Robert Plant & the Sensational Space Shifters "Lullaby and...the Ceaceless Roar" (2014)

Robertito es una gran debilidad, lo reconozco. No puedo ni quiero ser objetivo, si eso implica analizar este disco -por ejemplo-, como si fuera un pedazo de carne o de plástico, da lo mismo. Porque con Plant no da lo mismo, en ninguno de los formatos que implique disfrutar de su arte, de su voz y de lo que carajo haga.

Este disco no es el primero con los Sensational, y es impresionante la multiplicidad de influencias tan bien amalgamadas a lo largo de toda la placa, que es imposible disfrutarlo de verdad en un simple reproductor de mp3 mientras uno camina por la calle.

En este momento, y mientras degusto un tabaco exquisito en una vieja y querida pipa, estoy sentado frente a mi equipo de audio y escribiendo esto, luego de haber escuchado esta placa durante meses.

Sigo encontrando capas y capas de sonido y de texturas, y no me canso de decir que este tipo cada día que pasa canta mejor: logró con el paso del tiempo una maduración vocal y compositiva que me parece única, aparte de rodearse de tipos con una sensibilidad descomunal, logrando un disco mágico, relajado y con una cuota melancólica que te acompaña y no te suelta.

Una verdadera obra de arte, digna de uno de los mejores cantantes de rock vivos

Blues Pills "Blues Pills" (2014)

bp

Siguiendo con esto de lo retro, como no levantarse para arriba con semejante disco de la concha de la lora, y de la mano de una banda de la puta madre que lo parió.

Nació hace menos de 4 añitos (2011), y ya tienen un disco como este y un contrato con Nuclear Blast.

Encima si te agarran desprevenido no te resultaría difícil pensar que es algún disco perdido de Janis Joplin, con un poquito más de hard rock.

Pero no. En realidad son nuevitos...tanto que el hijo e'puta de Dorian Sorriaux (guitarrista) tiene 18 tiernos añitos, y tiene una fuerza, un feeling y una técnica como si llevase 75 años tocando.

Fuerza dije...escuchen a esa belleza sueca llamada Elin Larsson y díganme si no se les ponen los pelos de punta, no solo en las canciones más rockeras, sino en aquellas más bluseras, donde saca a relucir un sentimiento soulero descomunal e hipnótico, transmitiendo una melancolía hermosa y dolorosa al mismo tiempo.

La sección rítmica no se queda atrás, y para muestra basta un botón: la cabalgata inicial de uno de los cortes del disco, y la canción con la que arranca el disco "High class woman", que no puede más que contagiar entusiasmo y buena onda, onda algo festivo que nos lleva a las épocas de hippismo y flower power, pero en pleno siglo XXI.

Un disco impresionante que no paro de escuchar desde hace dos meses, y que seguro seguirá acompañándome en estas vacaciones que llegan pronto.

Vox Dei "Jeremías pies de plomo" (1972)

plomo

Ya que venimos hablando de pioneros no puedo dejar este hermoso disco de mis compatriotas Vox Dei, presentes en el blog con dos reseñas anteriores.

Ya como trío, por la salida de Godoy, se despachan con un disco en la vena clásica de ellos, con un sonido bien crudo y un bajo bien gordo que siempre dice presente a lo largo de la placa.

Parece mentira que habiendo sido editado hace ya tantos años, suene no solamemente fresco, sino actual.

Me refiero a que, como con todas las cosas, hay discs que si bien son buenos, las canciones son geniales, etc., el paso del tiempo no les hace bien y terminan sonando apagados y casi sin fuerza...pero claro, era algo que a los de Willy Quiroga y compañía les sobraba, así como talento a la hora de componer.

Lo de siempre, mucho rock, mucho, pero muchísimo blues con toda la onda folky presente en otros lanzamientos y varias gemas históricas de nuestro rock nacional: entre ellas, "Detrás del vidrio" y "Sin separarnos más".

