HAPPY NEW YEAR Y TAL

Beban, deconstruyánse, sean irreverentes, pero no se pasen, preparen una buena resaca aunque sea ficticia, reserven el noventa por ciento de propósitos de trasfondo existencial para otro año sino se ven con coraje.....
Les deseo un feliz 2006, a regañadientes, a pesar de todo....

TIEMPO DE RECUENTO...... : " El mejor cine estrenado en 2005"

Es ya 30 de diciembre, y un fenómeno habitual en estos lares (por los que navego) de la blogosfera es hacer nuestras listas de lo mejor del año. En materia cinemática me he propuesto hacer dos listas. Lo mejor estrenado en 2005. Y lo mejor que he visto este año al margen de su año de estreno. Así de paso podremos comprobar cual es la calidad cinematografica del año. En fin, vayamos a la susodicha lista del mejor cine (totalmente subjetiva como todos sabemos) que se ha visto este año. Pero antes hago unas matizaciones, unas mea culpa que quizás me conviertan en desalmado.
No he visto Kiss Kiss Bang Bang; Serenity; Tu, y yo y todos los demás ; El Jardinero Fiel ; La novia cadáver; Napoleon Dynamite (pero la veré muy pronto), Eros; Caché, ( y alguna más que se me escapa), así que no les extrañe que vaya actualizando esta lista hasta lograr la definitiva, (y volverla a publicar). Ah y ni el delirio chocolatero de Burton ni Peter Jackson van a aparecer. Avisados quedan....



1- Match Point (Woody Allen).
Sólo con mencionar los nombres de Woody Allen y Scarlett Johansson mis ganas de verlas superaban a cualquier propuesta. Rodada en Londres. Cambio de registro. Y una vez vista, que película señores. Una de las mejores películas de Woody Allen, (además) la película del año. Con un guión prodigioso y ecos a Highsmit, a Hitchock y a Un lugar en el sol, el neoyorquino dirige actores británicos como el más londinense ( y que bien los aprovecha) y teje un thriller de falsas apariencias y lo azoroso de nuestras vidas. ¿Sólo eso? Scarlett Johansson tan sensual y prodigiosa como siempre, Jonathan Rhys-Meyers, impagable. Y una última media hora donde nuestro neurótico de Manhattan maneja al especador cual títere, para terminar llevandóse el partido. André Agassi al lado de Allen, un novato. Un film impregnado de una madurez y una inteligencia únicas. Un film redondo, irrepetible, y magnífico. Por todos los lados.



2- Life Aquatic (Wes Anderson)
Bill Murray encarna con un pie en en un anacrónico (parafreseando al mostrenco) Capitan Haddock y el otro en Jacques Costeau a Steve Zissou, la última criatura del genial Wes Anderson. El film más original del año (déjense de Burton y de historias, ¿quieren originalidad y mundos personales? superen esta maravilla....) y el más único y personal. Manuel Yáñez, y otros ya olieron lo que se cuece aquí dentro. Una obra teatral de Max Fischer. Esa magnífica secuencia donde se recorre el barco como si fuera un decorado teatral. Y esas coñas sobre los delfines, impagables. Díficil escoger algo, aunque todos hemos caído bajo el embrujo de las versiones en portugués de David Bowie que canta Seu Jorge, y el encuentro con el tiburón espada, donde éste peculiar Achab redime su destino. Una gozada.




3- Sin City (Frank Miller & Robert Rodríguez)
Sexy, atrevida, innovadora, veloz, adrenalítica, experimental, sugerente, violenta, atroz, oscura, siniestra. Lo que para muchos amantes de la (grandísima) obra de Frank Miller nos parecía poco menos que un sacrilegio, Robert Rodriguez transmuta lenguajes, y convierte viñeta por viñeta, el primer film-cómic. Encima tenemos a Jessica Alba, Britanny Murphy, Rosario Dawson, Jamie King, Alexis Bledel...... Y también a unos pletóricos Bruce Willis, Mickey Rourke, y Clive Owen (que no hace sombra a estos titanes no obstante). Y a cult actors como Elijah Wood, Rutger Hauer, Nick Stahl. ¿Qué mas queremos? Serie negra hiperbólica, tipos duros, mujeres fatales en un film maravillosamente único, que lejos de ser una apología de la violencia como hablan los cuatro progres (en el fondo retrógrados) habla de como el amor esta por encima de todas las cosas. Hartigan, Marv, y Dwight actuan por un altruismo muy claro.: el amor. Y lo hacen en un mundo corrupto y sin esperanza. Puro romanticismo. Una experiencia que merece vivirse. Quien se la haya perdido, pecado capital.



4- Million Dollar Baby (Clint Eastwood)
No es que no merezca estar entre las 3 primeras (podría decirse que esta ex aequo en el segundo, el primero o el tercer lugar), porque estamos ante un verdadero clásico del cine. Y una historia de amor puro, sin coartadas cursis, ni parejas imposibles. Eastwood, (el viejo zorro) encadena tras Mystic River otro peliculón. Esta vez utiliza como forma de la historia el boxeo, aunque lo que nos dice el crepsucular vaquero, es que son los golpes que recibimos en la vida, las heridas profundas, las que calan mas hondo. Morgan Freeman es testimonio de esta historia de almas tristes que son Hilary Swank y el propio Clint, y a la par narrador, como si recitara un poema. Un clásico del cine. Desde ya. Y la ví en el cine.



5- Old Boy (Park-Chan Woo)
Park Chan-Woo parece el hermano hiperactivo de David Fincher, con esa estética donde la cámara es capaz de meterse en las cosas imposibles, y donde la opresividad sugerente de Seven se reduce a optimismo de críos después de ver esta joya. El cineasta coreano hace muchas cosas, y todas en éste film consiguen un equilibrio genial. Primero, hace cine. Por encima de todo. Para ello éste film podría decirse que es multigenérico, que juega con el espectador constantemente. Después, se plantea una inteligentísima historia de venganza, que mas bien parece una clásica tragedia griega. De nuevo el claiscismo de fondo, y la innovación formal. Choi Min-Sik el hombre que encarna al maltrecho Oh-Dae Su está genial. Hay que decirlo. Aunque sea asiático ( y muchos no sepamos valorarlo debido al choque cultural y todo eso...), la suya es de las mejores actuaciones de este año. Y el film también sin duda alguna, una mezcla de instinto bizarro y malsano con el de la belleza más pura que mutan en la peculiar visión de su director. La secuencia final es pura poesía.



6- Una historia de violencia (David Cronenberg)
No faltan aquellos que dicen que Cronenberg se ha vendido , que ya no es el que era, sólo por realizar un film estéticamente diferente a lo que ha hecho anteriormente. Digo estéticamente, porque me parece muy acertado, que un maestro (como es él) cambie las formas del terror enfermizo, por las convenciones del cine negro y el western, como mezclando a Peckimpah, a Lynch y a Torneur en uno, para narrar una historia donde demuestra que el hombre es un animal irracional, violento, y que hay que aceptarlo. Y que todos tenemos una persona oculta, oscura, que se esconde tras nuestra apacible piel. Sensacional película, donde Cronenberg observa a un ser humano irracional y violento (por naturaleza) pero siempre mirando de cara al problema.



7 - American Splendor (Shari Springer Bergman y Robert Pulcini)
Harvey Pekar, dibujante de cómics que empezó a hablar del existencialismo para las masas, o de la insoportable levedad de la vida cotidiana, merecía un film como éste. Tan original (mezclando documental, aparente biopic y el propio cómic) y divertido a la par que melancólico. Acompasado por lo que él oía, deliciosas piezas de jazz y soul (desde Jay McShann, hasta Marvin Gaye) y con una aparición estelar del dibujante que lo descubrió Robert Crumb, muy bien retratado en el film. Y además protagonizando, el descubrimiento del año.:Paul Giammatti. Le acompaña una no menos portentosa Hope Davis.



8- Flores Rotas (Jim Jarmusch).
Regresa un inspiradísimo Jim Jarmusch, tras su recopilatorio reflexivo acerca su filmografía, y la aventura del Ghost Dog. Escoge como protagonista, al tipo que mejor representa el estado de indefinido hastío vital.: el grandioso Bill Murray. Una banda sonora de altura, para narrarnos el periplo de un fracasado Don Juan, que repasa a sus cinco amantes para que entendamos su presente, y buscando a un hijo que tal vez sea su salvación. Un film divertídisimo e inteligente y reposado en sus silencios, donde Jarmusch regresa a su mejor momento desde ya. Eso sí, abstenganse a los no iniciados en Jarmusch. Su cine se aleja de los dinamismos del cine comercial actual, y yo se lo agradezco, además cuenta una historia de una forma grandiosa, y con situaciones tan tristes como hilarantes.



9- La guerra de los mundos (Steven Spielberg)
Spielberg deja de creer que los alienígenas son pacifistas. Se ha acabado la movida de la new age, y la URSS que desintegraba para que el mundo fuese un lugar mejor. Estamos en la sociedad del miedo, post 11-S, y ahora el enemigo de fuera puede atacar en cualquier momento. Por lo tanto los que vienen, traen consigo la guerra y la destrucción. Aparte de ser una obvia alegoría social sobre lo ocurrido en el World Trade Center, es un film dirigido con el pulso del tipo que mejor narra y domina el espectáculo. Es Spielberg. A pesar de detalles chirriantes (Como el final, Tom Cruise) el film contiene secuencias geniales, que solo un maestro puede realizar.

