de competir con los Beatles y los Rolling Stones, en los primeros puestos. Pero la prematura muerte de Morrison (todo un ejemplo de moderna vida de rockero-poeta de destino inequívocamente autodestrcutivo) truncó todo éste ascenso que parecía imparable.

La película hace una reconstrucción muy personal de la vida de los Doors, y lo que pretende Oliver Stone es dar una visión tremendamente personal acerca de la concepción del mito, y lo que supuso para él. De nuevo, como en su film posterior, hace suo de la estética como si fuese uno de los personajes. Lo que quiere describirnos Stone es que Jim Morrison fue un símbolo del exceso, y su mensaje era que no marcasemos límites. Así entendemos mejor toda la puesta en escena experimental del film, que lo convierte en un torrente de imagénes y sonidos un tanto rocambolescos, que se centran mas en describir el mensaje y comprensión del mito de Morrison, que en realmente narrar una historia. La excusa narrativa es narrar la vida de Morrison principalmente de 1965 hasta 1971, fecha en la que suicidó en Paris, donde reposa en su tumba en el cementerio Pére Lachaise.

El problema es que si en Asesinos Natos Stone nos deslumbra por su carácter directamente transgresor y por momentos inteligente, The Doors se aprecia tambien como otro experimento visual-sonoro pero queda un sabor de boca muchísimo mas rocambolesco en el espectador, y aunque tiene momentos realmente geniales y memorables (como las visiones del desierto o el encuentro con Andy Warhol) el resultado final es tan excesivo que el propio espectador termina tan "mareado" y "colocado" como le debió estar Morrison.

Muchos de los críticos han estado disgustados porque solo muestra el lado drogadicto de Morrison, cuando éste también era un poeta, ya en sus inicios. Yo creo que Stone no obvia este aspecto, y que su film no es una traducción literal de lo que se entiende por biopic al uso, y lo que pretende realizar es un film tremendamente subjetivo de unos hechos, aunque haciendo eso sí especial hincapié en la personalidad de Morrison. No creo que le interese mostrar todo el rato a un Morrison bajo efectos de drogas y demás porqué si, lo hace para mostrar su obsesión con los excesos, su vida al límite, y así fue efectivamente.

Muestra su vena poética, su interés por el cine en la UCLA, su vena artística perfectamente, aunque se subraye lo otro, no obvia que Morrison experimentó con todo, y que fue precisamente eso lo que le mató. El resto de la banda quedan retratados tambien muy bien, y a lo largo del film se va contrastando la personalidad algo mas racional y comprometida de Ray Manzarek con el exceso desbocado al que decidió abocarse su compañero.

Las interpretaciones sorprenden muy gratamente, siendo las más destacadas las de un sorprendente Val Kilmer que encarna a la perfección a Morrison, Meg Ryan que encarna a la fuese su amante Pamela Courson, y Kyle MacLachlan que encarna tambien con total identificación a Ray Manzarek. El resto de secundarios también siguen a la altura, aunque el film se resuma practicamente en estos tres personajes redecorados con secundarios que van adquiriendo mayor (el personaje de Michael Madsen) o menor importancia (el batería John Densmore). Para los curiosos tenemos un cameo de Oliver Stone ejerciendo de profesor en la UCLA, en un guiño muy cómplice.

En resumen un recomendable experimento, con un fondo musical, como es obvio maravilloso. Suenan todas las piezas mas míticas del grupo, como L.A. Woman, Break on through, People are strange, Light My Fire, Hello I Love you, Roadhouse Blues, when the music is over algunas de ellas interpretadas con gran eficacia por Val Kilmer.


En resumen un film muy interesante pero marcado por ciertos excesos y pecados (como ese epílogo final en el cementerio), pero que es muy recomendable para pasar un par de horas tan al límite como las vivió Jim Morrison y alejarse un tanto de los convencionalismos del biopic.

Puntuación. 8.