Uno de los indispensables del Rock Nacional Argentino, y de Vox Dei

Las Blacanblus "Cuatro mujeres y un maldito piano" (1994)

blues

Disco inicial de este cuarteto de Blues argentino conformado solo por mujeres, y en donde cantan las cuatro, y más que bien resta decir.
Hace tiempo que tenía pendiente esta reseña, y aprovecho ahora, después de tantos discos de música extrema como para bajar un poco los decibeles y disfrutar de esta banda realmente excelente.
Son 13 canciones que van desde el Rock and Roll hasta el Blues, pasando por algunas claras influencias de Góspel.
De hecho Cristina Dall (piano y voz) Débora Dixon y Mona Fraiman (Voz) y Viviana Scaliza (guitarra y voz) integrantes de esta banda se conocieron en un coro de spirituals y formaron la banda en el año 1992.
Sin mucho más que decir, quiero aclarar que blacanblues suenan porteñas y negras al mismo tiempo, y con un swing que difícilmente se encontrara por esa época en nuestras tierras (y no ahora).
Solo destacar un par de temas en donde queda al descubierto la capacidad vocal de estas 4 minas: "Como lo hacía Fred Astaire" y ese tremendo blues "St. Luis Blues"...pero todos los temas son destacables, solo que estos dos son los que ahora me atrapan más.

The Doors "The Doors" (1967)

30 años antes que los últimos tres discos reseñados, Jim Morrison, Robby Krieger, Ray Manzarek y John Densmore editaban su impresionante debut autotitulado.

Todavía hoy suena impresionante, con tanta agua que ha pasado debajo del puente del Rock. Pero no solo hay Rock en este disco (ni en los otros de la banda): encontramos fácilmente Blues, mucha psicodelia, Jazz y música clásica, dando forma y acompañando las oscuras poesías del gran Morrison.

Si bien de acá salieron infindad de clásicos (todo el mundo incluye "Light my fire"), nunca me pude sacar de la cabeza la cadencia y el tono sureño de "Alabama Song" o "Back Door Man", con esos gritos cargados de sexualidad que tanto asustaban a los blanquitos por aquel entonces.

El comiezno del disco no podría haber sido mejor, con ese temazo titulado "Break on Through", como un claro índice de que con esta banda no se jode. Sobre todo teniendo en cuenta la calidad de sus músicos: la columna vertebral en donde se apoyan las oscuras, so(m)brías poesías de Morrison (enterrado en París, creo, como poeta, no como músico) era el teclado de Manzarek, y el que le dio el sonido distintivo al cuarteto.

Así como arranca de forma acelerada y rockera, el disco termina con ese opus dramático, oscuro y descomunal de 11 minutos, que contrasta con todas las canciones del disco, y porta una sobriedad y una tensión que nunca pudieron volver a capturar, por lo menos en estudio. La canción en cuestión se titula justamente "The End", y en ella se demuestra todas las sutilezas de las que fueron capaces como banda, y de los límites a los que podía llegar ese instrumento privilegiado que eran las cuerdas vocales de Jim.

Lamentablemente, 4 años después moría en París...pero nos dejó discos como éste, que 30 años después sigue sonando tan actual como imprescindible.

Les dejo el boleto para que se suban a este tremendo viaje psicodélico. No lo pierdan.

Morphine "Like Swimming" (1997)

nadando

Estaba por comentar uno de los mejores discos de Pop argentino de todos los tiempos, pero navegando por la web me entero que aparentemente esta banda se habría reformado, sin su fallecido líder por supuesto.

No se que creer la verdad, pero si encima la noticia viene acompañada con la probabilidad de que en el mes de Noviembre estén en tierras tucumanas, mi incredulidad se confirma y se dispara hacia otro mundo.

¿Será posible? Una banda de este calibre a menos de media hora de mi casa, ya sea en colectivo o taxi?

Ojalá.

Aunque será difícil pasar por alto la ausencia del maravilloso Mark Sandman, bajista, productor y vocalista de esta banda única.

En este caso voy a dejar el que a mi humilde criterio es el más flojo de todos los discos. No quiero que me malinterpreten, lo que pasa es que frente a sus otros lanzamientos, tanto este como "The Night" tienen muy poco que hacer.

El sonido es al que nos tenían acostumbrados, con ese bajo slide de dos cuerdas bien gordo y repleto de groove y melancolía, acompañados por los sonidos mágicos de Dana Colley en el saxofón, y los precisos y austeros golpes de Billy Conway.

Ahora me pregunto, ¿que irá a pasar con Twinemen, aquella banda formada de las cenizas de esta?

Me fijo y les aviso.

Escuchen y comenten, no sean vagos.

Morphine "Good" (1992)

bueno

Tengo una particular debilidad por este trío americano tan difícil de encasillar.

Esta dificultad es directamente proporcional a la facilidad con la que se disfruta su arte. Todas las influencias que se les ocurra meter en los espacios que dejan una batería minimalista pero imponente, un bajo slide de 2 (¡si, dos!) cuerdas, y ese saxo que reemplaza de manera tan inesperada como sutil a las guitarras omnipresentes que deberían estar ocupando su lugar.