10. Garden State (Zach Braff).

Debut en la dirección de Braff, una comedia generacional de excelente banda sonora y reposado ritmo. Lo que intentó hacer Cameron Crowe con Elizabethtown (ultra-deficiente por lo que me han comentado, aunque esta me voy a tomar la libertad de no verla ) pero con calidad. El regreso a un pueblo, una juventud perdida (literalmente) quedan magníficamente retratados con un marciano sentido del humor. Además Natalie Portman está bien. Y es uno de los films que más gratamente me ha sorprendio.

11- Batman Begins (Christopher Nolan).
Todos teníamos miedo. ¿Como sería el nuevo film de Batman? Pues ha resultado ser una joya. Por primera vez Batman deja de ser un acartonado hombre de armadura, y una locaza homosexual. Para ser Batman. El que todos conocimos. Frank Miller vuelve a ser el responsable de ello. No directamente porque el guión lo escribe un brioso David S. Goyer. Sino porque sin Batman Año 1 obra capital de Miller y Mazuchelli este film no habría existido. Ni ese arrebatador homenaje final que se le hace. Además, el film resulta que es una estupenda metáfora social. ¿Quien la podría servir? Un Nolan que aunque dirija una superproducción anda lejos de abandonar su talento. Bruce Wayne es otro personaje torturado por su identidad y por sus recuerdos. Como lo son Leonard Shelby y Will Dormer.



12. Star Wars Episodio III: La venganza de los sith. (George Lucas).
George Lucas bajó muchísimo el listón con el primer episodio. Lo del segundo ya fue sonrojante. No obstante, todos somos agradecidos y volvimos a ponerle en el punto de mira. Él demostró que todos los amantes de aquella primera (y gloriosa ) trilogia. Darth Vader nació, y además un film en la mejor línea de El imperio contrataaca, emocionante, veloz, oscuro y que nos hace revivir la fantasía galáctica. Hayden Christensen actua y hasta los actores parecen tener más ganas de afrontar su papel. Eso sí, aunque el film es notable, hay que reconocerle una cosa. Lucas cuenta con un gran director de segunda unidad (no se si lo conocerán, un tal Spielberg), pero el guión, no es lo suyo. A pesar de todo, algunos dialogos siguen siendo patéticos.



13. Entre copas (Alexander Payne).
Alexander Payne retrata a dos perdedores quemados por la vida, (por el fracaso) que terminan resultando de pateticos (y similares a nosotros) entrañables. Con un pulso firme y un divertido sentido del humor, Payne insiste en viajes que son viajes interiores, no tan sencillos como parecen. La película se basa en dos actores gloriosos, capaces de hacernos reír, y llorar y en una deliciosa BSO jazzística de Rolfe Kent.


14. Primer (Shane Carruth)
¿Tomadura de pelo por parte de un pedante ingeniero metido a director de cine? Lo que está claro es que éste viaje del tiempo me descolocó mucho mas que Donnie Darko (aunque ¡ojo! no me gustó ni la mitad que la de Richard Kelly, que como buen film de culto, tengo que revisar e intentar analizar, eso si con el beneplácito del emperador de los helados). Vi mucha pedantería, pero también algunas ideas inteligentes. El film más críptico del año. ¿Quien se atreve a realizar un spoiler?


15. El Aviador (Martin Scorsese).
Este film tiene una ávida legión de críticos que la admiran (con sus mas y sus menos) y unos detractores que la consideran intrascendente. De hecho en parte lo es. Scorsese es el cronista de las vidas más fascinantes de la sociedad americana y esto lo ha demostrado hace tiempo. Pero atención, esta historia no va a ser Toro Salvaje porque el resultado es un film notable, que se dedica a ejercer la cinefilia durante todo el metraje. No pasa de ahí, pero yo tuve la palabra Rosebud metida en la cabeza, y sospecho que no por casualidad. Después en los Oscar, a nuestro capo, lo noqueó Clint, con un clásico que nadie esperaba que se sacara de la manga. Ni yo.

Y ahora enfadénse , adjetivénme, y comparen sus listas. ¿Demasiado previsible ? Quizás, quizás. ¿Añoran al gran gorila? Cierto cierto. ¿Añoran a los Aardman? Exacto, tampoco la he visto (pero hay prediposición). ¿Añoran el delirio de los perpetradores de la ya mítica Shaolin Soccer ? La veré, pero sólo en versión original. Por lo que me han contado, en España hemos vuelto al doblaje "acertado". Tampoco he visto la de Neil Marshall. Ni la de Rob Zombie (aunque pronto la vea).

HE GOT GAME: El mesías de la canasta

Una mala jugada.
(He got game, 1998)
D y G.: Spike Lee.
I.: Denzel Washington, Ray Allen, Mila Jovovich, Rosario Dawson, Ned Beatty, Hill Harper, Jim Brown, Lonette McKee, John Turturro.
Duración.: 136 minutos. Color.


Spike Lee es un buen cineasta que aunque en la primera mitad de los noventa realizó un buen puñado de films intereantes, se pasó toda la segunda dirigiendo spots para Nike y realizando films menores, casi exclusivamente dirigidos a la sociedad afroamericana. Esto no es que difiera de la primera mitad, sino que eran historias muy localistas, o bien poco interesantes.

Uno de éstos films olvidados es He got game ( solo citaré una vez el absurdo título español) que narra la historia de una relación truncada por culpa de un deporte.: el baloncesto. Y a su vez epicentro de todo el eje argumental sobre el que gira el film. Jake Shuttlesworth es un convicto que tiene una semana para ganarse el perdón de su hijo Jesus, que se ha convertido a su joven edad en la promesa nacional más grande de baloncesto. El alcaide propone a Jake un pacto. Cómo el gobernador de Attica (prisión en la que se encuentra Jake) es fanático del baloncesto, si logra que su hijo ingrese en esa prisión su condena cederá notablemente. La misión de Jake, es escoltado por dos agentes de la condicional, y con una semana de tiempo lograr que Jesús ingrese.

Aparte de la consabida previsibildiad que conlleva esta historia de baloncesto, el film destaca por la media por el acertado retrato que hace del mundo de la NBA, la comunidad afroamericana, y todas las relaciones que se establecen sobre el personaje principal del joven Jesus. Casi todos los que se acercan a él, incluso su padre (sin duda un buen acierto del guión) es con un fin lucrativo, y me parece bastante inteligente el hecho de que también su propio padre Jake se quiera ganar un perdón en favor de un beneficio.

En la estética Spike Lee apuesta por esos spots de Nike que tan bien conoce. Imagénes difuminadas, efectistas. Sin duda esto llama la atención, pero uno se harta de la bestial publicidad subliminal (Es un decir) que contiene el film. Lo de Nike, ya no tiene nombre, supongo que tiene que ser la productora del film. Después esta la cadena de hoteles Marriott y demás. También parece en ocasiones un caro videoclip de rap. Sobretodo en la conversa de Lala y Jesus.

Aún así es una dirección eficaz, pero no sorprendente. Los actores estan correctos, aunque desentona un tanto Denzel Washington que no sabe a veces abordar el papel de bastardo, cuando le tenemos ya muy creíble en su papel de buen hombre. El actor se esfuerza, pero el cambio de registro no termina de ser creíble. Sin embargo casi lo consigue, pero en otros momentos cae en su faceta que mas conoce. Ray Allen y el resto de los acompañantes, estan correctos, sin ningun gran momento de lucirse interpretivamente.

Aunque solo sea con el inteligente canjeo mesiánico del nombre del protagonista y todas las bromas el film ya se vale la etiqueta de interesante. Después esta la relación paternofilial, y aunque la trama se desvela muy previsible, sin apenas misterio, ni emoción, hay en el final un pequeño giro sorpresa que la hace ganar.

El resultado es un film tan eficaz como se proponía, y que es un interesante retrato del mundo deportivo del baloncesto desde la perspecitva de esas jovenes promesas afroamericanas que surgen al año en estados unidos. Y también destaca por encima del film la excelente canción que le da título (el original) que interpretan unos inspirados Public Enemy, uno de sus mejors temas.

Puntuación.: 6,5.

ASESINOS NATOS:Waiting for the miracle

Asesinos Natos.
(Natural Born Killers)
D.: Oliver Stone.
G.: David Veloz, Richard Rutowski y Oliver Stone segun una historia original de Quentin Tarantino.
I.: Woody Harrelson, Juliette Lewis, Robert Downey Jr., Tommy Lee Jones, Tom Sizemore, Ashley Judd, Yared Harris, Russell Means, Rodney Dangerfield, Pruitt Taylor Vince, Steven Wright, Balthazar Getty.
Duración.: 114 minutos. Color / Blanco y negro.


Hay films que son odiados y amados a partes iguales. Que arrasan en su día entre la crítica mas o menos moderna, y que se convierten en objeto de odio por los sectores más conservadores, según las excepciones. Y me sorprende que el film que se me presenta haya sido tachado en USA, tierra de la hipocresía moral, de inmoral, amoral, violento, gratuito y demás. Porqué tal y como han señalado muchos, lo que hay aquí es una sátira en toda regla. Y como cualquier sátira, en el sentido estrictamente clásico, con un mensaje en el fondo moralista.