UN MUESTRARIO DE BOBADAS VARIAS

Como todo ser humano, uno en un momento dado dice estupideces. La capacidad del ser humano, que nos distingue de los animales, es esa capacidad llamada de razonamiento, que al observar la situación mundial, cada día me cuestiono más y más. Parece que ahora este de moda, el "borreguismo" generalizado, que consiste en lucir el orgullo de tener una opinión a piñón fijo. Cual animal vaya. Esto de poderla demostrar, de razonar, de reflexionar, de relativizar, de comparar....

El caso es que en nuestro muestrario de bobadas las hay de mayores y menores. La bobada más clásica es la de la confusión. Mezclando cosas que no tienen nada que ver, obtendremos nuestros resultados. Así se lo han propuesto, variopintos partidos, a fin de juntar ajos con zanahorias, quizas el resultado que obtengan sea el de la más grandiosa de las confusiones, y por lo tanto, creencia. O fe. Y en eso, poco de razonamiento hay.

Uno de los cineastas cuya actitud reza más boba, es Ron Howard. Digo su actitud en términos de filmografía, pues no tengo el honor de conocer a este tipo. Lo llamo bobo, en el sentido mas literal. Hasta puede resultar entrañable. El problema es que el hombre sigue infravalorandóse. Y claro, repasando su filmografía veo cierto cacao ideológico ( o oportunismo, si siplificamos). El otro día vi Rescate una película de ideologia fascistoide, en el sentido mas americano claro, con el individuo estando por encima de todos, relectura peligrosamente manipuladora, encima con un millonario madeself man que encarna otro de la quinta, Mel Gibson. El problema es que uno ve su Cinderella Man, alegato pro-obrero bienintencionado, y empieza a dudar que hace este cineasta. Lo que está claro es que busca trascendencia, Oscars, prestigio, recibimientos y aplausos. Y de nuevo, ha fracasado, porque en los globos de oro, se han perfilado las películas oscarizables de este año, y Ron Howard (el actor infantil crecido, tal y como lo satirizan en los simpson) se ha quedado él y su busqueda de trascendencia ahí en la estacada.


Este año, a simple vista, puede ser muy interesante en los Oscar. Claro que están ahí, películas como I walk the line biopic de Johnny Cash, diseñado para el (casi seguro) lucimiento del (por otra parte excelente) Joaquin Phoenix. Pero además, tenemos un western de temática homosexual, Brokeback Mountain de Ang Lee, una película sobre el racismo Crash de Paul Haggis, y al grandísimo Spielberg en su visión del conflict entre Israel y Palestina con Munich. Es decir, abunda el compromiso. Y aunque las nominaciones aún no se han dado, ya tenemos una buena idea de por donde pueden ir este año las preciadas estatuillas, con los resultados de éstos globos de oro, que destacan por la arrebatadora Scarlett mírame a los ojos Johansson (seguro que muchos de vosotros ya han hecho el chiste fácil, metafórico), mas que por los resultados. La gala se resume en dos films, I walk the line y Brokeback Mountain. En el apartado actoral, abunda el premio al biopic, con premios para Cash/Joaquin Phoenix, la esposa del hombre de negro June/Reese Whithepersoon, el Capote encarnado por el siempre excelente Philip Seymour Hoffman, y dos sorpresas gratas en actores de reparto, la Rachel Weisz de El jardinero fiel (que veré en breve, y la reseñaré lo antes posible) el George Clooney de Syriana. También hubo premio para Felicity Huffman por Transamerica la película indie mas aclamada del año, sobre las extrañas peripecias de un transexual, que encarna la premiada. Y en película extranjera la palestina Paradise Now , otro ejemplo de que este año, si los dos consabidos biopics no lo impiden, va a ser un año de compromiso en Hollywood, aunque tampoco le haría ascos a un premio a la excelente Match Point el mejor Allen en años.

Crash es uno de esos films que uno tiene muchas ganas de ver, pero que visto su trailer huele al efecto "impacto súbito" que le llamo, aún así tengo bastantes esperanzas puestas en él, teniendo en cuenta quien es Paul Haggis. Es un poco lo que ocurre, con una película que en inicio, me impactó, 21 gramos. Es tal su cantidad de situaciones desbalazadas que el film termina desbordado porque pierde la noción de si mismo. Como su estructura desordenada, termina resultando todo algo forzado. Y el efecto de la cámara, el juego cromático, los actores excelentes, caen bajo el peso de este importante lastre, pero aún así mantengo que es un film interesantísimo.