¿Realmente importan las guitarras? Para quien esto escribe, fanático y enfermo incurable de gente de la talla de Zappa, Gilmour, Page, y por sobre todo ese extraterrestre irrepetible llamado Hendrix, la respuesta inmediata es...¡¡por supuesto, si es EL instrumento del Rock!!...seguro?

Bueno, Morphine en su primer disco se dan el lujo no solo de reemplazarlas, sino que logran que ni las recuerde siquiera. Y esta bien, ya que la estridencia de una guitarra arruinaría los sutiles climas que emergen y salpican como destellos oscuros cada canción.

Una banda oscura, pero refinada y sexy al mismo tiempo. Tal vez una de las mejores para disfrutar de un buen licor, un buen habano o una gran mujer, aunque no tiene por qué plantearse de manera excluyente la ecuación.

El inicio de una discografía breve pero indispensable, sobre todo si sos amante de la música y los rótulos te importan simplemente nada.

Canciones, eso es lo importante en Morphine, y nunca se van de foco. Toques cortos, precisos como un afilado bisturí que te separa la piel casi sin hacerte sangrar. Porque si te pasa de rosca te morís, y si te morís no podés escuchar más Morphine...

Y dejar de escuchar Morphine (o no disfrutar al hacerlo), es muy parecido a estar muerto...y así.

Escuchen y dejen de leer esto ya mismo.

Jimi Hendrix "First Rays of the New Rising Sun" (1990)

negro

Mañana se cumplen 40 años de la muerte de uno de los músicos más brillantes de la historia.
Con la Jimi Hendrix Experience produjo tres discos descomunales en una carrera tan breve como imprescindible para la música moderna, los cuales ya fueron reseñados en el blog oportunamente.
En "solitario" dejó discos igual de interesantes y adictivos que los que grabó con su eterna banda, de una consistencia que haría avergonzar a más de uno con ínfulas y pretensiones de artista (que no le llega ni a la mugre de los talones a nuestro extraterrestre de turno).
En esta época estaba acompañado por su amigo del ejército Billy Cox, quien demuestra una solvencia y precisión descomunal acompañando en las zapadas al Gran Jimi. En batería seguía Mitch Mitchell (quien estaba con el desde la Experience), más unos músicos que se habían ido acercándose a Jimi desde diferentes épocas, sobre todo por su creciente adicción a las diversas sustancias que consumía. Entre ellos Juma Sultan en percusión, y los Guetto Fighters en coros.

Con estos músicos, la música que Jimi creaba se acercaba mucho más a las raíces blueseras negras, a la vez que sumaba matices de carácter casi tribal.

Muchas de las canciones que se escuchan en este hermoso disco póstumo fueron grabados durante varias sesiones entre los años 1969 y 1970 en los estudios de Jimi, los Electric Lady, y los Plant también, mientras la banda se encontraba de gira.

Período híperproductivo de Jimi, que cada vez que disponía de tiempo se metía en el estudio a dejar sus marcas para que nosotros las disfrutemos más adelante.

¿Se habrá dado cuanta, él y sus amigos de lo descomunal del legado? No tengo la respuesta. Y no me importa encontrarla tampoco, porque en la búsqueda uno va encontrando joyas como este pedazo de historia, que para más datos fue reeditado hace poco, remasterizado por el ingeniero de sonido original (Kramer, sos un fucking genio!!!), y acompañado cada disco por su DVD correspondiente, en una edición de lujo, con libreto de 35 páginas y todo.

Por cantidad de veces escuchadas, creo que es uno de los discos preferidos de los últimos 2 años. No puedo dejar de escuchar esta seguidilla de perlas, que se suceden a lo largo de casi 70'.

El disco arranca bien arriba con una declaración de principios: "Freedom", con un riff inicial hipnótico, y diciendo "...libertad es lo que quiero ahora...", que si se lee a la luz de la biografía de Jimi ("Room full of mirrors"), tiene mucho más sentido la canción.

La presición de Cox en el bajo hace maravillas en "Izabella", demostrando que la sección rítmica que conformaban con Mitchell, más la percusión fue una de las mejores que acompañaron en su viaje por este planeta al Maestro.

"Angel" es una de las baladas más hermosas del disco, dedicada a su madre, con una letra hasta tierna, e inspirada en las viejas baladas de fines de los '50 y principios de los '60. Como dato de color, esta canción empezó a ser ideada, compuesta en Octubre de 1967, cuando se grabó el primer demo. Pero no lo convenció a Jimi y fue dejado de lado.