Supongo que es fácil dejarse llevar por las imagénes (y que imagénes) de esta pieza. No se exactamente si considerarla cine. Lo digo porque en demasiadas ocasiones el termino cine se asocia con el cine convencional. Esta película es mitad cine experimental, mitad modernez, mitad pieza de videoarte. Al menos a mi los primeros cuarenta y dos minutos me parecen estéticamente videoarte puro y duro. Se trata de una descarga efectista de imagénes unidas por una vaga excusa argumental , de imaginación inabarcable, trabajadísimo montaje (el gran acierto), y sobrada inteligencia, acompañadas por una sonoridad imperante. Pero que fondo sonoro señores. Leonard Cohen, Bob Dylan, Cowboy Junkies. Música de altura.

Los modernistas, como Gaudí, siempre insisten en que para ser moderno hay que regresar a los clásicos. En realidad, el fondo de Asesinos Natos es el más clásico de toda la vida. Una denuncia en toda regla. Lo que ocurre es que la estética adrenalítica se puede tomar en exceso. Es excesiva, de hecho es lo que pretende. Retratar la visión del autor sobre un mundo donde hasta la locura puede ser una estrella del rock and roll. La historia es la de Micky y Mallory Knox. Ambos de infancia trágica y maltratada. Inician su peculiar venganza contra el mundo, y su descenso a los infiernos, asesinando a más de 50 personas, en poco tiempo. Convertidos en ídolos mediáticos por Wayne Gale un amoral presentador de la televisión, de un programa American Maniacs que identifica claramente el sensacionalismo y el miedo que dominan USA. Encerrados en la prisión por Jack Scagnelli, un detective tan peligroso como ellos, Gale consigue entrevistarlos, y ya se han convertido en figuras mundiales.

El film es toda una patada de las que duelen al corazón moral de USA. Es prácticamente un estilo de sátira similar al que practica David Fincher con El club de la lucha. Pero esta vez solo al nivel norteamericano, Oliver Stone denuncia cada una de las inmoralidades y barbaridades que comete USA creando una violencia que pretende denunciar. El primero de sus blancos. Mickey y Mallory son dos personas patéticas. Ambos han sufrido la violencia desde la infancia. Mickey era frecuentemente maltratado por su padre. Él sacó a la joven Mallory de una familia rota, donde su padre la violaba por la noche, y veia el alchoholismo de su madre. La sociedad les da la espalda, pero aplaude con cierto morbo sus atrocidades. Les prestan atención. Pero Stone no olvida que son patéticos. Wayne Gale, presentador pretendidamente democrata (en el sentido de que es del Partido Democráta) de izquierdas y liberal. Se dedican a vender la violencia y a repartir el miedo en sus hogares. Nadie mejor que Robert Downey Jr. para encarnar ese estamento de la sociedad que se esconde en el filo de la doble moral para encarnarle. Después esta "La Ley". El detective Jack Scagnelli, que mata prostitutas, y que tiene una peligrosa obsesión con Mallroy Knox. Un masoquista y torturador también desequilibrado por el asesinato de su madre a los nueve años. El alcaide de la cárcel donde estan los Knox, Dwight McClusky. Un fascista obsesionado por la violencia que morirá abrasado por la misma contundencia con la que tortura a estos presos. O la juventud que manipulada por los mass media adora a los asesinos. Los retratados (quizá la generación grunge) se muestran como jovénes perdidos, y que buscan su escapada outsider en ellos dos.

Todo éste sadismo y crueldad que contiene el film es extremo. Pero también cabe señalar que Stone no va hacernos desagradable la visión del film. Se encarga de suavizarlos en cierta manera y en no caer en que las imagénes se hagan insoportables. Es un film muy violento pero también muy estilizado. La estética del film merece un punto y aparte. Stone experimenta completamente con el lenguaje cinematográfico, y cuenta con dos montadores Hank Corwin y Brian Berdan excelentes que le sincronizan este carrusel de imagénes que es el film. El lenguaje cinematográfico que propone éste film es una mezcla de muchos otros, de ahí su señalado carácter experimental. Muchas veces hace eco al cine de los años setenta, con esas imagénes estéticamente deudoras (también rinde homenajes a esos films de estética sucia de Craven, Hooper), también utiliza un blanco y negro desmesurado (intencionadamente) para jugar también con el uso de la estética televisiva (de los programas que parodia y denuncia ) , de la publicidad, del videoclip, e introduce miles de imágenes (una especie de cóctel) incluyendo parcelas de imaginación. Todo esto se hace para retratar el ambiente enfermizo y de locura que supone el film. También juega con las sitcom. Es increíble el trozo en que se rueda como si de una sitcom se tratase, el clima familiar donde crece Mallory, con un Rodney Dangerfield alejado de sus payasadas habituales, encarnando al prototípico padre de familia pederasta, alcholizado y tiránico. También en éstas imagénes se respiar cinefilia. Y detalles, pequeños, que solo con las revisiones a cautela podremos ir viendo. Grupo Salvaje, Scarface, La naranja mecánica son sólo algunas de las piezas que Stone homenajea por el camino.

Los actores estan excesivos y geniales. Desde los dos protagonistas unos apoteósicos Woody Harrelson y Juliette Lewis, hasta el siempre genial y ya citado Downey Jr., sin olvidarnos de unos muy divertidos Tommy Lee Jones y Tom Sizemore encarnando a la América violenta y fascistoide de las placas y las pistolas.


Es lógico que al acabar el film uno quede un tanto mareado por esta sucesión vertiginosa, pero no se le puede negar que es increíblemente aboserbente, fascinante, y divertido. Porqué amigos míos, a pesar de sus excesos (que los tiene) Asesinos Natos es una cronometrada joya de culto, cuidada hasta el máximo a nivel estético con un estupendo mensaje de fondo. Un film que supone toda una experiencia para el espectador, y que no va a dejar indiferente a nadie con ese impetuoso espíritu netamente posmoderno. Y de banda sonora impecable por cierto. La banda sonora es lo único que sus máximos detractores quizá salven.

Puntuación.: 9.

AREA 51 - LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS : ¡You're the next!

La invasión de los ladrones de cuerpos.
(Invasion of the body snatchers, 1956)
D.: Don Siegel.
G.: Daniel Mainwaring sobre los relatos de Jack Finney.
I.: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, Carolyn Jones, King Donovan, Virginia Christine, Tom Fadden, Guy Way, Sam Peckinpah.
Duración.: 80 minutos. Blanco y negro.


Don Siegel es uno de los directores de los que más ha aprendido Clint Eastwood en su labor como director (el otro es obvio que es Sergio Leone) y además es uno de los más destacables artesanos del cine clásico americano de los últimos tiempos. Tiene obras muy estimables, y dispares, y ejemplos de ellos on La jungla de asfalto, Harry el sucio o la que nos ocupa un clásico de la serie B de los años 50.

Con un tercer remake ya en manos de Olivier Hirschbiegel con Nicole Kidman de protagonista, esta primera versión recoge la historia con unos parametros fascinantes. La historia se inicia cuando un psquiatra de la policía llega a un hospital donde reposa Miles Bennell que le relata la historia. A la llegada a Santa Mira el doctor Bennell donde se reencuentra con Becky Driscoll observa una extraña epidema histérica que provoca extrañas reacciones en la gente. Pronto saldrá a la luz que se trata de unos alienígenas que sustituyen a la gente mediante réplicas exactas robandoles sus recuerdos y comportandose como seres carentes de emociones.

Una de las muchísimas virtudes que acompaña este film es su mezcla de distintos géneros que la hace más hábil. Aunque es un film que combina el terror, la ciencia ficción y la fantasía mas pura, los parametros que sigue son propios del film noir mas característico. Además logra transmitir toda una atmosfera que pretende, a la que el film sugiere el contorno político. Es largo y extenso el debate sobre si se trata de una parábola anticomunista o una parábola de la caza de brujas de la época, y Bennell hace unas nada gratuitas referencias al clima de la época "donde todo es posible".

Los elementos de fantasía del film son bastante más claros, en el duelo de Miles y el doctor Dani Kaufmann, donde el amigo Jack, y Miles que han visto a un cadáver (que no lo es, es una réplica alienígena) ellos le piden que deje de buscar explicaciones racionales a todo, y que todo es posible. En cambio el film plantea unos ambientes nocturnos estrictamente, y otros lugares comunes propios del cine negro de la época.

También cabe destacar el maravilloso matiz psicológico del film, donde un pueblo se convierte en símbolo de paranoia. Lo que demuestra este film es que la realidad absoluta no llega a existir puesto que una vez los alienígenas ejercen la suplantación, a ellos les parece que viven en la mas absoluta rutina. Y Siegel juega muy astutamente al contrastar los momentos donde la normalidad y lo extraño confluyen de una manera que se hace imperceptible, por lo tanto el clima de desasosiego se hace axfisiante tal como se pretende, sin recurrir a efectismos, pero traslada todo el punto de vista narrativo estrictamente a la visión que tiene Miles. Don Siegel no pretende que nos planteamos quien es un alienígena y quien no, aunque haya una pequeña licencia dramática con Becky, lo que pretende es como observemos lo relativo de la llamada "vida normal". Lo que empieza siendo como una epidemia que mira con escepticismo Miles ( y nosotros) , terminamos observandola como una plaga (como él) por lo tanto nos contagia de esa paranoia, sin envenenar al espectador. Escenas como la del night club abandonado y desolado empiezan a crear el clima. Otro mérito del film.