Pero aún así, tiene valor de hablar del racismo, una de las lacras derivadas de la gran lacra humana, la llamada intrasigencia, o intolerancia. De racismo (también) va hablarnos Munich aunque sea en pasiva, el conflicto territorial judeo-palestino tiene sus ecos raciales (en realidad religiosos). Viendo el tráiler intuyo a un Spielberg cargado de sabiduria, y maestria.

El problema de muchas sociedades (como Irán, republica de curas) es esa intransigencia. Hoy he oído, una de esas bobadas, que dejarían de serlo, al ser rectificadas al tiempo justo. El problema es que hay personas, cual animalitos, incapaces de recapacitar que se mueven por esos postulados. Y los intolerantes, aquellos que tienen rabia en su interior, cada día ganan mas adeptos. Ya podrían montar una asociación de accionistas, que miembros no faltarían. Yo creo que en la bolsa de Wall Street podrían hasta llevarse enteros.

Lo más gracioso de todo, es que el racismo, es una de las acepciones que contiene el populismo. Como populismo, entiendo esas ideologias populares, esas tonterías que se fraguan en los dimes y diretes, esos pensamientos fruto de la ignorancia. Y efectivamente, la gran mayoría de los racistas, son sagrados ignorantes de aquellos que odian. Lo peor, es que lo ven lógico, porque consideran que otros piensan igual. Lo dicho, populismo. Y del barato. Lo peor del racismo es toda la lacra de muertes que ha conllevado en el mundo. Si aprobamos la muerte, sea de quien sea, ya solo nos queda juzgar a los culpables. Señores, en la era de la comunicación , del tráfico de ideas, ¿por qué involuciamos? ¿Por qué Le Pen gana mas adeptos con su populismo para tontos?

Ya en la crítica de Crash, un film que puede gustar más o menos (mucho me temo de su pretenciosidad), pero que merece un toque de atención por su necesidad, David Broc cita con acierto a Haruki Murakami, uno de los narradores que más admiro, magnífico escritor japonés, todo un sabio conocedor del mundo en que vive (vivimos) y nos relacionamos. Y él lo define así , como un sitio en que todos vivimos presionándonos los unos a los otros.

COTTON CLUB.: ¡Crazy Rhytm!

Cotton Club
(The Cotton Club, 1984)
D.: Francis Ford Coppola.
G.: William Kennedy, Francis Ford Coppola y Mario Puzo.
I.: Richard Gere, Diane Lane, Gregory Hines, James Remar, Lonette McKee, Nicolas Cage, Allen Garfield, Fred Gwynne, Bob Hoskins, Tom Waits, Laurence Fishburne, Marvin Hines.
Duración.: 124 minutos.


Coppola aceptó un encargo que no parecía serlo, auspiciado por el productor Robert Evans, Sylvio Tabet y el habitual suyo Fred Roos. Contando con William Kennedy, y la obvia (y fina) mano del "conseglieri" Mario Puzo, Coppola lo bordó. Demostró que él, seguía siendo uno de los más grandes cineastas, dotado de un talento imaprable, y que el fracaso de Corazonada no había logrado apaciguar. Y es que La ley de la calle es tambien otro film muy notable.

Aunque para mí reposa en este film la mas sabia de las perfecciones, como bien han dicho en otros blogs con reseña reciente, como el imprescindible Cine con Jazz. Efectivamente, Cotton Club es un film que no encuentra pegas para el que suscribe, y que siempre se ha sentido realmente fascinado por toda la mitología de la época que revive a la perfección, sin caer en relecturas falaces.

Primero quiero señalar lo que para mí es la verdadera noción del palabro del que hacemos demasiado uso al ver las supreproducciones. "Espectacular". Habitualmente esto se asocia a la exhibición de efectos visuales, y así tenemos una pequeña virtud del film. "Es espectacular". Realmente procuro acuñarlo, cuando la espectacularidad trasciende mas allá. Si bien lo suelo pronunciar al ver una perfecta puesta en escena harmónica con los otros elementos técnicos del film (música, vestuario, efectos) pues es fácil decirlo. Pero es que si además la historia, la narración y exposición, van concordes, puedo decirles que este es uno de los films mas espectaculares que he visto. Y no resulta aparotoso. Muestra un dominio que no deja lugar a ninguna duda.