En "Room Full of Mirrors" -la canción, no el libro-, tiene en batería a Buddy Miles, con un ritmo frenético y casi voodoo, con guitarras zigzagueando entre el bajo y la batería. Impresionante es poco.

Otra de las canciones hipnóticas es "Dolly Dagger", escrita por la novia de ese momento de Jimi, Devon Wilson (una junkie medio peligrosa, parece)...puro vértigo, la verdad. En "Ezy Ryder", vuelve a aparecer Miles, mientras que Billy Armstron está en percusión, y en los coros otro viejo conocido, Steve Winwood (de Traffic) y Chris Wood.

Otra gran balada es "Drifting", relajada y sutil, entre tanto ímpetu guitarrístico, demostrando -como si hiciese falta- que la cuota de sutileza de la que Jimi era capaz superaba las expectativas de cualquiera.
El pasado aparece de la mano de "My Friend" grabado en 1968 en New York, con una formación totalmente distinta, presentando un Blues de esos que solo Hendrix podía dibujar. Este ultimo en guitarra, bajo y voces; Ken Pine en guitarras de 12 cuerdas; en harmónica Paul Caruso; en piano Stephen Stills y en batería Jummy Mayes, todos amigos de la época de Greenwich Village, para este tema que ya apareció en el "Cry of Love".

Parece que de a poco, el gran Mago iba encontrando nuevos sonidos y texturas que agregar a su arte, pero...mañana se cumplen 40 años desde que se volviera a su planeta y nos dejó con muchas preguntas que hacerle.

Este disco es una respuesta a alguna de ellas.

Jimi Hendrix "Valleys of Neptune" (2010)

Y si, 40 años de su muerte, y el muy hijo de Puta, desde el planeta en el que se encuentre, manda a uno de sus emisarios con un nuevo disco (póstumo) bajo el brazo, y nos deja tan sorprendidos como si estuviese entre nosotros.
Simplemente genial. Ya aburre que el tipo te sorprenda, cuando deberíamos saber por donde viene la mano con el Gran Zurdo (no, no Maradona).
Pero no hay caso.
Ya desde el arranque, con el clásico "Stone Free" de su primer disco con la Experience, la mano se presenta por lo menos como digna de escuchar.
El tema que da título al disco es hermoso y simple al mismo tiempo, con la guitarra de Jimi casi, digo casi, limpia, sin distorsión.
Hay dos grandes covers, que suenan DE PUTA MADRE: El clásico de Elmore James "Bleeding Heart", y el de uno de los tríos más impresionantes de la historia, Cream, con "Sunshine of Your Love", pasado por el tamiz del tipo que hizo la versión definitiva de "All Along the Watchtower" de Dylan, que ya habían aparecido en el "Experience Original Soundtrack" (1971).
Una de las perlas está en "Hear my Train A Comin", un bluzacho de esos que solo el Negro podía hacer y tocar, con un diálogo permanente entre la voz de Jimi y su guitarra, logrando uno de los puntos más altos de su carrera.
Lo bueno del disco es que si bien los temas ya eran conocidos para los seguidores de Jimi Hendrix, no por eso dejan de ser nuevos, porque con cada ejecución le agregaba algo distinto que llevaba al tema por carriles distintos, con diferentes texturas y colores.
Una edición de lujo como todas las nuevas del catálogo de este guitarrista único, que se transformó ya, en un punto obligatorio en toda discografía que se designe a si misma como completa.

http://krknmn.link-protector.com

The Jimi Hendrix Experience "Axis: Bold as love" (1967)

negro

Falta poco para que se cumplan 40 años de la partida de uno de los extraterrestres más geniales que pisó nuestro inmundo pedazo de tierra.

La forma que encontró la familia de festejar esto es reeditar todo su arte remasterizado con material verdaderamente glorioso, acompañado de los correspondientes dvd's del "Making of...".

En este caso, confieso que todavía no conseguí la edición de este, el segundo esfuerzo de ese trío descomunal conformado por Jimi, Redding y Mitchell, más Eddie Kramer como ingeniero (pero sí conseguí "First rays..." y el "Are you Experienced?" (1967) ).

No puedo decir mucho más, solo, ....MIERDA, ES HENDRIX!!!!, que más hay que decir?.

Después de escuchar a este tipo, todo tiene sabor a poco, y todo suena débil y superfluo.

Blues, Rock, intensidad pre-heavy y un par (bueno...tres pares) de pelotas descomunales que llevaron a este trío tan alto en tan poco tiempo, que para esta altura, ya eran leyendas inalcanzables...y recién sacaban su segundo disco en UN AÑO!!!!!!!! Pero que hijos de puta, por favor!!!!!