Aparte de crear ese certero clima que a día de hoy por fortuna se mantiene, el film contiene ese sabor netamente pulp que tanto ha fascinado a posteriores realizadores (uno de los más fervientes admiradores es Joe Dante que no se priva de homenajearla en cada película de su filmografía, ya sea mediante presencia cómplice de Kevin McCarthy o mas explícito) y que ha generado los tres remakes. La idea de las vainas es realmente sugerente, y destaca el film por ese ambiente paranoide y violento que Siegel contiene con escenas de violencia, intuidas pero no mostradas. Todas las persecuciones tienen ese hálito.


No es de extrañar pues que esta maravilla se conserve tan bien. Cuenta con unos actores que no eran estrellas pero que bordan sus papeles (estupenda Dana Wynter y el citado cambio en la cueva, y un magnífico McCarthy), y un ritmo realmente trepidante que aún hoy sorprende, porque es una obra artesanalmente perfecta que funciona a todos sus niveles. Y a pesar de todo con un ajustado pero adecuado final.

Puntuación.: 10.

LA INTÉRPRETE: El regreso del mejor Pollack.

La intérprete.
(The Interpreter)
D.: Sydney Pollack.
G.: Charles Randolph, Scott Frank y Steven Zaillian según un argumento de Brian Ward y Martin Stellman.
I.: Nicole Kidman, Sean Penn, Catherine Keener, Yvan Attal, Jesper Christensen, Earl Cameron, Sydney Pollack, George Harris, Michael Wright, Maz Jobrani, Tsai Chin.
Duración.: 120 minutos.


Sydney Pollack regresa a la dirección con un thriller que tuvo como principal reclamo aparte de sus dos intérpretes protagonistas, el haber logrado estar rodada en la propia ONU, y que supone un regreso de Pollack al terreno que mejor domina, y donde nadie le gana.: el thriller de transfondo más o menos político.
Los 3 días del Cóndor, La Tapadera son dos ejemplos de lo bien que se le da el dominio de éste estilo donde se revela uno de sus principales valedores, fallecido Alan J. Pakula su otro claro exponente.

El problema de éste thriller es que es en exceso previsible. El guión propone un excelente desarrollo pero la idea del punto de partida ya da muchos indicios de la solución final, de manera que aunque hay momentos gran tensión , Pollack olvida que el suspense también tiene que ser esencial para que una intriga termine de encajar en el espectador. Si aceptamos estas tramas del guión, el resto es bastante completo. La intérprete no presta demasiada atención al dinamismo que tanto inunda al cine actual, y se opta por profundizar en los personajes, así el film se revela un drama sobre venganza que el guión maneja muy bien.

El film empieza con un leit-motiv un tanto clásico, y hasta manido por muchas de las producciones de Hollywood a lo largo de los años. Una traductora de la ONU, Silvia Broome escucha una conversa donde se amenaza con asesinar a un importante mandatario africano que va a dar un discurso para defender sus actuaciones represivas y no ser juzgado por crímenes contra la humanidad. Inmediatamente Tobin Keller, eficaz agente del servicio secreto se encarga de investigar estos sucesos.

A partir de esta manida premisa Pollack tiene bastante maestría y efectividad en rodar un thriller en exceso marcado por una trama fácilmente adivinable. Eso sí, no cae en los excesos y se muestra mesurado. Así nuestro agente del servicio secreto no se va a convertir en un superhéroe, y siempre ralla en la corrección. El problema está en su dominio del argumento conspiratorio que aunque está bien nunca llega a ser en exceso opresivo para el espectador, y si que tienen mucho mayor calado la reflexión que propone sobre si la ONU es el mediador encargado de solucionar y privar las guerras, o el tema de si la venganza es la solución para curar una perdida.

Los actores se muestran todos excelentes. Sean Penn y Nicole Kidman aportan un rostro y una alma perfectas para sus dos personajes torturados sin caer en los excesos ni en las sensiblerías, y resuelven con modélico ejemplo su reto, y ambos transmiten a la perfección sus personajes.


El final del film es muy agradecido porque se muestra plenamente coherente y no cae en ningún exceso hollywoodiense. Pollack crea escenas de gran tensión como la del autobús, que van en consonancia con el drama melancólico que rodea al film. Por todo ello, La intérprete es el regreso al cine del mejor Pollack que se muestra contenido y eficaz.

Puntuación.: 7,5.

3+1

Ella se llamaba Maria Endrinal Petit. Había abandonado a su familia para largarse con un ejecutivo francés del carrefour. De pequeña dicen que era pizpireta y bella. Una vez fue secretaria. Una vez fue madre. La llamaban Charito. La jugada no le salió bien. Y todos le dieron la espalda. Ahora vagaba por las calles (esas calles en las que pronto será ilegal estar, cortesía de Joan Clos, el primer socialista que tan bien sabe evocar al régimen).

Ellos eran tres amigos. Huidos del instituto, y también de la sociedad. Tenían nombre y apellidos. Ricard Pinilla Barnés, Oriol Plana Simó, mayores de edad, aunque solo por años, no por mente y un menor llamado Juan José M.R. A éste último le llamaban Vader, y también dicen sus allegados, que solo era un cobarde, y daba más lástima que miedo.

Una noche de estas navidades donde todo son sonrisas y no hay lugar para la tristeza, estos jóvenes quemaron a esta mujer en el cajero. La rociaron con gasolina, y añadieron fuego. Dice uno de los padres que lo hicieron sin mala intención. Para escarmentarla.

Dicen los medios que estos jóvenes jugaban a videojuegos violentos y veían La naranja mecánica. Ya se sabe que las películas violentas....
No. Al carajo. Kubrick no incita al a violencia. Pero ¿no será que en la sociedad actual la salud mental sigue siendo un tema tabú?
Poco importa, porque todo sigue igual, y tenemos a 4 víctimas de una sociedad donde nos pregonan que vivamos entre besos y porros, fiestas que nunca acaban, y ser los protagonistas de esta película de la vida que sobrecarguemos de glamour impostado.

Ellos eran extras. Eran patéticos. Y miradles. Los despreciamos y adjudicamos la culpa a una obra de arte como la de Kubrick, que precisamente denuncia la violencia en la sociedad. Pero eso siempre es más sencillo.

Maria Endrinal Petit. Descansa en paz.
Los otros tres, estaban muertos hace mucho tiempo. Aunque ahora esten en la cárcel, o en un reformatorio. No importa. Nacieron muertos. Pero da igual. Ahora los abrasaremos a ellos, diremos que son el Mal, y nos apiadaremos de esa vagabunda que el resto del año solo ocupa portales, cartones, y que nos importa esa porción que ocupa ella. Nada. Y también criticaremos, insultaremos gratuitamente a adolescentes que son monstruos que nosotros creamos. Pero es mas facil ¿verdad? Después seguiremos cantando villancicos y esperando la lotería.

- PD.: Mil gracias a Ignacio Escolar.

NOVELTY

Un día de grandes proyectos.:

-David Lynch va a llevar al cine la vida de David Bowie en el proyecto Major Tom meets Ziggy Stardust as the worlds fall down. Kyle MacLachlan podría encarnar el papel principal.

-Todd Solondz es el director escogido para Watchmen. La Warner ha declarado que Solondz es el director que mas puede captar la sensibilidad del cómic.

-Charlie Kaufmann podría dar el salto a la dirección con el remake de You're the one de José Luis Garci.

Yo ya espero impaciente.....

HAPPY XMAS

Felices navidades a todos señores. Les dejo con una lista de peliculas para gozar en navidad.:

-Gremlins.
-Los Cazafantasmas.
-¡Qué bello es vivir!
-Bad Santa.
-Hannah y sus hermanas.
-Atrapado en el Tiempo.
-Plácido.
-Jungla de Cristal.
-El dia de la bestía.
-Mixed Nuts (una de Nora Ephron que hoy ví y creo que vale la pena revisar)
-Trilogía Regreso al Futuro.
-Pesadilla antes de Navidad.
-Eduardo Manostijeras.

KING KONG: "Mighty but not Monster "

King Kong.
(King Kong, 2005).
D.: Peter Jackson.
G.: Peter Jackson, Fran Walsh y Philippa Boyens segun la historia de Merian C. Cooper y Edgar Wallace.
I.: Naomi Watts, Adrien Brody, Jack Black, Thomas Kretschmann, Andy Serkis, Jamie Bell, Colin Hanks, Evan Parker, John Summer.
Duración.: 190 minutos. Color.


El año pasado también me enfrenté a un homenaje al pulp en toda regla. Era Sky Captain y el mundo del mañana. En Peter Jackson encontramos mas que un remake, un homenaje al clásico de los 30, y realmente despues de verla uno tiene claras varias cosas. Que la original es un clásico que perdurará en nuestra memoria. Que esta versión es digna y no ofende. Pero que la pregunta de si es necesaria (hacerla tan larga) se me paseo por la mente.