Además este el elemento personal que me hace conectar inmediatamente con el film. Primero como amante del noir más gangsteril. Segundo como Coppolófilo de pro (pero que admite su decadencia años 90). Y sobretodo como amante del jazz. Esta película es casi un regalo para un aprendiz de mitómano como yo. El Cotton Club es uno de los lugares mas fascinantes que existieron en el mundo, basicamente porque los gangsters lo usaron como tapadera de sus consabidos y oscuros trapicheos, pero además actuaron de mecenas de los más grandes músicos de jazz. Por lo tanto con este "telón de fondo" tan musical, y está historia tan apasionante, he caído rendido ante el film.

El film recrea también otra serie de situaciones y ambientes por las que siento especial debilidad. El protagonista es Dixie Dwyer, pero es muy fácil adivinar que se trata de un trasunto de Bix Beiderbecke el gran trompetista blanco (jazz me blues), que arranca cuando le salva la vida a Duch Schulz, este le convierte en su protegido, pero además en su subordinado. Paralelamente se retrata todo el ambiente del garito por el que se van a mover todos los personajes, esto es el mítico club de algodón, donde hasta los ecos llevan el sello de Duke Ellington (que hace un agradecido cameo en la película, y es que a finales de los 20 era el anfitrión afroamericano de todas las orquestras jazzísticas), y podemos gozar de sus mas significativas canciones. Allí, entre bastidores, se narra la rivalidad de Sandman Williams que sueña con ser una estrella, y su hermano de intenciones mas modestas. Parlalelamente, Dixie, inicia una relación prohibida con Vera Cicerone, la cantante que además es la "chica" del jefe, y el hermano de Dixie, empieza a hacer "trabajos" para Duch. En una encrucijada vital, Dixie conoce al dueño del legendario Cotton Club, otro importante jefe Owney Madden asociado con Frenchy.

Y así estas historias confluyen gracias a la mano prodigiosa de Coppola, el narrador mas vigoroso y dotado que ha dado el cine, además un excelente director con un gran talento para crear secuencia realmente memorables, y que como en su saga de los Corleone, demuestra lo bien que sabe aprovechar aquellos recursos que tan bien domina. Está claro que esta ocasión era presta, para que Coppola nos demostrara lo bien que se le da el montaje paralelo, de música - secuencia, al estilo operístico, y es que encima, esta mezcla de números musicales con historias gangsteriles no deja de ser una idea muy inteligente, de la que Coppola saca todo el partido posible.

Primero porque ofrece un retrato de la comunidad afroamericana de Harlem en los tiempos del club de algodon y toda la consabida represión y agresiones raciales, después además de una reconstrucción de un sitio único lo adereza con esta historia gangsteril que es para él una genesis de la sociedad americana. una reiteración del mensaje ya apuntado en su saga gangsteril mas conocida también pero que sin embargo aquí tampoco desentona en demasia.

Tambien esta como mérito el juego tan inteligente que hace Coppola, entre los tres conceptos sobre los cuales creo que se articula la cinta. El cine, el jazz y los gángsters. Entrelaciona éste trio de una forma estupenda, ya veran porqué.

Después esta la serie de fabulosos guiños que hace en su reconstrucción Coppola, en la que combina lecturas inteligentes de la historia de norteamerica, pero sin obviar esos instantes de mitomanía de los que he hablado al principio. Y es que en el film vamos a encontrar estos guiños, principalmente convertidos en cameos. Pero que cameos. Duke Ellington, y claro que sí , Cab Calloway cantando The Mooche van a dar la nota en el escenario (nunca mejor dicho). Y como espectadores nos vamos a encontrar a Charles Chaplin, Gloria Swanson, James Cagney, estrellas asiduas de la época, codo con codo con gente tan "recomendable " como Schulz (uno de los protagonistas) o Lucky Luciano.