Buscando entre las canciones del disco, la que titula el álbum es preciosa.

Pfffff!!!! Y "Spanish Castle Magic" no solo se queda atrás sino que te lleva de ácido en una de esas vueltas que solo el negro y sus dos amigos blanquitos podían convencerte de realizar. Bueno en pasado no, porque cada vez que los escucho la vida es un poco mejor...más divertida...no se.

"Little Wing" es un clásico absoluto, y fue versionado magistralmente por nuestro Hendrix argentino, el eterno, el único: Norberto Pappo Napolitano.

En realidad me pongo a nombrar las canciones tratando de elegir alguna por sobre las demás sin darme cuenta que voy dejando cada vez menos por mencionar.

Eso es el poder de Hendrix, no hay canciones ni discos prescindibles.

Música pura

Alison Krauss & Robert Plant "Raising Sand" (2007)

arena

De bluegrass no se absolutamente nada, así que no pregunten.

Tampoco conocía de antemano a esta superestrella del estilo, que según diversas páginas especializadas llevó justamente al bluegrass y al Folk hacia nuevas audiencias, esto a principios de la década de los '90.

Obviamente que no podía dejar pasar en aquel momento un disco en donde participara ese genio que le prestara sus cuerdas vocales a una de las bandas más importantes de la historia, Led Zeppelin.

Y que bueno que no soy "tan" supersticioso, porque esta grabación es una maldita obra de arte. Es de esos discos que uno tiene que escuchar cuando viene harto del trabajo, o del mismo ruido urbano que te invade la cabeza y no te deja disfrutar de los pequeños momentos felices, como ser sentarse a DISFRUTAR de un disco, acompañado de algún líquido de nuestro agrado. Quiero aclarar que este punto queda a elección de cada uno...pero no hay que dejar pasar este HERMOSO disco, que para hacerla corta y sencilla es emocionante.

Tanto por las voces de los dos cantantes, como por los climas relajados y melancólicos logrados, es de escucha obligatoria.

Y si querés descubrir que pasa con una gran voz cuando su dueño la cuida, descubrirás al mismo tiempo lo que es la maduración de ese arte que es cantar. Casi como la maduración de un buen vino.

Repito, no conocía a Alison, pero Robert Plant cada día canta mejor.

The Traveling Wilburys "Vol.1" (1988)

Como para iniciar el regreso de las oscuras profundidades a las que nos arrastró Elend, musicalizamos ese retorno con estos genios absolutos, los hermanos Wilburys.

Pueden hacer Rock, Blues, pop, Country...que se yo cuántas cosas más, lo que se les ocurra.

Hay toques sureños maravillosos que hacen que por momentos se torne imposible no disfrutar intensamente el disco.

Estos hermanos se juntaron ocasionalmente para grabar un temita (que es el que abre esta placa) para un single, pero le dijeron: "¡che, esto no es un temita, boludo, es un tema del carajo!"

Y se decidieron entonces a grabar más "temitas" para poder editarlo en formato LP.

En el mundo del metal estamos acostumbrados a hablar de súper grupos (Borknagar y Arcturus se me ocurren ahora, pero hay más). Ya en el mundo del Jazz, tenemos varias de las formaciones que acompañaron el genial e inigualable Miles Davis, considerados como súper grupos.

¿Y estos que tienen que ver con eso? Bueno, lo que pasa es que tuve un pequeño olvido y no les pude decir quienes eran los "hermanitos" Wilburys, pero ahora lo hago: Me imagino que los nombres de The Beatles, Bob Dylan, Tom Petty les dice algo; igual que el de Roy Orbison (Lefty Wilbury).

Este último fue uno de los pioneros del Rock allá por la década del '50.

Si adelantamos un poco, solo un poco en el tiempo, nos podemos encontrar con The Beatles, me imagino que ya conocidos. Justamente su guitarrista, Harrison es identificado aquí como Nelson Wilbury (y en el segundo disco como Spike Wilbury).

El otro hermano Wilbury era Otis (Jeff Lynne, guitarrista de la Electric Light Orchestra). Para terminar, los hermanos faltantes no eran otros más que Dylan (Lucky) y Tom Petty (Charlie T.)...pavada de músicos no?

Queda a su disposición su primer disco, para que puedan entender lo que estos tipos juntos pueden crear.

Simplemente hermoso.

Hermanitos

Lightnin' Hopkins "Blues in My Bottle" (1963)

botella

Hace mucho que no posteaba algo de Blues, y en este caso solo les voy a dejar esta joyita del genial texano, cuya carrera atravesó varias décadas.