El film tiene un arranque arrollador. Y un final arrollador. ¿Que ocurre? Pues que el desarrollo es pesado. El inicio con la presentación de personajes, los arrebatadores guiños a la original ("Fay esta para la RKO, Cooper" espeta un envidioso Denham, y rodando en el barco), esos toques de screwball comedy, esa descripcion de New York. Vamos que hace que el espectador se olvide que esta ante un remake y si hace falta o no. Los actores estan sensacionales, incluso la un tanto insulsa historia entre Brody y Watts cuela. La referencia al corazón de las tinieblas se revela una declaración de principios y el desembarco en Skull Island es colosal. Uno siente que "esto no es un libro de aventuras" como espeta Jimmy (Jamie Bell que deja el tutú pero no llega a la edad adulta) a Hayes. Todo el sabor que rodea esta parte es sabrosísimo. Esta primera parte del film es excelente, y termina en la persecución de brontosaurios.

Hasta aquí bien. Pero a partir de las luchas de los T-Rex y el uso y abuso de los bichos, yo ya estaba sobresaturado de ritmo trepidante. Esto en un videojuego a lo mejor encaja pero en el ritmo de una historia que no da para más pues no. Y es practicamente una hora de pesadilla. Uno ya tiene aburrido al personaje.

Hasta que llega el final, y vemos una vision donde cuenta mas la crueldad humana capaz de destrozarlo todo. Y la muerte de Kong nos conmueve.

¿La conclusión? Globalmente es un conjunto sumamente irregular. Jackson se ha excedido en todo. Y esto agota. La pelicula es entretenida, soportable, no llega a molestar, pero se hace muy pesada. En ningún momento sentí que era un gran entretenimiento. Y hay films de larga duración que al revisarlos se me pasan increíblemente deprisa. Pero el dinamismo de King Kong no funciona porque la historia se agota y el guión insiste en los mismos pasajes todo el rato.

Técnicamente es una proeza. Kong es un personaje mas y es muy expresivo. Impacta verlo en cine. Los actores estan correctos, pero la que se lleva la palma es una preciosa Naomi Watts que nos enamora. La conexión que se establece entre ellos es muy inocentona y naif, y eso le da mas encanto.


Sky Captain tenía una historia en exceso simple, pero no se alargaba para nada. Era consciente de ser un bonito envoltorio visual, de ambientación retro. King Kong no es consciente de sus propias limitaciones. O mejor dicho Peter Jackson que ya cansa con estos excesos que ahora ya no vienen a cuento. Es loable su intención de hacer un homenaje pero es que termina agobiando al espectador. Es un film que no volveré a ver en muchisimo tiempo porque aunque el final es realmente emocionante, el film se revela agobiado por una pregunta a la que no desisite pese a su buen sabor en buenos momentos.:
Sí, no desmerece a la original, y es un encantador homenaje ¿Pero hacía falta tanto para tan poco? La original duraba 100 minutos y a pesar de algunas diferencias (sobreotdo referidas al gorila que aquí se humaniza más y se revela un incomprendido por un humano malvado que crea sus monstruos) era capaz de contenerse.

La respuesta la tenemos nosotros. Para mí esta claro que si publican un Recorte del director (en este caso no funcionara una version extendida), la película puede ganar verdaderos enteros. Se lo juro Mr. Jackson. Y lo de Rey Midas, para mí sigue siendo Spielberg. Aunque no vaya por el mal camino, ya que es un buen narrador, pero tampoco deslumbra siempre. Lo dicho el resultado es como Carl Denham que refleja el film. Tiene grandes intenciones pero su avaricia rompe sus proyectos. Aciertan al llamarla en el box office mojo, mighty but not monster. Realmente es la perfecta definición de este film, espectáculo en momentos, apartoso en otros. Aún asi el film ha terminado gustandóme. Y no ofende. Lo que es mejor.

Puntuación.: 7,5.

¿EL FILM DE LA NAVIDAD?

La historia ya la sabemos todos. Les dejo con esto.

El primero para Absence.

Y el resto para mitomanos y metomentodos comparativos. Feliz navidad con antelación. Disfruten de estas previews:

KRYPTONITA PARLAMENTARIA

¡Altamente graciosas serían las sesiones de los políticos si todas fueran como la de hace poco! Hace pocos días en el Parlament de Cataluña hubo una encarnizada polémica sobre.... si Superman era de derechas o de centro. En el duelo se batieron dos representantes de CiU e ICV-EUiA. La última se encargó de demostrar como Supermán era de derechas, aunque el representante CiU ha prometido que le demostrará que Lex Luthor es de izquierdas, en otro dossier. Y yo me pregunto ¿ en vez de publicarnos esas eternas biografías que todos compran pero nadie lee porque no publican estos dossieres? Serian best sellers de verdad. ¿Quien no ha deseado tener el estruendo de páginas de Urdaci pero con un subtítulo de Como descubrí la bisexualidad de Anacleto, agente secreto ?

Como lo leen. Increíble ¿verdad? Nada nada, señores este debate hacía falta. Esto demuestra que como siempre los políticos se preocupan por los problemas de la calle y se centran en lo que toca. Aunque el tema merece analizarse. Desde el punto de vista político, es fácil ver a Superman como un icono pop de la cultura USA. Pues eso. Ahí queda resumida toda la esencia de este célebre héroe de viñetas. No es tan descarado como el Capitán America, pero viene a ser lo mismo. Es un hombre prodigioso, hecho a si mismo, que viene de otro mundo, es superior y viene a salvarnos. Ah si, este no es George W. Bush, sino Superman.

El concepto del superhéroe tambien implica la magia. Si aún trago a Superman pese a su declarado patrioterismo es porque es un icono pop, y me lo tomo como pura ficción. Politicamente casi es nauseabundo, pero opto por esa via. Y esa es la que escogeré a la hora de digerir el film dirigido por Bryan Singer. Aunque el tema implica chistes fáciles. Como el debate siga en esta línea, me veo ya las jugadas mas fáciles.: Que si Flash es un "rojo" que si Batman fue el modelo a seguir de los "grises".

Pero un momento. ¿Batman? Batman es el modelo a seguir, y es el representante del socialismo. Claro, es uno de nosotros con la tecnología adecuada puede protegernos. Casi que este socialismo suena a neoimperialismo. Habrá quien diga que Batman es un tipo que necesita un psquiatra, pero no hay rosas sin espinas.

Este debate va a derivar en grandes questiones para nuestro devenir político. ¿Tiene Batman talante? ¿Va Superman a pactar con Batman? ¿ Es Hulk un anarquista ? ¿Será prohibido V de Vendetta por culpa de este debate? ¿Por qué Mortadelo solo es un travestido y no se le adquiere el estatus político? ¿Es Filemón un incomprendido social?

Todo esto y mucho más, en nuestro amado Parlament catalán. Eso sí, el día que lleguen a Charlie Brown será para tenerlo en cuenta. O no.

LIFE AQUATIC: El mundo submarino de Steve Zissou

Life Aquatic.
(The Life Aquatic with Steve Zissou, 2005).
D.: Wes Anderson.
G.: Wes Anderson y Noah Baumbach.
I.: Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Michael Gambon, Bud Cort, Seu Jorge.
Duración.: 113 minutos. Color.


¡Osados aquellos que enseguida se refugian en la presunta originalida de muchos de los cineastas de hoy en día, cuya eficacia se basa en un mero "sampler" visual! Tampoco hay otro film que nos describa tan bien la grandeza de las medusas electricas. O como los cangrejos de azucar llegan a la playa antes de tiempo. El cine de Wes Anderson se ha encargado de brindarnos tales descripciones. Su cine es tan personal e intransferible, que ver Life Aquatic en ojos de los no iniciados no vale la pena, porque esta complicidad se tiene que adquirir en la ya reseñada maravilla que se llama Academia Rushmore.


Allí Max Fischer, el estudiante enamorada de la señorita Cross, se deleitaba de su prodigiosa caligrafía en un libro de Jacques Costeau y convierte en objetivo construirle un acuario gigantesco. También era un genial autor teatral, y como muchos críticos han señalado (y muy acertadamente) que Life Aquatic es una obra de teatro de Max Fischer. Desde luego cumple sus requisitos.

La odisea de este héroe fracasado, otro alter ego de Max Fischer el autor que hubiera escrito este relato encantado, tiene el nombre de Steve Zissou y es un Costeau desengañado y desencantado, un capitan Haddock maltrecho que tiene el rostro del grandioso Bill Murray. Zissou se embarca en la búsqueda de un tiburón, el que mató a su amigo para vengarse, y en el camino conoce a una serie de personajes. En tal viaje conoce a un tal Ned que dice ser su hijo, y además conoceremos al resto de su peculiar tripulación.


Wes Anderson camufla de comedia surrealista hábilmente lo que es un drama familiar en estado puro que narra una historia de soledad. Pero lejos de caer en el tremendismo de telefilm, este creador implacable es capaz de convertir sus obras en productos inclasificables, y mezclar el cine con sensibilidades y visiones de otras disciplinas, para que todo adquiera un look extrañamente especial, realmente poético en ocasiones.

Visualmente destacan mucho la mezcla de arte gráfico con el look de los documentales de los años 70, y está claro que el parodiado / homenajeado es el mundo submarino de Jacques Costeau, cuyo alter ego deprimido y anacrónico encarna a la perfección este Steve Zissou.

El guión presenta un simpático trasunto de fondo de Moby Dick y como es habitual en Anderson dos de sus admirados, Salinger (la familia, y los problemas mirados de frente) y el inigualable humor de Schulz vuelven a estar presentes en su obra.