El reparto también esta realmente eficaz, y ajustado en sus papeles. Richard Gere consigue transmitir bien su papel, Diane Lane esta realmente sexy, y Bob Hoskins demuestra de nuevo su excelente labor. Gregory Hines nos brinda una correctísima interpretación, que como bailarín que era, adereza con unos números de claqué alucinantes. Los secundarios estan rebosantes de efectividad tambien. Un terrorífico James Remar, unos Nicolas Cage y Laurence Fishburne en sus inicios, o el habitual del director, Tom Waits.

Después esta es obvio, la deliciosa banda sonora. Crazy Rhytm, Mood indigo, Am I blue, ... aderezadas además con una muy adecuada composición de John Barry de similares tonos no desmerece la excelente selección de canciones.


En defintiva una cinta por la que siento un cariño irredento, ya sea por esas líneas de guión como "Sólo puedo hacer dos cosas en este mundo Sandman, morir o seguir siendo negro" o "Toca como el puto King Oliver" (refiriendóse al blanco Dixie) que me despiertan una sonrisa cómplice y deletadora. Pero al margne de eso una excelente cinta, con un ritmo fabuloso, y una dirección, si, realmente espectacular y arrolladora (que hace un uso artístico de su muy cuidada factura técnica).

Puntuación.: 9.

SUNSET BOULEVARD (y II) CON K DE KEVIN

SUNSET BOULEVARD

En un día tan deprimente, con la rutina justo preparada para acechar os dejo (cortesía de Lebowski y Forfy) un video de Kevin Smith hablando de su participación en el Superman Reborn aquel proyecto cancelado de los años 90. Una sucesión de risas desternillantes. Menudo showman esta hecho este hombre. A ver si de paso, vuelve a ser el prometedor director tempranamente desinflado.

EL PRECIO DEL PODER: The world is yours

El Precio del Poder.
(Scarface, 1983)
D.: Brian de Palma.
G.: Oliver Stone.
I.: Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastarantonio, Robert Loggia, F. Murray Abraham, Miriam Colon, Harris Yulin, Paul Shenar.
Duración.: 164 minutos.


-CON SPOILERS -
Parece en un principio un tanto arriesgado hacer un remake de un clásico como el de Howard Hawks, que escribió alguien como Ben Hecht. Bien pues a ambos va dedicada esta gran cinta. El productor Martin Bergman, responsable de joyas como El Padrino (la saga) decidió revisitarlo, y pensó en el que entonces era un interesante guionista de Hollywood, como Oliver Stone que había confeccionado el guión de El expreso de Medianoche, para escribir la cinta. Stone decidió darle un tono que realmente es mas interesante. Como los tiempos de la ley seca ya eran caducos, y la intención no era abordar ningún acercamiento de pretensiones retro, Stone la adaptó a los tiempso modernos, y la situó en la cresta de la ola, en pleno 1980 cuando Fidel Castro "permitió" embarcar a 125.000 personas hacia Estados Unidos. La realidad era que 25.000 de ellas eran presidiarios.

Así pues, el film arranca con uno de estos presos, Tony Montana, llegando a Miami junto a su amigo Manny Rivera. Tony en seguida vislumbra el fácil ascenso, y se dedica a trabajar para Frank López un importante traficante de cocaína en la ciudad, aunque pronto la ambición le puede, y se independiza para montar su propio imperio. Stone ambienta toda la acción en Miami, un perfecto infierno moderno, que posteriormente retrataría de nuevo, y con Al Pacino, aunque centrada en la hipocresía que rodea al mundo deportivo, con Un domingo cualquiera.

Ésta historia se presenta como la clásica visión del sueño americano, es decir, un período de jugoso esplendor, y una caída en picado tan vertiginosa como la rapidez del ascenso. A partir de esta visión del sueño americano como efímero Stone teje un guión ultraviolenta, frenético y logradísimo que no obstante fue rechazado por Sidney Lumet, y el encargado del asunto fue Brian De Palma. Mientras que Lumet se decantaba por una visión mas consonántica con su cinematografía, es decir más política, De Palma se adapta perfectamente al guión pergeñado por Stone y consigue imprimirle una vigorosa narrativa, haciendo que en su largo metraje el film nunca decaiga y permita un retrato psicológico perfecto de su protagonista.