Si bien tocaba la guitarra eléctrica, en este disco está acompañado solo por una acústica y su voz.

Y nada más muchachos...un gran disco de Blues acústico, de uno de los pioneros del género.

P.D.: DEBE escucharse a un volumen alto y sin ser molestado por nadie.

Vox Dei "La Biblia" (1971)

biblia

A continuación de "Caliente" (1970) , el cuarteto se concentró en lo que sería considerado por la crítica EL disco de Vox Dei: "La Biblia".
Rodeado de controversias desde el comienzo, aparentemente no iba a ser un disco fácil de editar. Inclusive la patética iglesia se metió a consultar y revisar las letras de lo que sería la obra. Imaginen que en Argentina había un gobierno de facto que había llegado al poder por un golpe de estado de la mano de Onganía, quien "Revolución Libertadora" mediante había derrocado a uno de los pocos presidentes honestos que tuvo el País: Arturo Illia.
A lo largo de la obra-obviamente conceptual- se puede escuchar desde Folk, la base de esa mezcla de Blues y Rock tan particular que tuvo la banda, y la inclusión de nuevos sonidos acordes a la importancia de la edición, que podría ser interpretado como música progresiva.
Es impresionante lo bien que suena el disco a pesar de las limitaciones técnicas de la época, teniendo cada instrumento su lugar preciso y el brillo adecuado en cada canción. La tensión también está manejada de forma magistral, y las canciones no llegan a aburrir en ningún momento, sobre todo las más largas.
Para el momento en que fue grabado no era muy común escuchar canciones extensas, y en el disco había dos de más de 10', y tres que superaban los 6'.
A pesar de que el tema que más me gustó a lo largo de los años fue el que da inicio a la placa, "Génesis", ahora al escucharla nuevamente después de mucho tiempo emergen como dos perlas el Hard rockero "Las Guerras" (escuchen y díganme si no parece Deep Purple), y ese Blues progresivo maravilloso titulado "Cristo-Muerte y resurrección", justo las dos canciones más extensas de esta obra.
Me olvidaba. La formación clásica que venía del disco anterior, con Rubén Basoalto (batería), Willy Quiroga (bajo y voces), Juan Carlos Godoy (guitarra y voces)y Ricardo Soulé (guitarra y voces)termina separándose, atento a la decisión tomada por Godoy de abandonar la nave.
Así todo, el disco se terminó editando, y hoy constituye parte de la historia grande la música popular argentina, adquiriendo con el paso de los años el estatuto de clásico.
Escuchen, no se pierdan este pedazo de historia que vale la pena.

The Mothers of Inventions "Weasels Ripped My Flesh" (1970)

Disco de rarezas de estudio de este súper grupo comandado por el genial e imprescindible Frank Zappa. Acá podemos encontrar temas en vivo, "sobras" de estudio, algo de experimentación, jazz...en fin todo aquello por lo que Zappa pasó a lo largo de su carrera. De todas formas todo el material pertenece a los Mothers...con excepción de "Directly from my heart to you" de Little Richard. Sería el blues del disco, y es difícil dejar de escucharlo.
De todas formas el gran Frank no puede con su genio ahí nomás arranca con una deformidad ultramoderna titulada "Prelude to the Afternoon of a Sexually Aroused Gas Mask", con risas y gritos incluidos que no pueden dejar de sorprenderte.
También te podés sorprender con grandes rock clásicos como el intenso "My guitar want to kill your ma", con experimentación y bluegrass dentro.
Lo que tenían los Mothers era eso, justamente, un impulso por experimentar tan extremo que no sabías si te estaban tomando el pelo o no.

Si te preguntás de donde provienen las ideas de algunas bandas pertenecientes a la movida liderada por John Zorn (saxofonista de New York impresionante), escuchá el tema que da título al disco y después charlamos.
La respuesta que yo me hice fue que en realidad, y más allá de tomarte el pelo, lo hacían con tanta altura y tan cínica y ácidamente que teminabas disfrutando sus discos (en pasado no... disfrutás sus discos).
Dejen que las comadrejas te arranquen la piel, y sobre esa herida aplicá suavemente este disco.
Escuchen.
Acá

Miles Davis "Star People" (1983)

estrella

La última década de Miles en el planeta, antes de volver a su punto de origen, estuvo relacionada desde el punto de vista musical con lo eléctrico, ya sea haciendo Funk o Blues del más experimental....porque pese a todo, seguía siendo Miles, y no podía (o no quería) escapar a su necesidad de experimentar con sonidos.