Todo esto adornado con versiones en portugués de David Bowie que canta Seu Jorge, además de una maravillosa selección de canciones (que grande el momentazo de Search and destroy ) y es que el film es capaz de deconstruir de forma maravillosa los films de aventuras y acción, convirtiendóse en una comedia de aventuras realmente original, que habla de muchas cosas. Las animaciones de Henry Selick y esas criaturas imposibles (que mítico lo del tiburón jaguar) que pueblan todo el film ayudan a crear esta atmósfera tan única.

Las actuaciones estupendas, aunque Owen Wilson esté algo flojo en comparación al resto de acompañantes. Bill Murray demuestra que debería haber ganado el Oscar ya. Su microexpresivdad se convierte en un sello de melancolía nata. El resto de actores se mantiene en un nivel excelente , resultando todos ellos perfectamente hechos para el papel.

En conclusión los no iniciados en Anderson alejense profusamente pues este es un film que juega muchisimo con el metalenguaje de sus dos obras anteriores fílmicas y que establece una complicidad con el espectador que realmente busque algo original y rompedor. Aquí lo tienen. Éste es el film mas original, inclasificable, heterodoxo, bizarro estrenado durante el año, no busquen falsas imposturas visuales y no se dejen engañar. Pero no se asusten por su extravagancia, porque bajo esta historia hay un trasfondo que realmente llega por esa forma, y es que Zissou es un Charlie Brown que se ha embarcado en una madurez no asumida y que ahora se propuso el reto del capitán Achab. Presten especial atención al final es realmente apabullante. Ahora empieza la aventura. Y Queen Bitch de David Bowie como perfecto telón de fondo.

Puntuación.: 10.

JÓVENES PRODIGIOSOS: Las bohemias vidas de los Wonder Boys

Jóvenes Prodigiosos.
D.: Curtis Hanson.
G.: Steve Kloves sobre la novela de Michael Chabon.
I.: Michael Douglas, Tobey Maguire, Robert Downey Jr., Frances McDormand, Katie Holmes, Richard Thomas.
Duración.: 112 minutos. Color.


Tras L.A. Confidential excelente adaptación de la brillante novela de James Ellroy Curtis Hanson prosiguió con un proyecto realmente interesante. El resultado es bueno, pero tiene la gran traba de contar una historia remarcada por una previsibilidad absoluta. Pero no por ello voy a negar que seguí el metraje con una sonrisa en los labios.

A ver, Grady Tripp, es un bohemio, destartalado y maduro escritor , a la par que profesor universitario, consumido por el éxito de su primera novela ( Hija de pirómano ) y cuyo editor va a venir a la ciudad. Confuso, descubre en James Leer, su joven pupilo un excelente y sorprendente escirtor, pero también un genial mentiroso, y además ese mismo día sufre las claras insinuaciones de su joven protegida, el embarazo de su amante, y el abandono de su segunda esposa. Ante tal situación emprende un viaje a algún lugar.

El acierto de Jóvenes prodigiosos es el excelente guión de Steve Kloves. A los personajes se les describe a todos de una pincelada, y enseguida se ganan el favor del espectador con sus excentricidades y su fobias, logran sorprendentemente caer bien, porque son entrañablemente patéticos y por ello les dota de una humanidad increíble. El problema es que la historia suena a sabida, y el final pues es precisamente lo que se esperaba.

El otro acierto del film, también proviene del guión aunque va conjugada por una excelente dirección. Y es la jocosidad con la que se retratan los "ambientillos literarios e intelectuales" en éste caso concreto los norteamericanos, pero se muestran finísimos al describir un ambiente realmente hipócrita y superficial donde cada vez cuenta menos el escritor y si el reconocimiento que se puede adquirir. Las bromas y las referencia son muchas, y hay muchas collejas hacia un mundo editorial cada día menos preocupado por el valor literario de los libros, y sí por el reconocimiento.

Las interpretaciones transmiten realmente energía al conjunto. ¿Que sería de Grady Tripp sino se hubiera escogido a un genial Michael Douglas? Suena sorprendente pero Douglas es literalmente el personaje de Tripp. Realmente lo borda. Deja de ser Douglas para ser Tripp. Katie Holmes también esta sorprendente, y el resto de actores estan en su línea habitual que es excelente. Tobey Maguire encuentra un papel que le va como anillo al dedo, caso similar que les ocurre a Frances McDormand y a Robert Downey Jr. con sus respectivos roles.


Sin embargo hacia el final da la impresión de que la historia haya perdido el rumbo completamente. Y el viaje termina súbitamente impostando un final que estropea un metraje magnífico. La banda sonora es otro elemento que también me pareció muy simpático por parte del film y es que cuenta con una selección de canciones poco menos uqe sublime. Desde Neil Diamond hasta John Lennon, pasando por The things have changed de Bob Dylan, que ganó el Oscar, y la verdad no me extraña.

En definitiva queda un film muy simpático y entretenido para escritores confesos, lectores, y demás estudiosos de la mitología actual literaria.

Puntuación.: 7,75.

LAS HORAS : Buenos días, Mrs. Dalloway

Las Horas.
(The Hours, 2002)
D.: Stephen Daldry.
G.: David Hare según la novela de Michael Cunningham.
I.: Nicole Kidman, Julianne Moore, Meryl Streep, Ed Harris, Miranda Richardson, John C. Reilly, Toni Collette, Claire Danes, Jeff Daniels, Eileen Atkins, Charley Ramm.
Duración.: 114 minutos.


Hay películas que rápidamente se situan en las obras maestras. Caso de Las Horas enividable producto diseñado con clara vocación prestige por Stephen Daldry realizador de Billy Elliott. Les voy a ser sincero, Las horas es un film que me ha parecido notable, pero sobretodo es tan magnífico (a falta de no haber leído la novela de Michael Cunningham que al paso que voy lo haré) por la correccion de su dirección ( con momentos briosos), y una fuerza asombrosa que adquieren el guión, los actores y los personajes. Es decir que todo está realmente muy bien elaborado.

El film se construye sobre la novela de Viriginia Woolf, Mrs. Dalloway y articula tres historias de forma magnífica que pasan a un ritmo paralelo y que estan magníficamente unidas. Cuenta el proceso de elaboración de la novela susodicha por parte de Virginia Woolf que lucha contra el trastorno bipolar, también la desdicha de una sola mujer llamada Laura Brown y Clarissa Vaughan una neoyorquina enamorada de su amigo homosexual.

El guión se desliza muy bien, y el director consigue grandes momentos donde refleja perfectamente la paralela angustia vital de estas 3 mujeres. Y lo hace mediante una narrativa, bastante eficaz, que no es para nada original. Lejos de establecer un orden numerado de historias, da saltos en el tiempo (en la historia de Virginia Woolf), y utiliza una narración paralela de las 3 historias, para hacerlas confluir todas en un maravilloso clímax final.

Claro que hay un problema. Exceso de "vocación". El film está excesivamente predestinado para ganar Oscars. Y los ganó. Es una aportación con momentos notables, pero como conjunto resiente. Esta vocación " la pierde" . Este ánimo de confeccionar un producto perfecto no me ha gustado, por eso al cabo de varios dias recordaba en este film con indiferencia.

El mejor apartado es el interpretativo. Daldry se caracteriza por una muy elaborada direccion de actores. Díficil es volver a ver a tamaño plantel de actores en unos papeles tan creíbles. Julianne Moore, aunque excelente, su personaje de Laura Brown me dió demasiadas reminiscencias del de Far From Heaven de Todd Haynes. Meryl Streep se desenvuelve excelente en un personaje confeccionado a su medida. Y Nicole Kidman, pues todo las alabanzas son mínimas, ya que no se trata de una mínima transformación física del histrión ( cosa que pasa con la Charlize Theron en Monster cuyo hecho de salir afeada significa interpretación de gran calado emocional ) , sino que se trata de una interpretación increiblemente mesurada y equilibrada, que le da una fuerza increíble a las escenas de la historia de Woolf. Ed Harris, como siempre. Maravilloso. Un gran actor que no hace falta que sea una estrella destacable e histriónica pero que borda las actuaciones. El apartado de los secundarios es igualmente glorioso. Una oportunidad única para ver a un Jeff Daniels, que también sabe hacerlo muy bien si se le da la oportunidad. Y a Claire Danes, una actriz "olvidada" post-Bazz Luhrmann quizás por su condición de "adolescente efímera", pero que igualmente sigue siendo una buena actriz.

La dirección. La dirección está muy bien. Retrata de forma magnífica los climas , las situaciones, las angustias emocionales que rodean a estos, y hay escenas verdaderamente sublimes. Pero también hay un problema. Daldry teme a arriesgarse, y se muestra demasiado "mesurado" y preocupado a veces por aparentar una "qualité" cosa, que pasa a la mayoría de estos films. Ganó muchos premios, pero deja algunas cosas que desear.

El otro elemento especialmente reseñable es la estupenda música de Philip Glass, otro buen elemento en un producto que se caracteriza por la corrección.

En definitiva una película con grandes momentos y otros un tanto cojos. Pero aún así un film estimable pero sobrevalorado.

Puntuación.: 8,5.

LA OCTAVA MARAVILLA DEL MUNDO

Como bien asegura JP Bango empieza una cuenta atrás dominada por la nostagia y los recuerdos indelebles. Peter Jackson tiene un reto mayor que el de entretener a las masas en su multitudinario estreno de mañana. Y lo sabe. Mañana se estrena el segundo remake ( ya enésimo) de la clásica historia del cine de aventuras y efectos visuales renovadores, de todo un mito, de King Kong, a éstas alturas pocos no reconocen sus ya míticas escenas.