El film de temática gangsteril tiene la habilidad de tener múlitples lecturas, tanto políticas como psicológicas y además hay un magnífico clímax final dignísimo de un inspirado De Palma, que francamente aunque se le tilde de "dirigir un encargo" lo hace sin olvidar los rasgos de su cine. El principal problema que sufre Brian De Palma, es que se le tilda enseguida de hitchockiano como una etiqueta para remarcar sus limitaciones cinematográficas, casi obviando que muchos de sus otros films (denominados encargos) casi no tengan revelancia por ser eso encargos. En el caso de Spielberg, sin la mágica sombra de Hitchcock no estarían ahí El diablo sobre ruedas y Tiburón, y hay muchas secuencias del maestro Steven que no serían pergeñadas sin la labor que hizo Hitch sobre la concepción de las secuencias del suspense. Así pues, De Palma se enfrenta a este "encargo " como cualquier proyecto personal, y este Scarface poco tiene que ver con cosas como Mision a Marte por citar otro "encargo", aunque en el caso del periplo marciano la desgana supera a la película.

Es evidente que De Palma trabaja para Martin Bergman, pero no pierde ninguno de sus rasgos, y se centra en una puesta en escena del guión de Stone, que se dedica a visualizar todo el meollo central del film, que es reflejar el entorno de excesos, corrupción y amoralidad que rodeaba a Miami, de una forma sobrecargada y exagerada, barroca y realmente conseguida.

A partir de aquí el final del film tiene cosas realmente interesantes que hacen que sea algo mas que la "avaricia devoró a Montana" . De hecho es así, pero el guión se dedica a destacar que en el mundo de la Mafia no puede haber ningun tipo de codigo de honor que no se ciña a la corrupción y a la falta de escrúpulos. Montana cae en picado, primero porque es atrapado por la policía pero cuenta con una solución y es hacer un favor a Alejandro Sosa, que consiste en asesinar a un periodista, pero debido a que junto a éste vayan su esposa e hijos, Tony no comete el "encargo" y entonces, su declive es inevitable. No puede haber codigos con cierta moralidad, o eso se desprende del film.

La lectura política es también bastante sugerente. Desencantado por completo del sistema comunista, Montana llega a USA con ganas de adaptarse a la presunta libertad que ofrece el capitalismo, y a sacar beneficio propio. Una vez esta en la cúspide descubre el desencanto, y ahí es donde el relato psicológico y político se cruzan. El desencanto de Montana es descubrir que todo el poder está corrupto, y que los "criminalizados" por la sociedad son además protegidos de la clase política y las clases altas. La secuencia del restaurante, es muy significativa en ello.

A partir de ahí entramos en el tramo final, donde De Palma da rienda suelta a un barroco apocalipsis que ha ido creando en toda la cinta. Tony mata, ya sea en activa o pasiva, a todos aquellos por los que su amor era recíproco, Manny y su hermana Gina. Es magnífica la escena en que De Palma desbocado sugiere el incesto en la protección paternal, viendo a Gina haciendo insinuaciones a Tony, en un clímax final que destaca por lo excesivo que es.

La secuencia de Tony cuando se enfrenta a los esbirros de Sosa, con sus excesos, y con Montana convertido en una especie de diablo inmortal ya ha pasado a los anales del cine, por la brillantez con la que está rodada, y además porque la secuencia de la célebre batalla de Kill Bill Vol. 1 tiene a alguien más aparte de Seijun Suzuki y el manga que le influencie, y es este apoteósico final.

Los actores están perfectos, ya que los secundarios son todos excelentes (Pfeiffer, Loggia, Bauer) y todos están supeditados a un genial Al Pacino que le imprime ese aire macarra que hacen de Tony Montana uno de los antihéroes mas célebres del cine.