Este disco en particular nos muestra a un Davis rodeado de grandes músicos (como siempre, bah), haciendo unos temas tan intensos como hacía mucho yo no escuchaba en su discografía.

Es más, no sabía de la existencia de esta obra hasta hace poco tiempo, y cuando lo escuché no podía creer. Porque yo lo tenía a Miles haciendo Jazz, o experimentando a fines de los '60...pero esto fue totalmente nuevo para mi.

Blues, más Jazz, más experimentación igual a un disco impresionante. Los culpables son: Tom Barney y Marcus Miller en bajo eléctrico; Mino Cinelu en percusión; Miles en trompeta y teclados (aparte se encarga de las ilustraciones); Bill Evans se encarga del saxofón; Al Foster en batería; los guitarristas John Scofield y Mike Stern, todo con arreglos de Gil Evans.
Escuchen al gran Miles haciendo Blues y después me cuentan.

Funkadelic "Free your mind...and your ass will follow" (1970)

tuculo

Seguimos con música de la década del '70, y esta vez traigo el debut de una banda increíble: Funkadelic, la mezcla perfecta entre la psicodelia, el Blues, el soul y el Funk.

Aparte de tener un sentido del humor maravilloso (sino fíjense en el título del disco), la banda tenía unos músicos tremendos, sobre todo la bestia que sobresale en el tema que le da nombre a la placa, Heddie Hazel.

La banda circula por los estilos que recién mencione con una libertad y una soltura admirable, logrando en su debut una intensidad aplastante, con temas tan rockeros como los que venían haciendo las bandas del momento (llámese Cream, Jimi Hendrix, etc).

El disco comienza con un llamado esotérico casi, y como dando órdenes la voz dice "...Free your mind and your ass will follow..." (libera tu mente y tu culo la seguirá), todo con una de las guitarras más lisérgicas que escuché, y una base funky hermosa y divertida. Este viaje ácido solo vale la adquisición del disco y dura un poco más de 10'.

Los temas a continuación siguen ese viaje psicodélico-bluesero, remarcando sobre todo esa pieza llena de groove titulada "Funky Dollar Bill".

Un disco maravilloso y divertido, con 7 canciones inolvidables...canciones como solo se componían en aquella época.

Vox Dei "Caliente" (1970)

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Es imposible hablar de los orígenes del Rock Argentino y pasar por alto este grupo descomunal, que se desarrolló a la par de monstruos como Almendra (primera banda del Flaco Spinetta), Manal y Los Gatos.

Originariamente se llamaban Mach 4 (nombre extremadamente estúpido), aunque luego cambiaron por el que todos conocemos. Al comienzo cantaban en inglés, aunque según dicen sus miembros, fue el Flaco Spinetta el que les preguntó, por qué si sonaban tan bien y tenían un hermoso idioma a su disposición cantaban en inglés. Fue ese mismo día que Willy Quiroga tradujo la letra de "Azucar Amarga" al español.

Este es el primer LP, que cuenta con los integrantes que grabarían poco tiempo después uno de los discos más impresionantes de la historia del Rock en todo Latinoamérica: "La Biblia". Los músicos eran: Willy Quiroga en bajo y voz; Rubén Basoalto en batería; Ricardo Soulé en guitarra y voz y Juan Carlos Godoy también en guitarra y voz.

La música es Rock, el de aquella época, con los instrumentos grabados en consolas de muchísimo menos de 8 canales, pero que al mismo tiempo sonaba tan fresca y poderosa que aún hoy, 40 años después, nadie se explica porque sonaban tan compactos estos temas.

La respuesta es muy simple: química y pasión. No más que eso, aparte de un gran interés por tocar la música que a uno le gustaba y no la que el público pedía.

Hay dos canciones realmente hermosas que todavía me emociona: una es "Canción para una mujer (que no está)", con esas guitarras acústicas rasgadas y su letra triste y cuasi filosófica.

La otra es definitivamente un clásico, "Presente (el momento en que estás)": Todo concluye al fin, nada puede escapar, todo tiene un final, todo termina, tengo que comprender, no es eterna la vida, el llanto en la risa allí termina. Creía que el amor no tenia medidas, o dejas de querer tal vez otra mujer. Y olvidé aquello que una vez pensaba que nunca acabaría nunca acabaría, pero sin embargo terminó. Todo me demuestra que al final de cuentas termino cada día empiezo cada día, creyendo en mañana fracaso hoy. No puedo yo entender, si es así la verdad, de que vale ganar, si después perderé, inútil es pelear no puedo detenerlo, lo que hoy empecé no será eterno. Creía que el amor no tenia medida, o dejas de querer, tal vez otra mujer. Olvide aquello que una vez pensaba que nunca acabaría, nunca acabaría, pero sin embargo terminó. Todo me demuestra que al final de cuentas termino cada día empiezo cada día, creyendo en mañana fracaso hoy. Cuanta verdad hay en vivir solamente el momento en que estas, si el presente... el presente y nada mas.