Pero este nuevo rey del espectáculo que es Peter Jackson, tiene en sus brazos la frágil memoria de unas interminables generaciones de cinéfilos. El hecho de que vuelva a rodar el film es significativo. Su propia condición, de reproducir de nuevo, aquellos sueños que le transportaban a mundos mágicos en su infancia y adolescencia, lo convierte en apariencia en un director simpático. Pero es que además, tras los infinitos beneficios recaudados por el anillo, la inversión parece rentable. Todos iremos la iremos a ver. Jackson pretende crear un espectáculo que se llene de popcorn, para que todos volvamos a alucinar en el cine.

El interés para mi de este remake, siempre fue nulo desde que tuve noticia. Era una historia que ya se como terminará, de un director que peca de grandilocuencia, y que tras el anillo se embarcaba en una historia que no da para mucho más. Y ya he leído que se trata de 180 minutos de película. Nuevamente exceso de minutaje, pero esta vez para contar una historia muchisimo más sencilla. ¿El resultado? No me atrevo a lanzar teorías. Peter Jackson me parece un director correcto aunque nunca ha despertado mi entusiasmo la verdad. Ya he leído en muchos lugares que se trata de un grandioso narrador, y demás. Reconozco la calidad de la trilogía del Anillo, pero aunque esta película pueda no despertarme entusiasmo inicial más allá del logradísimo pixelado digital, tampoco diré que el proyecto le va grande pero es una historia exagerademente asumida por miles de generaciones, una fábula casi, parodiada , homenajeada, para elaborar un libro de los guiños. Y es que el rey gorila es todo un icono cinéfilo (aparte de ser el símbolo del festival de Sitges). Este nuevo Kong es mas "real", realmente impactante. ¿Pero representará todo lo que representó siempre? ¿ O será un descafeinado gorila cuya grandeza física es inversamente proporcional a su trascendencia en el espectador de a pie?


Solo sé que la iré a ver. ¿Por qué? Por lo que significó King Kong el original de quemado blanco y negro, y cada una de sus secuencias. Era un film de aventuras ideal. Y King Kong era un monstruo desatado, pero en el fondo era un poco de nostros mismos. Esa pasión desbocada e incomprendida, la "octava maravilla del Mundo " sufrió en sus pieles lo peor, y no lo digo por su final, sino por aquel instante en que es exhibido y en sus carnes sufre de la crueldad humana. Pero él se rebela contra todo eso. Quizás por eso su vida ya empezó a cerrar una frontera imparable. Y es que hay un instante glorioso en esa cinta. ¿Quien no ha soñado tener en sus manos ese amor que parecía imposible? ¿Quien no ha soñado estar en la torre más alta, aunque se llame Empire State, cegado por el amor, y sintiendóte dueño de tu vida y de tu destino? Muchos somos los que vemos en ese gorila demasiados destellos humanos, como destellos de balas recibió allí arriba. Y como cualquiera de nosotros, cae, con fuerza, al suelo, arrastrado por la fuerza de un destino inexorable.

EL REY PESCADOR: ¡No estoy loco! Solo quiero soñar

El rey pescador.
(The Fisher King, 1991).
D.: Terry Gilliam.
G.: Richard LaGravenese.
I.: Jeff Bridges, Robin Williams, Amanda Plummer, Mercedes Ruehl, Michael Jeter, David Hyde Pierce.
Duración.: 132 minutos.

Se me ocurren pocos nombres para citar con desidia que este tipo es "el escogido" para llevar a cabo el proyecto maldito que es Don Quijote. Y Terry Gilliam es el elegido. Y precisamente su Don Quijote fue maldecido por una serie de desdichas que recoje el muy recomendable documental Lost in la Mancha que bien podría ser otra película de Gilliam mostrando al soñador luchando contra un destino inexorable.

Al ver esta película he establecido muchos parecidos con una obra de Tim Burton que tiene un calado similar, que es Big Fish. No voy a atreverme a decir cual de las dos es mejor aún, puesto que eso es muy arriesgado, ya que en ambas los acercamientos al tema de un soñador incomprendido son de dos subjetividades que tienen intenciones similares pero separadas a la vez, quizás el balance lo haga al final de esta crítica. También se nota que Gilliam precede a estos mundos personales de Burton y de reitero, Jean-Pierre Jeunet.

La historia que propone El Rey Pescador es desde luego muy interesante, narra como Jack Lucas un locutor neoyorquino que esta en la cúspide, y que se dedica a aconsejar, insultar, a los que le llaman, ve como gracias a un consejo, un psicopáta mata en un bar a unos yuppies. Al cabo de tres años, Lucas está al borde del abismo, vive con una mujer que le ama, pero no consigue salvarla de todas las depresines que no supera después de este hecho traumático, intenta suicidarse borracho en un puente. Allí se topa con Parry, un vagabundo que le salva y que dice que está buscando el santo grial en Nueva York. Después Jack descubre que Parry es en realidad Henry Sagan, un antiguo profesor de universidad de literatura que enloqueció al ver morir a su esposa en el atentado del bar que provocó Lucas. Sintiendose en deuda con él, y creyendo que así superará sus problemas Jack empieza a ayudar a Parry.

El film nuevamente (como en la posterior 12 monos) muestra a unos locos que en realidad no lo son tanto, y los dibuja como soñadores incomprendidos por una sociedad incapaz de aceptarlos. Y también Gilliam teje su mensaje ya habitual. El Mal, somos nosotros, los humanos. Ya sean en forma de bandas que apalizan a vagabundos, o hipócritas que lanzan monedas a los pobres a modo de limpiar conciencias. Hay una escena excelente en la que un grandísimo Tom Waits, se define como un "semáforo social" para la gente.

Revisada en conjunto, y comparada con el film similar Big Fish, me temo que la balanza se inclina claramente hacia el sueño blanco de Tim Burton. Pero sólo porque aquel cuenta con un gran envoltorio visual y porque se mantiene en los mismos niveles (menos el notable bache final) durante el metraje. Y El Rey Pescador es mucho más irregular en su ritmo, y no tiene esa perfección visual lograda en la aportación de Burton, y es que Burton es un maestro de lo visual, es lo suyo. Y Gilliam tambien, pero es mas imperfeccionista, y aqui no dió rienda suelta a su imaginacion como en Brazil o Las aventuras del barón Munchausen. Sin embargo la dirección es increiblemnte barroca, al estilo Gilliam, y la historia le va como un anillo al dedo.

Los actores excelentes. Jeff Bridges, como casi siempre, excelente, es un actor muy efectivo. Robin Williams le sienta de maravilla ese rol de "loco maravilloso" que ha ido bordando a lo largo de los años, y aquí pues está correcto. Y ellas, Amanda Plummer y Mercedes Ruehl les secundan estupendamente.

Ahora bien, me gustaria matizar varias cosas, en su comparacion con Burton. Este film no es en su visión global mejor que aquel. Pero en muchos momentos consigue una cinematografía pura e increíble, momentos de impresión, mientras que aquel va en una línea muy clara. Por ejemplo: el arranque de El Rey Pescador es pletórico, la descripción que hace de Lucas en tan poco tiempo y sin reiterarse. En cambio las idas y venidas de Jack, y la cita de Parry, descolocan un poco el conjunto. La escena donde Parry se enamorada de Lydia, y todo el conglomerado neoyorquino trabajador y obsesionado deja de andar, para bailar, es pura magia. Y el clímax final esta muy logrado.

Es decir, El rey pescador no es mejor que Big Fish globalmente, pero contiene aciertos arrebatadores que nunca podremos encontrar en el film ese, que aunque nadie lo ha dicho, Tim Burton ya cae en un sentimentalismo muy convencional. Pero claro, es Tim Burton, y si Burton es sentimental es "bonito". Spielberg el sentimental empalagoso de toda la vida, lo es, lo llamamos "sensiblero". Pues miren ustedes, que Big Fish tiene momentos demasiado empalagosos y de eso ya trataré largo y tendido en la crítica del film.


Y en esta hay elementos emocionales, hay un clímax donde la emoción confluye, pero no se cae tanto en la lagrima facil. Pero sin embargo, la aportación de Burton, es, matizo, superior a su pesar. Pero no se pierdan esta, tiene momentos geniales, y es un film altamente recomendable.

Y no dejen de soñar. Y cantar, desnudos de prejuicios humanos, mirando al cielo, mirando a la vida.:
I like New York in June. How about you?

Puntuación.: 8.

¡TODO EL MUNDO ESTA ENFADADO! y entretanto 6 meses han pasado

No piense usted, querido lector que pretendo hacer rimas ingeniosas con este título. Tan sólo les hablo de algo que la verdad, a mi también me preocupa mucho. ¡Hoy en día todo el mundo está enfadado! Yo creo que es la nociva y peligrosa influencia de los programas del corazón donde dicharacheras marujas reconvertidas en estrellas de vida efímera calculada en prestigiosas horas de audiencia de morbo insaciable, empezaron a decir.: Nos veremos en los tribunales.
¡Y lo peor de todo era la rapidez de estos procesos jurídicos! Casi como el ascenso y caída de los acusados, que muchas veces eran los acusadores. ¡Pues quizás provengan de allí! Pero no se si es cuestión del cambio climático, pero todo el mundo está especialmente irascible.