Esta es una cinta realmente interesante y que mantiene un notable nivel en todo su metraje, y que merece ser recuperada, ya sea para los mitómanos amantes del GTA Vice City para entender cual es el juego cinéfilo que propone este juego en su línea argumental y en muchos de los personajes, gestos, como para cualquier amante de las epopeyas gangsteriles. Una gozada. Eso sí, les recomiendo ver el film en versión original subtitulada ya que nos perdemos como en muchas otras películas, el 50% del trabajo actoral, pero además, es que Al Pacino realiza un acento cubano memorable que merece ser disfrutado.

NAPOLEON DYNAMITE: ¡Vote for Pedro!

Napoleon Dynamite.
(Napoleon Dynamite, 2004).
D.: Jarod Hess.
G.: Jarod Hess y Jerusha Hess.
I.: Jon Hedder, Jon Gries, Aaron Ruell, Efren Ramirez, Diedrich Bader, Tina Majorino, Sandy Martin, Haylie Duff, Trevor Snarr, Shondrella Avery.
Duración.: 86 minutos. Color.


Su nombre es Napoleon Dynamite. Su animal favorito es el Ligre ( una mezcla entre el tigre y el animal). Cuando su vida le pone en evidencia su triste existencia, él.... ¡sale corriendo! Si amigos míos, para inaugurar este año, he escogido la que es una de las mejores películas del 2005... y la verdad me he encontrado con un film de culto.

Napoleon Dynamite se mueve entre los suburbios de Todd Solondz y los de Wes Anderson, con un toque del cine de Harmony Korine, y es la película freak por excelencia, que se convierte en una comedia adolescente protagonizada por un perdedor pero que se sitúa en las antípodas de todo lo rodado, y le da la vuelta al clásico género con su trasfondo triste, y con esas vidas patéticas que retrata.

Gracias a esos toques de humor podemos entender al clásico marginado de gesto torcido, que en nuestro peculiar antihéroe se convierte en un pobre muchacho, que a pesar de sus peculiaridades ( yo diría genialidades) quiere vivir en paz y con una chica a la que ame. Lo que ocurre es que es poco locuaz con sus sentimientos. Y el clima familiar no es el deseado. La trama se inicia cuando su abuela tiene un accidente inesperado, y su tío Rico un hombre anclado en 1982 se hace cargo de él y de su hermano, un tipo de 31 años que se pasa el dia chateando con su novia vía internet. Así que las excentricidades de Napoleon cobran todo el sentido con este fondo que realmente retrata a la perfección el sueño americano, que perfectamente personifica Rex, un peculiar saco de musculos adicto a los esteroides, que dice que ha inventado el Rex-Kwon-Do.

El film es una sucesión de gags, y la narracion discurre tranquila, y está llenísima de hallazgos, de chistes geniales, y de líneas de humor inolvidables. O la escena del baile de Napoleon, que se ha convertido en una antología absoluta debido a su comicidad. O cuando Napoleon prueba la máquina del tiempo que han comprado vía internet.

Jarod Hess se ha convertido en uno de los directores mas interesantes del panorama actual, y realiza un gran trabajo aprovechando siempre los planos fijos. El guión que escribe junto a Jerusha Hess no se queda atrás, mostando un retrato muy crítico con la sociedad opresiva e intolerante que muestra, pero presenta mucho más tacto con su catálogo de fracasados. Jon Hedder en todo un actor de culto, ya que el papel protagonista lo borda, a pesar de no mover mucho su cara durante todo el metraje, consigue estar espléndido. El resto del reparto no se queda atrás, estan geniales personificando a los espectros mas freaks de USA, y por lo tanto, el lado más cotidiano, más humano del american way of life alejado de estereotipos.


Aunque el final es bueno, no es precisamente un happy ending, y va concordando todo ese espíritu de humor absurdo que cubre la tristeza de unas vidas de unos inadaptados sociales. Aunque el film solo sea un entretenimiento no se le puede negar la innegable originalidad que propone. Una comedia anticlimática y arrítmica para muchos, con un ritmo reposado pero no aburrido, de esas que causan animadversion a partes iguales. Una joyita de culto llena de pequeños detalles que la hacen muy grande (Esas posturas emulando a los caballeros del Zodiaco) y la convierten en la gran película freak americana, o el gran festival de la cinefagia.

Puntuación.: 8,5.