Tremendo, muy lúcido para una banda de adolescentes que había comenzado un par de años atrás. Esa canción seguirá sonando en cada programa de radio de clásicos que exista, no puede ser de otra forma.

Los dejo con una gran banda, y su inicio. Ya llegará "La Biblia"

Manal "Manal" (1970)

Manal fue uno de las responsables de generar el movimiento de Rock/Blues más importantes de América en la década de los '60.

En aquellos años por éstas pampas no teníamos mucho que envidiar a la escena de otros lugares realmente importantes en el surgimiento del Rock, como ser Inglaterra o Estados Unidos. Esto se debía a la calidad de las bandas que surgían, como ser Almendra (donde estaba el gran Flaco Spinetta), Los Gatos (monumento a la psicodelía pop donde tocó en su momento Pappo y Oscar Moro), Manal (que ahora reseño), Los Abuelos de la Nada, y un poco después Vox Dei.

Luego de editar dos simples hoy descatalogados, lanzan su primer larga duración por el hoy mítico sello Mandioca.

Los músicos que formaban este trío eran: Javier Martinez (batería y voz); Alejandro Medina(bajo, voz y teclados) y Claudio Gabis (guitarra, armónica, piano). Una formación clásica (como Cream o la Jimi Hendrix experience), con composiciones hoy clásicas que figuran en absolutamente todos los compilados de Rock Argentino existente.

Temas como "Una casa con diez pinos" (versionada por Pappo en su disco "Blues Local"), o "Jugo de Tomate", de una acidez e ironía que roza lo británico: La tierra que te da la vida, da un tiempo para decidir, eligiendo inteligentemente, todo el mundo podrá ser feliz jugo de tomate frío, jugo de tomate frío en las venas, en las venas deberás tener. Si querés ser un terrible vago, todo el día panza arriba y a dormir,o elegiste ser un tipo capo,siempre serio y que da temor. Si querés triunfar con las mujeres,tener muchas que lloren por vos, tendrás que ser un poco inteligente, tener dinero y buena voz.Si querés ser un tipo importante,que se hable todo el día de vos, o querés inmortalizarte como héroe, asesino y semi-dios. Deberás tener: jugo de tomate frío, jugo de tomate frío, en las venas,en las venas deberás tener.

También demuestran una sensibilidad tremenda para entender lo urbano, que no por estar alejado de los orígenes del estilo tenía que perder credibilidad. Sino escuchen ese pedazo de blues titulado "Avellaneda Blues": Vía muerta, calle con asfalto siempre destrozado. Tren de carga, el humo y el hollín están por todos lados. Hoy llovió y todavía está nublado. Sur y aceite, barriles en el barro, galpón abandonado. Charco sucio, el agua va pudriendo un zapato olvidado. Un camión interrumpe el triste descampado. Luz que muere, la fábrica parece un duende de hormigón y la grúa, su lágrima de carga inclina sobre el dock. Un amigo duerme cerca de un barco español. Amanece, la avenida desierta pronto se agitará. Y los obreros, fumando impacientes, a su trabajo van. Sur, un trozo de este siglo, barrio industrial.

Para terminar les aviso que como bonus del disco vienen los cuatro temas que conformaban los dos primeros simples editados por el grupo.

Disfruten de una de las mejores bandas de Blues que escuché en mi vida, y es argentina.

 

Morphine "B-sides and otherwise" (1997)

dosis

Sigo con esta banda que no puedo dejar de escuchar ni un segundo. En este caso un compilado muy bueno donde hay versiones de temas en vivo muy interesantes (en vivo en la radio creo), más canciones que no salieron en ninguno de sus discos oficiales, sino que aparecieron en bandas de sonido de películas, o experimentos realmente extraños y amorfos (escuchen "Down love's tributaries") que te puede llegar a quitar el aire.

Lamentablemente esta banda ya no existe-como dije en otra reseña de ellos- pero por suerte podemos seguir disfrutando de su música, intensa, por momentos oscura, siempre fresca e inalterablemente hipnótica y densa.

Tomen su dosis de Morfina, y vuelvan por más.