Que Santiago Segura pone a parir a cinecito (en concreto se defecó en él de una forma soez) . ¡Zas! Demanda. ¿Y ya me diran ustedes quien se acuerda del tal cinecito? No no, pero lo mejor de todo, es que, Cinecito es de ficción. Así como lo oyen. ¡Miedo me da la Disney con la de veces que Mickey Mouse ha recibido mis escrementos! Creo que voy a tener que pagar una fortuna..... Que Segura de nuevo (de ésto me enteré gracias a la columna de Jorge Mauro de Pedro para miradas de cine) se defeca en un pequeño pueblo en su tercera peripecia del héroe español ( si si, es nuestro james bond, en fin....) Torrente, pues ala, ¡demanda! ¡y no vean!. Ahi viene lo aberrante: azafatas demandando a Jodie Foster y Plan de vuelo: Desaparecida por dar mala imagen de las azafatas. ¡A donde iremos a parar!
¿Se seguirán haciendo películas de policías? Es que al ritmo que vamos señores, veo que ilegalizarán las peliculas de Harry el sucio, por dar una mala imagen del cuerpo de policía de San Francisco. ¡Y que será del gremio del Hampa! Creo que con estas demandas va a salir ganando, porque tienen para saquear toda la historia del cine.

Y esta irritación tambien se vive en la vida cotidiana. Antes era el maestro el que amenazaba al alumno en los grises tiempos de la dictadura. Por un tiempo se consiguió la harmonía de maestro-alumno. Pero ahora en España , este enfado general se vive también. Ahora es el alumno el que siempre recurre a su padre, "afectadísimo". Que resulta que al chaval lo presionan por no hacer los deberes.
" - ¿Qué han gritado a mi niño? Se van a enterar esos dichosos funcionarios...."
O un alumno hablando al profesor en un tono similar al de Al Capone a la hora de conseguir sus recaudaciones.:
-No querrás que hablemos con mi padre.
¡Gracia me resulta! Que el maestro, un hombre que enseña, se está convirtiendo en un pobre funcionario presa de los niños malcriados. ¡Que se enfadan! ¡Y también sus progenitores!
¿Pero hombre quieren ustedes dejar de enfadarse ? Pero es que ya lo dicen los sabios, de un tiempo a éste, si aceptamos estas pequeñas extorsiones, va a llegar el día, en que nos veamos resignados a aceptar la mas terrible y dolorosa extorsión mayor....
Pero en fin. Me remito al sentido del humor señores. ¡Dejen de demandar, y de mirarse al ombligo! ¡Y tomense las cosas con humor! ¡No se enfaden tanto! ¡Y aprendan del Mickey Sachs de Hannah y sus hermanas, y es que nada como una buena película de Groucho Marx para curar un día de esos en que nada parece ir bien. Ríanse un poco. Y si es con Groucho, mejor que mejor.

Y entretanto este remoto lugar de internet (me parafraseo ¿me estaré volviendo un autocomplaciente?) cumple medio año. Estamos de enhorabuena. O no. ¡Pero no me demande querido lector! Y un saludo a todos aquellos que me lean, y a los que me leerán. No sea que se den por aludidos y ofendidos.

YO TENGO PREJUICIOS. ¿Y TU? PUES HAY MUCHA GENTE COMO YO EH.....

Un par de artículos de Rosa Montero, me han inspirado a escribir este pequeño post sobre los prejuicios. Los prejuicios. ¿Que son? Según la enciclopedia encarta:
Prejuicio.: Juicio u opinión preconcebida y arbitraria que tiene por objeto a una persona o a un grupo y puede ser de naturaleza favorable o adversa....

Y bien cierto es. Pero pocos (por no decir ninguno) prejuicios resultan "positivos". Un prejuicio es un síntoma de empobrecimiento cultural notable. También de escaso sentido moral. Y es que los prejuicios estan a la orden del día. Una de las características de España, es haber hecho bandera del prejuicio. ¡Y de que manera! Miren que hay holocaustos que se justifican por el prejuicios. Pues en España aún perviven. Pero es que hasta tenemos un partido que nos dice, que cuanto mas prejuicioso sea uno, mas democrático será.

Sí, muchos historiadores nos definen como seres orgullosos. Y bien es cierto. Lo somos. ¡Cuantos prejuicios encuentran su cobijo aquí! Lo mejor es la respuesta que damos en España. Eso es glorioso. ¡Cuantas veces a lo largo de mi corta existencia he oído esa respuesta, que mas que una respuesta, parece una amenaza, aunque pretenda ser una coartada moral paticoja! Como ustedes reprochen un prejuicio a alguien, éste, convencido les dirá .: "Pero yo no soy el único que piensa así. Hay muchos más". ¡Casi habría que hacer fiesta de esta ignorancia! Bueno esta respuesta es eminetemente sofista. Es decir, como lo piensa mucha gente, tan malo no será digo yo. Bueno, de toda la vida, que aquí asociamos cantidad con calidad. "Sí lo hace tanta gente no será tan malo ".... Y así un largo etcétera. Muchos confunden además prejuicio con opinión. Una opinión es:
Opinión. Idea formada de una cosa que se puede discutir. Juicio acerca de una persona o cosa.
(según definición.org)
Y un prejuicio es preconcebido. Y para opinar, se recomienda, no caer en las ideas preconcebidas, e investigar un poco. Vamos mirar mas allá de nuestras narices.
¡Pero que cómodo es quedarse en nuestra gloriosa ignorancia y encomendarnos a esa multitud, que tambien comparte nuestros defectos! No se preocupen señores prejuiciosos, vengan aquí y ya veran como encuentran "mucha gente que lo piensa".

Los prejuicios en el cine.

El cine, igual que cualquier medio de expresión cultural no se salva de sus prejuicios. Al hilo de un interesante post en el imprescindible blog de Pepo Pérez, "Con C de Arte" hablábamos de los prejuicios aplicados a los cineastas.
Y los hay. Ahora en el "mundillo cinefilo" hay dos formas de afrontar la crítica, que como si esas fueran las dos únicas vias, y hubiese que escoger una.
Por un lado estan aquellos que de toda la vida, rechazan el cine comercial por sistema y se anclan en la pericia y la inteligencia exquisita del cine de auteur.
Y por el otro estan aquellos que se han propuesto llevarles la contraria. Pero lejos de darles lecciones lo que hacen es calificar al cine de autor, como "para gafapastas" y por tanto, estupido, absurdo y demas. Y el cine comercial es el que "mola".
¿Mis conclusiones? Miren a mi el guion de Shane Black para El último gran héroe me parece genial, pero tambien me encanta el cien de Wong Kar-Wai, y en fin, ¡basta ya de prejuicios! Que gafapastas hay muchos , pero tambien los hay que convierten al cine en una vulgar maquinaria automitzada, y realizan películas que nos tratan como si fueramos bobos. Ejemplos no nombro, porque esto seria ya "demasiado subjetivo".
Pepo Pérez señala que fácilmente Spielberg es tildado de "sensiblero" . A mi juicio lo es, pero eso no quita, que apreciemos que es un gran creador de espectáculos que nunca seran Michael Bay, Stephen Sommers, o Roland Emmerich. Ahora bien, cuantas veces llamamos "gafapastadas" a peliculas como Lost in translation y demás solo porque pretenden contar una historia, la primera un elogio de sencillez, tan sólo porque no respondan a las convenciones ya es ¿gafapasta?.
Recojo aqui una opinión del comparsa Pepo sobre Flores Rotas y el cine indie:

" FLORES ROTAS, o el ocaso del cine indie USA. Jim Jarmusch repitiéndose a sí mismo, y más tópico, amanerado y obvio que nunca. [...] En todas ellas percibo parecidas constantes: mucho tic, poco rigor en la construcción de historias y personajes, mucho conformismo para escribir las historias, mucho gustarse a sí mismo, mucha falsa modernez. Pero poca o nada expresión de cosas reales, que nos importen de verdad."
Esta tambien es una constante en la crítica actual, de tildar gafapastoso, y demás. Sin pretender faltar a la opinión de Pepo, diré que siempre se acude a la "falsa modernez" y demás. Y si bien La vida secreta de las palabras tiene algunos "tics" sobrantes, me parece poco adecuado compararla con un Jim Jarmusch por el hecho de que sean independientes.
Puesto que La vida secreta de las palabras hace memoria de un hecho tempranamente olvidado. Y Flores Rotas narra el devenir existencial de un Don Juan caduco.
Si por independientes entendemos todas aquellas peliculas que no son "como tienen que ser" y que siguen otros caminos, creo, que estamos de nuevo, ante el prejuicio indie.
Pero este prejuicio tambien se puede tener a la hora de afrontar cualquier guion de Shane Black que apestan a divertimento inteligente, a puro juego autoconsciente.

Como vemos, todavía vivimos presos de algunos prejuicios. ¡Yo tambien tengo prejuicios! Y como en todo, hay que luchar para superarlos. Aunque no sea cosa precisamente sencilla. Y con el cómic me he topado ya en el sector especializado con el prejuicio Frank Miller en milares de lectores. Y parece que todo el mundo tenga que ser Alan Moore. Pero, aqui dejaré hablar a los más doctos. Y es que el prejuicio, no conoce fronteras oiga.